“HISTRI IN ISTRIA”

In mostra a Trieste e per la prima volta in Italia, oltre 200 reperti archeologici per far conoscere il popolo degli Istri

LEONCILLO, SEQUENZE 1932-1968

A Roma le “sequenze” di Leoncillo

Inediti fili rossi tra le opere del grande scultore

Il 14 dicembre il Vernissage a Spazio all’Arte

Capitolium Art ospiterà a Spazio all’Arte, in Via delle Mantellate 14b, dal 14 dicembre, la mostra “Leoncillo, sequenze 1932-1968“, la più completa tenutasi a Roma dopo l’antologica del 1979 alla GNAM. Curata da Enrico Mascelloni, con la collaborazione di Maurizio Stazi, la rassegna propone una lettura assolutamente nuova dell’intero percorso del grande scultore: “Mettendo in sequenza sculturedi varie epoche– spiega Mascelloni nel Catalogo–Leoncillo accetta di confrontarsi con alcuni tra i linguaggi vincenti dei suoi anni, ma non placherà mai a una vera e propria ossessione per le medesime forme e al contempo non abbandonerà mai un modellato convulso e di potente gestualità, che a quelle forme resta connaturato”.

Ritenuto tra i protagonisti dell’arte del ‘900, è forse, oggi, lo scultore italiano maggiormente al centro degli interessi della critica e del mercato. La mostra si presenta tanto come un’antologica in grado d’indagare ogni sua fase artistica con opere spesso celeberrime, che come una serie di “sequenze”, capace di mettere in evidenza un percorso all’insegna di una coerenza persino ossessiva, assicurata anche dall’uso esclusivo di un materiale considerato allora desueto e minore come la ceramica. Le sequenze sono otto e ognuna si caratterizza per la giustapposizione di opere tra loro lontane nel tempo e apparentemente distanti nel linguaggio. 

Se ne può esemplificare la natura riassumendo la sequenza che presenta due ritratti reputati da Brandi “tra i capolavori della ritrattistica novecentesca” (Ritratto di Donata del 1944 e Ritratto di Mary del 1953) giustapposti a un Taglio del 1962 tra i più noti. All’interno di ogni singola sequenza sono presenti opere ritenute tra i suoi capolavori, come Cariatide del 1942 che darà la stura agli esemplari (sia a lustro che a biscotto) del 1945, come Lottatori del 1946 che apre la sua fase neocubista e Rovine di Terni del 1955 che di fatto la conclude, come Ore d’insonnia del 1963 e Pietà del 1964 che aprono il linguaggio di Leoncillo a quella “scultura orizzontale, magmatica, di terra che si simula terra in un grandioso trompe l’oeil” (Mascelloni, dal testo in catalogo), che anticipa e in alcuni casi influenza le opere schiacciate a terra di Kounellys e Pascali, di Long e Carl Andre.

La mostra, coordinata da Carolina Righi, è accompagnata da un catalogo per i tipi Skira che contiene il testo critico del curatore, una serie di foto appositamente realizzate da Massimiliano Ruta per mettere in evidenza lo straordinario rapporto tra forma e materia nel linguaggio di Leoncillo e ampi apparati bio-bibliografici a cura di Marianna Ostuni. Le opere verranno presentate in uno speciale allestimento che evidenzierà l’articolazione delle otto sequenze.

Ad ospitare ed allestire la mostra sarà Spazio all’Arte, affidato a Willy Zuco, responsabile degli eventi di artisti nazionali ed internazionali e delle importanti mostre di arte moderna e contemporanea che vi si tengono. Lo spazio quindi non è una galleria tradizionale ad uso commerciale, ma ha questa ben più ampia destinazione d’uso, così come desiderio dei fratelli Giorgio e Gherardo Rusconi, eredi e fondatori della società Capitolium Art dal 2008.

GALLARATE (VA)
DAL 17 DICEMBRE 2023 AL 7 APRILE 2024 IL MUSEO MA*GA CELEBRA

DADAMAINO

80 opere ripercorrono la carriera di una delle maggiori protagoniste dell’avanguardia del secondo Novecento, a vent’anni dalla sua scomparsa.

