Le opere dell’artista Nino Ventura in Liguria

Albissola Marina, 29 aprile 2023: la mostra Arrivano dal Mare al Circolo degli Artisti e il gruppo scultoreo L’esercito del Piccolo Pesce sul Lungomare degli Artisti

A partire dal 29 aprile 2023 ad Albissola Marina una mostra dell’artista – curata da Vittorio Amedeo Sacco – dal titolo Arrivano dal Mare sarà accolta al Circolo degli Artisti (fino al 14 maggio) e in contemporanea il famoso gruppo scultoreo L’esercito del Piccolo Pesce andrà ad arricchire fino a settembre il Lungomare degli Artisti, una delle passeggiate più belle del mondo.

L’evento di Albissola vede il supporto della Fondazione Cento Fiori, della Fondazione Agostino De Mari, oltre il patrocinio del Comune di Albissola Marina e di Albissola Superiore e del Comune e della Provincia di Savona.

«Immersi da secoli nella tradizione ceramica, siamo veramente lieti di poter incrementare la lunga lista di grandi artisti che hanno frequentato le fabbriche del nostro territorio – dichiara Gianluca Nasuti Sindaco e Assessore alla Cultura di Albissola Marina – e che hanno lasciato una indelebile traccia del loro passaggio. Ci lusinga il fatto che Nino Ventura abbia scelto Albissola Marina per una sua personale nello storico e glorioso Circolo degli Artisti di Pozzo Garitta. Ma ci inorgoglisce ancor di più e lo ringraziamo di cuore, per l’installazione “L’Esercito del Piccolo Pesce” sul Lungomare degli Artisti. Quale collocazione più adatta se non all’interno di una vasca/fontana/piscina, vicino ai mosaici ricavati dai bozzetti di alcuni dei grandi artisti che, nel secolo passato, concorsero a creare questo “unicum” mondiale».

«Oggi la nostra sede – afferma Antonio Licheri Presidente del Circolo degli Artisti – è in una fornace dell’800 dove si cuocevano le cosiddette “pignatte” cioè tutta l’utensileria per gli usi di casa e non solo, nella tradizione dell’artigianato locale. Negli anni è avvenuta la magica trasformazione dalla ceramica artigianale a quella artistica, per approdare poi alla ceramica d’artista, grazie ai grandi maestri che costruirono un formidabile rapporto con i nostri artigiani continuando a frequentare o addirittura trasferendosi nel nostro territorio… È in questo spirito che siamo orgogliosi di ospitare nei nostri spazi di Pozzo Garitta, dal 29 aprile al 14 maggio una personale di Nino Ventura».

La mostra

Albissola Marina, Circolo degli Artisti, 29 aprile – 14 maggio 2023

La mostra “Arrivano dal Mare” nella sede del Circolo degli Artisti di Albissola – antica fornace dell’800 – raccoglie circa 30 opere in terracotta dell’artista nato ad Acireale (classe 1959), che ha il suo studio nella Tenuta Cerello a Chivasso in Piemonte. La sua attività artistica si è sviluppata dal 1979 attraverso l’utilizzo di mezzi espressivi diversi, dal teatro al cinema, dalla televisione alla scultura.

Ed è proprio attraverso la scultura che ha dato forma a Pesci, Sirene, Angeli, Dervisci, Maschere e Ninfe, Sfingi e Uomini Pensatori, soluzioni immaginarie di creature che popolano la sua fantasia, le cui fattezze superano il pensiero razionale, come protagonisti delle favole che però vogliono essere solo ammirati ma loro non possono guardare: tutti i personaggi di Ventura, infatti, hanno gli occhi chiusi perché – come dice l’artista stesso – «non vedano le bruttezze del mondo e inducano nello spettatore l’introspezione, il desiderio di guardarsi dentro».

«Il tratto fondamentale dell’investigazione plastica di Nino Ventura aspira e riesce a dimostrare che non esiste separazione fra braccio e mente – dichiara Vittorio Amedeo Sacco curatore della mostra – che la componente artigianale del lavoro dello scultore vale non meno di quella mentale. In altre parole, questo artista falsifica (nel senso che smentisce) qualsiasi concezione meccanicamente dualistica che tenda a superare il corpo della mente, lo spirito della materia, il qui d’altrove. […] La forza creativa dello scultore impatta il bronzo, il vetro e la ceramica. Interviene per piegare ai suoi scopi plastici i materiali la cui struttura molecolare è più adatta a durare nel tempo. Sfida le esigenze dell’equilibrio, quelle della forma, quelle dello spazio e quelle dell’innovazione che, prese nel loro insieme, configurano un progetto di trasformazione della realtà, portatore di principi etici oltre che estetici».

