La prima mostra – Paolo Di Capua, responsabile della programmazione che dal 2001 si svolge negli spazi del suo atelier/laboratorio di via Manzoni 85/87, sottolinea: “L’arte contemporanea è cultura e, quindi, qualcosa di necessario, in quanto attività di pensiero, di riflessione, di memoria, di elaborazione mentale e fisica”. “Per me – aggiunge lo scultore – è fondamentale poter avere con altri artisti scambi di riflessioni, di interpretazione e di confronto. Del resto, spesso già nei miei lavori cerco di coinvolgere il visitatore a partecipare, tenendo sempre disponibile la possibilità di elaborazione collettiva”. Accanto a propri lavori (tra cui, all’esterno, l’installazione sul tema della censura presentata in Cina nel 2006), l’artista propone a Blocco 13 opere di piccolo-medio formato – donate, acquistate o frutto di scambi – di autori già passati o che passeranno da Hyunnart: Claudio Adami, Gianni Baretta, Federica Bartoli, Luigi Battisti, Marina Bindella, Gregorio Botta, Virginia Carbonelli, Ettore Consolazione, Enrico Della Torre, Paola Fonticoli, Bahar Hamzehpour, Paul Klerr, Carlo Lorenzetti, Adele Lotito, Teodosio Magnoni, Loredana Müller, Elena Nonnis, Claudio Palmieri, Gianni Paris, Claudia Peill, Maurizio Pierfranceschi, Roberto Piloni, Ernesto Porcari, Massimo Ruiu, Giuseppe Salvatori, Vincenzo Scolamiero, Alessandra Silenzi, Guido Strazza, Francesca Tulli, Alfredo Zelli.

Paolo Di Capua – Cenni biografici

Paolo Di Capua è nato a Roma nel 1957. Dal 1976 al 1981 ha frequentato i corsi di Architettura e Storia dell’arte all’università La Sapienza. Nel 1985 si è diplomato all’Accademia di belle arti di Roma. Allievo dello scultore Lorenzo Guerrini e della storica dell’arte Lorenza Trucchi, dall’inizio degli anni Ottanta ha tenuto personali e collettive in Italia, Germania, Corea del sud, Stati Uniti, Svizzera, Marocco e Cina. Nel 1992 ha conseguito il dottorato di ricerca in Arti visive in alla facoltà di Belle arti dell’Università La Laguna, Isole Canarie, Spagna. Nell’ottobre 2007 ha realizzato un’opera permanente (metri 7×18) per la facoltà di Ingegneria, dell’Università Han Yang di Seoul, Erica Campus. Dal 2007 al 2011 ha tenuto un corso di insegnamento sulle relazioni tra arte visiva e architettura, al dipartimento di Architettura della stessa Università Han Yang. Nel 2010 ha tenuto la personale “Il senso del tatto” nel Museo civico di San Gimignano. Nel 2011 ha esposto “Crescita di piante notturne” (h. cm 350) in fusione di alluminio e acciaio nell’Il Shin Building a Seoul, in occasione della 54esima Biennale di Venezia, Padiglione Italia nel mondo (nel 2013 l’opera è stata acquisita dal Museo nazionale di arte contemporanea di Seoul). Ha tenuto incontri sul suo lavoro all’Università Han Yang di Seoul, a Pechino (Istituto italiano di cultura) e nella sede a Roma della Cabot University. La sua mostra “Natura Umana” si è tenuta all’Istituto italiano di Cultura a Rabat, in Marocco (2019/20). Il video “me “, girato nel proprio studio, è stato proiettato nel 2022 a Roma e Mantova e, nel gennaio 2023, a Barcellona (Espronceda Center of Arts and Culture). Ha pubblicato i due libri d’artista, “Segni di Versi” e “Segni con Versi”. Da maggio a settembre del 2024 ha tenuto una personale a Roma, al Museo Carlo Bilotti, a cura di Mario De Candia, e, da dicembre 2024 a gennaio ’25, una alla Nube di Oort. Per il natale ’24-‘25 ha realizzato, su indicazione di Giuseppe Appella, il presepe d’autore presentato a Castronuovo Sant’Andrea (Potenza). È in preparazione una sua antologica al Museo Martorell di Barcellona per l’autunno 2025.