A cura di Flaminio Gualdoni

Dal 17 dicembre 2023 al 7 aprile 2024 il MA*GA di Gallarate ospita una retrospettiva dedicata a Dadamaino (Edoarda Emilia Maino, 1930-2004), una delle maggiori protagoniste dell’avanguardia del secondo Novecento, realizzata in collaborazione con l’Archivio Dadamaino, con il supporto di Galleria Arte Martinelli (Lodi, Miami Beach).
La mostra, curata da Flaminio Gualdoni, ripercorre, attraverso 80 opere, le tappe fondamentali della carriera dell’artista milanese, partendo dall’esordio della sua ricerca sulla pittura monocroma e sulla superficie spaziale della tela, avvenuto alla Galleria Prisma nel 1959, anno in cui Dadamaino abbandona l’informale per adottare quelle formulazioni astratte che caratterizzeranno tutta la sua evoluzione creativa.

La rassegna prende avvio con l’importante ciclo dei Volumi, tele monocrome aperte su grandi perforazioni. È proprio nel 1959 che viene presentato il primo Volume, nella collettiva La donna nell’arte contemporanea alla Galleria Brera a Milano, che da subito rivela l’influenza di Lucio Fontana sul lavoro e sulle riflessioni concettuali ed estetiche di Dadamaino.

La prima sezione della mostra mette in dialogo la serie dei Volumi, realizzata tra il 1958 e il 1960, e quella dei Volumi a moduli sfasati, prodotta nei primissimi anni sessanta, con le opere della collezione del MA*GA di Lucio Fontana, Enrico Castellani e Piero Manzoni, Giovanni Anceschi, Davide Boriani, Gianni Colombo, Enzo Mari, Getulio Alviani, Alberto Biasi.

Il contrappunto visivo mette in luce l’importanza che ebbe per la ricerca di Dadamaino la frequentazione della compagine avanguardistica che si concentrava a Brera nel passaggio tra gli anni cinquanta e sessanta. Dadamaino espone infatti alla galleria Azimut di Milano dove, oltre ai fondatori Enrico Castellani e Piero Manzoni, incontra i protagonisti di una tranche significativa di quella che può ben considerarsi “la nuova concezione artistica”, come titola il secondo numero della rivista “Azimuth”.

L’affermazione di Dadamaino sulla scena artistica italiana prosegue negli anni sessanta con la collettiva Arte Programmata del 1962 alla Galleria La Cavana di Trieste, che definisce il suo passaggio dalla ricerca spaziale sulla tela intagliata a uno studio sul colore e sul segno come elemento ottico visivo.

Il successo arriva anche a livello internazionale quando, tramite Lucio Fontana, Dadamaino viene invitata a esporre alla mostra Nul allo Stedelijk Museum di Amsterdam nel 1962, che metteva insieme grandi esponenti della ricerca visiva come Arman, Enrico Castellani, Piero Dorazio, lo stesso Lucio Fontana, Yayoi Kusama, Heinz Mack, Piero Manzoni, Henk Peeters, Otto Piene, Francesco Lo Savio, Jef Verheyen, Herman de Vries.

 L’iniziativa al MA*GA segue lo sviluppo cronologico della ricerca di Dadamaino con il ciclo su cui l’artista si concentra tra il 1963 e il 1965: si tratta degli oggetti e dei disegni ottico cinetici frutto degli incontri con gli artisti del GRAV (Groupe de Recherche d’Art Visuel) di François Morellet, con cui partecipa alle rassegne di Nouvelle Tendance. Anche in questo caso, in mostra le opere di Dadamaino dialogano con i protagonisti delle ricerche ottico e visuali presenti nella collezione del Museo MA*GA: Grazia Varisco, Enzo Mari, Davide Boriani, Bruno Munari, Getulio Alviani, Gianni Colombo, Nanda Vigo.

Per l’occasione sarà riproposto al pubblico, dopo il restauro, l’ambiente Spazio elastico di Gianni Colombo del 1967, parte della collezione permanente.

Il percorso espositivo sfocia poi negli anni della maturità della poetica di Dadamaino, ove spicca l’installazione di carte di vario formato dal titolo I fatti della vita, proposta per la prima volta da Galleria Grossetti a Milano nel 1979 e successivamente, nella sua più grande estensione di 461 carte, nella personale alla Biennale di Venezia nel 1980.

