‘Troubled Waters’

La mostra per presentare al pubblico gli ultimi lavori dei 10 vincitori del ReA! Art Prize 2022.

Giovedì 18 maggio
dalle 18 alle 21

Lampo, Scalo Farini
(Via Valtellina 5)

Nel nuovo spazio espositivo di Lampo, ReA! inaugura il 18 maggio la mostra ‘Troubled Waters’ per presentare al pubblico gli ultimi lavori dei 10 vincitori del ReA! Art Prize 2022.

Gli artisti sono stati selezionati tra i 100 esposti da una giuria esterna durante la III edizione di ReA! Art Fair. La mostra si sviluppa nel nuovo spazio polifunzionale Lampo, nato dalla riqualificazione dello Scalo Farini. 

I dieci giovani artisti hanno pratiche artistiche eterogenee che nell’allestimento della mostra si mescolano, rimanendo però distinte. ‘Troubled Waters’ porterà i visitatori ad entrare in acque torbide e agitate per osservare la realtà dal punto di vista degli artisti, attraverso le opere esposte.

La mostra sarà aperta al pubblico dal 19 al 28 maggio, tutti i giorni dalle ore 10 alle 21.

Dal 19 al 28 maggio l’Associazione ReA! Arte apre al pubblico ‘Troubled Waters’, la mostra collettiva dei 10 vincitori del ReA! Art Prize 2022. 
Gli artisti sono stati selezionati tra i 100 esposti da una giuria composta da Angelo Crespi, Chiara Ventura, Fabio Cavallucci, Hajnalka Somogyi e Robin Mason durante la III edizione di ReA! Art Fair che si è tenuta alla Fabbrica del Vapore dal 13 al 16 ottobre 2022. Durante la fiera gli altri premi assegnati sono stati: un premio in denaro sponsorizzato da Artsted, e due residenze d’artista in collaborazione con ExtrArtist.

La mostra, curata dal team curatoriale di ReA! (Maria Myasnikova, Rita Meschiari, Erica Massaccesi, Paola Shiamtani, Milena Zanetti e Vittoria Martinotti), si sviluppa nel nuovo spazio polifunzionale Lampo, nato dalla riqualificazione urbana dello Scalo Farini.

I dieci giovani artisti hanno origini e background diversi, pratiche artistiche eterogenee che nell’allestimento della mostra si mescolano, rimanendo però distinte. 

In ‘Troubled Waters’ i protagonisti, che si celano dietro le loro opere d’arte, si ritrovano in acque torbide, senza pretendere di uscirne vittoriosi. L’obiettivo è invece quello di portare il pubblico a fondo con loro durante la visita, permettendogli di osservare la realtà dal loro punto di vista attraverso le opere esposte. Le acque tormentate e agitate non devono far paura, perché è solo lì che si è a contatto con il presente e ci si può connettere con una miriade di configurazioni aperte fatte di luoghi, epoche, questioni e significati.

L’esposizione ha visto impegnati anche gli studenti del corso CReA!, progetto formativo per giovani curatori organizzato da ReA! che affianca al percorso teorico anche delle esperienze sul campo. Per questo motivo gli studenti hanno partecipato alla realizzazione del catalogo della mostra scrivendo i testi sulle opere e aiuteranno il team curatoriale durante l’allestimento.

‘Troubled Waters’ inaugura su invito giovedì 18 maggio, dalle ore 18 alle 21. La mostra sarà poi aperta al pubblico fino al 28 maggio 2023, tutti i giorni dalle ore 10 alle 21.
Artisti: Dario Filippis, Gabriel Cautain, Lea Colombier, Michele Bazzoli, Omar Gabr, Qikai Guo, Simla Iceli, Stefano Ferrari, Tarzan Kingofthejungle, Yingming Chen.

Per confermare la presenza al vernissage è richiesta la registrazione al seguente link inserendo il codice REA_INVITE: 
https://bit.ly/41qhatp

CREA Cantieri del contemporaneo
Isola della Giudecca – Fermata Redentore

Stefan Krygier
Centro di condensazione della forma

19.05 – 30.07.2023

Opening 19.05.2023
ore 18:30

Crea Cantieri del Contemporaneo – Giudecca 211/c, 30133

A Venezia il 19 maggio 2023 alle ore 18.30 da Crea Cantieri del Contemporaneo – Giudecca, si terrà l’Opening di STEFAN KRYGIER Form Condensation Center – Centro di condensazione della Forma. Tre Form Condensation Center o Centri di Condensazione di Forma, che esplorano tre spazi come tre sfere di immaginazioni:
1. connessione con il lavoro,
2. confronto della forma pura con l’ambiente esistente o immaginato,
3. passaggi logici di forma pura.
 
