È la prima volta che le opere di William Turner sono in mostra a Roma, raccolte da David Blayney Brown per esporle al Chiostro del Bramante dal 22 marzo al 26 agosto 2018 con il titolo “TURNER, Opere della Tate”. Sono, infatti, provenienti dalla Tate Britain di Londra; ma in realtà giungono a noi direttamente dallo studio personale dell’artista, che non volle vendere, quanto donarle all’Inghilterra come lascito testamentario. Secondo il suo amico ed estimatore, John Ruskin, sono state realizzate negli anni per il suo “proprio diletto”. Rievocazioni di viaggi, vedute paesaggistiche fissate col pennello, emozioni dell’animo suscitate nel corso dei suoi soggiorni all’estero. Ruskin era solo uno degli illustri e colti intenditori che frequentavano costantemente il suo studio al numero 64 di Harley Street di Londra. Il duca di Bridgewater o Sir John Leicester avranno visto e commentato le oltre novanta opere esposte oggi a Roma: schizzi, studi, acquerelli, disegni e naturalmente dipinti ad olio. In inverno l’estroso pittore si chiudeva fra le pareti avvolgenti dello studio per trasferire su tela i ricordi di quanto gli si era impresso nella memoria dal vivo. Quando la bella stagione affiorava, prendeva a lavorare all’aria aperta. Allora, era possibile vedere in giro un ometto di poche parole, di bassa statura, robusto, sbrindellato. Anche se nel proprio ritratto giovanile sembra tutt’altra persona. Quest’uomo con tavolozza e cavalletto a spalla spaziava dai dintorni della sua residenza a mezza Europa. Disponeva il cavalletto dove percepiva una scena che lo colpiva, come il mare in tempesta o un rudere monumentale.

Davanti alle rovine di un acquedotto romano, “eterna” la Città Eterna. Qualcuno che mastica di pittura, da queste poche parole lette, si sarà ricordato degli impressionisti; si dedicavano anche loro alla pittura “en plain air”, solo che William Turner molto prima di loro ha colto modernamente la realtà che si presentava al suo sguardo curioso. Restituiva, con pennellate irrequiete, bagliori di luci e oscurità di ombre, lo scorrere o l’agitarsi dell’acqua, lo sfrecciare di un treno in una nuvola di fumo. Tutto questo lo dipingeva in modo libero, svincolato dal “controllo” che all’epoca la Royal Academy esercitava sugli artisti ammessi fra i suoi soci, come era lui stesso, ma dai quali spesso si dissociava per quel suo carattere indipendente che lo portava a dipingere a modo suo. Non era, perciò, un pittore alla moda, né era ben accetto dalla critica; anzi era oggetto di biasimi e allusioni, sui giornali dell’epoca. Questo però non gli precludeva dal rimanere sempre attratto dal giusto prezzo a cui vendere le proprie opere. E le opere di Roma sono proprio alcune di quelle invendute, perché non pagate secondo quanto da lui richiesto. Il fatto è che quelle vedute colte nei suoi viaggi affascinavano i contemporanei come luoghi esotici. Nell’agosto del 1818 è in Italia: Torino, Milano, Venezia, Roma, Napoli. Ammira i maestri della pittura nei musei, nelle chiese e nei palazzi dell’aristocrazia. Ed oggi a sua volta si fa ammirare da un pubblico incantato, perché è come scoprire il passato: non solo con gli occhi dei pittori, ma con la loro stessa sensibilità percettiva, come in quel suo acquarello nel quale ritrae Venezia e la laguna al tramonto. Turner lo dipingeva nel 1840, ma a noi tutti ricorda Claude Monet che nel 1872 rappresentava la sua evanescente impressione al levar del sole (Impression, soleil levant, al Musée Marmottan Monet di Parigi). Monet, col suo quadro connoterà la strada lungimirante, aperta molti anni prima da pittori come William Turner e non solo da lui. La modernità si affacciava sulla scena del mondo.