La mostra si completa con le tele con lettere dell’Alfabeto della mente, e la gigantesca opera Il movimento delle cose, lunga trenta metri, su cui si svolge la “scrittura” di Dadamaino e che fu presentata in una sala personale alla XLIV Biennale di Venezia del 1990.

Catalogo Nomos Edizioni, a cura di Flaminio Gualdoni con testi di Flaminio Gualdoni ed Emma Zanella.

La mostra è sostenuta in qualità di main partner da Ricola, SEA, Missoni, Saporiti Italia; special partner: Banca Generali Private; partner: Lamberti; supporter: Camal – le vie del cotone, Engel & Völkers.

Dadamaino – Note biografiche

Dadamaino (Edoarda Emilia Maino) nasce a Milano nel 1930. Durante i bombardamenti della Seconda Guerra Mondiale la famiglia Maino si trasferisce a La Maddalena, frazione di Somma Lombardo (VA), dove vivevano i nonni materni, per poi tornare a Milano alla fine della guerra. Edoarda frequenterà il Liceo Classico e successivamente la Scuola d’Arte Applicata all’Industria del Castello Sforzesco. La sua formazione avviene tramite la frequentazione dell’avanguardia milanese che ha come punto d’incontro il Bar Giamaica in Brera: è vicina in particolar modo a Piero Manzoni, che frequenta dal 1957 e a Lucio Fontana, che influenza profondamente la sua ricerca. Negli anni Sessanta il suo lavoro conosce una fase di importante internazionalizzazione con forti tangenze con i gruppi di ricerca Nul, Zero, Nouvelle Tendance e GRAV (Groupe de Recherche d’Art Visuel). Negli anni Settanta numerose sono le mostre personali e le presenze alle mostre collettive in Musei e spazi istituzionali in Italia e all’estero. Nel 1980 è presente con una sala personale alla XXXIX Biennale d’arte di Venezia a cura di V. Fagone, nel 1990 avrà nuovamente una sala personale alla XLIV Biennale d’arte di Venezia a cura di L. Cherubini, F. Gualdoni, L. Vergine.

Il 13 aprile Dadamaino muore a Milano dopo un periodo di malattia. Le sue ceneri riposano nel piccolo cimitero di La Maddalena, frazione di Somma Lombardo (VA).

7 DICEMBRE 2023

LA VILLA REALE DI MONZA È REGGIA CONTEMPORANEA

Il progetto Reggia Contemporanea presenta, al Primo e Secondo Piano Nobile della Villa Reale, un sorprendente percorso espositivo che propone oltre 100 opere d’arte contemporanea e di design di alcuni tra i protagonisti della creatività italiana, in un contesto storico d’eccezione.

A cura di Renata Cristina Mazzantini

La Villa Reale di Monza, capolavoro architettonico di Giuseppe Piermarini, torna all’antico splendore.
Il 7 dicembre 2023 apre Reggia Contemporanea: il progetto di riallestimento del Secondo Piano Nobile e di parte del Primo Piano Nobile della Villa Reale, con 100 opere dei maggiori artisti e designer italiani del periodo repubblicano, accanto ad arredi e dipinti d’epoca sabauda e asburgica. Un percorso affascinante, dove le testimonianze del passato si sposano in un continuo divenire con le eccellenze del presente.

Reggia Contemporanea nasce da quanto realizzato dal Segretariato Generale della Presidenza della Repubblica con Quirinale contemporaneo: un progetto in continua evoluzione, fortemente voluto dal Presidente Sergio Mattarella, ideato e realizzato ad opera del Segretario Generale Ugo Zampetti, curato dall’architetto Renata Cristina Mazzantini, che ha portato nei palazzi presidenziali opere di arte contemporanea e di design.

L’appuntamento monzese vede la luce grazie all’impulso del Sindaco di Monza e Presidente del Consorzio Villa Reale e Parco di Monza, Paolo Pilotto, e all’impegno del Direttore Generale del Consorzio Villa Reale e Parco di Monza, Giuseppe Distefano, sintesi di un percorso durante il quale ha operato per consolidare il prestigio della Villa Reale, accrescendone il fascino e l’attrattiva, in virtù di un programma culturale di grande valore.