La mostra di Stefan Krygier a Venezia esplora i suoi tre principali filoni artistici esponendo opere ed elaborati come pittore, architetto e professore all’Accademia di Belle Arti di Lodz. Organizzata dal Museo d’arte di Lodz [Muzeum Sztuki w Łodzi], l’esposizione celebra il centesimo compleanno dell’artista ed è fra le più complete finora realizzate sul lavoro di Krygier come principale artista d’avanguardia di Lodz e studente e collaboratore di Władysław Strzemiński. In esposizione composizioni spaziali monumentali fatte di componenti mutevoli (frattali). L’idea innovativa delle composizioni si basa sul concetto di “interazione illimitata” con la diffusione dell’opera che avviene attraverso la sensibilità e l’attività dei “partecipanti accidentali”.
 
L’evento del Lodz Museum of Art coincide quest’anno con la 18a Mostra di Architettura/Biennale di Architettura di Venezia intitolata The Laboratory of the Future. “Lavorando alla mostra – afferma il Curatore Andrzej Biernacki – abbiamo voluto unire Venezia come la città che usa le barche invece delle auto con Łódź [Ing. barca] – la città che ospita progetti culturali eccezionali. Le rive affacciate all’acqua di Venezia e la sua antica Fondamenta dell’Isola della Giudecca costituiscono uno spazio incredibilmente stimolante per ospitare mostre, insieme ai suoi storici cantieri navali e agli studi creativi dell’Accademia di Belle Arti di Venezia”.

Durante la mostra di Stefan Krygier a Venezia, il museo offre anche, tra gli altri, il tour del curatore “Spazio attivo – L’architettura dell’immaginazione” e il concerto di Zygmunt Krauze, il compositore d’avanguardia più acclamato della Polonia, il creatore della metaplastica come spazio-e- composizioni musicali e autore della teoria dell’unismo in musica. Il concerto si svolgerà a fine giugno nella splendida Fondamenta della Giudecca.
La mostra si conclude con il finissage celebrativo abbinato alla più grande e popolare festa veneziana: La Festa del Redentore, quando viene costruito un Ponte di barche che unisce la Fondamenta delle Zattere alla Chiesa del Redentore alla Giudecca, proprio a pochi metri da dove si tiene l’esibizione e, con tutti gli abitanti nelle barche addobbate, si tiene il famosissimo spettacolo pirotecnico.
 
Il Museo Sztuki di Łodzi in Polonia è uno dei più antichi musei d’arte moderna del mondo e ha attualmente come obiettivo principale la creazione di condizioni che consentano al destinatario contemporaneo di comunicare con il lavoro artistico delle generazioni passate e presenti, e quindi di risvegliare in lui la capacità di vedere, comprendere e sentire autonomamente la realtà circostante. Il museo promuove l’arte come elemento importante della vita sociale capace di rendere più completa e preziosa l’esistenza umana. Il rapporto di grande vicinanza fra l’attività della sede espositiva e i movimenti delle avanguardie artistiche ha sempre caratterizzato la storia del Museo, determinando nella sua attività una particolare enfasi nel promuovere e divulgare i fenomeni artistici progressivi e creando un rapporto di cooperazione e sinergia con i loro creatori.
 
“Centro di condensazione della forma” – è una zona spaziale aperta. In quanto insieme di forme con un carattere specifico, è un punto di riferimento per la corrispondente forma di elementi mobili che possono essere distesi fuori dal centro. Questi elementi possono essere collocati in diverse situazioni sia dall’autore che da altre persone. Gli elementi distribuiti del centro creano il “Sistema di Open Imagination” e “Free Play”. Invece di una zona limitata nelle arti visive, propongo un centro di condensazione della forma, la cui portata non è limitata nel tempo o nello spazio. Gli elementi integranti del centro diventano proprietà di tutti. La zona di azione è in continua espansione e copre sempre più situazioni derivanti dall’attività dei partecipanti al gioco.

BREVE BIOGRAFIA

Stefan Krygier è nato nel 1923 ed è morto esattamente 20 anni fa. È stato professore al PWSSP di Łódź e alla Facoltà di Architettura dell’Università di Tecnologia di Varsavia. Era un pittore e architetto, allievo di Władysław Strzemiński. Inizialmente, Krygier si riferiva al cubismo, in seguito trovò mezzi individuali di espressione artistica. Il segno distintivo delle opere di Krygier è la compenetrazione dei piani nei suoi dipinti: è così che ha avuto l’impressione della quarta dimensione.