L’esercito del Piccolo Pesce

Albissola Marina, Lungomare degli Artisti, 29 aprile – 3 settembre 2023

L’opera, composta di ben 12 personaggi in terracotta, alti oltre tre metri, realizzata nel 2008 presso il Centro Museale Fornace Pagliero di Daniele Chechi a Castellamonte, si ispira all’esercito di terracotta di Xi’an, costruito tra il 246 e il 206 a.C., riproduzione dell’armata che portò lo stato di Qin alla vittoria e unificazione dell’Impero cinese.

A differenza delle statue cinesi però gli alfieri di Ventura sono pacifici e difendono i valori fondanti che nascono nel bacino del Mediterraneo. Il pesce nella maggior parte delle culture del mondo, è un simbolo positivo, è il primo elemento della vita che si sviluppa nell’ambiente acquatico e, nel Cristianesimo, il “Piccolo Pesce” è Gesù. Su di una scacchiera rimescolata, «è un esercito non aggressivo ma bensì fiero e consapevole che veglia su quanto ci sia di più prezioso» racconta l’artista.

Un esercito tabernacolo, un reliquiario per oggetti che ribadiscono con la loro presenza anche il gesto dell’artigiano, un gesto per creare e ripetere: un esercito di copie non multiple, pronte a iniziare un nuovo viaggio, portandosi nel futuro tutto quanto già visto, già scritto e già conquistato.

CARLA ACCARDI.

Gli anni Settanta: i lenzuoli

Venezia, Museo Correr, Sala delle Quattro Porte

28 aprile – 29 ottobre 2023

A cura di Chiara Squarcina e Pier Paolo Pancotto

In collaborazione con Archivio Accardi Sanfilippo

“L’iniziativa del Museo Correr – afferma la dirigente Area Attività Museali e co-curatrice della mostra Chiara Squarcina – cade a ridosso del centenario della nascita dell’artista che, pur avendo vissuto a Roma, ha stabilito, nel corso della propria esistenza, un legame costante con Venezia, sia a livello individuale che professionale. Tra l’altro, nel 1948 ha esordito alla Biennale facendovi ritorno nel 1964 (sala personale introdotta in catalogo da Carla Lonzi), 1976, 1988 (sala personale) e nel 1993 comparendo anche nell’edizione del 2022. Opere, foto ed altro materiale documentario attestano il suo rapporto con la città lagunare compresa una immagine del 1952 quando, in occasione di una mostra alla Galleria del Cavallino, visitò col marito, l’artista Antonio Sanfilippo, e Tancredi Parmeggiani la collezione Guggenheim”.

Il progetto veneziano a cura di Pier Paolo Pancotto (in collaborazione con l’Archivio Accardi Sanfilippo, Roma) in quanto omaggio e non mostra antologica, presenta, sotto forma di installazione, una ristretta selezione di lavori posti in dialogo con gli ambienti storici del museo, in particolare quelli della Sala Quattro Porte posta lungo il percorso della Quadreria allestita da Carlo Scarpa. Si tratta dei Lenzuoli, un ciclo di opere avviato negli anni Settanta del 900 raramente visibile nel suo insieme e che, pur nella sua specificità visiva e semantica, risulta del tutto indicativo della ricerca dell’artista e, a suo modo, riassuntivo del suo percorso creativo.
“Varie ragioni – annota il curatore della mostra, Paolo Pancotto – rendono Carla Accardi (Trapani, 1924 – Roma, 2014) una delle figure più significative dell’arte del XX secolo. Nel secondo dopoguerra ha contribuito all’affermazione dell’arte non figurativa in Italia promuovendo – unica donna in un consesso interamente maschile – il gruppo Forma (1947); negli anni Cinquanta ha sviluppato la poetica del segno affermandosi tra i protagonisti dell’Art autre di Michel Tapié; nel decennio seguente ha introdotto l’uso di un inedito materiale plastico trasparente, il sicofoil, ed ha abbandonato le tempere a favore di vernici colorate e fluorescenti aprendo la sua ricerca ad effetti optical e ambientali. Superati i Settanta, segnati da un marcato impegno nelle attività sociali e nel femminismo (con Carla Lonzi e Elvira Banotti nel 1970 è stata tra le fondatrici di Rivolta femminile), ha attraversato gli anni 80 e 90 del Novecento ed è approdata al nuovo Millennio con un rinnovato interesse per la pittura sviluppando costantemente il proprio linguaggio fatto di segni e giustapposizioni cromatiche.

RINASCIMENTO A FERRARA
Ercole de’ Roberti e Lorenzo Costa

Ferrara, Palazzo dei Diamanti

Fino al 19 giugno 2023

Mostra a cura di Vittorio Sgarbi e Michele Danieli

Promossa da Fondazione Ferrara Arte (direttore Pietro Di Natale) e Servizio Musei d’Arte del Comune di Ferrara

Vernice per la Stampa: giovedì 16 febbraio 2023, ore 11

Ferrara è stata una delle capitali del Rinascimento in Italia, anche grazie alla corte degli Este e al loro mecenatismo colto e raffinato. Dopo l’esposizione dedicata a Cosmè Tura e a Francesco del Cossa (2007), questa mostra riprende il discorso illustrando l’opera di due artisti molto diversi, entrambi grandi innovatori, seppure ciascuno a proprio modo.