Il percorso espositivo, curato dalla stessa Renata Cristina Mazzantini, è stato elaborato in stretta e preziosa collaborazione con la Soprintendenza Archeologia Belle Arti e Paesaggio per la provincia di Monza e della Brianza, in particolare con il Soprintendente Giuseppe Stolfi e Benedetta Chiesi, e con Angelo Crespi, Consulente scientifico del Consorzio Villa Reale e Parco di Monza.

L’itinerario all’interno della Villa, disegnato spesso in accordo con gli artisti e con le fondazioni o gli archivi che li rappresentano, propone oltre cinquanta opere d’arte astratta e figurativa, cinetica e concettuale, di ventisette maestri della creatività moderna e contemporanea, in dialogo con il gusto neoclassico di matrice asburgica e di quello floreale di gusto sabaudo.

I visitatori ammireranno capolavori di artisti quali Enrico Castellani, Paolo Scheggi, Afro e Mirko Basaldella, Carol Rama, Maria Lai, Emilio Vedova, Mimmo Rotella, Gastone Novelli, Piero Dorazio, questi ultimi presenti con due opere già nelle edizioni del 1968 e del 1988 della Biennale d’Arte di Venezia.

Al Secondo Piano Nobile, si potranno incontrare le maestose sculture di Pietro Consagra, Agenore Fabbri e Davide Rivalta, mentre nelle sale più piccole troveranno spazio le creazioni plastiche di Gino Marotta e quelle luminose di Mario Nanni.

Per valorizzare l’involucro architettonico di tre ambienti storici Giovanni Frangi, Chiara Dynys e Massimo Listri hanno appositamente realizzato tre grandiose opere site-specific che sono state generosamente donate al Consorzio Villa Reale e Parco di Monza. Imponenti sono anche le installazioni studiate da Mario Ceroli, Michele Ciacciofera, Emilio Isgrò, Pietro Ruffo e Grazia Varisco, ciascuno dei quali ha scelto un ambiente dove esporre importanti lavori storici e attuali.

Al Primo Piano Nobile dialogano con la bellezza dei decori antichi le nature morte iperrealiste di Luciano Ventrone, una ceramica di Bertozzi & Casoni e uno dei più conosciuti volti velati di Livio Scarpella.

Reggia Contemporanea ha inoltre riportato in Lombardia il monumentale gruppo scultoreo in bronzo Ratto di Proserpina, che accoglie i visitatori nell’Atrio degli Staffieri, capolavoro di Francesco Messina, originariamente collocato nel Teatro Manzoni di Milano, che la Fondazione ENPAM – Ente Nazionale di Previdenza ed Assistenza dei Medici e degli Odontoiatri ha concesso in comodato d’uso gratuito al Consorzio Villa Reale e Parco di Monza.

Il percorso si arricchisce, infine, di oltre quaranta capolavori del design italiano che ravvivano il rigore classico di molti ambienti della Villa.

Le tappezzerie, i tessuti, gli arredi e gli oggetti di Giorgio Armani hanno ridato vita alla Sala da Pranzo della Famiglia Reale al Primo Piano Nobile, impreziosendo tutta l’architettura d’interni.

Tra gli oggetti di design, oltre a quelli dei pionieri come Renzo Frau, Gio Ponti e Piero Fornasetti, si annoverano lavori di architetti come Adolfo Natalini e Aldo Rossi, le iconiche poltrone di Alessandro Mendini e di Gaetano Pesce. Adornano le finestre i tendaggi di Giorgio Armani e Luca Nichetto; illuminano le opere d’arte le lampade di Davide Groppi, Michele De Lucchi e Piero Fassina, Jacopo Foggini, Franco Raggi, Vico Magistretti e Tommaso Tommasi, mentre il lampadario Venini Universe di Marco Piva brilla nel guardaroba della Regina

Sui preziosi piani intarsiati dalla Bottega Maggiolini, si adagiano i Coco de Mer di Benedetta Brachetti Peretti e le Piazze d’Italia di Fabio Novembre, mentre i vasi di Luciano Gaspari spiccano sul marmo di un camino. I visitatori potranno accomodarsi sulle sedute di Cananzi & Semprini e di Antonio Citterio, riflettersi nei fantasiosi specchi di Piero Lissoni e di Nanda Vigo, ammirare la perizia tecnica e fantasia inventiva negli intagli lignei di Ferruccio Laviani e di Romeo Sozzi.

