Dopo un articolato percorso di sperimentazione l’artista è pervenuto all’idea secondo cui la progettazione dello spazio collettivo non può oggi limitarsi esclusivamente alla consueta prassi di collocare nello spazio comune un’opera in una scala adeguata al contesto. Difatti questa, a prescindere dalla sua qualità, ha per sua natura un elemento divisivo intrinseco, che contraddice l’idea stessa di spazio pubblico. L’elemento divisivo consiste nel fatto che l’opera, così concepita, rischia di essere espressione di un particolare e ristretto ambito culturale e sociale che difficilmente potrà relazionarsi con la totalità della società.

La sfida inerente all’elaborazione dello spazio pubblico è davvero grande, in quanto richiederebbe la capacità di pensare oltre le convenzioni tradizionali, in questo caso oltre l’archetipo del monumento o i suoi derivati rivisitati in una chiave contemporanea. Dobbiamo veramente scandalizzarci se qualcuno non sentendosi rappresentato da questa forma, e dal retaggio che questa presuppone, ne contesta in qualche modo la legittimità?

La domanda che si è posto l’artista è se oggi esiste ancora una dimensione accomunante tutti gli esseri umani a prescindere dalle numerose differenze sociali, economiche e culturali. La risposta a questo quesito ha richiesto diversi anni di ricerca nei quali l’artista ha realizzato, a partire dal 2013 a oggi, diverse opere “pubbliche” in luoghi difficilmente raggiungibili come deserti, boschi, montagne. La motivazione per una tale attività, apparentemente incongruente, consiste proprio nella volontà di comprendere sul campo criticità e potenzialità dell’opera pubblica e le sue possibili formulazioni oltre i suoi aspetti convenzionali.

Se l’opera d’arte tradizionalmente intesa nel contesto pubblico reca intrinseci elementi di divisività, difficilmente eludibili in un’ottica autenticamente democratica, la possibilità di focalizzare l’attenzione creativa sui processi di trasformazione interiore e sulle resistenze a questi è un terreno che l’artista ha ritenuto essere l’elemento essenziale che accomuna l’esperienza umana.

Ogni essere umano indistintamente è chiamato per vivere ad affrontare complessi processi di trasformazione e rarefazione di stati emotivi che lungi dall’essere una questione privata diventano piuttosto qualcosa di socialmente rilevante, in quanto strettamente connessi alla dimensione del pensiero e del comportamento.

L’installazione pensata nello spazio pubblico esterno ha come titolo Il giardino delle idee cristallizzate. Numerosi blocchi di salgemma rosa e grigia sono collocati su esili strutture di acciaio. Questi effimeri elementi, perfettamente assimilati e quasi mimetizzati nel paesaggio, sono intesi da Marcello Tedesco come sedimenti di idee cristallizzate, immobili e inerti manifestazioni di un passato che in qualche modo inibisce la formulazione di idee nuove, le quali a loro volta diventeranno comportamenti inediti. Il processo di trasformazione predisposto dall’artista consiste nell’esporre questi sedimenti minerali alle forze della vita: ossigeno, umidità, calore, luce, buio, tempo. L’azione concertata e simultanea di questi innesca un processo irreversibile di rarefazione progressiva della materia, che nel corso del tempo dissolve silenziosamente ma inesorabilmente i blocchi di salgemma.

Il processo materiale al quale assistiamo è similitudine di una trasformazione inerente ai pensieri che ogni singolo individuo può attivare per superare l’azione inibitoria che blocca l’affiorare di nuove prospettive. Attraverso il linguaggio di una scultura, intesa come capacità di rivelare le forze latenti della realtà, l’artista offre la possibilità di comprendere e interiorizzare uno stato di cose che riguarda ogni singolo essere umano e trarre dall’osservazione di questo processo ispirazione per la de-mineralizzazione dei propri pensieri.

Il processo appena descritto e le relazioni che innesca tra individuo e gruppo, tra paesaggio naturale e contesto urbano e il mutuo reintegrarsi di essi, sono come Tedesco intende l’opera pubblica in questo frangente. Dunque, in questo caso alla comunità è offerta una sorta di misterioso dispositivo per favorire quanto appare necessario attuare per la rigenerazione sociale, attraverso non astratte ideologie, bensì mediante un’esperienza reale.

L’installazione presentata all’interno di Museo Spazio Pubblico affronta, come l’opera nel giardino, il tema della dissoluzione dei sedimenti minerali. Tuttavia, qui la sostanza utilizzata è il cloruro di calcio, materiale mai utilizzato in campo artistico, il quale ricorda in modo impressionante l’aspetto delle ossa; come a dire che siamo davanti ad un processo di trasformazione molto profondo e radicale. Qui si affronta la dissoluzione di pensieri provenienti dal passato che si sono “nascosti” e intersecati nella parte più remota dell’essere umano e da lì agiscono come forze bloccanti.

