Frisco
SENZA VOLO

A cura di Maria Arcidiacono

Inaugurazione sabato 11 marzo 2023 ore 18.00

GArt Gallery
Via Piero Gobetti 114 – Pescara

Fino al 15 aprile 2023

La GArt Gallery di Francesco di Matteo è lieta di presentare SENZA VOLO, mostra personale dell’artista Frisco, curata da Maria Arcidiacono. Senza volo è un viaggio tra fotogrammi di esistenze sconosciute, i cui percorsi sono andati a intersecarsi con quelli di Frisco. Il significato del titolo si riferisce a una libera scelta dell’artista che predilige i mezzi di trasporto lenti e frequenta gli aeroporti lo stretto necessario, solamente quando la distanza della meta lo impone; ma “senza volo” è anche l’umanità che ritrae, alla quale è spesso preclusa la possibilità di viaggiare liberamente. Scardinati e ricomposti nelle loro volumetrie, riemergono nitidi sulle tele dell’artista i protagonisti di questi viaggi dei quali portano il nome: Bangladesh, Congo, Ghana, India, Kurdistan, Myanmar, Nigeria, Senegal, Siria, Mama Africa, Polonia, Cambogia, Palestina e Mediterraneo. 

Senza volo potrebbe essere definito il compendio di un reportage personalissimo, nel quale la serie di paesaggi, urbani, rurali o con la linea del mare all’orizzonte, si riassume negli infiniti sguardi di testimoni muti di fronte a tragedie immani. Guerra, miseria, sfruttamento irrompono da tutte le latitudini sulle tele di Frisco, con tutta l’urgenza di dare ulteriore senso al suo essere artista. Viaggio, scatto fotografico, ricostruzione pittorica sulla tela: Frisco organizza per sequenze il suo racconto di una umanità dolente, sognante, talvolta combattiva, che ci osserva e in parte, silenziosamente, ci accusa: Senza volo è il disinteressato invito di un artista a riflettere sul nostro tempo, riferimento e parametro immutabile dell’azione artistica, insopprimibile per chiunque se ne voglia rendere protagonista.

Francesco Ciancabilla

Francesco Ciancabilla, in arte Frisco, è nato a Napoli nel 1959. Artista, traduttore, insegnante di lingue, globetrotter. Comincia a dipingere nel 1980, ‘imbrattando’ fotografie, fotocopie, muri e tele, e riscuotendo immediato successo di pubblico e di critica. Vicino per sensibilità ai primissimi graffitisti newyorkesi, ancora sconosciuti in Europa, predilige gli spray ma con una tecnica che anticipa di 20 anni l’uso degli stencil. Nel 1983, a causa del noto, infamante delitto, per il quale ha sempre rivendicato la propria totale estraneità, verrà condannato, vedendosi costretto a una lunga latitanza che lo porterà dapprima in Brasile, poi in Argentina e infine in Spagna. All’attività artistica ed espositiva aggiungerà quelle di grafico editoriale, fotografo, manager di gruppi musicali, barman e insegnante d’italiano. Rientra in Italia nel 2011 per riprendere a dipingere. Il suo lavoro è presente in numerose collezioni, private e pubbliche, in Italia e all’estero. Tra le principali mostre personali: 2021- “Una folla uscita dall’ombra”, galleria Fluart, Bologna; 2017 – “Mare Nostro che non sei nei cieli”, A-maze-ing Gallery, Pescara; 2016 – “Il pudore del pornografo”, Caffè d’Arte Tettamanzi, Nuoro; 2016 – “Love & Fuck”, Botteghe d’Arte, Bisenti (TE) a cura di Ass. Quasi Adatti; 2015 – “One Hundred Women”, a cura di Luca Ciancabilla, laboratorio di restauro CamilloTarozzi, Bologna; 2015 – “Funk Bromantico”, a cura di Marco Manzo, ex-Aurum, Pescara; 2014 – “Black Hours”, a cura di Nicolò Gianelli, galleria Emilia Ruvida, Modena; 2013 – “Frisco”, Circolo Aternino, Pescara; 2010 – “Idioteque”, Indie Pop Club, Madrid; 1987-1990 – (sotto altro nome) in gallerie di Sao Paulo, Brasil; 1983 – Studio Cesare Manzo, Milano; 1983 – Galleria Fashion Moda, New York; 1982 – Galleria P.S.1, New York; 1981 – Studio Cesare Manzo , Pescara; 1980 – “I love P” performance/ installazione, Plastik Gallery, Berlin. Tra le principali mostre collettive: 2022 – “Amore carnale, amore ideale”, tempietto di S. Maria del Tricalle, Chieti, a cura di Francesco Di Matteo; 2016 – ‘Tabù’ 2ªed. Pescara (Preview – Miglianico CH), a cura di Ass. Strategica; 2016 – “RUSCO” (Recupero Urbano Spazi COmuni), Bologna, a cura di Ass. Serendippo; 2015 – “Tabù, eros in mostra”, Museo d’Arte Diffuso di Miglianico (CH); 2015 – “Muzika na Zici” (Musica Dipinta), Sarajevo, Bosnia-Erzegovina; 2014 – “Violino d’autore”, a cura del liutaio Ezia Di Labio, ex-Cubo, Pesaro; 2013 – “POPS, totem e tribù del terzo millennio”, a cura di Alberto Melarangelo, sala espositiva Nicola Palma, Teramo; 1993 – “Descalzas Reales”, a cura di Jose A. Saenz, Madrid; 1987 – Universidade de Tupa, II ed., Sao Paulo, Brasil; 1986 – “Contemporanea”, a cura di Enzo Terzano, Palazzo Re Enzo, Bologna; 1986 – “Nuove tendenze in Italia”, II ed., a cura di Edoardo Di Mauro, Milano, Torino; 1983 – “I e II serata enfatista”, a cura di Francesca Alinovi, Galleria Neon, Bologna; 1983 – “Avant-garde Photography in Italy” a cura di Francesca Alinovi, Stichting Canon Photo Gallery, Amsterdam; 1982 – “Frontiera Party”, a cura di Francesca Alinovi, Segreto Pubblico, Bologna; 1982 – “Ora” a cura di Francesca Alinovi, Studio Cesare Manzo, Pescara; 1981 – III Rassegna Internazionale della Performance, a cura di Renato Barilli, Bologna, Ferrara, Ravenna