05 Maggio 2023 – 02 Ottobre 2023

Venezia, Museo Fortuny – Piano terra

GIOVANNI SOCCOL. Riflessioni notturne

Mostra promossa dal Comune di Venezia e dalla Fondazione Musei Civici Veneziani
A cura di Chiara Squarcina

“Giovanni Soccol. Riflessioni notturne”, proposta dal 5 maggio al primo ottobre al piano terra del Museo di Palazzo Fortuny, a cura di Chiara Squarcina, è una installazione composta da un ciclo di dieci opere pittoriche inedite del pittore veneziano.
La tematica del ciclo di dipinti nasce dalla visione di un’architettura veneziana che sorge dall’acqua dove riflettendosi si dissolve.
Soccol ha voluto, infatti, rappresentare il fascino di un’apparizione che può svanire, appartenendo più al sogno che alla realtà.
“Presiede al tutto – è l’analisi della Dirigente Area Attività Museali, Chiara Squarcina – un’analisi dei rapporti geometrici che legano gli elementi compositivi in una visione non prospettica, ma proiettata ortogonalmente alla tela per non alterare la geometria delle forme”.
“Una luce notturna raccorda e unisce tra di loro gli elementi, conferendo alle architetture un’atmosfera metafisica, non nuova nella ricerca dell’artista veneziano in quanto costituisce il fil rouge che sottende la sua ricerca degli ultimi decenni”.
Per questa serie di dipinti Soccol ha scelto dieci architetture-simbolo che si affacciano sul Canal Grande, a partire dalla Dogana de Mar fino alla Chiesa di San Simeone, ognuna delle quali ha suscitato in lui un interesse particolare, risoltosi in un dialogo formale e spirituale.
Le tele, il cui telaio misura cm 200 di altezza per 150 di larghezza, sono tutte dipinte a tecnica mista, ossia base a tempera magra, corpi ad emulsione acqua in olio, velature oleo-resinose, il tutto preparato direttamente nell’atelier dall’artista, seguendo una ricerca sulle metodologie storiche tradizionali di cui Giovanni Soccol ha anche nel dettaglio relazionato nell’ambito del convegno “Tecniche della pittura in Italia tra Ottocento e Novecento”, organizzato dall’Università Ca’ Foscari proprio a Palazzo Fortuny nel 2019.
Soccol è pittore, architetto e scenografo. Si forma artisticamente negli anni Cinquanta sotto la guida di Ilse Bernheimer e Gennaro Favai e poi di Guido Cadorin. Nel 1956 frequenta la Scuola Libera del Nudo presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia e si laurea in Architettura nel 1967 con relatore Carlo Scarpa. Nel 1974 succede a Mario Deluigi nella cattedra di Scenografia all’Accademia di Belle Arti di Venezia.
La sua prima personale si tiene a Trento, alla Galleria Argentario, nel 1969.
La pittura di Soccol, nel periodo non figurativo, sviluppa una percezione emozionale e impalpabile del mondo, fatta di micro-segni, punti colorati e cromie vibranti che caricano l’opera pittorica di una forte valenza psicologica. Ne sono compiuta espressione le serie delle Visioni e dei Mesi. Segue quindi un accostamento alla figurazione attraverso le Isole e le Basiliche, alla fine degli anni Ottanta. Nella sua produzione successiva, le Petroliere, i Teatri, le Maree e i Labirinti d’invenzione, caratterizzata da immagini di grande potenza onirica, gioca un ruolo primario un tessuto pittorico volto a ottenere effetti di luminosità nel contrasto chiaroscurale delle masse.

AFRICA 1:1
Cinque artisti africani a Ca’ Pesaro

Venezia, Ca’ Pesaro Galleria Internazionale d’Arte Moderna

Piano terra e Project room
20 maggio – 1 ottobre 2023 

In collaborazione con AKKA Project e Africa First by Serge Tiroche 

Venezia propone una ventata d’aria fresca proveniente dal continente africano: dal 20 maggio al 1 ottobre 2023, Ca’ Pesaro – Galleria Internazionale d’Arte Moderna accoglie AFRICA 1:1 Cinque artisti africani a Ca’ Pesaro, esposizione di opere site-specific create da Option Nyahunzvi (n. 1992 Zimbabwe), Pamela Enyonu (n. 1985 Uganda), Alexandre Kyungu (n. 1992 DRC), Boniface Maina (n.1987 Kenya) e Ngugi Waweru (n. 1987 Kenya).

L’esposizione è il frutto del progetto messo in atto da AKKA Project, Africa First e Ca’ Pesaro che, nello spirito della 18esima Biennale di Architettura, hanno dato vita a AFRICA 1:1 LAB, Artists Residency Program, progetto di residenza d’artista che ha portato 5 giovani artisti africani a sperimentare il vivace ambiente artistico veneziano e, al contempo, a offrire il loro personale contributo creativo alla città, che si prepara al preannunciato Laboratorio del Futuro della 18esima Biennale di Architettura curata da Lesley Lokko.