Tutte le opere di arte e di design sono state concesse a titolo gratuito al Consorzio Villa Reale e Parco di Monza, in comodato d’uso pluriennale o in donazione: la partecipazione entusiasta degli artisti, degli archivi e delle fondazioni che li rappresentano, e delle aziende di design ha reso possibile l’iniziativa.

Il catalogo sarà pubblicato grazie al contributo della Banca di Credito Cooperativo di Carate Brianza, con il fotoreportage di Massimo Listri.

Caimi e Wide Group hanno contribuito in qualità di sponsor tecnici, fornendo rispettivamente la segnaletica e la copertura assicurativa delle opere.

SOTTO L’ALBERO

a cura di Carlo Alberto Bucci

Sabato 16 (dalle 16) e domenica 17 dicembre (dalle 11) fino al 6 gennaio

Via Benzoni 13, 00154 Roma
Tel. 32922866299; blocco13roma@gmail.com

Per festeggiare due anni di attività l’associazione culturale per l’arte contemporanea di via Benzoni ha deciso di allestire una collettiva

INAUGURAZIONE sabato 16 alle ore 16 e domenica 17 dicembre dalle 11. Fino al 6 gennaio 2024 ma solo su appuntamento telefonando al numero
++ 39. 3292866299.
Mail blocco13roma@gmail.com

Le ragioni della mostra – Le date di questa esposizione, la sedicesima di Blocco 13, coincidono con quelle delle feste. E per festeggiare due anni di attività l’associazione culturale per l’arte contemporanea di via Benzoni ha deciso di allestire una collettiva, la nostra prima, nella quale mettere a confronto lavori di piccolo formato dei tredici artisti che compongono il gruppo, insieme a quelli di tre giovani che hanno esposto in passato nella sezione “Esordi” e alle opere di tre amici di Blocco 13. Il tutto “Sotto l’albero” natalizio che, nel nostro caso, è il poderoso ligustro del cortile.

Sessanta circa i lavori esposti secondo la logica obbligata della quadreria. E si va dai bassorilievi in legno sul tema dell’armonia di Paolo Di Capua, alle plastiche aggettanti di Claudio Givani, alle nature morte e ai paesaggi ad olio di Alessandro Finocchiaro (i tre amici di Blocco 13). “Aggetto continuo” è anche il titolo di uno dei lavori di Roberto Piloni, immagini di Roma sono poi quelle offerte, attraverso il mezzo fotografico, da Fabio Caricchia e da Iginio De Luca (“Tevere Expo”). Aniconico il discorso per immagini delle cere di Peter Flaccus o delle xilografie di Marina Bindella (“Spartito ovale”). Mentre lavora con la parola Sauro Cardinali con “Ti amo dove” per la serie “Peripezie del nome” ad acrilico e china su carta. Stessa tecnica dei lavori di Vincenzo Scolamiero dal titolo “Come sogni perduti”. E nella dimensione onirica affondano le figure dipinte da Maurizio Pierfranceschi ma anche il mondo naturale delle pitture di Laura Barbarini.  Sulla trasparenza dell’immagine dipinta che si fa scultura insiste invece Alfredo Zelli. Mentre Massimo Arduini si concentra sulla permeabilità dell’immagine fotografica ai ricordi e ai caratteri tipografici. I tre giovani di Blocco 13 propongono, Sara Ciuffetta, lavori in linea con la sua ultima mostra (fino al 10 dicembre) “ZIA”; Mattia Cleri Polidori, piccoli olii sul mondo segreto della scienza svelato dall’arte; incisioni per “Una fiaba di notte” invece quelle di Virginia Lorenzetti.

Infine, ma innanzitutto, Elena Nonnis che in un suo tondo ricorda, per filo e per segno, la figura e lo spirito di Tiziano Campi (1953-2021), il primo degli artisti nel cuore di Blocco 13.