In esposizione, oltre alla produzione dell’ultimo anno di ricerca dell’artista, anche alcune selezioni di lavori, dal 2012 in poi, che esplorano le tematiche generali della mostra ed in particolare i diversi aspetti della relazione con chi o cosa è “altro”: dall’approfondimento del tema del corpo tra peso e leggerezza, già presente in 209949 gr ℮ negli spazi di 16 Civico nel 2017, all’indagine dei rapporti con il corpo dell’altro, portati avanti nel progetto Per renderti il tuo sangue a Spazio Varco nel 2020. Con Làmbere la ricerca artistica di Riccardo Chiodi è sguardo che torna sull’altro, con la consapevolezza della conquista dello spazio: se formalmente il lavoro di Riccardo Chiodi richiama sperimentazioni di arte spaziale o esperienze optical, la componente concettuale e relazionale risulta indispensabile per comprendere pienamente la sua poetica qui presentata in un ventaglio ampio e completo. Làmbere è una mostra costruita da continui strappi che creano strisce che vengono avvicinate, a sfiorarsi, a ricomporre in tal modo un’unità ordinata e pulita seppur sfilacciata.

Come scrive il curatore Emiliano Dante: «La costanza della struttura, l’incedere per minime variazioni, al contrario delle esperienze degli anni ’60, nasce dall’esigenza di lavorare su altro rispetto alla forma in sé. Dove il minimalismo si concentrava sulle strutture primarie, dove l’optical trovava la sua ragion d’essere nella pura stimolazione retinica, l’opera oggettuale di Chiodi trova il suo orizzonte operativo fuori dal semplice rapporto oggetto-occhio, in un altro che è lavoro, è fatica, è tempo, è vissuto. La ricorrenza strutturale, quindi, è in effetti un modo di trascendere l’esperienza individuale. Serve simultaneamente a trasformarla e a interpretarla, a mostrarla e, paradossalmente, a nasconderla. Ecco quindi che il lavoro estenuante sulla materia sfocia in una perfezione impersonale – ed ecco che il vestito delle feste della nonna, che è lo stesso con cui è stata vestita al suo funerale, viene mostrato al pubblico – ma mostrato non in quanto vestito, ma in quanto materia. Mostrato e nascosto, celebrato e sezionato.»

E Piotr Hanzelewicz prosegue: «Riccardo è tante cose. Alcune più di altre hanno impattato e lasciato segni nella sua vita. Alcune in forma transitoria, altre lo accompagneranno fino a quando smetterà di respirare per sempre. Riccardo ha fatto pugilato e quindi si è misurato ed ha dovuto misurare il peso del suo corpo, per lavorare poi sul peso fisico delle sue opere pittoriche (in legno, ferro e tela) che godevano di una straordinaria leggerezza visiva. Poi c’è stato il trapianto di midollo e la conseguente perdita di peso fisico, in favore di un aumento del “peso visivo”. Poi c’è la recente diagnosi di Asperger, qui dichiarata pubblicamente per la prima volta. Riccardo gioca con il suo cognome per firmarsi. Non lo fa però con un riferimento didascalico e diretto al “chiodo” o ai “chiodi”: prende il “dato di fatto” del suo cognome e lo divide in parti uguali ottenendo Chi odi. Fa sempre così, fa così anche con la tela. Il timbro con cui sigla le sue opere può fare riferimento ad un aulico “colui che senti, ascolti” oppure a “colui per il quale nutri odio”. Alì suggeriva di volare come una farfalla e di pungere come un’ape. Calvino parlava di una intelligente sottrazione di peso. A Newton cadde una mela in testa e fu un avvenimento di una riguardevole gravità.»

Riccardo Chiodi

Riccardo Chiodi, nato a L’Aquila (1973), dove vive e lavora, si avvicina alla pratica dell’arte negli anni del liceo e ne approfondisce i fondamenti storico-teorici nel percorso universitario. Da subito esplora i confini del disegno, della pittura, della scultura e della musica approdando ad una personale ricerca. Nei primi anni la sua produzione artistica è prevalentemente basata sulla pittura su tela; la prima personale è del 2006. Dal 2014 sviluppa maggiormente la ricerca polimaterica introducendo l’utilizzo di ferro e alluminio e limita la tavolozza al bianco, rosso e nero; i metalli diventano protagonisti, fondendosi con i tessuti secondo ritmi scanditi da linee, aperte o chiuse, parallele. In questo periodo inizia a misurarsi anche con la videoarte.

Emiliano Dante

Emiliano Dante è nato a L’Aquila nel 1974. Come filmmaker, ha realizzato la trilogia di documentari sperimentali sul terremoto costituita da Into The Blue (2009), Habitat – Note Personali (2014) e Appennino (2017), e i film di finzione Limen (Omission) (2012) e The Coin (in postproduzione). Ha insegnato Cinema, Fotografia e Televisione alla Facoltà di Scienze della Formazione dell’Aquila, Storia dell’arte contemporanea nelle Università dell’Aquila e di Cassino, Regia al Centro sperimentale di cinematografia dell’Aquila. Attualmente insegna Pratica e cultura dello spettacolo all’Accademia di Belle Arti di Roma. Tra le sue pubblicazioni, Merda d’Artista (2005), Breve saggio sulla storia e la natura degli audiovisivi (2007) e Terremoto Zeronove (2009).