LAIKA
Art is (not) a game

A cura di Tiziana Cino e Stefano Ferraro
Testo di Edoardo Marcenaro

Opening sabato 11 marzo 2023 ore 18.00

Rosso20sette arte contemporanea
Via del Sudario 39 – Roma

Fino al 22 aprile 2023

Il giorno 11 marzo 2023 alle ore 18.00, Rosso20sette arte contemporanea presenta la mostra Art is (not) a game della street artist italiana Laika, a cura di Tiziana Cino e Stefano Ferraro, accompagnata da un testo di Edoardo Marcenaro. 

Edoardo Marcenaro nel testo critico presenta il lavoro dell’artista: “Laika ama definirsi una “attacchina romana”, attiva dal 2019, con un nome omaggio alla cagnolina Laika, primo essere vivente nello spazio. “Usa la maschera per esprimere la propria arte senza filtri, preservando la sua vita privata. Non è importante sapere chi c’è dietro la maschera: davanti c’è una donna che con ironia interpreta la realtà”. Le sue opere infatti parlano da sé, facendo venire in secondo piano la curiosità di sapere chi sia “la Banksy italiana”, come spesso la definisce la stampa internazionale: una studentessa dell’accademia di belle arti particolarmente brava o una top manager di qualche multinazionale che a un certo punto ha deciso di cambiare vita? Se guardiamo i lavori di Laika comparsi su muri, stampe e adesivi negli ultimi quattro anni potrebbe essere entrambe le persone. […]

La Galleria Rosso20sette propone la prima mostra personale di Laika, con una serie di opere in cui ripercorre la sua “arte senza filtri”, contraddistinta da un’ironia a dir poco unica. Oltre ad alcuni dei lavori sopra menzionati, troviamo innanzitutto le opere dedicate ad Angela Davis (“Sweet Black Angel“), Patrick Zaki e Giulio Regeni (“L’abbraccio”), Gino Strada (“Le lacrime di Kabul”), e poi la serie “No eyez on me project” con i ritratti di Greta Thunberg – Barbie girl e Matteo Salvini – Baywatch. In secondo luogo, opere che sono veri e propri manifesti (e non nel senso cartaceo del termine) come “Iustitia” con la statua dal braccio spezzato, “Es ley“, laddove il braccio resta intero, “Mir” con un invito alla pace e al disarmo, il cui sfondo è stato dipinto lanciando sulla tela palle di carta impregnate di vernice: un gesto da intendersi come artistico e non violento. Altri lavori sono dedicati ai migranti, tra questi “Life is not a game“, realizzato sulla cartina geografica dei Balcani, ed “Enea was a refugee” con la figura di Enea che sovrasta la mappa della Grecia. Da ultimo, l’installazione “Futuro”, una tavola optometrica realizzata su legno smaltato, presentata per la prima volta nel 2021 a Francoforte, con le lettere che si riducono sempre più mettendo a dura prova la vista nel leggere una sola parola: “FUTURO”. […]