MILANO
M77 GALLERY

18 NOVEMBRE 2023 – 16 MARZO 2024

EMILIO ISGRÒ
ULYSSES

La mostra presenta una nuova e inedita installazione dell’artista siciliano dedicata all’eroe omerico e alle interpretazioni che nei secoli ne hanno dato Dante Alighieri, James Joyce e Herman Melville.

A cura di Claire Gilman

Chief Curator, Drawing Center di New York

Dal 18 novembre 2023 al 16 marzo 2024, M77 Gallery di Milano ospita una nuova e inedita installazione di Emilio Isgrò, appositamente progettata per gli ambienti dello spazio espositivo milanese.

Il lavoro dell’artista, che si sviluppa sui due piani dell’edificio di via Mecenate 77, ruota attorno alla figura di Ulisse.
Non è la prima volta che Emilio Isgrò si rapporta con gli eroi, le leggende e i miti dell’antichità. Nato nella Magna Grecia siciliana, Isgrò si è infatti spesso confrontato con quanto prodotto a livello artistico e culturale nell’area greco-romana per realizzare opere d’arte contemporanea capaci d’interpretare il presente, guardando al passato.

Ne è un esempio l’iniziativa recentemente tenuta a Brescia dove ha lavorato ispirandosi alla Vittoria Alata, una delle più importanti sculture di epoca classica, simbolo della città, quale preludio per la grande mostra tenuta nei luoghi che ricordano le origini romane di Brescia, dal Parco archeologico al Museo di Santa Giulia, dal Capitolium al Teatro Romano.

Anche la sua produzione letteraria non è rimasta scevra dalle suggestioni della classicità, raggiungendo uno dei suoi vertici con L’Orestea di Gibellina, rappresentata tra il 1983 e il 1985 sulle rovine del paese terremotato.

Per questo nuovo e atteso appuntamento, Emilio Isgrò insegue il mito di Ulisse partendo dalla tradizione omerica, per poi passare alla rappresentazione dell’eroe simbolo dell’umana sete di sapere e della instancabile volontà che Dante fece nella Divina Commedia, quindi a quella novecentesca di stampo psicanalitico di James Joyce, fino a giungere al capitano Achab, visto come un epigono dell’Ulisse omerico, protagonista di Moby Dick di Herman Melville.

La mostra Ulysses, curata da Claire Gilman, Chief Curator del Drawing Center di New York, in collaborazione con l’Archivio Emilio Isgrò, prende il via dal piano terra della galleria dove in un ambiente totalmente bianco sono raccolte alcune opere storiche come, ad esempio, Dichiaro di non essere Emilio Isgrò (1971), un autoritratto concettuale in sette elementi, composto da altrettanti fogli di carta nei quali l’artista e i componenti della sua famiglia negano ripetutamente la sua identità che, oltre a rappresentare la scintilla della rassegna, rivela un legame diretto con l’eroe di Omero. “Mi sono ispirato a Ulisse – conferma lo stesso Isgrò -, all’astuzia con cui inganna Polifemo. ‘Qual è il tuo nome?’. ‘Nessuno!’”.

Il percorso prosegue con le carte geografiche cancellate del Mare Egeo, del mare di Lipari e del bacino del Mediterraneo, chiaro rimando al tema del viaggio, con un planetario appeso al soffitto con otto mappamondi cancellati e, per la prima volta, con gli otto volumi dell’Odissea cancellata (1968).

Salendo al primo piano, l’installazione trova il suo apice con le cancellature dipinte in negativo (grigie su fondo nero) direttamente sulle quattro pareti, dedicate al capolavoro di Herman Melville.

Le frasi tratte da Moby Dick dialogano con tre piedistalli posti al centro della stanza che sorreggono il Canto XXVI dell’Inferno di Dante, l’Ulisse di James Joyce e il libro dello scrittore americano.

L’esposizione si conclude con il pittogramma della coda della balena di Moby Dick, scelta come immagine guida dell’iniziativa.

“Spirito autenticamente poliedrico, Emilio Isgrò ha creato da solo un nuovo genere d’arte, unendo nei primi anni Sessanta linguaggio verbale e forma visiva nelle sue opere cancellate, chiamate appunto “cancellature” – dichiara la curatrice Claire Gilman – Ulysses rappresenta il culmine dell’impegno di lunga data di Isgrò per il recupero del valore della parola in una cultura satura di immagini; mentre la sua ben riconoscibile tecnica viene applicata alla storia dell’antico Odisseo, epica narrazione della resilienza umana e della inestinguibile sete di conoscenza.”