Piotr Hanzelewicz

Piotr Hanzelewicz (Polonia, 1978) vive in Italia. Ha fatto esperienze diverse fra loro, studi, lavori. Ama il termine cosa/cose. Non ha un approccio scientifico ma si attesta su una curiosità utile a creare collegamenti tra discipline diverse, talvolta lontane fra loro. Questa è la griglia di partenza. Poi c’è tutto il resto, insomma, poi ci sono le cose. Nota curiosa: è nato lo stesso giorno in cui è morto Paolo VI, pertanto non è sbagliato affermare che uno come Piotr Hanzelewicz nasce ogni morte di papa. Tra le principali esposizioni personali: 2011 – “L’inquilino del terzo piano” a cura di Enzo de Leonibus con testi di Teresa Macrì e Marco Patricelli – Museolaboratorio Città S. Angelo (PE); 2013 “Laborioso laborioso laborioso” a cura di Franco Speroni con testi in catalogo di Alberto Abruzzese e Michela Becchis – Istituto Polacco (Roma); 2014 “All’ombra del pavone” a cura di Michela Becchis – Biblioteca del Senato (Roma); 2019 – “One hundred bucks and few cents” a cura di Fabio de Chirico e Giuseppe Capparelli, con testo in catalogo di Edoardo Marcenaro – Galleria Rosso20sette (Roma). 

Dopo l’8 settembre 1943, un tenente di stanza in Grecia è condotto coi suoi uomini nei campi di internamento tedeschi in Polonia e Germania. Venti mesi di umiliazioni sopportate con esemplare coraggio, a fianco di tanti amici e compagni, fra i quali il filosofo Enzo Paci, il poeta Roberto Rebora e lo scrittore Giovanni Guareschi, ascoltando la radio di nascosto, tenendo conferenze filosofiche e sognando gli Stati Uniti d’Europa.

Il tenente Antonio Rossi racconta come, non mostrando mai segni di debolezza, riuscì a resistere agli stenti dei lager nazisti. Solo al riparo dallo sguardo degli altri metteva da parte la sua maschera austera, torturandosi al pensiero della madre malata o nel ricordo struggente del padre.

“Lavorare sul diario scritto da Antonio Rossi è stato un modo per riavvicinarmi a mio padre, anche lui deportato nei lager nazisti, per comprendere meglio i suoi ideali e le sue sofferenze a soli vent’anni. Un’età, questa, che la mia generazione ha avuto la fortuna di vivere in maniera assai meno traumatica. Fa oggi impressione pensare all’imponenza di quella scelta, alla presa di coscienza cui furono sottoposti tanti giovani, già provati dal terrificante contatto con la guerra. Un’esperienza che ha reso una generazione fedele a valori che sembrano oggi trascurabili: l’onore, il rispetto di sé, la dignità” (F. Calogero).

Francesco Calogero

Francesco Calogero (Messina, 1957), laureato in giurisprudenza, per diciotto anni ha collaborato con il Festival di Taormina e dal 1995, anno in cui ha anche esordito nella regia di opere liriche, dirige il Messina Film Festival. Dopo aver realizzato due Super8 e alcuni video, nel 1987 ha diretto il suo primo lungometraggio, La gentilezza del tocco.

Filmografia

La gentilezza del tocco (1987), Visioni private (1990), Nessuno (1992), Cinque giorni di tempesta (1997), Metronotte (2000), L’implacabile tenente Rossi (doc., 2002).

Scheda film

Regia: Francesco Calogero
Soggetto: Antonio Rossi (IV)
Fotografia: Gian Filippo Corticelli
Montaggio: Mirco Garrone
Durata: 23 minuti
Colore: C
Genere: Biografico cortometraggioTratto da:diario di Antonio Rossi tratto dall’Archivio diaristico di Pieve Santo Stefano
Produzione: Angelo Barbagallo e Nanni Moretti per Sacher Film in collaborazione con Rai Tre e Tele+Distribuzione: Sacher Film.

L’autore dell’opera francese oggi più rappresentata al mondo, Georges Bizet (1838-1875), morto all’età di 36 anni, non poté mai assaporare il suo successo. La leggenda che lo riguarda insinua che la mediocre accoglienza ricevuta da Carmen gli sia stata fatale. Per quanto eccessiva, questa idea rivela la posizione dell’artista d’avanguardia rispetto al suo tempo: tra gli anni Cinquanta e Settanta dell’Ottocento, Bizet compose un’opera che poté essere veramente apprezzata solo a partire dagli anni Ottanta. Brillante allievo del Conservatorio di Parigi, vincitore del Prix de Rome e membro attivo della Société nationale de musique, Bizet apparteneva alla generazione nata nel momento della fioritura del Romanticismo, la cui missione era trovare dei modi per rinnovarlo. Ma il pubblico dell’epoca non era ancora pronto a seguirlo.