Ma alla fine guardando le sue opere rimane una sola sensazione, quella di conoscere Laika molto meglio di persone che frequentiamo da anni, di cui (apparentemente) sappiamo vita, morte e miracoli, ma che in realtà non riusciamo a capire in cosa credono o cosa pensano davvero. Una volta usciti dalla Galleria Rosso20sette dopo aver visto la mostra, non pensate che l’artista sia una vostra grande amica?” (dal testo critico di Edoardo Marcenaro)

E Riccardo Noury, portavoce di Amnesty Italia: “Scarpinando e attacchinando di notte nei centri cittadini come nei luoghi dove camminano, dolenti, uomini e donne in cerca di salvezza o dai quali si avvertono i rumori lugubri e mortiferi delle guerre, Laika denuncia violazioni e racconta resistenze, ci indica – realizzandone i volti, ridando così vita a muri fradici e sgretolati – le storie importanti, le persone da difendere. Ogni notte che esce di casa e ingaggia una lotta contro i guardiani del decoro, Laika vince: per quanto un suo ritratto possa essere cancellato, resta nella memoria.”

LAIKA

Laika è una street artist italiana. Il nome nasce come richiamo al primo essere vivente giunto nello spazio, la cagnolina Laika, nata nel 1954. C’è anche un riferimento alla Leica, la famosa macchina fotografica. La scelta di Laika come nome d’arte è legata al concetto di voler “puntare allo spazio”, di non porsi mai dei limiti. Puntare allo spazio, inoltre, permette di osservare il mondo da lontano, per avere una visione più ampia, senza limiti. Laika ha deciso di non svelare la propria identità indossando una maschera. L’anonimato, infatti, le garantisce una maggiore libertà espressiva e distoglie l’attenzione dagli aspetti della sua vita personale facendoci concentrare solo ed esclusivamente sui suoi messaggi. Inizia la sua attività nella primavera del 2019, cominciando ad attaccare degli sticker nella sua città, Roma, ma la fama internazionale arriva all’inizio del 2020 con le sue due opere più famose: Jenesuispasunvirus, l’opera (una delle prime al mondo dedicate al COVID19) che denuncia gli atti di razzismo contro la comunità cinese prima dello scoppio della pandemia; L’Abbraccio, il celebre poster dedicato a Patrick Zaki e Giulio Regeni attaccato nei pressi dell’Ambasciata egiziana di Roma. Il fascino misterioso di questa figura, quasi “asessuata”, ha portato da più parti a definirla come “la Banksy italiana”, definizione attribuita per lo più dalla stampa internazionale. D di Repubblica l’ha inserita tra le “100 Donne che cambiano il mondo” del 2021. La sua attività è stata oggetto di un docufilm dal titolo “LIFE IS (NOT) A GAME” diretto da Antonio Valerio Spera, presentato alla 17a edizione del Roma Cinema Fest nella sezione Freestyle. L’evento è andato sold out in meno di 48 ore. Alcune sue opere sono esposte a Bologna presso Palazzo Albergati nella mostra collettiva “Jago, Banksy, TV Boy e altre storie controcorrente”. A febbraio 2023 stata premiata come “Protagonista 2023” ai Nastri d’Argento per i documentari. 

Le Donne dell’Arte per la comprensione e l’integrazione tra culture.