Ercole de’ Roberti esordisce nel 1469 sotto il regno di Borso d’Este, collabora con Francesco del Cossa e si divide tra Bologna e Ferrara fino al 1486, quando rientra in patria e diventa il primo pittore (con regolare salario mensile) della corte estense. Artista dalla fantasia inesauribile, dalla tecnica impeccabile e dall’espressività intensa, Ercole de’ Roberti consegue nelle sue opere un equilibrio di vigore e misura che lo rende uno dei più grandi maestri del tardo Quattrocento padano. Muore ancor giovane e i suoi capolavori sono da subito molto ricercati dai collezionisti, tanto che a Lorenzo gli subentra presso i committenti più prestigiosi, guadagnandosi una posizione di rilievo nell’ambiente felsineo. Qui matura un linguaggio più morbido, più moderno e aggiornato sulle novità di Perugino e, più in generale, della cultura centroitaliana.

Grazie alla sua meritata fama diventa pittore alla corte dei Gonzaga a Mantova, incarico fino ad allora ricoperto da Andrea Mantegna. Nell’arco di quasi mezzo secolo il suo stile conosce una trasformazione profonda, una evoluzione consapevole verso la modernità.

La mostra accoglie quindi il visitatore nel clima della seconda metà del Quattrocento, per accompagnarlo fino al pieno Rinascimento, seguendo il cammino di due artisti straordinari.

1. GLI ESORDI DI ERCOLE DE’ ROBERTI A SCHIFANOIA

I venti anni di governo di Borso d’Este (1450-71) sono caratterizzati da un forte impulso sul versante delle arti figurative che rendono la corte estense uno dei centri più importanti del Rinascimento italiano. Nella seconda metà del 1469 Borso – che sarebbe diventato duca nel 1471 poco prima di morire – commissiona la decorazione del magnifico Salone dei Mesi di Palazzo Schifanoia ed è proprio in questo cantiere che vanno rintracciate le premesse della rivoluzione espressiva di Ercole de’ Roberti. Nel vasto ciclo sono coinvolti molti pittori ma, con l’eccezione di Francesco del Cossa, autore dei mesi di Marzo, Aprile e Maggio, i documenti non riportano i loro nomi.

Nel Settembre è stata individuata la mano del giovane Ercole de’ Roberti, qui al suo esordio, in possesso di uno stile aspro e geniale che lo distingue dagli altri colleghi. A quel tempo Ercole si trova nella bottega di Gherardo da Vicenza, un pittore molto attivo per la corte, che a Schifanoia esegue il mese di Agosto e a cui è attribuita la bella Madonna col Bambino. Autore di Giugno e Luglio è invece il cosiddetto Maestro dagli occhi spalancati (così chiamato per la particolare fisionomia dei suoi personaggi) che si muove fra tradizione tardogotica e aperture rinascimentali, come dimostra l’Ascensione di Cristo.

2. PROVE DI RINASCIMENTO

Alla metà del Quattrocento Ferrara si trova al centro di una fitta rete di avvenimenti artistici: la corte estense è in rapporto con Andrea Mantegna, con Donatello e con artisti fiamminghi come Rogier van der Weyden; in città è presente Piero della Francesca, mentre si consolida la fama della bottega dei Bellini a Venezia, dove arriva anche, alla metà degli anni Settanta, il centese Marco Zoppo. In questo clima ricco e aperto a numerose possibilità espressive – come documenta l’Annunciata che Longhi definisce «stupenda» lamentandone l’assenza alla mostra del 1933 – operano artisti come Niccolò Baroncelli, fiorentino di nascita ma proveniente da Padova, che insieme al genero Domenico di Paris (autore della Sala delle Virtù, nota anche come “degli Stucchi”, a Palazzo Schifanoia) esegue la Crocifissione bronzea per la Cattedrale di Ferrara. Questo gruppo scultoreo trova eco nell’imponente tela del cosiddetto Vicino da Ferrara, pittore già attivo negli anni Sessanta del XV secolo e che in seguito si mostrerà attento agli sviluppi della pittura di Ercole de’ Roberti. Ma in questo torno d’anni l’artista di maggior successo a Ferrara è Cosmè Tura il cui linguaggio ricercato e fantasioso – dal quale lo stesso Ercole riuscirà a suo modo a trarre vantaggio – è qui evocato da due preziose tavole raffiguranti la Madonna dello Zodiaco.