Durante il festival di primavera a Venezia, articolato in sette concerti e una conferenza, il pubblico di oggi potrà accedere a un ritratto di Bizet che va oltre il capolavoro che ha consacrato il suo successo.

La presentazione-concerto del festival, giovedì 20 marzo, offrirà un assaggio del repertorio valorizzato durante il festival con un recital di mélodies intervallate da pezzi per pianoforte solo eseguiti da Adèle Charvet (mezzosoprano) e Florian Caroubi (pianoforte).

La settimana successiva, il primo concerto di inaugurazione sabato 29 marzo metterà in luce le qualità di trascrittore di Bizet, che in gioventù si guadagnava da vivere lavorando per altri compositori come Charles Gounod o Camille Saint-Saëns. Il pianista Nathanaël Gouin interpreterà una serie di queste composizioni, completate dalle sue trascrizioni di opere di Bizet.

Domenica 30 marzo, ritroveremo un Bizet giovane con Le Docteur Miracle, deliziosa opéra-comique in un atto con cui vinse (ex-aequo con Charles Lecocq) un concorso organizzato da Offenbach. Presentata in versione concerto alla Scuola Grande San Giovanni Evangelista, l’opera rivela il naturale talento comico del compositore.

Il festival proseguirà mercoledì 2 aprile con un altro genere caro a Bizet: la mélodie, tanto abbondante quanto poco conosciuta nel suo catalogo. Il tenore Reinoud Van Mechelen, accompagnato da Anthony Romaniuk al pianoforte, svelerà alcune di queste gemme – composte tra l’altro su testi di Victor Hugo o Pierre de Ronsard – pur lasciando spazio ai contemporanei di Bizet.

Martedì 8 aprile, Monique Ciola terrà una conferenza sul legame di Bizet con il suo strumento prediletto: il pianoforte. 

Torneremo, appunto, al pianoforte martedì 15 aprile, questa volta a quattro mani con il Duo Spina & Benignetti. Oltre a opere e trascrizioni dei suoi contemporanei, il Duo eseguirà l’unica raccolta a quattro mani di Bizet, Jeux d’enfants, composta mentre si apprestava a diventare padre.

Martedì 6 maggio segnerà il ritorno al Palazzetto Bru Zane di Roberto Prosseda che ha già contribuito a rivalorizzare il repertorio romantico francese a Venezia e in CD. Interpreterà opere di Bizet in alternanza con pezzi di Gounod e Farrenc, tra la poesia di un Nocturne e il virtuosismo delle Variations Chromatiques.  

Inserito all’interno della coproduzione con Asolo Musica che prosegue per la seconda stagione, il concerto successivo si terrà presso l’Auditorium Lo Squero sull’Isola di San Giorgio sabato 10 maggio. Gli artisti dell’Académie de l’Opéra national de Paris eseguiranno mélodies e duetti di Bizet, Massenet, Gounod e Saint-Saëns.

Venerdì 16 maggio, il festival si concluderà con un concerto in collaborazione con l’Accademia Teatro alla Scala, con la quale il Palazzetto Bru Zane collabora per la quinta stagione. Gli artisti interpreteranno una selezione di arie di Bizet e dei suoi contemporanei tra i più affascinanti dell’epoca.

In mostra l’ultima produzione dell’artista nella quale, come scrive il curatore, «sono ancora il segno e il colore ad ergersi a protagonisti delle opere», così come «sono sempre il pop, il graffitismo, l’arte informale e l’espressionismo i riferimenti artistici ai quali si può ricondurre il suo modus operandi.»

Infatti, continua Dambruoso, «il segno di Parmegiani è vorticoso, serpentino, tende ad ispessirsi formando dei reticoli. Questa trama, costituita da infiniti segni che si accavallano tra di loro, è, di fatto, la base sia dei suoi disegni sia dei suoi dipinti. Le nuove opere pittoriche sono ancora esplosioni vitalistiche di colori che testimoniano della sua inesauribile energia e della sua potente visione immaginativa. Qui il colore viene steso di getto, lasciando volutamente che le colature attraversino la superficie del quadro facendo vibrare l’intera composizione. Ma sono soprattutto i disegni in bianco e nero quelli che, a mio avviso, destano maggior interesse nella ricerca degli ultimi anni. È in questa serie di opere su carta che Parmegiani ha impresso un nuovo corso al suo segno: opere fittissime, frenetiche, al limite del horror vacui più manifesto si alternano ad altre in cui, al contrario, il bianco del fondo prevale sul nero della figura. Anche i registri mutano: si va da quelli riflessivi e tragici del “New York, Parigi, Roma durante il discorso del Duce”, dove l’affastellamento del segno dà il senso delle folle oceaniche nelle pubbliche radunate”, a quelli più ironici come “The lady beauty” dove la costruzione della figura sembra seguire le leggi della caricatura, rendendo ilare il soggetto rappresentato. 