In mostra in “Entelechia”, l’iniziativaappena conclusa del Rotary Club di Roma

Anna Addamiano, Simona Capuano, Nadjia Chekoufi, Maria Luisa Del Giudice, Marcela Szurkalo. Sono queste le cinque Artiste che il Rotary Club di Roma ha ospitato nell’ esposizione Entelechia all’interno dell’evento “Donne d’Arte dal Mediterraneo al Mediterraneo allargato”, lo scorso 2 marzo in Senato. Per testimoniare ed esaltare l’impegno femminile, anche attraverso l’Arte, nella costruzione di relazioni inclusive e per la pace. Ad accogliere le tele, il Chiostro della Basilica di Santa Maria sopra Minerva. Tra i Patrocini all’iniziativa, quelli del  ROTARY DISTRETTO 2080, del Ministero degli Affari Esteri, dell’Assessorato alla Cultura del Comune di Roma, di  ISMEO (International Association for Mediterranean and Oriental Studies) e della Biblioteca Casanatense. Quale contributo in vista dell’imminente Giornata Internazionale della Donna, fortemente sentito e voluto dal presidente del Club romano, l’Architetto Alessandro Scaletti, l’incontro, tra il convegno organizzato dall’Avv. Eleonora Di Prisco e la successiva esposizione curata dalla storica dell’arte Nicoletta Rossotti, ha evidenziato il forte connubio tra logos ed estetica nella direzione di una apertura importante, proprio grazie all’Arte e all’arte femminile in questo caso, tra i Paesi, i popoli e le culture diverse che si affacciano sul Mediterraneo, nella sua più vasta e recente accezione geopolitica di unico continente afro – euro – asiatico. E proprio la cultura del Mediterraneo, fondata sui valori del dionisiaco e dell’apollineo, e quella italiana, da sempre esprime arte capace di ispirare gli artisti di tutto il mondo.

Entelechia, perché è un viaggio in itinere

Le opere in mostra parlano di come le stesse donne si raccontano. E la percezione artistica della figura femminile permette di indagare su diversi fenomeni sociali, culturali e sulle nozioni stesse di corpo e identità femminile. Una identità femminile che è in costante marcia e movimento. Da qui il titolo della mostra, “Entelechia”, di derivazione aristotelica, che significa il divenire di tutta l’umanità che poi trova corrispondenza con la propria natura. Le artiste che hanno esposto esprimono in fieri la potenzialità del divenire. Se tra gli obiettivi del Rotary Club di Roma c’è anche quello di contribuire, con spirito di servizio, alla formazione dei cittadini del mondo di domani, attraverso la promozione di una cultura “che avvicini” e della formazione per tutti, – ne è un esempio l’erogazione di borse di studio, con quest’anno 35, agli studenti di una scuola media di un quartiere disagiato a Roma –, con questa esposizione ha inteso valorizzare la straordinaria capacità delle donne dell’arte nel costruire ponti ed abbattere le barriere, soprattutto culturali,  che ancora rappresentano, in alcune aree geografiche, il maggior ostacolo alla parità di genere, mettendo in discussione la libertà stessa delle donne. Lo fanno veicolando messaggi di denuncia, ma anche di tolleranza, fraternità e di pace, come visibile nelle opere esposte. Come proposto da una delle relatrici del convegno, Antonella Pagano, immaginare la costruzione di un codex della Bellezza universale al femminile, da scriversi insieme tutte e tutti, il“Pulchritudinis Codex”, permetterebbe, se è vero che la bellezza salverà il mondo, di indagare quale bellezza. E una risposta possibile potrebbe essere quella di una Bellezza come manifestarsi e attuarsi del Bene.

Le opere, viste da vicino

Due parti compongono l’opera diAnna Addamiano,“La Genesi“ (Tecnica mista, 75X95, 1998-2005): quella inferiore si ispira alla Zattera della Medusa di Théodore Géricault, mentre la parte superiore ospita il manto di Sant’Anna, un’opera attuale in questo momento storico che vede l’imporsi delle criticità dei flussi migratori. Si è detta felice, invece, Simona Capuano, che proprio “Se il Destino” (Spuma su tela, 60X60, 2023) sia stata tra le sue opere quella scelta per l’esposizione, “perché l’acqua dei mari non ha confini e il messaggio d’amore e di speranza – scritto dall’artista, n.d.r. –, contenuto nella bottiglia, è affidato appunto al destino. Non si sa come, quando e chi lo troverà. Ma sarà trovato”.