I nostri lettori conoscono senza dubbio il famoso test di Rorschach. Conoscono anche le “Warhol’s Rorschach”? È una serie di sessanta dipinti realizzati da Warhol nel 1984, modellata sul famoso test “inkblot”, concepito dallo psichiatra svizzero Hermann Rorschach. Il test si compone sostanzialmente di 10 tavole: su ognuna di esse è riportata una macchia d’inchiostro simmetrica: 5 sono monocromatiche, 2 bicolori e 3 colorate. Le tavole sono sottoposte all’attenzione del paziente una per volta. Senza limiti di tempo, lo psichiatra chiede al paziente di esprimere tutto ciò che la tavola gli ispira, descrivendo una propria sensazione oppure raccontando una storia stimolata dall’immagine rappresentata. Non esistono risposte giuste o sbagliate, nondimeno Rorschach ha compilato un complesso elenco per la valutazione del test. Dall’interpretazione delle risposte è possibile delineare il profilo del paziente (attitudini, personalità, eventuali problematiche). Mentre il test effettivo, del tipo psicologico proiettivo, fornisce dieci macchie standardizzate per penetrare la personalità del paziente, Warhol dal canto suo con le “Rorschach Paintings”  ha inventato una personale interpretazione del test piuttosto che dell’osservatore delle sue macchie. Le ha ottenute dipingendo un lato della tela per poi ripiegarla verticalmente per imprimere l’altra metà.

Ironia del caso è che Warhol, inizialmente, aveva compreso erroneamente il processo clinico, credendo che i pazienti creassero loro stessi le macchie d’inchiostro e i medici interpretassero i disegni prodotti: «I thought that when you went to places like hospitals, they tell you to draw and make the Rorschach Tests. I wish I’d known there was a set». Pensava, cioè, che quando ci si recava nella sede di un ospedale, i medici chiedessero di realizzare le macchie e che in questo consistesse il test di Rorschach. Non era assolutamente a conoscenza che ci fosse un set di 10 tavole già predisposte. A causa di questo iniziale equivoco, la serie “Warhol’s Rorschach” è una delle poche opere in cui l’artista statunitense non si basa su immagini preesistenti. Nel saggio di catalogo predisposto per una mostra dedicata a questi particolari dipinti, il critico Rosalind Krauss, legge la serie “Rorschach” come una “parodica visione dell’astrazione Color Field”, praticata da Helen Frankenthaler e Morris Louis, Kenneth Noland e Jules Olitski. Questo movimento pittorico è, infatti, caratterizzato dall’uso di tele interamente dipinte con estensioni di colore, escludendo qualsiasi interesse nei confronti di segno, forma, materia.

Scrivevamo che FLIP è un angolo di Experiences dove mettere in risalto alcune buone letture; oggi aggiungiamo anche le buone visioni (quelle filmiche, naturalmente). È in televisione la seconda serie di “Genius”. Dopo Einstein, National Geographic racconta, infatti, uno dei più grandi artisti di tutti i tempi. Parliamo di Picasso, la cui biografia televisiva è in onda dal 10 maggio su National Geographic Channel. La serie s’incentra su due momenti dell’esistenza del pittore: la giovane età (grosso modo protratta ai 40 anni) interpretata da Alex Rich, e la maturità (dai 40 ai 92 anni) che vede quale protagonista credibile e convincente Antonio Banderas. Una particolarità, a margine: Pablo Picasso e Antonio Banderas sono ambedue nati a Malaga e l’attore, per sua stessa testimonianza, sembra che abbia in più occasioni rifiutato d’interpretare il ruolo, per deferenza nei confronti del grande “genio” spagnolo. Naturalmente, non c’è alcun bisogno di spiegare chi sia Picasso. Ovunque si appella come “padre del cubismo”. In verità, la svolta cubista si verificò tra il 1906 e il 1907, influenzato dalla retrospettiva sulla pittura di Cezanne, scomparso in quel periodo, e  dalla scultura africana, riscoperta di quell’esotico primitivismo che aveva affascinato Gauguin e tanti dopo di lui. Nel 1907 diede vita a «Les demoiselles de Avignon» che contrassegnò l’inizio della stagione cubista di Picasso, che strinse un intenso sodalizio artistico con George Braque. Le loro opere di questi anni sono sovente indistinguibili. La fase cubista dell’artista malaguegno durò pressappoco dieci anni, ma tanto bastò perché la sua fama raggiungesse un livello impensabile. Molte sono state, in realtà, le aree di sperimentazione artistica di Picasso, che espresse anche attraverso l’impegno civile. Basti pensare all’Esposizione Mondiale di Parigi del 1937, e alla sua interpretazione dell’eccidio di «Guernica», presentato in mostra nel Padiglione della Spagna. Il dipinto rappresenta, infatti, una delle opere più simboliche di tutto il Novecento.

