Louis Buvelot è un pittore svizzero, che le vicende della sua vita portarono in giro per il mondo: a Parigi, a Bahia in Brasile e poi a Rio de Janeiro, di nuovo in Svizzera a La Chaux-de-Fonds e infine a Melbourne nel 1864. Qui aprì una attività come fotografo, ma durò appena un anno, perché la sua passione era la pittura e riprese a coltivarla, ma con maggiore fortuna. Dal 1866 al 1882 espose paesaggi a Melbourne e suscitò subito l’attenzione del pubblico e della stampa; fra questi il critico Argus considerato il suo “scopritore” e James Smith curatore della National Gallery of Victoria. Il museo acquistò nel 1869 due delle sue opere, imponendo il nome Buvelot come il principale paesaggista della colonia, con ricadute sugli anni a seguire, poiché i suoi seguaci ne trasporranno gli orientamenti nell’importante della scuola di Heidelberg.

Di questo quadro oggi fanno ristampe, biglietti augurali, borse e copriletti, quanto di più commerciale si può immaginare. La stessa sorte toccata agli impressionisti europei si ripercuote anche sugli autori che nel Novecento hanno voluto seguire in ogni parte del mondo l’insegnamento a guardare il contorno ambientale attraverso spontanee impressioni. Nato a Terranova, Maurice Cullen è cresciuto e ha avviato la propria formazione artistica a Montreal, in Québec. Tuttavia, come molti altri contemporanei, trascorre gli anni giovanili a Parigi, dove apprende la tecnica veloce e fulminea ammirando in presenza le opere dei grandi maestri impressionisti. Ma non si limita a guardare, giacché le sue sperimentazioni sono presentate, nel corso di questa sua prima carriera pittorica, nelle esposizioni della capitale francese. Torna quindi in Canada, cosicché tra l’estate e l’inverno del 1896 dipinge a Beaupré, vicino a Quebec City, insieme a William Brymner e James Wilson Morrice. È proprio con questi artisti che Cullen è riconosciuto dalla critica come uno dei massimi sostenitori e propugnatori dell’arte impressionista in Nord America. Le sue composizioni rendono in modo eccellente la suggestione di tutti gli effetti luminosi e atmosferici dei pittori europei. L’Impressionismo di Cullen emerge anche in questo particolare dipinto tutto giocato sulle differenti tonalità dei verdi, salvo un minuscolo rivolo d’acqua, manifestando in modo evidente che a Beaupré il suo lavoro è stato probabilmente condotto in larga misura “en plein air”, all’aria aperta, piuttosto che nel chiuso del proprio atelier.

La Grenouillère era un rinomato stabilimento in cui i parigini potevano rinfrescarsi nei pomeriggi di calura estiva, per intrattenersi fino a tarda sera. Era ubicato sull’isolotto di Croissy, una piccola lingua di terra insulare nel bel mezzo della Senna, che ne divideva il flusso in due rami distinti. In estate, alcuni vi facevano il bagno, altri remavano in barca o godevano della frescura del parco. Altri ancora s’incontravano per trascorrere in compagnia delle belle serate chiassose e divertenti. Il toponimo «Grenouillère», letteralmente significa «stagno delle rane». Per dipingere questo luogo alla moda, Renoir e Monet nel 1869 piantano a Bougival, proprio dinanzi allo stabilimento, i propri cavalletti e si sfidano amichevolmente a cogliere “en plein air” l’atmosfera del luogo, restituendo con pennellate fulminee – come potrebbe fare una macchina fotografica – impressioni soggettive di ciò che ciascuno di loro vede. Il clima di questo dipinto è impregnato di “joie de vivre”, perché la vita moderna che gli impressionisti hanno deciso di descrivere non è soltanto quella delle stazioni ferroviarie, dei viali commerciali, dei negozi, dei ponti metallici che attraversano la Senna. Nello specifico, Renoir vuole raffigurare il movimento delle persone, quei “tipi parigini” di cui parlava Manet, attraverso il movimento dei segni diffusi nell’ambiente costituito da elementi impalpabili come lo sciabordio delle barche, il riflesso della luce sull’acqua, i bagliori che filtrano tra gli alberi, l’aria piena di sonorità che la tela può solo fare immaginare.

La scena è immersa in un’atmosfera onirica che, né più né meno di altre opere del pittore, grande influenza avrà nella cultura artistica tra fine Ottocento ed inizio Novecento, a cominciare dal surrealismo e dal novecentismo. Rappresenta adolescenti che si bagnano sulle rive di un fiume o giocano a rincorrersi. Atmosfera onirica, perché la distesa di verde fiorito (quasi un richiamo a giardini fantastici raffigurati in affreschi medievali), il percorso fluviale di una definizione innaturale, gli alberi che ricordano gli alti cipressi del suo quadro più famoso come “L’isola dei morti”, tutto il contesto, appaiono immobili e silenziosamente irreali come comparirebbero in un sogno. Anche qui le figure dei ragazzi, nella loro nudità, si stagliano nel loro biancore come la figura di spalle, avvolta in un manto biancastro che veglia un feretro da trasferire in barca nel cimitero dell’isola dei morti. La pittura di Böcklin, infatti, è intrinsecamente legata all’arte fantastica di fine secolo, pur distaccandosi dal decadente simbolismo francese. Nell’artista contano molto le vicende personali che hanno forgiato il suo carattere introspettivo. Nonostante tutto in questa rappresentazione restituisce le peculiarità del romanticismo tedesco, alla ricerca del carattere inquietante dei luoghi, atemporali, ambigui, immaginari, perché non è facile comprendere dove finisca il sogno e inizi la realtà.

«La brillante estate del 1874 – è scritto sulla scheda del museo online berlinese che conserva il dipinto di Monet – può essere considerata un programma dell’impressionismo». Proprio così, poiché tra aprile e maggio del 1874, per la prima volta Monet e i suoi amici pittori esponevano le opere rifiutate dal “Salon” ufficiale in una mostra autonoma allestita nelle sale appartenenti al fotografo Nadar sul Boulevard des Capucines a Parigi. Una nota sarcastica del critico Luigi Leroy sul quotidiano “Le Charivari” del 25 aprile 1874 proprio in relazione al quadro di Monet “Impression, soleil levant” (impressione, sole nascente) del 1872 (Musée Marmottan, Parigi), marchiò il gruppo di artisti con il soprannome di “Impressionisti”. Mai termine dispregiativo fu così veritiero e fortunato, dal momento che questi artisti erano intenzionati a catturare l’aspetto emozionale della realtà che si prospettava ai propri occhi.Era nato ufficialmente un movimento pittorico che contrassegnerà la nuova arte di fine secolo. Monet con gli amici trascorse varie estati ad Argenteuil sulla Senna catturando la luce brillante e la sensazione atmosferica. In quest’opera raffigura la moglie Camille, suo figlio Jean e una terza persona che l’accompagna. Il dipinto è stato presentato in mostra alla seconda esposizione di pittura di quella che sarà chiamata “Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs, graveurs, ecc”, tenuta a Parigi nella Galleria Duran-Ruel ad aprile del 1876. Lo scrittore Emile Zola nella sua recensione entusiasta ne ha esaltato il particolare pregio artistico.