Nadjia Chekoufi, eclettica visual artist algerina,con “Indigo”,(100X100, 2017), ha lavorato come sempre di istinto e sull’astrazione, esibendo una pittura corposa e materica, con colori molto forti, come in questo caso. Il pigmento steso in modo uniforme sulla superficie elabora i suoi contenuti, con stesure a volte irregolari, ma sempre ben calibrate e bilanciate: ”sento quello che dipingo e dipingo quello che sento, perché ciò che conta di più è la profondità del sentimento, la passione che ho messo in esso, non sono né la novità dei contenuti e nemmeno quella della forma. Non sto cercando di darmi un’immagine, ma è per trovare la mia”. La scelta dell’indaco poi, come pigmento che compone l’opera, è legata al suo uso quotidiano da parte degli Uomini Blu abitanti del Sahara e sta anche a significare l’appartenenza dell’Algeria nella sua integrità al Mar Mediterraneo. Maria Luisa Del Giudice, architetto specialista in restauro, ha una sua storia anche nell’Associazione, prima presidente donna nel 2012-2013 del Rotary Club di Roma, dopo ben ottantotto uomini. Il suo quadro “La donna marocchina” (Colori ad alinina e gesso, 42X65, 1971), è figlio di una passione mai sopita per i viaggi, realizzato molti anni fa, nel 1971, mentre visitava il Marocco e il Sahara spagnolo, quando da ragazza europea allora diciannovenne rimase colpita dall’abbigliamento e dal comportamento imposto alle donne in pubblico.   Infine, nella sua performance video, che l’artista mette in scena anche dal vivo e resa nella mostra da “My feminine image” (Collage carta su cartoncino, 69 x 110 cm, 2021),Marcela Szurkalo, traccia una linea nera e una linea rossa che rappresentano l’uguale e il diverso e raccontano le possibilità di avvicinarci l’un l’altro proprio esprimendo le affinità nel rispetto delle unicità.

Un invito – in sostanza il filo rosso stesso dell’evento del Rotary Club di Roma – ad immaginare una nuova storia, una nuova linea mediterranea allargata, che con diversi alfabeti muove dalla Turchia, si sposta verso la Mesopotamia e poi il Bahrein per andare attraverso il Mediterraneo anche oltre. Una nuova, originale, texture di popoli, uguali e diversi, con nuove parole che danno vita a nuovi pensieri e da lì a nuovi gesti di un futuro da costruire insieme, in un’unica dimensione umana. La più ampia possibile.

Prosegue con successo, sino al 10 aprile 2023, la grande mostra “ARTE LIBERATA 1937-1947. Capolavori salvati dalla guerra” alle Scuderie del Quirinale di Roma curata da Luigi Gallo e Raffaella Morselli e organizzata dalle stesse Scuderie in collaborazione con la Galleria Nazionale delle Marche, l’ICCD – Istituto Centrale per il catalogo e la Documentazione e l’Archivio Luce – Cinecittà.

A curare l’illuminazione delle opere è Francesco Murano, oggi tra i più richiesti progettisti italiani della luce al servizio dell’arte: “Una mostra spettacolare, con oltre cento capolavori da esaltare, presenti  ognuno con uno specifico carattere e in grado di reagire diversamente alla luce – dichiara Francesco Murano -; dipinti ad olio su tavola che si comportano come specchi neri e altri così luminosi come la Madonna di Senigallia da risultare abbaglianti se troppo illuminati; o sculture come il Discobolo che vivono di un’osservazione dinamica per cui la luce che ne investe il movimento deve tener conto del variare anche del punto di vista dell’osservatore. Il risultato è stato un progetto illuminotecnico ricchissimo di luci, ognuna pensata per ciascuna opera, anche se poi l’effetto finale, godibile attraversando le sale, è quello di una illuminazione soffusa, che permette allo spettatore di elaborare la mostra come percorso unitario di lettura storica e artistica”.

In mostra molte riproduzioni fotografiche ed estratti di filmati d’epoca, posti su un fondo in multistrato di legno di pioppo naturale, che evoca il materiale con il quale erano realizzati gli imballaggi impiegati per il trasporto delle opere durante le razzie. Francesco Murano sottolinea le difficoltà dell’allestimento: “Se da una parte si è immersi tra capolavori assoluti, dall’altra si è circondati dalle foto di personaggi e dalle testimonianze dei loro crimini che non devono scomparire nel buio, anche se lo si vorrebbe. L’allestimento, evocativo della vicenda, grazie a sistemi modulari ispirati ai pallet usati per gli imballaggi delle opere, ha richiesto una precisa scelta: illuminare anche le pannellature con una luce adeguata che esaltasse l’intera sofisticata scenografia e rendesse evidenti i richiami all’epoca voluti dai curatori. La collaborazione con loro e con l’equipe delle Scuderie ha dato vita a un’esposizione che, nel confronto tra la bellezza delle opere, il sacrificio di chi le ha salvate e la protervia di chi si è reso responsabile dei saccheggi e delle distruzioni è di per sé stessa un inno alla pace e all’arte come riscatto dell’umanità”.