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L’attore nei panni del grande artista nella serie tv ‘Genius’ 

La conferma che Michelangelo fosse mancino viene da un libro: la biografia del maestro scritta Raffaello da Montelupo, suo assistente. Vi si racconta come cercasse abitualmente di adoperare la mano destra, salvo che nelle azioni di forza. In realtà Michelangelo nascondeva la propria natura per via dei pregiudizi che al tempo screditavano i mancini. La sinistra era considerata la mano del diavolo – dipinto nelle iconografie medievali con due arti identici e non speculari – quindi la sinistra era la mano «sbagliata», che predisponeva all’eresia e all’apostasia. Le prove di un Michelangelo mancino affiorano nelle analisi del tratto effettuate sui disegni oppure sono evidenziate nello studio dell’esperto di medicina nell’arte Davide Lazzeri pubblicato sul Journal of the Royal Society of Medicine. Lazzeri spiega l’artrite degenerativa «che ha colpito la mano di Michelangelo, in particolare la mano sinistra come si evince dai quadri, usata per i lavori di forza come scolpire e cesellare. Altro elemento suggestivo è che Michelangelo in giovane età intaglia e incide un crocifisso per l’abbazia di Santo Spirito in cui l’iscrizione è dipinta da destra a sinistra, molto probabilmente perché all’epoca era ancora più abile con la mano sinistra nella pittura». Michelangelo non è stato comunque l’unico mancino fra gli artisti celebri; troviamo, infatti, pittori come Leonardo o Picasso, letterati come Kant o Kafka, ma anche musicisti quali Beethoven, Bob Dylan, Jimi Hendrix. Il Giornale torna sull’argomento Michelangelo e FLIP segnala l’articolo ai propri lettori.

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«Riuscite a vedere qualcosa?» domandò Lord Carnarvon. «Sì, cose meravigliose!» rispose Howard Carter. È il dialogo tra Lord Carnarvon, il finanziatore della ricerca, e Howard Carter, il tenace archeologo, in occasione della prima visione della Camera Funeraria KV62. In quel momento il nome del re fanciullo si impose al mondo contemporaneo. Quando, però, il 16 febbraio del 1924 Carter dispose di aprire il sarcofago, Lord Carnarvon, era scomparso l’anno precedente. «Diedi l’ordine. Fra il profondo silenzio, la pesante lastra si sollevò. La luce brillò nel sarcofago. Ci sfuggì dalle labbra un grido di meraviglia, tanto splendida era la vista che si presentò ai nostri occhi: l’effige d’oro del giovane re fanciullo». La mummia intatta del faraone era collocata in un sarcofago d’oro massiccio pesante circa 110 kg, con il volto coperto da una maschera aurea riproducente le sembianze del defunto. Quella maschera funebre è ormai famosa quanto le meraviglie dell’Antico Egitto. Rimaneva sapere se la tomba di Nefertiti, bellissima sposa del faraone Akhenaton, padre del giovane re, si trovava o meno oltre la camera mortuaria di Tutankhamon, dietro a supposte porte murate. La tesi, infatti, era ed è che il faraone bambino, morto senza avere avuto il tempo di realizzare una tomba all’altezza della sua immagine divina, dimorasse provvisoriamente in quella realizzata per Nefertiti, anzi che la regina fosse deposta in qualche stanza attigua non ancora rivelata. Sembra, invece, che oggi si sia posto fine a questa controversia nata dall’ipotesi dell’egittologo Nicholas Reeves, cioè che la tomba della regina Nefertiti potesse essere dietro i dipinti a nord e a ovest della camera mortuaria. Non c’è niente di niente, con buona pace delle ipotesi e grazie ai rilevamenti scientifici.