3. A BOLOGNA CON FRANCESCO DEL COSSA

«Considerando che io che pur ho incomenciato ad avere un pocho di nome, fusse tratato et judicato et apparagonato al più tristo garzone de Ferara». Così il 25 marzo 1470 Francesco del Cossa si lamenta con Borso d’Este per la scarsa retribuzione ricevuta per gli affreschi di Schifanoia e chiede se «non dovesse avere a questa volta qualche più premio». Ma Borso non ascolta le sue richieste e Francesco parte offeso per Bologna, insieme a un giovane incontrato proprio a Schifanoia e di cui aveva apprezzato il talento: Ercole de’ Roberti. La prima commissione a cui i due lavorano insieme, tra il 1470 e il 1473, è il grande polittico per Floriano Griffoni, destinato alla chiesa bolognese di San Petronio. Capolavoro di Ercole è la lunga tavola che in origine ne costituiva la predella dove figure, complesse architetture e paesaggi si fondono in uno spazio unitario nel quale i singoli episodi, narrati in simultaneità, si susseguono con ritmo incalzante.

4. «UNA MEZA ROMA DE BONTÀ»

La fama di Francesco del Cossa, grande innovatore, si diffuse in vari centri: a Bologna, ovviamente, come dimostra

l’interpretazione scheggiata di Antonio da Crevalcore, ma anche in Romagna con il Maestro della pala Bertoni che ripropone i suoi fondali fiabeschi, e persino in Piemonte dove la Madonna col Bambino di Martino Spanzotti riprende con precisione una vetrata eseguita da Cossa per la chiesa di San Giovanni in Monte a Bologna nel 1467. Evidenti citazioni dalla celebre Madonna dei Mercanti di Cossa si colgono anche nella cosiddetta pala Grossi di Giovanni Antonio Bazzi, pittore attivo tra Bologna, Reggio Emilia e Parma.

Nel 1478 Cossa muore lasciando incompiuta la decorazione della cappella Garganelli nella cattedrale di San Pietro.

Intorno al 1482 Ercole assume l’incarico di completare gli affreschi: di questa impresa, celebratissima dalle fonti («questa capella ch’avete qua è una meza Roma de bontà», esclamò Michelangelo), sopravvive soltanto uno straordinario frammento con la Maddalena, nel quale rivivono la drammatica espressività e l’intensità emotiva delle opere plasmate dai maestri emiliani della scultura in terracotta, Niccolò dell’Arca e Guido Mazzoni.

5. «IL PIÙ BEL RITRATTO A DITTICO DI TUTTO IL QUATTROCENTO ITALIANO»

Appena giunto a Bologna Ercole de’ Roberti viene subito ingaggiato da Giovanni II Bentivoglio, impegnato a consolidare la propria egemonia politica sulla città per trasformarla in una vera signoria. I ritratti dei coniugi Bentivoglio, giunti da Washington, si ispirano a quelli celeberrimi di Piero della Francesca agli Uffizi raffiguranti Federico da Montefeltro e Battista Sforza: non a caso Battista era sorella di Ginevra Sforza, moglie di Giovanni II. Secondo Roberto Longhi (1934): «È codesto, senza fallo, dopo quel di Piero, il più bel ritratto a dittico di tutto il Quattrocento italiano». Il loro primogenito Annibale, raffigurato da Ercole in un luminoso dipinto eseguito su due facce, sposerà nel 1487 Lucrezia d’Este, figlia naturale del duca Ercole I, a dimostrazione dei legami politico-diplomatici che univano le due corti.

Le opere di Sperandio Savelli e Antonio da Crevalcore sono validi termini di confronto per misurare l’impostazione del ritratto di profilo, che viene più tardi superato, forse dallo stesso Ercole de’ Roberti, nel nitido dipinto di Rotterdam.

6. LA PRIMA MATURITÀ DI ERCOLE DE’ ROBERTI

Negli anni tra il 1471 e il 1485 Ercole de’ Roberti si divide tra Bologna e Ferrara. In questo periodo realizza opere di grande importanza, tra cui le due uniche pale d’altare fino ad oggi note, destinate alla chiesa di San Lazzaro della città estense e a quella di Santa Maria in Porto a Ravenna. Le fonti poi ricordano un terzo quadro, una Pietà in San Domenico a Ferrara, che potrebbe identificarsi con la tavola di Giovanni Francesco Maineri esposta in questa sala. Nei dipinti per l’altare maggiore di San Giovanni in Monte a Bologna dimostra una profonda conoscenza dell’espressività dell’arte tedesca e fiamminga, attraverso le testimonianze presenti a Ferrara e le stampe che a quel tempo cominciavano a circolare. In questo periodo la sua arte giunge a piena maturazione in un raffinatissimo equilibrio tra la monumentalità sintetica della composizione e un’esecuzione incredibilmente attenta e dettagliata, evidente anche in opere di piccolo formato come la Madonna col Bambino fra due vasi di rose.