Antonio Campi a Torre Pallavicina

Dal 7 dicembre 2023 al 10 marzo 2024 Musei Reali di Torino – Galleria Sabauda

Nella sala del Tardo Manierismo internazionale della Galleria Sabauda (primo piano, sala 13), dal 7 dicembre 2023 al 10 marzo 2024, i Musei Reali di Torino ospitano l’esposizione Antonio Campi a Torre Pallavicina, che riunisce le tavole superstiti di un ampio ciclo dipinto dal grande manierista cremonese negli anni Settanta del Cinquecento.

Seconda tappa della mostra dossier, aperta dal 19 settembre al 3 dicembre 2023 al Museo Diocesano di Cremona, quest’importante iniziativa mette in luce l’attività del pittore per l’Oratorio di Santa Lucia a Torre Pallavicina, comune nella diocesi di Cremona, oggi in provincia di Bergamo, e presenta quello che rimane di una grande ancona a tema cristologico della quale facevano parte i due pannelli con l’Andata al Calvario e la Resurrezione, appartenenti alle collezioni della Galleria Sabauda,  e le due tavole con l’Orazione nell’orto e Cristo davanti a Caifa della Galleria Canesso, che ne ha gentilmente concesso il prestito.

L’Orazione nell’orto, caratterizzata da un intenso patetismo, e Cristo davanti a Caifa, di rara suggestione realistica, si distinguono per l’utilizzo di una tavolozza ricca e raffinata con rimarcati accordi cromatici tra le tonalità dei rosa, dei gialli e dei verdi, in contrasto con gli sfondi notturni. La prima scena mostra un magnifico paesaggio lunare, mentre la seconda si staglia su un nero intenso e impenetrabile; entrambe sono prova di quello sperimentalismo luministico che caratterizza la maturità del pittore.

Le due tavole sono state esposte al pubblico per la prima volta nella sede milanese della Galleria Canesso nel 2021, dopo essere state pubblicate nel 1974 dalla storica dell’arte Maria Luisa Ferrari e poi a lungo disperse. Il loro recente ritrovamento ha portato nuovamente la questione di Torre Pallavicina all’attenzione degli studiosi e, grazie ad approfondite ricerche d’archivio, si è potuto stabilire con certezza che i due dipinti appartengono allo stesso ciclo pittorico delle due tavole torinesi.

L’Andata al Calvario e la Resurrezione, acquisite dallo Stato nel 1957 per le collezioni della Galleria Sabauda con un’attribuzione a “pittore fiammingo intorno alla metà del Cinquecento”, sono state riconosciute da Marco Tanzi come significative testimonianze della pittura preziosa, elegante e splendente di Antonio Campi, del quale sono ben visibili i debiti verso la maniera del Nord e le invenzioni düreriane.

Oggi sappiamo dunque che la cappella privata voluta da Adalberto Pallavicino era arricchita da almeno quindici pannelli con episodi della Passione di Cristo, un caso privo di paragoni nella Lombardia dell’epoca. Le tavole torinesi, con colori smaglianti e affollate di personaggi, ci mostrano la vena manierista del pittore cremonese, mentre le due opere Canesso sono alti esemplari di quello sperimentalismo luministico che portò Antonio Campi a dipingere alcuni dei più emozionanti notturni della Lombardia prima di Caravaggio.

Della sorte delle altre tavole del ciclo di Torre Pallavicina, alcune certamente danneggiate e forse distrutte, ancora non sappiamo nulla.

Le novità documentarie e le recenti scoperte, corredate da nuove campagne fotografiche, sono pubblicate nel catalogo della mostra a cura di Eleonora Scianna edito da Persico Dosimo nel 2023.

La mostra dossier Antonio Campi a Torre Pallavicina sarà ospitata nella sala del Tardo Manierismo internazionale della Galleria Sabauda, all’interno del percorso espositivo dei Musei Reali di Torino, visitabile dal martedì alla domenica, dalle 9 alle 19 (orario biglietteria 9 -18).