All’interno di alcune teche di cristallo il processo di rarefazione è colto in varie fasi, la cruenza di tale azione è testimoniata dall’aspetto estremamente traumatizzato sia delle teche che del cloruro di calcio in fase di disgregazione. L’impressione che si ha è quella di assistere a un processo di trasformazione interiore, l’impianto formale e i materiali utilizzati tendono a sottolineare questo sguardo fissato verso l’interno, dove la trasparenza è sinonimo di capacità penetrativa e osmosi tra un dentro e un fuori. Questo aspetto evidenzia la stretta relazione tra vita interiore e sociale.

La capacità scultorea di Marcello Tedesco di rendere visibile le forze architettoniche del reale, certamente oltre gli assunti esclusivamente materialistici, in quest’opera appare in tutta la sua sconcertante evidenza. Anche se formalmente l’opera è lontana dal sembrare qualcosa di inerente alla rappresentazione dell’essere umano è dall’altro lato evidente come invece l’artista riesca a cogliere attraverso le sue “azioni scultoree” la realtà umana in modo profondo e universale, sapendo equilibrare, in un linguaggio incisivo, il processo e la sua (temporanea) formalizzazione.

Riteniamo che questo peculiare approccio all’opera pubblica possa dare qualche ulteriore impulso alla sua elaborazione, nella speranza che un crescente numero di individui senta la necessità di de-mineralizzare il proprio pensiero, liberandolo da sedimenti ormai svuotati di vita.

La genesi dell’opera sarebbe quindi da ricercare in un doppio binario, che da un lato analizza la figura dell’uccello cardinale, in particolare modo nella sua valenza simbolica e cromatica, e dall’altro, attraverso l’utilizzo di un materiale come la cera, abbraccia una riflessione più ampia sul rapporto dell’uomo con le forze naturali. 

Gli uccelli rappresentano il rapporto fra la terra e il cielo, fra ciò che è terreno e ciò che è divino: una creatura capace di abitare entrambe queste sfere e di esserne perciò messaggero. Il rosso è invece il colore che allude alla passione e al sangue, colore vivo e vivificante, ma contemporaneamente foriero di una sfera sensibile profonda e umana. Anche l’ulivo, per cui l’istallazione è stata pensata, ha un significato che spazia dal mito alla tradizione cristiana: albero caro ad Atena che lo donò al popolo ateniese, ma anche il simbolo degli ultimi momenti prima della passione di Cristo. La cera, invece, materiale morbido e plasmabile, allude alla possibilità di mutamento, di trasformazione, in particolare, in questo senso, una trasformazione collegata ad agenti naturali. 

L’installazione inaugurerà la stagione estiva, contraddistinta in questi ultimi anni da temperature alte, siccità, o fenomeni atmosferici potenti e incontrollati: l’azione umana, che l’artista rappresenta attraverso la sua azione e creazione, sottostà inevitabilmente a quella della natura, che ha tentato in passato di plasmare, ma che, sempre più palesemente, lo consuma, pagando il dazio di maltrattamento perpetrato per secoli. 

Come scrive Chiara Guidoni nel testo di presentazione: «Francesco Petrone riflette su un cardine, un cardinale, che apparentemente non ha centro, ha anzi il potere di cucire la terra al cielo con il suo andamento. Un cardinale che, parafrasando Platone, con la forza della sua ala “tende per sua natura a portare in alto ciò che è pesante, sollevandolo dove abita la stirpe degli dei”. Cardinali appollaiati, che dalla loro solitudine sono tornati stormo, a riposo, a guidare la strada degli spettatori in un viale di alberi sacri a molti: pagani, profani e cristiani. L’artista sceglie quindi questa casa per le sue sculture, a fornire loro un’aura di pace e prosperità, ad augurar loro una vittoria che non cinga solo il loro capo di ulivo, ma il loro essere e i loro significati».

Francesco Petrone – Note biografiche

Francesco Petrone (Foggia, 1978) vive e lavora a Roma. Si laurea con lode presso l’Accademia di Belle Arti di Foggia; ha lavorato come scenografo per il teatro e il cinema ed è docente presso il Liceo Artistico Argan di Roma. La sua pratica è incentrata su un’analisi del contesto contemporaneo attraverso l’uso della scultura non come fine ma come mezzo di indagine. L’interesse si situa sul simbolo, che riporta attraverso l’uso di materiali industriali e freddi, quali cemento armato e ferro, ma anche quotidiani e caldi, quali legno, pane, ghiaccio, muffe e muschi. Artista votato alla circolarità, riconosce la coincidenza dei concetti di inizio e di fine, se ne fa messaggero, attraverso forme, idee e materiali. Il suo campo di indagine comprende anche una pratica più effimera, legata alla trasparenza e all’inafferrabilità, avvicinandosi al concetto di tempo, che egli riflette nel vetro, in un gesto che è lo specchio del suo processo di indagine artistica verso l’essenza. Fra le mostre si segnalano: Station to Station (Reggio Calabria, 2021), Biennale d’Arte di Viterbo (Celleno), Lazzaro Art doesn’t sleep (New York, Milano, Roma, Palermo, Istanbul), Ingombri/Altro altrove, MAAM – Macro Asilo(Roma), Atelier d’Artista – MACRO Asilo (Roma), Art Room 72 (Shangai), Apulia Land Art (Alberobello (BA)), Collezionisti&Collezioni, MARCA (Catanzaro), ARTSIDERS, Galleria Nazionale dell’Umbria (Perugia), Mosche nello stomaco, MAAM (Roma).