7. «NEL LAVORO ERA MOLTO FANTASTICO»

Racconta Vasari che Ercole «nel lavoro era molto fantastico, perché quando e’ lavorava aveva cura che nessuno pittore né altri lo vedesse». Non sappiamo se fosse davvero così schivo e ombroso, ma in effetti non ebbe una vera e propria bottega, né lasciò allievi diretti, con l’eccezione, forse, di Giovanni Francesco Maineri. Le sue opere generarono comunque una profonda impressione negli artisti contemporanei, anche di estrazione molto diversa. Se i rapporti con Ferrara del pittore e miniatore Antonio Cicognara sono ancora da chiarire (ma la critica gli attribuiva alcuni affreschi di Schifanoia), il parmigiano Francesco Marmitta riprende la Crocifissione della cappella Garganelli nel suo magnifico messale per il cardinale Della Rovere. Due artisti tuttora anonimi forniscono interpretazioni opposte di Ercole: la arrovellata Dormitio Virginis della Pinacoteca Ambrosiana e l’ariosa Crocifissione di Capodimonte sono tra i rompicapi più complessi della pittura padana.

8. L’ULTIMO DECENNIO DI ERCOLE DE’ ROBERTI

Dal 1486 al 1496, anno della morte, Ercole è il pittore di corte degli Este. I suoi incarichi sono numerosi e variegati: dalla decorazione di oggetti alla produzione di dipinti, dal disegno di elementi architettonici ai cicli di affreschi nei palazzi di città e nelle “delizie”, le residenze dei duchi sparse nel territorio.

Purtroppo quasi tutto è andato perduto, ad eccezione delle preziose testimonianze raccolte in questa sala: il dittico della National Gallery di Londra, che era appartenuto alla duchessa Eleonora d’Aragona; le tavole con la Raccolta della manna e l’Istituzione dell’Eucarestia che – assieme a una terza – formavano un complesso unitario (la predella di una pala o un gradino da porre su un altare); i pannelli con Porzia e Bruto e Lucrezia, Bruto e Collatino parte di una serie dedicata a figure esemplari di donne dell’antichità, forse compresa nella decorazione eseguita per l’appartamento della duchessa nel Castello Estense fra il 1489 e il 1493. Il basamento marmoreo qui esposto, eseguito su disegno di Ercole, doveva sostenere un monumento equestre del duca da collocare nell’attuale piazza Ariostea: un altro dei progetti rimasti incompiuti per la morte improvvisa dell’artista.

9. LORENZO COSTA: L’EREDITÀ DI ERCOLE DE’ ROBERTI E «LA MIGLIORE E DI PIÙ DOLCE MANIERA»

Lorenzo Costa viene da una famiglia di artisti: suo padre e suo nonno sono pittori, e tali saranno i suoi figli e i suoi nipoti. Giunge a Bologna nel 1483, quando in città è ancora attivo Ercole de’ Roberti, principale punto di riferimento durante i primi anni della sua carriera. Lo dimostrano le Storie degli Argonauti, a lungo dibattute tra i due artisti, o l’ambientazione architettonica del dipinto con La lapidazione dei vecchi, parte di una serie di tavole con Storie di Susanna probabilmente destinate a ornare un cassone nuziale. Mentre altri seguaci, come Michele Coltellini (presente nella sala precedente), ne recuperano l’aspetto aspro e irregolare, Costa è il solo che riesce a cogliere l’eleganza del linguaggio di de’ Roberti e a svilupparla in termini più moderni. Con il ritorno di quest’ultimo a Ferrara (1486), per Costa si aprono importanti prospettive di mercato: subentra infatti al collega presso i committenti più importanti, come i Bentivoglio e l’ordine dei Canonici Regolari. Nel 1492 dipinge la grande pala per la famiglia Rossi, «la quale opera è la migliore e di più dolce maniera di qual si voglia altra che costui facesse già mai» (Vasari). I ricordi di Ercole e il magistero di Giovanni Bellini convivono in questa opera notevolissima, affiancata in mostra da alcuni capolavori “da stanza” nei quali coniuga dolcezza e precisione come l’Adorazione del Bambino di Lione, la Madonna col Bambino di Philadelphia e il San Sebastiano degli Uffizi.

10. IL PROTOCLASSICISMO, TRA ADESIONE E RESISTENZA

Durante l’ultimo lustro del Quattrocento Lorenzo Costa sviluppa un suo personale e nuovo classicismo che lo impone sulla scena felsinea, come dimostra il Ritratto di Giovanni II Bentivoglio, immagine ufficiale del signore di Bologna che al maestro ferrarese si era rivolto a più riprese, anche per ornare la cappella di famiglia nella chiesa di San Giacomo. In questo periodo convivono due opere in apparenza difficili da conciliare: la pala per la chiesa di Santa Tecla (1496) è ordinata, semplice e composta come nessuna sua opera fino ad allora e sembra segnare un avvicinamento definitivo all’arte centroitaliana; ma a un solo anno di distanza licenzia un altro dipinto d’altare per la famiglia Ghedini, dove invece si mostra ancora legato all’ornamentazione sovrabbondante di Ercole de’ Roberti,

ai suoi troni dalla struttura aerea che permettono di osservare il paesaggio retrostante. La capacità di spaziare su vari registri è frutto di una curiosità mai esausta e della convinzione che l’estro ereditato da Ercole sia un patrimonio spendibile anche in una congiuntura culturale nella quale si sta imponendo un linguaggio fin troppo ordinato.