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La notizia riportata dal corrispondente del Corriere della Sera è curiosa come non mai. Riguarda Sarlat-la-Canéda, comune francese di diecimila abitanti nella regione della Nuova Aquitania. Il piccolo borgo è restato legato alle origini medievali, giacché le sue strade sono ancora senza nome e occorrerà intitolarle quanto prima ai personaggi autorevoli che hanno fatto la storia di quei luoghi. Experiences vorrebbe proporre il nome di Jean de Reveillon, vescovo della diocesi di Sarlat, dal 2 ottobre 1370 fino alla sua morte nel 1396. Nel catalogo dei libri pubblicati da Experiences compare, infatti, il prezioso volume scritto a quattro mani da Sergio Bertolami e Rosa Manuli, intitolato “ex Aqua”. La vicenda che vi si descrive – relativa allo studio dell’area falcata di Messina e del suo toponimo di San Raineri – ha come fulcro la firma del Trattato di Avignone del 1371, voluto da papa Gregorio XI. Nel tentativo di pace tra angioini ed aragonesi, per porre fine ad una guerra che contava ormai novant’anni, il papa Gregorio XI proteggeva e vigilava costantemente la regina Giovanna I di Napoli, attraverso collaboratori fidati quali Niccolò Spinelli e Raimondo del Balzo, nonché proprio il vescovo di Sarlat Jean de Reveillon. Grazie ad un’opera di ricucitura politica molto complessa, il papa riuscì a condurre a buon fine il matrimonio tra il siciliano Federico IV d’Aragona ed Antonia del Balzo, nipote della regina angioina Giovanna I di Napoli.
La principessa Antonia accompagnata dal vescovo di Sarlat, legato pontificio, e dagli ambasciatori siciliani e napoletani, sbarcò sulla riva del porto falcato di Messina in prossimità del Faro, accolta con grandissimo giubilo dallo sposo e da tutte le autorità della cittadinanza messinese. Due giorni dopo, il 26 ottobre 1373, furono fastosamente celebrate le nozze dal legato pontificio nel Duomo di Messina. Ciò che più conta, sotto il profilo politico, è che il re aragonese Federico poco meno di un mese dopo annunzierà di avere giurato il 17 dicembre il trattato di pace nelle mani del vescovo di Sarlat ed in presenza dei grandi del regno. Si compivano così le operazioni relative alla pace, la quale, sulla base del Trattato di Avignone dell’anno precedente, era stata concordata dal re Federico con la regina Giovanna I nel 1372; modificata dal pontefice e ratificata dalle parti contraenti il 31 marzo 1373 ad Aversa. Fu quindi sottoscritta da Federico IV in persona il 17 dicembre 1373 nel palazzo reale di Messina, dove il 17 gennaio del nuovo anno prestava giuramento di fedeltà al papa (che tolse la scomunica sull’isola di Sicilia) nelle mani del vescovo Sarlat, suo legato.
Per la verità, il re aragonese, è passato alla storia come “Federico il semplice” vale a dire “lo stupido”; con questo soprannome lo appella il grande storico Tommaso Fazello. In realtà, a differenza degli avi, è grazie al suo tenace agire che la pace si è concretizzata veramente, dimostrando di fatto – scrive Francesco Renda nella sua documentata Storia della Sicilia dalle origini ai nostri giorni, (Sellerio editore, Palermo 2003) – «che non fu poi così semplice se con il trattato di pace del 1372 sciolse il nodo storico che non era riuscito a sciogliere il nonno Federico III, cioè pose fine alla guerra dei 90 anni e raggiunse il riconoscimento internazionale del Regno di Sicilia».

«Riflettiamo sull’Europa con Javier Cercas» così annuncia la Home del prossimo Salone del Libro di Torino. Perché Javier Cercas e chi è? Alla prima domanda troviamo risposta sul medesimo sito del Salone: «Siccome il futuro è al centro di quest’edizione, abbiamo chiesto a un grande scrittore europeo di ragionare insieme a noi sul concetto di Europa. Cos’è l’Europa nel XXI secolo, o cosa dovrebbe essere? È un’eterna incompiuta? È un’astrazione? È la grande speranza di tutti noi?». Quindi giovedì 10 maggio, in apertura di Salone, il pubblico ascolterà la lezione magistrale di Javier Cercas. Ma chi è questo scrittore spagnolo? Lo leggiamo nell’intervista di Marco Belpoliti rilasciata in occasione del suo ultimo romanzo, uscito lo scorso anno e visto che noi di FLIP siamo tipi curiosi abbiamo trovato come sfogliarne pure le prime pagine.