Meglio il volo dell’uccello che passa e non lascia traccia, del passaggio dell’animale, che resta segnato per terra.
L’uccello passa ed è dimenticato, e così dev’essere.
L’animale, dove non è più, e perciò non serve a niente, rivela di esserci stato, e ciò non serve a niente.
Il ricordo è un tradimento alla natura, perché la natura di ieri non è natura.
Ciò che è stato non è niente, e ricordare è non vedere.
Passa uccello, passa e insegnami a passare!

Alberto Caeiro (eteronimo di Fernando Pessoa), Il guardiano di greggi, XLIII,1011-1912

Contaminazioni è un progetto nato dalla collaborazione tra l’Università degli Studi di Brescia e l’Accademia di Belle Arti di Brescia SantaGiulia nel 2023, in concomitanza con Bergamo e Brescia Capitale Italiana della Cultura 2023. Lo scambio di visioni tra scienze biologiche e discipline artistiche ha visto gli studenti di UNIBS lavorare su biomateriali utilizzando microrganismi come funghi e scarti organici agro-industriali e urbani forniti da A2A, promuovendo la sostenibilità e il recupero dei rifiuti urbani. Successivamente, gli studenti dell’Accademia SantaGiulia hanno utilizzato questi biomateriali per creare opere d’arte innovative. Il carattere multidisciplinare del progetto che si muove tra arte e scienza, intende sperimentare nuove metodologie artistiche rispondendo alle esigenze dell’economia circolare e della transizione ecologica.

Il progetto sarà accompagnato da una pubblicazione scientifica, redatta in collaborazione tra l’Università degli Studi di Brescia e l’Accademia di Belle Arti di Brescia SantaGiulia. Il gruppo di ricerca dell’Accademia SantaGiulia è coordinato dal Prof. Marco La Rosa, coadiuvato e supportato dai docenti Elena Rogna e Mario Branca, e da Anna Cancarini, Duccio Guarneri, Martina Oldani, Giovanni Rossi e Alessandra Viola, studenti ed ex studenti dell’Accademia.

Analogamente alla ricerca scientifica, la formula del Final Critics rappresenta un elemento essenziale per l’ente formativo bresciano. Giovedì 20 giugno, gli studenti del biennio di Arti Visive Contemporanee hanno avuto l’opportunità di incontrare e presentare a tre ospiti d’eccezione, selezionati dalla rete di contatti dell’Accademia nel mondo dell’economia dell’arte, una selezione delle opere più rappresentative del loro percorso. Gli illustri ospiti di questa edizione sono stati il gallerista Federico Rui, il collezionista Andrea Boghi e la curatrice Ilaria Bignotti, offrendo così ai giovani artisti una rara occasione di dialogo e confronto, essenziale per la crescita e maturazione del loro linguaggio artistico, e consentendo loro di ricevere un feedback immediato e costruttivo. A completare tutto, l’ospitalità e la collaborazione intrapresa con l’Associazione Culturale Carme, che dal 2017 lavora e ricerca artisti locali e internazionali, puntando a definire le nuove estetiche e tendenze nell’arte contemporanea attraverso diversi tipi di media, e che accoglierà nei suoi spazi i lavori degli studenti.

La mostra inaugurerà al pubblico venerdì 21 giugno 2024 dalle ore 18.00 alle ore 21.00 e sarà visitabile sabato 22 e domenica 23 giugno 2024 dalle ore 15.00 alle ore 22.00.

Scienza, tecnologia e comunicazione si incontrano per una riflessione sul presente e sul futuro del Vino italiano. La conferenza di domani vedrà un confronto a partire dai tre tre ambiti di competenza dei relatori: Gabriella De Lorenzis, professore associato in Arboricoltura generale e Coltivazioni Arboree presso il Dipartimento di Scienze Agrarie ed Ambientali dell’Università di Milano “Nuovi orizzonti per una difesa sostenibile della vite dalle malattie fungine“; Corrado Di Natale, professore ordinario di Elettronica presso l’Università di Roma Tor Vergata e direttore del Centro Indiperdimentale di Volatilomica ‘A. D’Amico’ “La volatilomica del vino: una metolodogia per l’analisi della qualità del vino“; Costantina Vocino, co-founder di VINO SAPIENS “L’assaggio consapevole: il vino è, prima di tutto, relazione“.