La mostra, voluta da Mario De Simoni, Presidente e Ad di Ales – Scuderie del Quirinale e Matteo Lafranconi, Direttore Scuderie del Quirinale, e progettata dagli architetti delle Scuderie del Quirinale, Francesca Ercole, Responsabile, Gianluca Bilotta e Alessia Provinciali, offre una selezione di oltre cento capolavori salvati durante la Seconda Guerra Mondiale e un ampio panorama documentario dell’epoca.

Le opere sono riunite grazie alla collaborazione di quaranta Musei e Istituti e sviluppano un racconto avvincente ed emozionante di un momento storico drammatico per l’Italia e allo stesso tempo formativo di una nuova coscienza civile e morale fondamentale per il nostro Paese.

Un’occasione unica per ammirare, per la prima volta riunite nello stesso luogo, opere di altissimo valore artistico fortunatamente sopravvissute: dal Discobolo Lancellotti alla Danae di Tiziano Vecellio a Santa Palazia di Giovan Francesco Barbieri detto il Guercino, dai celebri ritratti di Alessandro Manzoni di Francesco Hayez e di Enrico VIII di Hans Holbein il Giovane fino a numerosi capolavori custoditi nella Galleria Nazionale delle Marche di Urbino, quali Crocefissione di Luca Signorelli, l’Immacolata Concezione di Federico Barocci e la Madonna di Senigallia di Piero della Francesca.

La mostra Santafrika
di Sant’Era e Sabrina Poli approda in Kenya

Dall’8 al 15 marzo 2023 KENYA – Isola di Manda – BLUE Empire

In mostra numerosi scatti iconici con protagoniste giovani donne keniane vestite con abiti couture originali provenienti dalle note collezioni di Maison Martin Margiela – Artisanal e Comme de Garçons.

Dopo il grande successo dell’anteprima nel 2022 a Roma, la mostra SANTAFRIKA ideatada Sant’Era con gli scatti della visual designer Sabrina Poli approda in Kenya nella suggestiva Isola di Manda all’interno del Cottage Blue Empire dall’8 al 15 marzo 2023. In esposizione una selezione di circa venti fotografie, stampate su alluminio, con protagoniste giovani donne keniane vestite con abiti couture originali provenienti dalle note collezioni di Maison Martin Margiela – Artisanal e Comme de Garçons.

Situato sulla fantastica Manda Beach, a pochi metri dal mare e circondato da una lussureggiante vegetazione tropicale, il Blue Empire gode di una vista spettacolare sull’Oceano Indiano, sull’isola di Lamu e sul villaggio di Shela. Il cottage, costruitocon pregiati legni africani e progettato in un raffinato stile esotico, è caratterizzato da tradizionali tetti Makuti e ampie verande ai piedi del mare, dove si possono godere di splendidi tramonti. È proprio in questa location da sogno che la mostra Santafrika trova il suo spazio ideale. Toni charcoal, bianchi, sabbia e rosso vermiglio, caratterizzano le fotografie di Santafrika dove le modelle keniane sono ritratte nell’anima pura e naturale delle bianche spiagge di Watamu. Scatti grafici e netti come se soggetto e ambiente diventassero una superficie all’unisono. Accostamenti inattesi tra abiti sartoriali europei e nipponici, la raffinata eleganza delle modelle e la natura così potente, luminosa, abbagliante. Le acconciature armonizzano e contrastano al tempo stesso con l’ambiente circostante e le modelle interpretano una moda “fuori dal tempo” tra Occidente e Africa.

Il progetto Santafrika, realizzato in Kenya nel 2019, pone al centro dell’attenzione il dialogo tra il nord e il sud del pianeta e l’interconnessione delle due culture espresso tramite l’unione di moda, arte e natura. L’idea di Sant’Era è quella di unire gli opposti di due sue grandi passioni ovvero il rigore concettuale di stilisti nordici di fine secolo come Martin Margiela e l’amore per l’anima autentica del Kenya, luogo in cui Sant’Era ha vissuto.

L’essenza del progetto è il connubio tra due culture opposte che sono in grado di generare una bellezza senza compromessi, attraverso accostamenti contradditori, abiti di alta moda, trecce africane, glitter dorati che rifrangono la luce del sole sul corpo delle modelle. In queste fotografie si può ammirare tutta la naturale bellezza delle donne locali che trasmettono a pieno l’anima della loro terra africana.