11. ACCANTO A FRANCESCO FRANCIA E PERUGINO

Alla morte di Ercole de Roberti (1496), i duchi d’Este assumono un nuovo pittore di corte, chiamando Boccaccio Boccaccino allora a Milano. Nel frattempo a Bologna si andava imponendo la personalità di Francesco Francia, e verso il 1500 giungeva in città una pala del Perugino: questi due artisti, secondo un celebre giudizio di Vasari, sono i primi esponenti della “terza maniera”, ovvero dello stile del pieno Rinascimento.

Costa partecipa a questo clima da protagonista: nel 1499 collabora con Francia alla pala commissionata dalla famiglia Bentivoglio per Santa Maria della Misericordia, dipingendo la briosa predella con l’Adorazione dei magi e la più solenne cimasa tripartita, qui per la prima volta riunite. Nello stesso anno è ancora a Ferrara per affrescare l’abside del Duomo insieme ad altri artisti, tra i quali lo stesso Boccaccino (gli affreschi sono oggi perduti). Sono anni di profonde trasformazioni, che Costa attraversa con grande apertura intellettuale, adeguando il proprio linguaggio senza mai trasformarlo in una formula ripetitiva.

12. 1500-1506: LA FINE DI UNA STAGIONE

Nei primi anni del Cinquecento Costa è in possesso di uno stile pienamente moderno, efficace nelle grandi pale d’altare, nei dipinti da cavalletto e nella decorazione ad affresco.

Improvvisamente nel novembre 1506 la situazione politica precipita: papa Giulio II esercita una pressione sempre maggiore affinché Bologna torni in possesso dello Stato pontificio, fino a che i Bentivoglio vengono cacciati e il loro palazzo raso al suolo. È la fine del tentativo di installare a Bologna una vera e propria corte, sull’esempio della vicina Ferrara. Gli artisti fuggono dalla città, alcuni solo per un breve periodo, altri per sempre; tra questi Lorenzo Costa, costretto dunque ad affrettarsi a terminare le commissioni lasciate in sospeso. Farà ritorno a Bologna alla vigilia del Natale del 1506, per ricevere il saldo dell’Assunzione della Vergine per la chiesa di San Martino, ultima opera eseguita in Emilia, sormontata dalla cimasa con il Cristo risorto qui esposta. In questo periodo concepisce capolavori di nitido e pacato classicismo come la pala con lo Sposalizio della Vergine, firmata e datata 1505, la luminosa Sacra famiglia di Toledo e il magnetico Cristo alla colonna della Galleria Borghese.

13. LORENZO COSTA A MANTOVA

Gli avvenimenti del 1506, per un verso traumatici, offrono tuttavia a Costa l’opportunità di occupare la posizione di pittore di corte dei Gonzaga a Mantova. Da almeno un anno Lorenzo è in contatto con la duchessa Isabella Gonzaga (ma nata Este), che gli aveva commissionato un dipinto per lo studiolo e il suo predecessore, Andrea Mantegna, era appena scomparso (13 settembre 1506). Durante la lunga stagione mantovana il compito di Costa sarà quello di farsi interprete del linguaggio moderno. Perduti i grandi cicli nei palazzi gonzagheschi, rimangono poche ma significative testimonianze dei quasi trent’anni trascorsi in Lombardia. Il maestro ferrarese dimostra di essere aggiornato sul procedere della pittura: si confronta infatti non solo con le morbidezze e le sottigliezze psicologiche di Leonardo, a quel tempo moneta corrente di ogni artista avveduto, ma anche con l’astro nascente di Correggio, che in quegli anni esordisce proprio a Mantova. Da questi incontri scaturisce una pittura lenta, fatta di sfumature insistite e di figure dall’espressione sognante. Tra le opere che compongono la sezione si possono ammirare capisaldi di questo periodo, come la Venere già esposta alla mostra del 1933, la Veronica del Louvre donata al tesoriere di Francia nel 1508, il Ritratto di cardinale di Minneapolis, che torna in Italia dopo più di duecento anni, e la pala eseguita nel 1525 per la chiesa di San Silvestro, dove dieci anni più tardi il grande maestro ferrarese sarebbe stato sepolto.

