La composizione con rosso, blu e giallo è dominata da un grande rettangolo rosso. In questa tipologia, sviluppata da Piet Mondrian intorno al 1930, il bordo del dipinto è delimitato da due larghe strisce suddivise. Le barre nere incrociate sono spostate lontano dal centro e si incontrano in un angolo in basso a sinistra. Il blu intenso e il giallo limone separati da superfici grigio-biancastre fanno da contrappunto alla nota rossa. Come Kandinsky, Piet Mondrian è giunto all’astrazione attraverso il suo lavoro sul paesaggio. Eppure ciò che è emerso era completamente diverso.

Se in geometria razionale la retta è un insieme di punti totalmente ordinato allora pare del tutto naturale come dai primi “Buchi” del 1949 Lucio Fontana arrivasse a proporre, nel 1958 alla galleria milanese Il Naviglio, i primi lavori con i cosiddetti “Tagli”, poi battezzati dall’artista “Attese”; al singolare se il taglio era uno solo, al plurale se erano più di uno. “Attese” nel senso di sospensioni, pause, ritardi, dinamismi che mutano con il nostro sguardo in quanto fatti di ombre. Impossibile scegliere un’opera fra le altre poiché fin da subito furono concepite come una sorta di ciclo aperto.

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L’opera presente nelle collezioni della Gam fu eseguita durante l’esilio di Chagall e della sua famiglia negli Stati Uniti, dove era approdato nel 1941 per sfuggire le persecuzioni nazifasciste, accogliendo l’invito del Museum of Modern Art di New York. In America il pittore di Vitebsk ritrova numerosi colleghi artisti sfuggiti alla guerra, tra cui Léger, Masson, Mondrian, André Breton e fin da subito inizia ad esporre opere in gallerie e musei americani, oltre a realizzare scenografie per balletti con musiche di Čajkovskij e Stravinskij.

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Il trittico aperto raffigura Maria che tiene in grembo Gesù e i tre Re Magi, in un modo che evoca le opere di Jan van Eyck (1390-1441 circa). Sul pannello di sinistra c’è Peeter Scheyfve, protetto da San Pietro e con il suo motto “Uno per tutti”, e sulla destra la sua seconda moglie, Agneese de Gramme, protetta da Sant’Agnese. Sul retro, con il tema della Messa di San Gregorio in semigrisaglia, sono inclusi altri due donatori. Il giovane è il figlio dei presidi, Jan Scheyfve, e il vecchio deve essere Claus Scheyfve, il padre di Peeter, morto prima del 1495, appartenente all’alta borghesia di Anversa. Le offerte dei re e i loro costumi includono scene dell’Antico Testamento che prefigurano l’Adorazione dei Magi nella Bibbia pauperum ( Bibbia dei poveri). El Bosco mette in mostra la sua abilità di pittore, evidente nell’opulenza dei costumi dei maghi e delle loro offerte, nella ricchezza dei materiali e nel modo magistrale con cui traduce i tocchi di luce con pennelli finissimi, come se disegnato, come si trova nel gruppo del sacrificio di Isacco.

CONTINUA LA LETTURA SULLA SCHEDA DEL MUSEO DEL PRADO A MADRID  Tríptico de La Adoración de los Magos

Una delle figure centrali della New York School, Mark Rothko ha rifiutato con enfasi la lettura del suo lavoro in termini puramente formali ed estetici. Ha usato mezzi astratti per esprimere “emozioni umane di base – tragedia, estasi, sventura e così via”, sforzandosi seriamente di creare un’arte di un’intensità maestosa per un mondo secolare. La scala era un fattore enormemente importante per Rothko: “Dipingere un quadro piccolo significa mettersi al di fuori della propria esperienza, considerare un’esperienza come una visione stereottica o con un vetro riducente. Comunque dipingi il quadro più ampio, ci sei dentro “.