Ma sono tanti altri i disegni nati negli ultimi due – tre anni, a volte astratti altre figurativi, che destano molto interesse proprio per le qualità intrinseche di un segno di stampo visionario, tale da generare immagini inedite, a metà strada tra realtà e surrealismo. “Il sonno della realtà genera mostri”, affermava Goya intitolando così una delle sue più celebri acqueforti. Facendo il verso a Goya, Parmegiani sembra partire dal sogno, di tipo delirante e allucinatorio, per generare a volte dei mostri nelle sue opere. Ma i mostriciattoli di Parmegiani, pur mostrando i denti aguzzi, non spaventano. Essi assumono delle sembianze grottesche, goffe ed ironiche che sembrano nate più dalla fantasia di un bambino che di un adulto. E io credo stia proprio qui la forza in molte delle sue opere: farci vedere il mondo con gli occhi di un bambino al fine di far emergere l’eterno bambino che è in noi. Dall’altra parte, queste opere possono invece essere lette come la metafora dell’uomo moderno che vive in una società costituita da tanti piccoli e grandi mostri bramosi di un potere costrittivo. In questo senso le sue opere possono sono un monito a non farsi assoggettare e ad essere liberi nell’autodeterminarsi.»

A distanza di quattro anni dalla sua ultima mostra personale, I’m back – sono tornato «suona dunque come un atto di rinascita.»

BIOGRAFIA

Emanuele Parmegiani nasce a Roma nel 1974, dove vive e lavora. Dopo gli studi classici si iscrive alla Facoltà di Sociologia e Scienze della Comunicazione, dove orienta la sua ricerca sulla sperimentazione cinematografica, e in particolare sul cortometraggio come forma di comunicazione della propria arte. Ideatore e autore di sceneggiature per il cinema e per il teatro, ha approfondito anche lo studio della recitazione come sintesi di molte forme d’arte, alternando lunghi periodi alla fotografia e alla pittura. Dal 2010 si dedica esclusivamente alla pittura, esponendo in diverse mostre personali e collettive sia in Italia che all’estero. Hanno scritto di lui: Lina Calenne, Alberto Dambruoso, Valeria Lupi, Paola Valori. Tra le principali esposizioni: 2011, Animals, curata dallo staff della rivista Exibart, Galleria dei Serpenti – Roma; 2016, L’utopia della mente stellare a cura di Alberto Dambruoso e Lina Calenne, Micro arti visive – Roma; 2018, Metropolitania, a cura di Alberto Dambruoso e Lina Calenne, Micro arti visive – Roma. Tra il 2020 e il 2021 espone permanentemente nello spazio Tibaldi Arte come unico artista; nel 2021 presenta la mostra personale Dopo tutto, Palazzo Velli Expo – Roma, a cura di Alberto Dambruoso.

Lorem ipsum dolor sit amet, consectetur adipiscing elit, sed do eiusmod tempor incididunt ut labore et dolore magna aliqua. Ut enim ad minim veniam, quis nostrud exercitation ullamco laboris nisi ut aliquip ex ea commodo consequat. Duis aute irure dolor in reprehenderit in voluptate velit esse cillum dolore eu fugiat nulla pariatur. Excepteur sint occaecat cupidatat non proident, sunt in culpa qui officia deserunt mollit anim id est laborum.

I Lovesick, country band bolognese di stanza ma sempre più cittadina del mondo per vocazione e per mestiere, hanno un rapporto sempre più confidenziale e consolidato con l’occhio della telecamera.

In queste settimane, tra il 18 febbraio e l’11 marzo 2025 è trasmessa in prima visione Tv su Rai 1 la serie televisiva italiana Miss Fallaci, con la regia di Luca Ribuoli, dove i Lovesick, sono presenti in diverse scene ancora una volta in qualità di musicisti-attori, nonché nella colonna sonora.