14. LA FORTUNA DI ERCOLE DE’ ROBERTI

Nel 1599, in seguito a maldestri lavori di ristrutturazione nella cattedrale di San Pietro a Bologna, la volta della cappella Garganelli crolla e in occasione della ricostruzione della chiesa nel 1605 anche le pareti vengono demolite. Alcuni lacerti sono recuperati dal nobile bolognese Alessandro Tanari, ma a loro volta perduti nel XIX secolo. La magnifica Maddalena, esposta nelle prime sale, è l’unico frammento superstite dell’intero ciclo. Fortunatamente Tanari commissiona copie degli affreschi di Ercole, che restituiscono almeno l’aspetto delle composizioni, per quanto parzialmente (in entrambi i casi manca la parte superiore). Sulle pareti della cappella si fronteggiano la drammatica concitazione della Crocifissione, copiata da Francesco Carboni, e la pacata maestosità architettonica della Dormitio Virginis, ripresa da un anonimo maestro nella tela del Louvre (qui esposta) e da Giacinto Giglioli in quella custodita al Ringling Museum di Sarasota.

Concepita con tutt’altro intento è la tavola di Cremona già creduta di Francesco Marmitta che in occasione di recenti indagini si è rivelata invece essere opera del secolo scorso, ascrivibile dunque a un moderno epigono dello stile ferrarese del Quattrocento: curioso caso di studio che dimostra la fortuna e la longevità dei prototipi di Ercole de’ Roberti e di Lorenzo Costa.

SOTTO LO STESSO SOLE
Europa 2500-1800 a.C.

Capo di Ponte (Bs), MUPRE, Museo Nazionale della Preistoria della Valle Camonica

28 aprile – 30 settembre 2023

Venerdì 28 aprile 2023, dalle 15.30 alle 17.30

MUPRE-Museo della Preistoria della Valle Camonica

Via S. Martino, 7 – Capo di Ponte (BS)

Mostra a cura di: Marco Baioni, Claudia Mangani, Maria Giuseppina Ruggiero.

“Sotto lo stesso sole. Europa 2500-1800 a.C.” è il titolo della mostra che vede come protagonisti il MUPRE-Museo Nazionale della Preistoria della Valle Camonica, a Capo di Ponte, il Museo Archeologico della Valle Sabbia di Gavardo e il Museo Civico Archeologico “Giovanni Rambotti” di Desenzano del Garda.

Tra il 2500 e il 1800 a.C. (tarda età del Rame e inizio dell’età del Bronzo) il continente europeo è teatro di importanti trasformazioni, conquiste tecnologiche e cambiamenti sociali ed economici. Il tutto è accaduto “sotto lo stesso sole”, in una Europa che assisteva alle prime prove di reti commerciali e culturali e di linguaggi iconografici comuni. Con le merci e le persone si muovevano le idee, le invenzioni e le culture. Si creano codici comuni, iconografie condivise, patrimoni di immagini che permettono di comunicare tra territori distanti.

Al MUPRE l’esposizione – aperta al pubblico dal 28 aprile al 30 settembre 2023 – ruota attorno ad uno straordinario reperto proveniente dal British Museum: la “lunula” d’oro da Blessington (Irlanda), datata tra il 2400 e il 2000 a.C. Il manufatto si inserisce in una produzione attestata in questo ambito cronologico soprattutto in Irlanda e in Gran Bretagna di preziosi collari in foglia d’oro, chiamati per la loro forma lunulae (dal latino “piccole lune”). A dispetto del nome, tuttavia, questi oggetti non erano collegati tanto alla rappresentazione della luna, quanto al sole e alla sua simbologia. L’uso dell’oro, l’accurata levigazione delle superfici, riflettevano la luce solare con effetti abbaglianti: erano certo ornamenti di grande prestigio che distinguevano per status chi le indossava, forse in particolari occasioni e cerimonie.

L’arrivo in Valle Camonica del prezioso manufatto nasce dalla collaborazione con il British Museum sostenuta nel 2022 da Emanuela Daffra in occasione prestito di quattro stele per la mostra “The world of Stonehenge”, che ripercorreva la storia millenaria di quell’eccezionale monumento.

La lunula di Blessington fa da catalizzatore per scoprire l’esistenza di altre lunule da contesti dell’Italia settentrionale e permette di rivedere con altro sguardo alcune immagini incise sulle stele e sui massi-menhir della Valle Camonica.

Dal Museo dell’Area Megalitica di Saint Martin de Corléans (Aosta) arriva in mostra il pendaglio in rame a forma di semiluna. Giungono dal nuovo Museo Archeologico Nazionale di Verona il pettorale semilunato in argento e l’alabarda di rame da Villafranca Veronese insieme ad altre due lunule in bronzo da Lazise. Sempre da Verona, ma stavolta dal Museo di Storia Naturale, proviene la lunula in bronzo da Torbiera di Guardola (Mantova). Spicca, tra gli elementi in mostra il corredo dalla Tomba 4 da San Giorgio Bigarello (Mantova), che viene qui per la prima volta esposto al pubblico, una doppia sepoltura che comprendeva i resti di un ragazzo e di una donna.

Quanto esposto al MUPRE trova un approfondimento ed un contesto attraverso le tappe che, in successione, coinvolgeranno il Museo Archeologico della Valle Sabbia a Gavardo e il Museo Civico Archeologico “G. Rambotti” di Desenzano.