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“Carnevale di Arlecchino” è un’opera culminante di una serie di dipinti di Joan Miró infusi con lo schema di colori e il paesaggio della sua nativa Catalogna, in Spagna . La curiosa figura raffigurata nella parte centrale sinistra della tela con una maschera per metà rossa e per metà blu e motivo a rombi sulla tunica fa riferimento alla commedia dell’arte italiana. In questa forma popolare di teatro, l’Arlecchino è uno sciocco personaggio di serie che è perennemente senza successo nell’amore. Gli artisti spesso usavano l’Arlecchino come sostituto di se stessi.

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All’indomani della seconda guerra mondiale , molti artisti si sono allontanati dagli stili e dai temi tradizionali per cercare nuovi modi di esprimersi. Nel 1951, Jackson Pollock affermava: “Mi sembra che il pittore moderno non possa esprimere la sua età, l’aereo, la bomba atomica, la radio, nelle antiche forme del Rinascimento o in qualsiasi altra cultura del passato. Ogni epoca trova la propria tecnica. 

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I giochi da tavolo hanno fatto parte della maggior parte delle culture e delle società nel corso della storia. Il più antico gioco da tavola noto per essere esistito e Senet, che è stato scoperto nelle sepolture dell’antico Egitto dal 3500 a.C. e coinvolge i giocatori che si muovono su un piccolo tabellone a griglia con contatori. Oggigiorno la scelta dei giochi da tavolo è vasta ed ogni anno sembra che venga introdotta una nuova variante di un classico. Qui diamo uno sguardo ad alcuni dei giochi da tavolo più popolari del 20° secolo un’età dell’oro nel settore dei giochi con molti preferiti dalle famiglie e prodotti per la prima volta durante questo secolo. Quindi vieni con noi che adoriamo le confezioni vintage mentre scopriamo le storie che hanno portato alla creazione di questi giochi popolari.

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I giochi da tavolo che tutti amavano nel XX secolo – Molti libri di regole e una miriade di imballaggi vintage

Un grande ospedale all’avanguardia nella cura e nella ricerca biomedica, ma anche una storia millenaria, strettamente radicata nella cultura e nella società milanese. Una straordinaria varietà e ricchezza di beni culturali: l’archivio storico, le raccolte d’arte, le collezioni bibliografiche, gli strumenti e preparati scientifici, che aprono infinite prospettive sulla civiltà di Milano e della Lombardia lungo i secoli. La posa della prima pietra della Ca’ Granda avviene il 12 aprile 1456. A volere l’ospedale è Francesco Sforza, signore di Milano.

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IMMAGINE DI APERTURA – La Ca’ Granda, all’epoca sede dell’Ospedale Maggiore di Milano: tre finestre scolpite a rilievo (Wikipedia)

Con oltre Cinquecento anni di storia, il castello domina il suggestivo borgo di Bracciano e il suo magnifico lago. Bracciano, sulla via Clodia all’interno dello Stato della Chiesa, era il primo di una sequenza di possedimenti che dalla costa tirrenica si diramavano su quasi ogni strada consolare fino alla via Valeria, dentro al Regno di Napoli. Era il territorio degli Orsini di Bracciano, una delle più potenti famiglie baronali composta da condottieri, capitani, proprietari terrieri e cardinali. Le loro origini reclamavano discendenza da un certo Ursus che fu allattato in tempi remoti da un’orsa come la lupa aveva allattato i fondatori di Roma. Gli Orsini avevano molteplici ramificazioni (Orsini di Monterotondo, Pitigliano, San Gemini, Nola, Gravina etc.). Il casato di Bracciano ebbe la fortuna di ricevere una serie di eredità congiunte che permisero ai fratelli Napoleone, Roberto, Giovanni e Latino di diventare i protagonisti della storia della seconda metà del Quattrocento.

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Castello Odescalchi di Bracciano

IMMAGINE DI APERTURA – Castel Orsini-Odescalchi (Bracciano) (Wikipedia)