Già negli anni scorsi, andando con ordine, nel 2020 hanno partecipato con alcuni brani alla colonna sonora della serie televisiva ‘Mental’ con la regia di Michele Vannucci, nel 2021 per la prima volta come musicisti-attori nella serie su Sky TV ‘Speravo de morì prima’ dedicata a Francesco Totti, con la regia di Luca Ribuoli e successivamente, nel 2022, sempre come musicisti-attori nelle sale cinema in ‘Lamborghini – The Man Behind the Legend’, con la regia di Robert Moresco. Insomma, ovunque nelle biopic vi sia una congiunzione con la realtà americana, sia essa strettamente musicale ma non solo, arriva loro un caldo invito a partecipare.

Non è un caso, questo perché la formazione bolognese negli ultimi anni ha curato nei minimi dettagli non solo l’aspetto della produzione discografica, ma anche della scenografia dei loro concerti nonché del loro look di scena marcatamente western. 

Una scelta non solo dettata da un’esigenza stilistica ma anche per ricreare un’atmosfera da totale ‘immersione americana’ che vogliono regalare al loro pubblico durante ogni loro concerto. 

Un riscontro di grande successo che traspare nei loro post e video social che di giorno in giorno, fanno raccogliere loro sempre più consensi da ogni parte del mondo.

IL TOUR EUROPEO E UN NUOVO TOUR NEGLI STATI UNITI

Tra non molto infatti, durante l’intenso tour italiano in corso per la presentazione del loro ultimo album ‘Remember My Name’ sarà presto annunciato un lungo tour negli Usa, che toccherà 7 Stati e oltre 16 Città. Un’occasione ancora per trovare nuovi spazi, allargare ulteriormente gli orizzonti e cogliere nuove opportunità. Qui le date del tour europeo della Primavera 2025:

• 7 Marzo – Lumiere, Pisa – IT
• 29 Marzo – The Rockabilly Rave, Great Yarmouth – UK
• 4 Aprile – Crossroad Live Club, Roma – IT
• 10 Aprile – Biko Club, Milano – IT
• 12 Aprile – Capitol, Pordenone – IT
• 24 Maggio – Wortreich, Glarus – SWISS
• 25 Maggio – Lambic, Torino – IT

Nella playlist Spotify ‘This is Lovesick’ è possibile ascoltare le loro migliori canzoni, mentre per acquistare i loro album in formato fisico e seguirli nei loro tour promossi dall’agenzia booking Barley Arts e dall’ufficio stampa A-Z Press è possibile consultare il loro sito.

Curata da HOOROON e Arte Design Venezia, Living Matter sfida la concezione della materia come statica, mostrando come materiali tradizionali come metalli e pietre possano acquisire qualità di movimento, fluidità e trasformazione naturale. La mostra raccoglie le opere di artisti provenienti da tutto il mondo, la cui gioielleria si ispira a trame biologiche come vene, linfa e pelle, offrendo un’esperienza sensoriale che richiama la vitalità della natura. In questo modo, la gioielleria diventa un mezzo attraverso cui esprimere l’energia e il dinamismo della vita.

Tra gli artisti selezionati ci sono: Metalsmith Liz (USA), Taylor Chyn (Italia), Sandra Cepeda-Joya de Arte (Messico), Diana Schuhmacher-Dee (Romania), Elle Irwin (USA), Yael Herman (Israele), Brigitta B. Horváth (Ungheria), Alina Cuvin – Calima Jewels (Romania), Johanna Typaldos (USA), Allegra’s Jewelry Collection (Romania), Anna Maria Pitt (Belgio), Valeria Benalcázar (Ecuador), Carla Becerra (Argentina), Zhuwei Lu (USA), e Tony Drawbridge (Nuova Zelanda).

Brigitta B. Horváth (Ungheria) esplora il linguaggio del corpo e dei gesti attraverso le sue spille, simbolizzando le scelte e le interazioni umane. Diana M. Schuhmacher (Romania) sfida i limiti dell’immaginazione con le sue creazioni, mentre Taylor Chyn (Italia) usa texture per esprimere una profondità spirituale. Johanna Typaldos (USA) fonde influenze globali nella sua gioielleria, cercando di insegnare e creare attraverso le sue opere. Carla Becerra (Argentina) cattura l’essenza dei momenti fugaci con ricche texture metalliche, mentre Alina Cuvin (Romania) presenta gioielli dalle forme organiche e contemporanee. Anna Maria Pitt (Belgio), premiata designer islandese, coniuga sperimentazione e ordine nelle sue opere, esposte in tutta Europa. Sandra Cepeda-Joya de Arte (Messico) fonde scultura e gioielleria, mentre Valeria Benalcázar (Ecuador) mescola la sua esperienza nella conservazione artistica con materiali organici e sintetici. Elle Irwin (USA) crea sculture ispirate alle texture naturali delle coste, e Laura Moisa (Romania) preserva la natura attraverso l’argento. Metalsmith Liz (USA) unisce l’artigianato e l’arte indossabile, mentre Yael Herman (Israele), con oltre 40 anni di esperienza, realizza pezzi audaci che uniscono tradizione e innovazione. Zhuwei Lu (USA) crea opere d’impatto caratterizzate da forme organiche e colori evocativi. Infine, Tony Drawbridge (Nuova Zelanda) esplora il confine tra naturale e intrusivo nell’esperienza umana.