Al Museo di Gavardo dal 1 maggio fino al 30 settembre 2023 ci si focalizzerà sii rapporti tra l’Italia settentrionale e il mondo transalpino;  da luglio a ottobre 2023, sarà la volta del Museo Rambotti, dove il tema delle reti commerciali e delle connessioni culturali sarà illustrato attraverso lo studio di un manufatto particolare: il brassard, una placchetta rettangolare in pietra, probabilmente utilizzata come parapolsi per gli arcieri, di cui ritroviamo esemplari simili in Italia e in varie parti d’Europa.

Nell’anno di Brescia e Bergamo capitali della cultura, partendo dall’analisi del singolo manufatto, lo sguardo si estende oltre la produzione locale alla ricerca di confronti e contatti con altri contesti dell’anfiteatro morenico del Garda per poi affacciarsi sul panorama europeo.

I VOLTI DELLA SAPIENZA.
Dosso e Battista Dossi nella Biblioteca di Bernardo Cles

Trento, Castello del Buonconsiglio

1 luglio – 22 ottobre  2023

Tra la fine del 1531 e i primi mesi del 1532 Dosso Dossi con l’aiuto del fratello Battista è impegnato nella decorazione della biblioteca del principe vescovo Bernardo Cles nel Magno Palazzo del Castello del Buonconsiglio di Trento. Per la sala che doveva ospitare la preziosa e ricca collezione di libri antichi del cardinale trentino il Dosso pensa ad una decorazione imponente. Sulle pareti realizza affreschi (in gran parte perduti) mentre per i cassettoni del soffitto dipinge una serie di diciotto dipinti  su tavola di abete rosso raffiguranti saggi, filosofi e oratori dell’antichità. Un ambiente meraviglioso che Mattioli, medico di corte, paragona nel poema che pubblica nel 1539 sul Magno Palazzo, a Sistina di Michelangelo e alla loggia di Psiche di Raffaello a villa Chigi, oggi villa Farnesina. Saranno proprio le tavole restaurate e le immagini dei sapienti, filosofi e saggi, a partire dall’arte antica, il filo conduttore della mostra che sarà inaugurata il 30 giugno al Castello del Buonconsiglio di Trento intitolata “I volti della sapienza. Dosso e Battista Dossi nella Biblioteca di Bernardo Cles”  visitabile fine al 22 ottobre 2023.

Sarà una incredibile e straordinaria opportunità di vederle per la prima volta da vicino grazie allo smontaggio e restauro  (attualmente in corso proprio nella Libraria clesiana) e di conoscere le numerose vicissitudini che hanno interessato queste opere.  Nel marzo del 1813 le diciotto tavole, dopo essere state tolte dal soffitto della Libraria clesiana, vennero  portate, per volere del prefetto dell’Altoadige Filippo Dalfiume, nell’Imperial Regio Ginnasio Liceo di Trento (oggi il Liceo Prati). Nel 1922 il soprintendente Giuseppe Gerola le fece riportare in castello ma ne trovò solo dodici,  sei andarono perdute tra il 1813 ed il 1896.  Il restauro si concluderà a maggio e porterà all’antico splendore questo magnifico ciclo pittorico condotto dalla ditta di restauro Enrica Vinante. La mostra, curata da Vincenzo Farinella e Laura Dal Prà, vedrà esposte un centinaio di opere tra sculture, stampe, volumi e dipinti come il celebre quadro raffigurante Eraclito e Democrito di Donato Bramante proveniente dalla Pinacoteca di Brera, i busti in marmo di Omero e Cicerone concessi in prestito dai Musei Capitolini di Roma e dagli Uffizi, le due magnifiche tele del Dosso provenienti dal museo canadese Agnes Etherington Art Centre e dal museo americano Chrysler e ancora opere del Moretto, Salvator Rosa, Andrea Pozzo, Mattia Preti, Luca Giordano, Vincenzo Grandi, Albrecht Duerer e Josè de Ribera.  

Le tavole saranno quindi messe a confronto da una parte con dipinti aventi lo stesso soggetto ma realizzati da altri pittori, dall’altra con opere di Dosso Dossi e di Battista eseguite poco prima o poco dopo gli anni di attività a Trento questo per mettere a fuoco il problema della collaborazione dei due fratelli. Infine, anche in collegamento ideale con l’identità dei Sapienti dosseschi, il percorso si svilupperà a partire da una preziosa serie di busti raffiguranti filosofi e scienziati del mondo antico per  poi  comprendere capolavori del tardo Cinquecento e del Seicento quando le immagini dei più illustri sapienti  organizzate in veri e propri cicli  conosceranno un grande successo.  Fama che darà  vita ad un vero e proprio fortunatissimo genere iconografico, arricchendo raccolte e collezioni private e assecondando la cultura erudita dei committenti del tempo.