“Abbiamo fatto un casting con queste bellissime ragazze africane. – dichiara l’ideatrice del progetto Sant’Era – Sono ragazze comuni che abbiamo fermato per strada, ragazze povere, che difficilmente si vestono con abiti eleganti. Al di là delle bellissime foto scattate, la cosa più emozionante è stata vedere le ragazze così fiere di essere vestite e truccate. Le giovani ragazze si sono sentite protagoniste, fiere di indossare abiti eleganti e di avere un truccatore e un acconciatore tutti per loro. Questa trasformazione, abbinata al loro magnifico portamento naturale, il risultato ha superato ogni aspettativa. “.

SANT’ERA

Sant’era muove i primi passi nel mondo della moda e del beauty negli anni Ottanta, collaborando con aziende leader nel settore cosmetico per capelli. Si trasferisce a Roma, dove lavora con grandi maestri tra cui John Santilli art director di Vidal Sasson: esperienza fondamentale per apprendere le basi e le geometrie del taglio, l’anatomia, il trucco, lo styling.

È punto di riferimento per il mondo cinematografico e quello dello spettacolo. Negli anni Novanta apre il suo primo spazio nasce così Sant’era, a Cesenatico: un ambiente pieno di energia che ospita mostre d’arte, presentazioni di prodotti, eventi per clienti, ospita inoltre amici e chiunque voglia avvicinarsi al suo mondo.

SABRINA POLI

Sabrina Poli, art director e visual designer, lavora nella comunicazione crossmediale. Formatasi presso l’Accademia di Belle Arti di Ravenna e l’Università del Progetto a Reggio Emilia, si dedica da sempre all’arte, design e alla fotografia.

Durante la formazione, master UDP, sviluppa progetti fotografici col maestro Luigi Ghirri, il progetto “Poesie Terapeutiche” con lo scrittore Ermanno Cavazzoni. In seguito collabora a progetti di design con lo studio di architettura Stefano Giovannoni a Milano. Progetta per diversi brand di moda, design e cosmetica tra cui Diego dalla Palma, Fendi Casa e Accademia Bizantina Orchestra.

CENT’ANNI DI NATURA E STORIA AL MUSEO

Venezia, Museo di Storia Naturale Giancarlo Ligabue
1923 | 2023

Nel 1923, cent’anni fa, nel Fontego dei Turchi appositamente restaurato, nasceva il nuovo Museo Civico di Storia Naturale. Qui vennero riunite le collezioni naturalistiche del Fondo Correr, scorporate dal nucleo storico-artistico che veniva  trasferito nel nuovo Museo Correr di piazza San Marco. Ad integrare il Fondo si aggiunsero le imponenti raccolte dell’Istituto Veneto di Scienze Lettere ed Arti, dando così compimento al progetto di un Museo di Storia Naturale a Venezia, a lungo sostenuto dal grande scienziato e naturalista Gian Domenico Nardo. Da allora le ricerche di naturalisti e del personale scientifico del Museo continuano ad arricchire il patrimonio scientifico che attualmente supera i due milioni di esemplari.

“L’importanza per la città di questo museo e la sua considerazione a livello scientifico nazionale e internazionale – ricorda il Sindaco Luigi Brugnaro – è testimoniata dalle continue donazioni ricevute anche in epoca moderna, come quelle, di inestimabile valore effettuate da Giancarlo Ligabue. Lo scheletro del dinosauro e dell’enorme coccodrillo fossile, hanno arricchito, con reperti davvero eccezionali, il patrimonio scientifico del Museo, di cui questa città, famosa per le sue bellezze storico architettoniche, va giustamente orgogliosa”.
“Il programma prevede – evidenzia il Sindaco Brugnaro – visite dietro le quinte, ovvero alle collezioni scientifiche conservate nei depositi usualmente non visibili al pubblico; presentazioni dei progetti scientifici in atto; corsi e conferenze. E, aspetto che reputo fondamentale, laboratori ed attività didattiche per famiglie; appuntamenti serali per l’aperitivo al museo nel periodo estivo ma anche diversi eventi collaterali in altre sedi. Occasioni tutte per avvicinare il più largo pubblico, coinvolgere la città ed il territorio e fare rete”.
“In primavera, ed esattamente sabato 13 maggio, è prevista – anticipa la Presidente della Fondazione MUVE Mariacristina Gribaudi – una giornata di festeggiamenti con punti informativi, laboratori, giochi, spettacoli, per coinvolgere associazioni e istituti che da anni collaborano con il Museo, per condividere questa importante ricorrenza con tutta la cittadinanza. Il programma si sviluppa, con molteplici attività, nell’arco dell’intero 2023 per far conoscere e condividere le attività del Museo, il suo variegato pubblico e la sua evoluzione durante questo secolo di storia”.