MILANO | MUSEO DIOCESANO CARLO MARIA MARTINI

DAL 1° DICEMBRE 2023 AL 28 GENNAIO 2024

FRANCESCO LONDONIO
E LA TRADIZIONE DEI PRESEPI DI CARTA

La mostra ripercorre la storia di questa particolare forma d’arte, attraverso grafiche e dipinti dell’autore milanese, oltre al suo capolavoro, il Presepe del Gernetto, esposto per la prima volta dopo il suo restauro.

La rassegna celebra la nascita del Presepe, avvenuta per opera di San Francesco d’Assisi nel 1223 e quella di Francesco Londonio (1723-1783).

A cura di Alessia Alberti e Alessia Devitini

Dal 1° dicembre 2023 al 28 gennaio 2024, il Museo Diocesano Carlo Maria Martini di Milano ospita una mostra che ricostruisce la ricca tradizione dei presepi di carta, a partire dalla figura di Francesco Londonio (1723-1783), pittore e incisore milanese quasi esclusivamente legato a temi bucolici e pastorali e autore del Presepe del Gernetto, uno dei capolavori di quella particolare tipologia, conservato proprio al Museo Diocesano di Milano.

La rassegna, che comprende circa quaranta opere oltre al presepe della collezione del Museo Diocesano, curata da Alessia Alberti, conservatrice del Gabinetto dei Disegni e Raccolta delle Stampe “A. Bertarelli” del Castello Sforzesco di Milano e Alessia Devitini, conservatrice del Museo Diocesano di Milano, organizzata in collaborazione con le Raccolte Grafiche e le Raccolte Artistiche del Castello Sforzesco di Milano, col patrocinio di Regione Lombardia, sponsor Comieco, Ispe, Associazione Consiglieri Lombardia, celebra un doppio anniversario, ovvero l’ottavo centenario della prima rappresentazione del Presepe, avvenuta a opera di San Francesco a Greccio nel 1223 e il terzo centenario dalla nascita di Londonio.

Il percorso espositivo prende avvio con un nucleo di opere di Francesco Londonio, esempio della sua attività pittorica e grafica interamente dedicata al mondo pastorale: sono stati selezionati dipinti, studi e disegni, provenienti dalla Pinacoteca e dal Gabinetto dei Disegni del Castello Sforzesco, che illustrano temi e motivi di quella “formula” che riflette la visione del mondo tipica dell’artista, sospesa fra Arcadia e Illuminismo; da qui scaturisce ‘naturalmente’ la sua produzione di presepi di carta. Il confronto fra questo nucleo e il Presepe del Gernetto del Museo Diocesano permette di comprendere come la sua attività legata ai presepi non sia un semplice passatempo ma venga da lui considerata al pari della sua produzione più impegnata.

Sono esposte in questa sezione anche una serie di acqueforti tutte incentrate sul mondo agreste e destinate al Conte Giacomo Mellerio, committente del Presepe del Gernetto.

Proprio a partire dai primi esempi realizzati da Francesco Londonio, i presepi di carta si diffondono in Lombardia e dai suoi modelli prende avvio una tradizione di presepi da ritagliare, documentata dalle opere della Civica Raccolta delle Stampe Achille Bertarelli, che ne confermano il perdurare della fortuna, dal Settecento fino all’inizio del XX secolo. Gli esemplari più antichi, incisi all’acquaforte e colorati a mano, risalgono al tempo di Londonio e sono legati alla produzione degli editori Remondini. In mostra anche una serie di cartoline di auguri e di biglietti pop-up di varie epoche, nella quale i presepi e la carta restano i protagonisti.

L’iniziativa si completa con la grande teca che ospita il Presepe del Gernetto, per la prima volta esposto interamente restaurato.

L’opera, che deve il nome alla villa Gernetto a Lesmo, in Brianza, per la quale fu realizzata, probabilmente su commissione del conte Giacomo Mellerio intorno agli anni sessanta-settanta del Settecento, si compone di circa 60 figure – tra le quali la Sacra Famiglia con i re Magi, pastori, paggi, fanciulli, contadini e animali – dipinte a tempera su carta e cartoncino sagomati. 

Catalogo Dario Cimorelli Editore.