Le residenze hanno visto la creazione di 5 spazi di lavoro, veri e propri studi, presso AKKA Project e al contempo l’immersione dei giovani artisti africani nel contesto culturale veneziano e di Ca’ Pesaro in particolare.
Attraverso lo studio della storia della Galleria, dei documenti originali e delle opere dei Maestri conservati nella collezione permanente, i cinque autori in residenza hanno costruito inediti dialoghi con la tradizione visiva della città e con la storia del Palazzo sul canal Grande.
L’arte contemporanea africana entra così negli spazi della Galleria Internazionale d’Arte Moderna con Pamela Enyonu, Alexandre Kyungu e Ngugi Waweru che introducono un’ampia riflessione sui temi dell’identità, del trauma e degli spazi socio-politici; Boniface Maina, invece, contribuisce al dialogo instaurato con le raccolte del Museo attraverso una visione surrealista, mentre Option Nyahunzvi esplora nuovi contesti di spiritualità.

Cento anni di NasonMoretti.
Storia di una famiglia del vetro muranese

Murano (Ve), Museo del Vetro

19 maggio 2023 – 6 gennaio 2024

A cura di Cristina Beltrami e Chiara Squarcina

La mostra celebra una nota realtà muranese, la NasonMoretti che nel 2023 festeggia cent’anni di attività.
“Un’occasione” – come afferma la Presidente della Fondazione MUVE, Mariacristina Gribaudi – “per guardarsi indietro, svelare gli archivi e condividere con il pubblico del Museo del Vetro una storia aziendale importante fatta di oltre diecimila modelli”.

“La mostra – e il successivo volume celebrativo edito da Marsilio – daranno conto degli oggetti di maggior successo creati dalla fornace e delle collaborazioni con alcuni importanti nomi del design e dell’architettura, senza trascurare una sezione dedicata all’attualità a dimostrazione della vitalità di questa grande impresa familiare muranese”, anticipano Cristina Beltrami e Chiara Squarcina, curatrici dell’esposizione.

Nata nel 1923, come Cristalleria Nason & Moretti, l’azienda sceglie fin da subito uno specifico indirizzo – l’arte della tavola – e, con un piglio di profonda modernità, è capace di tenere fede alla tradizione tecnica del passato reinterpretandola secondo formule contemporanee e una lavorazione, già allora, semi-industriale per l’ampio utilizzo dello “stampo”. La prima sala accoglierà infatti il visitatore con un allestimento scenografico di grande effetto che metterà subito in evidenza come la peculiarità della NasonMoretti sia legata all’arte della tavola con oggetti dalle forme più varie e dalle colorazioni intensissime.

Il percorso espositivo prosegue cronologicamente dai servizi simbolo, come il Francesca del 1926, del quale si conserva un esemplare al Museo della Wolsfoniana di Genova, e il Servizio per il Vittoriale del 1930 in vetro nero e rosso corallo o il Rep, calice ufficiale delle tavole del Quirinale – sempre in uno stretto dialogo tra disegno e oggetto realizzato.

Forte di una palette ricchissima e di una costante apertura al nuovo la Nason & Moretti è divenuta un punto di riferimento del design, fin dal 1955 quando le coppe Lidia si aggiudicano il Compasso d’oro. Quella stessa serie di vetri che due anni più tardi, nel 1956, l’architetto Philip Johnson dona al museo MoMa di New York. A partire dalla metà degli anni cinquanta la Nason & Moretti è anche una presenza costante delle Biennali veneziane.
L’esposizione si chiuderà infine con una serie di vetri iconici più recenti – per lo più ancora in produzione e con alcune collaborazioni con artisti e designer contemporanei come Fabio Bortolani, Maria Grazia Rosin, Marco Zito, Matteo Zorzenoni.

“Questa mostra” – a sottolinearlo è il Sindaco di Venezia Luigi Brugnaro – “vuole essere non solo un momento di riscoperta e condivisione rispetto ad una realtà di un passato prestigioso ma intende omaggiare una delle eccellenze veneziane tra le più famose nel mondo. Celebrare il secolo di attività di una storica realtà del nostro territorio è anche onorare la tenace resilienza dei maestri vetrai muranesi che hanno saputo rimboccarsi le maniche e superare degli anni particolarmente difficili. Venezia e questa Amministrazione comunale, saranno sempre dalla parte di chi onora la tradizione veneziana e la esporta nel mondo ma, soprattutto, sarà sempre pronta a difendere questa arte perché possa continuare ad affascinare e ad incuriosire soprattutto le nuove generazioni”.
La famiglia Nason, profondamente unita, ribadisce infine: “Siamo orgogliosi di ricordare la storia della nostra azienda, ancora con un’impronta familiare come lo fu fin dagli esordi. Ripercorrere i modelli e le vicende del nostro passato ci ha riportato alla memoria tanti momenti che ci fanno guardare al futuro con ancora maggior fiducia”.