Il Centenario sarà celebrato da un ampio ventaglio di iniziative. A metterle in campo il responsabile del Museo di Storia Naturale Giancarlo Ligabue di Venezia Luca Mizzan, con il personale scientifico del Museo.

Uno dei nuclei del Centenario è focalizzato su “il Museo ieri”, alla riscoperta e valorizzazione delle principali collezioni scientifiche e degli scienziati e grandi naturalisti che le hanno create. La presentazione delle attività che il Museo svolge in tutti gli ambiti, e del suo legame con il territorio, è occasione per spiegare cos’è “il Museo oggi” e come molti dei suoi progetti siano condivisi con associazioni, enti e istituti della città. Il Centenario offrirà inoltre l’occasione per ripensare l’allestimento di alcuni spazi museali e integrare parte degli apparati informativi, con particolare attenzione alle postazioni interattive”.
“Vorremmo che il 2023 – aggiunge Mizzan – fosse anche un momento di riflessione e proposta per immaginare il “Museo di domani”; un dialogo “nella” e “con la” città per affrontare insieme i temi sempre più attuali di compatibilità ambientale, transizione ecologica e nuova offerta culturale per questa città e il suo territorio”. “Il “Ligabue” – conclude – è il museo più amato dalle famiglie con bambini, ed è sempre più meta di ospiti di ogni parte del mondo. Con le molteplici proposte di questo Centenario contiamo di affermare definitivamente il nostro Museo come realtà culturale di eccellenza, un’altra gemma, con i suoi peculiari colori, nella ricchissima offerta museale e culturale cittadina”.

LA MOSTRA
“VAN GOGH. Capolavori dal Kröller-Müller Museum”
PROROGA FINO AL 7 MAGGIO

Sono più di 400mila le persone che hanno visitato la mostra di Van Gogh a Roma, ma le richieste continuano ad arrivare da tutto il mondo.
“La mostra dei record”, come viene definita, è sold out da molto tempo, ma vista la richiesta incessante del pubblico,
viene eccezionalmente prorogata fino al 7 maggio.

Dall’8 ottobre a oggi sono oltre 400mila i visitatori che, a Palazzo Bonaparte di Roma, hanno preso parte alla grande mostra dedicata a Van Gogh.
Una mostra che, fin dalla sua apertura, ha registrato numeri record.
La mostra piace perché, come testimoniano i visitatori, ci sono i grandi capolavori di Van Gogh ma c’è anche una ricchezza incredibile di contenuti scientifici, approfondimenti su ogni tema, le sue lettere, l’intrattenimento. È una mostra di grande spessore accompagnata da uno spettacolare allestimento, la formula vincente per farne un evento di straordinario successo.

La mostra è sold out da molto tempo ma le richieste continuano incessanti da ogni parte del mondo. Motivo per cui Arthemisia, in accordo col Kroller Muller Museum, ha deciso di prorogare eccezionalmente fino al 7 maggio.
L’ultima settimana la mostra sarà aperta tutti i giorni fino alle 24.00.

Inoltre, il 30 marzo, in occasione del 170esimo anniversario della nascita di Van Gogh, ci sarà una grande giornata di festa: apertura fino a mezzanotte, musica, drink dedicato al grande artista e palloncini per tutti i bambini.

Con il patrocinio del Ministero della cultura, della Regione Lazio, del Comune di Roma – Assessorato alla Cultura e dell’Ambasciata del Regno dei Paesi Bassi, la mostra è prodotta da Arthemisia, realizzata in collaborazione con il Kröller-Müller Museum di Otterlo ed è curata da Maria Teresa Benedetti e Francesca Villanti.
La mostra vede come main sponsorAcea, sponsorGenerali Valore Cultura, special partnerRicola, mobility partnerAtac e Frecciarossa Treno Ufficiale, media partnerUrban Vision ed è consigliata da Sky Arte.
Il catalogo è edito da Skira con saggi a cura di Maria Teresa Benedetti, Marco Di Capua, Mariella Guzzoni e Francesca Villanti.