La Munich Jewellery Week, evento annuale che si svolge a Monaco, è un appuntamento fondamentale per la gioielleria contemporanea, che cresce ogni anno grazie alla collaborazione tra artisti e designer provenienti da tutto il mondo. Ormai riconosciuto come il principale evento del settore, rappresenta una vetrina d’eccezione per nuovi talenti e creazioni innovative e sperimentali.

L’Associazione Culturale Arte Design Venezia promuove la cultura e il design internazionali attraverso mostre e iniziative che celebrano il patrimonio artistico di Venezia. Nel corso degli anni, ha creato una rete globale che connette artisti, designer e artigiani locali, collaborando con musei e fondazioni veneziane. Tra i suoi progetti più significativi ci sono la Venice Design Week e la VDW Jewelry Selection. La collaborazione con HOOROON nasce dall’intento di unire forze per promuovere la gioielleria contemporanea a livello internazionale. Arte Design Venezia sta anche preparando la 12ª edizione della VDW Jewelry Selection 2025, con le candidature aperte sul sito ufficiale www.venicedesignweek.com.

HOOROON è un progetto che si dedica a rendere la gioielleria contemporanea comprensibile e accessibile, non solo come semplice decorazione, ma come espressione profonda dell’identità personale. Si propone di raccontare storie straordinarie e di presentare creazioni affascinanti, offrendo al pubblico una visione a tutto tondo della gioielleria moderna. Grazie a mostre ed eventi, HOOROON collabora con gallerie e istituzioni internazionali, dando visibilità ai designer e supportando la loro promozione globale.

Una casa di produzione video e digital interna all’agenzia per raccontare brand, prodotti, iniziative ed eventi con immagini e format visivi all’avanguardia. E soprattutto produrre film. È la GM Production, nuova nata in casa Gruppo Matches, che, come agenzia, aveva già realizzato in passato per i suoi clienti spot e video di campagne pubblicitarie, come per la China Eastern Airlines.

Con GM Production (qui il link al logo animation: https://youtu.be/Eyfi3KZUUbU; qui il GM Production Reel: https://youtube.com/shorts/GrlCDmC_lkI)  presente in una sezione dedicata nel sito di Gruppo Matches, www.gruppomatches.com, è il salto ulteriore, una produzione tutta interna e dedicata anche al cinema breve, tutt’altro che secondo rispetto al cinema tradizionale in termini di qualità e impatto, soprattutto per narrazioni a forte contenuto valoriale, di sensibilizzazione e per le storie d’impresa, da ultimo tornate in auge.

L’agenzia di comunicazione Gruppo Matches fondata sei anni fa dal suo Ceo Andrea CICINI, che vanta oltre 22 anni d’esperienza nel settore internazionale, oggi ha sede a Roma, Cagliari, Treviso ed Hong Kong, un capitale sociale di 40mila euro, un +35% di utili nel 2024, grazie anche ad un fondo ottenuto attraverso un bando di FARE LAZIO per nuove infrastrutture e progetti, ha deciso di iniettare nuova linfa nei suoi circuiti creativi con la nascita della GM Production.

Affidata alla direzione e al coordinamento di Cristina Borsatti, produttrice e sceneggiatrice, attiva da oltre vent’anni nella comunicazione tradizionale e digital, che avrà il compito e la visione di transitare la neo GM Production verso nuove sfide audiovisive, facendo tesoro della peculiare esperienza maturata da Gruppo Matches e dal suo Ceo, a cavallo tra Italia e Cina, nel settore ADV, Cinema, comunicazione e grandi eventi d’intrattenimento.

Per Andrea Cicini, il plus di GM Production sta nell’aver saputo convogliare la naturale spinta creativa di una squadra giovane, proattiva, competente e motivata, verso un canale narrativo ulteriore ad alto tasso di immaginazione, in ascolto attivo dell’evoluzione tecnologica e digitale del mondo video e cinematografico propria della attuale era di comunicazione, capace di servirsi di un linguaggio visivo al passo coi tempi, sia nel digital che non. Una casa di produzione interna permetterà di contenere i costi, ottimizzare i tempi, assicurare qualità e flessibilità ai committenti”. “E – aggiunge Cicini – rappresenta un elemento di stimolo alla fantasia, al sogno, e allo sviluppo dei talenti interni ed in particolare sarà una porta aperta per i nuovi sceneggiatori e registi che vogliono sognare con noi”.

