I lavori di Bill Viola presentati a Palazzo Reale di Milano si dispiegano in un percorso espositivo unico, in aperto dialogo con lo spazio, rileggendolo, e riproponendolo da una prospettiva nuova, così come gli stessi video dell’artista vengono qui riletti e reinterpretati dalla dimensione spaziale che questi prendono. Un gioco di passati ricostruiti e futuri anticipati, di temporalità espanse, grazie al lavoro particolare di Viola già concepito come un lavoro all’interno dell’immagine (il video in sé) ma anche esterno (il video come medium ibrido e come apertura al dialogo con lo spazio in cui è installato).

A differenza degli altri artisti della sua generazione, Bill Viola già dai primi anni Settanta inizia ad annullare il troppo tecnologismo sperimentale, tornando agli elementi di base della tecnologia video (il monitor e la telecamera) fino addirittura a superare il medium arrivando allo studio degli elementi naturali di base che rendono possibile l’avvento di qualsiasi immagine come la luce, il tempo, lo spazio.

Il video diventa con Viola uno dei media a disposizione dell’arte contemporanea, un nuovo mezzo attraverso il cui linguaggio poter indagare una più profonda conoscenza dell’uomo e il suo rapporto con l’ambiente, gli intrecci tra tradizione orientale e occidentale, l’importanza iconica degli elementi naturali, e molte altre tematiche a cuore dell’artista. Un passaggio che ci fa capire quanto Viola, riletto oggi, possa essere una figura chiave non solo per la storia della videoarte, ma anche per la storia dell’arte più in generale. Un artista attraverso cui poter comprendere gli ultimi quarant’anni di cultura visiva.

I temi trattati sono visibili in mostra già dalla prima proiezione The Quintet of the Silent (2000). Un gruppo di cinque uomini subisce un’ondata di intensa emozione che minaccia di sopraffarli. I cinque individui sperimentano la crescente energia emotiva in modo indipendente, con scarsa interazione diretta con i loro compagni. Lo slow motion estremo rende visibili i minimi dettagli e le sottili sfumature di espressione e crea uno spazio soggettivo e psicologico in cui il tempo è sospeso sia per gli artisti che per gli spettatori.

Alla fine degli anni Ottanta Viola si trova di fronte a un grande periodo di crisi creativa ed è qui che l’artista inizia a pensare a una nuova composizione dell’immagine attraverso la costruzione di vere e proprie scene, quasi cinematografiche, ispirate alla tradizione storica artistica occidentale. Un approccio cinematografico nel vero senso della parola: ambientazioni, attori, set, disposizione delle luci, fotografia, una vera e propria regia, quindi. Da qui il famoso e fondamentale The Greeting (1995), qui esposto, ispirato alla Visitazione del Pontormo (1528-9). Due donne che parlano vestite con abiti del ‘500, come nel dipinto originale, interrotte da una terza donna che entra nella scena abbracciando e salutando. Il tutto con movimenti lenti all’interno di un’ambientazione che richiama quella del dipinto del Pontormo, ma che lo stesso artista definisce “industriale”. Un evento che si svolge in 45 secondi è esteso a oltre 10 minuti. Come osserva Kira Perov nella sua prefazione al catalogo: “Il tempo è malleabile nelle mani di Bill Viola, dove ogni dettaglio del movimento e dell’espressione del viso e del corpo è visibile, dove un momento diventa eternità.”

Da qui in poi il lavoro di Bill Viola verrà sempre più identificato da questo stile in cui una parte determinante prenderà la formalizzazione dell’emozione, uno dei centri del suo lavoro, sviluppandosi sempre più all’interno di una dimensione performativa, in cui il corpo dell’attore diventa fondamentale.

Catherine’s Room (2001) è una vista privata nella stanza di una donna solitaria che svolge una serie di rituali quotidiani dalla mattina alla sera. Le azioni della donna sono semplici e mirate e appaiono simultaneamente in un diverso momento della giornata: mattina, pomeriggio, tramonto, sera e notte.
Una piccola finestra nel muro rivela una visione del mondo esterno dove sono visibili i rami di un albero. In ogni pannello l’albero è rappresentato nelle fasi successive del suo ciclo annuale, dalla fioritura primaverile ai rami spogli. Il mondo fuori dalla finestra rappresenta un altro strato di tempo, trasformando la scena da una registrazione di un giorno nella visione più ampia di una vita legata ai cicli della natura.