SFOGLIA LE PRIME PAGINE DEL SUO ULTIMO ROMANZO: Il sovrano delle ombre

Ricorrono duecento anni dalla nascita di Karl Marx. Per ricordarne l’evento FLIP oggi presenta due articoli. Quello del “Fatto Quotidiano” scritto da un professore di Storia economica come Sergio Noto e… sentite-sentite… una intervista fatta allo stesso Marx nel 1871. L’ha riproposta il settimanale “Internazionale”. L’originale è uscito su The World il 18 luglio 1871, con il titolo Interview with Karl Marx, head of L’Internationale. Accingiamoci alla lettura, dunque.

Karl Marx (1818-1883), filosofo politico e sociale, iniziò la sua carriera a Colonia nei primi anni quaranta come direttore di un giornale. Quando questo venne chiuso per motivi politici, si trasferì a Parigi, dove diresse un’altra pubblicazione fino a quando anch’essa venne chiusa per la stessa ragione. Si sistemò allora a Londra, dove scrisse le sue principali opere di filosofia e di economia politica. Si occupò ancora di giornalismo e fu corrispondente estero del New York Tribune dal 1851 al 1862. Il suo capolavoro, Il Capitale, venne pubblicato nel 1867. R. Landor, corrispondente del World, ha intervistato Marx a Londra e ha trasmesso il testo al giornale il 3 luglio 1871. Si pensa che l’altro signore tedesco presente per tutta la durata dell’intervista fosse Engels. Soltanto un paio di mesi prima, la Comune di Parigi, cui Marx aveva partecipato, era stata soffocata nel sangue.

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Marx, il nuovo Socrate

FLIP vi racconta in breve chi era Ninalee Craig, una bella ragazza che nel 1951, fece un giro di sei mesi in Europa. A Firenze ha incontrato la fotografa Ruth Orkin e le due divennero amiche, in men che non si dica. Orkin l’ha ripresa mentre passeggiava facendo acquisti nei mercati, flirtando nei caffè, insomma mentre godeva della sua giovinezza e della sua bellezza. La più iconica delle foto è conosciuta come American Girl in Italia e mostra Ninalee che cammina per strada sotto lo sguardo di un gruppo di giovanotti affascinati. Oggi che i tempi sono cambiati, nessun ragazzo guarderebbe una coetanea con la medesima intensità, ecco perché quella fotografia è interpretata erroneamente come frutto di molestie e sessismo. Ma la stessa modella ha sempre sostenuto che in nessun momento è stata messa in imbarazzo e nessun ragazzo l’ha mai importunata durante le sue vacanze in Europa. In realtà quella foto rappresenta «il simbolo di una donna nell’età più meravigliosa!» che è quella della giovinezza e nessuno sguardo d’ammirazione ha mai avuto intenzione di offenderla. L’articolo che riprendiamo da “La Repubblica” racconta quella foto che ha fatto epoca. Serve a riflettere, una volta di più.

Il Giornale, in edicola, dedica un articolo alla vera storia di “2001 Odissea nello spazio” il film cult di Stanley Kubrick. L’articolo è in anteprima web su Cinquantamila.it ed è molto interessante, perché delinea i rapporti tra il regista e Arthur C. Clarke, il cui racconto breve La sentinella ha dato l’avvio ad una stretta collaborazione tra i due autori, anche se lo stesso Clarke ha affermato che «La sentinella assomiglia a 2001 come una ghianda assomiglia a una quercia adulta». L’affermazione sta ad evidenziare il lungo processo di costruzione (nel vero senso della parola) del capolavoro filmico, al quale fece seguito tre mesi dopo l’uscita nelle sale un ulteriore capolavoro letterario che ancora oggi è ristampato e letto e che si è moltiplicato in una serie di altri tre romanzi, diffusi tra il 1982 e il 1997. FLIP non aggiunge di più, perché nell’articolo in anteprima web la vicenda raccontata è accattivante e vale leggerla d’un fiato. Poi basta farsi un giro su Google per scoprire la miriade di servizi dedicati dai grandi quotidiani, dal momento che quest’anno ricorre il 50° anniversario dell’uscita del film “2001: A Space Odyssey”. Aggiungiamo soltanto un richiamo alle pagine del Corriere della sera, che mettono in luce come Kubrick immaginasse l’evoluzione hi-tech che oggi fa parte delle nostre vite: dalla stazione spaziale, ai tablet, agli assistenti virtuali, alle videochiamate e così via. Potenza dell’immaginazione.

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