Cosa aspettarsi

Gabriella De Lorenzis, “la produttività della vite è fortemente influenzata, in termini sia quantitativi sia qualitativi, dall’incidenza di fitopatie causate da fitoplasmi, funghi, batteri e virus. Attualmente, il controllo di queste malattie dipende strettamente dall’impiego di prodotti fitosanitari ad attività fungicida, il cui utilizzo è regolamentato dalla Direttiva 2009/128/CE. La forte incidenza di queste malattie, le limitazioni sull’utilizzo dei prodotti fitosanitari e la resistenza ai fungicidi hanno spinto la comunità scientifica a ricercare soluzioni alternative e di supporto all’utilizzo di questi prodotti“. È probabile che la Professoressa relazionerà sulle possibili soluzioni alternative tra cui l’uso dei composti organici volatili (VOC) e l’utilizzo esogeno di double-stranded RNA (dsRNA) spiegandone i meccanismi. “L’adozione di queste pratiche alternative per il controllo delle malattie, ci proiettano verso una viticoltura sostenibile, più rispettosa dell’ambiente e dell’uomo. L’ottimizzazione delle molecole di dsRNA e l’identificazione di geni nuovi geni bersaglio sono alla base dei programmi di ricerca svolti dal Dipartimento di Scienze Agrarie ed Ambientali dell’Università degli Studi di Milano. Queste attività rientrano nei progetti di ricerca Grape4vine (Grape for vine: recycling grape wastes to protect grapevine from fungal pathogens) e SMARTBERRY (Smart Biotechnology for Sustainable Berry Cultivation).

Corrado Di Natale: “Poiché gli odori sono miscele di composti chimici, il riconoscimento avviene attraverso l‘attivazione di diverse combinazioni di recettori, connessi alla mucosa della narice attraverso una proteina transmembrana che blocca la molecola della sostanza volatile permettendo al recettore di scatenare il segnale che viene letto dal cervello come odore. Noi siamo quindi abituati a pensare agli odori in termini di sensazione fisica evocativa. Il naso artificiale invece considera gli odori strettamente dal punto di vista della struttura molecolare e delle proprietà chimiche». “Nel naso elettronico – anticipa il professore – le molecole odorose che si staccano dal «rumore di fondo» dell‘aria sono catturate da un sensore chimico che le aggancia, pesate su una microbilancia al quarzo piezoelettrico che trasforma la modificazione chimica della superficie segnale elettrico, raccolto e processato da un computer.  Il riconoscimento avviene per confronto con un database di odori noti”. Viene da chiedersi se le sue applicazioni preparino tempi duri per sommelier e mastri profumieri, Ma il Professore rassicura che “la raffinatezza dei nasi umani è per ora inarrivabile, anche perché non sono ancora chiari neppure i meccanismi dell‘olfatto, con il naso artificiale si simulano solo alcune funzioni, ma il naso elettronico può essere utilissimo in campo industriale e sanitario e per scopi investigativi o di identificazione personale”.

Costantina Vocino. “Se parliamo di comunicazione, dobbiamo tener presente che il vino non è solo una questione di prodotto, prima ancora esso è relazione. Poiché nasce in un territorio specifico, da un’annata unica e irripetibile, e attraverso la mano sapiente di uomini e donne che decidono di volta in volta gli interventi che ritengono più adatti in base alla loro personalissima sensibilità. Relazione che – ricorda Costantina Vocino – continua ancora dopo l’imbottigliamento, attraverso l’incontro fra le unicità psico-fisiche e  culturali del degustatore  e il calice, una relazione che progressivamente si fa sempre più profonda. Dagli elementi visivi come il colore, la consistenza, le tracce lasciate sulle pareti del calice, all’analisi olfattiva che svela molto del percorso evolutivo di un vino, a quella gustativa, epilogo di un racconto e che permette anche di verificare la narrazione veicolata dagli altri sensi“. 

L’intervento sarà completato dall’assaggio relazionale di tre etichette emblematiche dell’unione di tradizione e innovazione: “Trentesimo Pure Love”, [il coronamento di un sogno d’amore] spumante metodo charmat rosé da varietà resistenti, prodotto dall’azienda agricola Ca’ da Roman; “Limine”, [il tema del confine] vino bianco di grande struttura  da varietà resistenti, prodotto dalla azienda agricola Terre di Ger; “Pre British”, [il passato che sostiene il presente e rilancia il futuro] vino bianco in stile ossidativo da metodo Perpetuo, prodotto da Francesco Intorcia Heritage.

Per partecipare: info@vinosapiens.it