Nel polittico Four Hands (2001), le mani di un ragazzo, una donna e un uomo di mezza età e una donna anziana formano lentamente e deliberatamente una serie di gesti predeterminati. I gesti sono influenzati da una varietà di fonti, dai mudra buddisti alle tavole di chirologia inglese del XVII secolo. I modelli simbolici dei movimenti di tre generazioni di mani – figlio, madre e padre, nonna – descrivono una linea temporale che comprende sia le azioni parallele degli individui nel momento presente sia i movimenti più ampi delle fasi della vita umana.

Emergence (2002) si ispira a un affresco di Masolino da Panicale intitolato Pièta (1424), originariamente realizzato per la chiesa di San Giovanni Battista a Empoli, raffigurante il Cristo che risorge dal sepolcro, assistito dalla Madonna e da San Giovanni. Similmente in Emergence un giovane si erge da una cisterna traboccante d’acqua, acqua che qui rappresenta sia la vita che la morte, un annegamento e al contempo una nascita.

Ocean Without a Shore (2007) parla della presenza dei morti nelle nostre vite. I tre altari su cui sono posti gli schermi diventano portali per il passaggio dei morti da e verso il nostro mondo. Presentata come una serie di incontri all’intersezione tra la vita e la morte, la sequenza video documenta una successione di individui che si avvicinano lentamente dall’oscurità e si muovono verso la luce.

Registrate indipendentemente, le immagini di un uomo e di una donna non coesistono mai nel medesimo fotogramma in The Veiling (1995). È solo la luce delle loro immagini che si mescola al tessuto dei veli sospesi. Il cono di luce che emerge da ogni proiettore è articolato nello spazio dagli strati di

tessuto, rivelando la sua presenza come una forma tridimensionale che attraversa e riempie lo spazio vuoto della stanza con la sua massa traslucida.

In The Raft (maggio/May 2004) un gruppo di persone provenienti da diversi background etnici e sociali viene improvvisamente colpito da un massiccio assalto d’acqua da un tubo ad alta pressione. Alcuni vengono immediatamente travolti e altri si preparano contro il diluvio non provocato. L’acqua vola ovunque, abiti e corpi vengono presi a pugni, volti e arti si contorcono per lo stress e l’agonia contro la forza fredda e dura. Poi, improvvisamente come è arrivata, l’acqua si ferma, lasciando dietro di sé un gruppo di individui sofferenti, disorientati e malconci.

Gli elementi naturali tornano prepotentemente nei video della serie “Martyrs” (2014). Terra, Aria, Fuoco e Acqua sono qui rappresentati da quattro diverse persone immobili che gradualmente vengono disturbati e infine sovrastati dall’elemento naturale di riferimento. È qui rappresentata l’accettazione finale della morte.

“Martire” viene dal greco e vuol dire “testimone” e, per l’artista, queste persone sono testimoni di valori fondamentali della nostra cultura.
Nel mondo di oggi, i mass media trasformano tutti noi in testimoni delle sofferenze altrui. Le vite passate dei martiri, improntate all’azione, possono contribuire a fare luce sull’inerzia della vita moderna. Esemplificano inoltre la capacità dell’essere umano di sopportare la sofferenza, le difficoltà e perfino la morte pur di restare fedele a quelli che sono i suoi valori, credenze e principi. Queste quattro opere rappresentano gli ideali di azione, forza d’animo, perseveranza, resistenza e sacrificio.

In Man Searching for Immortality/Woman Searching for Eternity (2013), attraverso due fotogrammi separati, un uomo e una donna nudi sembrano emergere dalla pietra e camminare verso di noi. Arrivano guardandoci direttamente negli occhi con lucidità e consapevolezza. Lentamente, ognuno accende una piccola luce e inizia un rituale quotidiano familiare, cercando attentamente nel proprio corpo prove di malattia o corruzione, cercando la morte. Quando hanno finito, ognuno di loro spegne la propria luce, grato per la vita.

Fire Woman (2005) è un’immagine vista nell’occhio della mente di un uomo morente. La sagoma oscurata di una figura femminile si erge davanti a un muro di fiamme. Dopo diversi minuti, avanza, apre le braccia e cade nel proprio riflesso. Quando le fiamme della passione e della febbre alla fine inghiottono l’occhio interiore, e la consapevolezza che il corpo del desiderio non sarà mai più incontrato acceca il veggente, la superficie riflettente si infrange e collassa nella sua forma essenziale: ondeggianti schemi di pura luce.

L’Ascensione di Tristan (The Sound of a Mountain Under a Waterfall) del 2005 descrive l’ascesa dell’anima nello spazio dopo la morte mentre viene risvegliata e trascinata in una cascata che scorre all’indietro spingendo il corpo inerte di un uomo e presto lo riporta in vita. Alla fine, tutto il suo corpo si solleva dalla lastra e si solleva con l’acqua impetuosa, scomparendo in alto.