Concorda con il Ceo la neoresponsabile di GM Production, Cristina Borsatti, che aggiunge: “Sento una grande energia alla base di questo progetto, che si regge sulla competenza di un team talentuoso e motivato e ha alle spalle l’esperienza di un Gruppo leader nel settore della comunicazione e dello storytelling marketing. La sfida sarà quella di allargare il campo di azione di Gruppo Matches, che del linguaggio visivo ha già fatto un punto di forza per raccontare brand ed eventi. Nel mondo cinematografico e televisivo, in tutte le sue forme, entriamo con coraggio e sensibilità e con l’obiettivo di raccontare storie che sappiano parlare di questo nostro presente, che siano in grado di emozionare e di far riflettere“.

GM Production sarà accompagnata nei suoi primi giorni di vita dal lancio del corto “QUINN”, diretto da Gianluca Mangiasciutti e Stefano Usberghi, attualmente in fase di post-produzione. Il protagonista della storia, un giovane alla ricerca della propria identità sessuale, dopo aver subito un brutale pestaggio, decide di mettersi sulle tracce del proprio aggressore. Con quel che ne seguirà. “Aver dato il la a GM Production con questo cortometraggio – spiega Andrea Cicini – su un tema estremamente attuale e sentito, quello della privazione della libertà, reso attraverso lo svolgersi di una storia particolarmente originale, è un grande motivo d’orgoglio per Gruppo Matches. Ringrazio tanto tutto il cast, i due bravissimi attori Costantino Seghi e Filippo De Carli per aver interpretato magistralmente la parte, il produttore esecutivo Alberto De Angelis e l’organizzatore generale Valerio Alessio Stati. Un particolare ringraziamento va all’impeccabile regia e fotografia.

“Sono molto felice e orgoglioso di avere al timone l’amica Cristina Borsatti, di cui ho profonda stima da sempre. L’attività di GM Production – ha commentato ancora Cicini – darà voce ulteriore alle inclinazioni di una agenzia particolarmente votata all’espressione artistica in tutte le sue forme, alimenterà la dimensione culturale della sua attività, le consentirà di contribuire a mettere in campo una comunicazione efficace, coerente e responsabile, anche grazie ad uno strumento potente come quello del cinema. C’è bisogno di riscoprire il valore delle emozioni.”

Il miracolo, quello laico e umano, altro non è che un segno tangibile, un mutamento, una trasformazione felice. Evento straordinario, che si sottrae alle logiche della ragione e che viene tuttavia accolto come assioma: così è. 

Lo si potrebbe quindi intendere quale testamento particolare dell’abilità di coloro che, con i propri mezzi, sono riusciti a cambiare qualcosa, di minuto o di imponente, che non riguarda solo loro stessi. Questo mutamento con la sua aura investe chiunque vi assista: lo spettatore ne porterà in sé una prova, imperscrutabile ma longeva. Della vita e della morte di ognuno questo resta: qualche piccolo miracolo di chiarezza, di ingenuità, di purezza, di fatica, di volontà. 

Se la scultura, delle forme d’arte, è quella che più si avvicina alla vita, per il suo occupare uno spazio, avere un peso e un volume, Dormino e Petrone la eleggono a soggetto privilegiato della loro poetica, tanto quanto l’esistenza umana. La loro ricerca abbraccia uno stile che non abbandona quasi mai il figurativismo, ma che sente la necessità di parlare di qualcosa di più rispetto alla sola dimensione tangibile, sempre presente e manifesta. Le sculture si arrampicano e tendono verso l’alto, con la stessa volontà che le spinge invece verso le profondità sotterranee. Sono allusioni e simboli, a volte ricorrenti, di un’umanità presente, perduta e forse felicemente ritrovata.

Le opere portano traccia delle loro mani: gli artisti non ricercano mai il grado di distacco della perfezione. Il segno resta, serve a palesare che quel gesto esiste, che è parte di un organismo, che possiede un cuore, un fegato e una pelle: le opere sono il negativo dei loro corpi, occupano lo spazio che le mani hanno deciso di non stringere troppo forte, di lasciare agli altri. E lo fanno con l’innocenza e la consapevolezza di una volontà pura, che muove i suoi passi da una necessità creativa che è quella di raccontare un presente che abitano con spirito critico.

Vita, morte, miracoli è una mostra che presenta una produzione eterogenea di materiali e significati: le opere selezionate sono i personaggi di un racconto comune, di un’epopea senza eroe, che riguarda l’esistenza umana tutta, terrena e al contempo eterea. I miracoli altro non sono che ciò che si riesce a lasciare in eredità e dono, un testamento spirituale e concreto, che si manifesta attraverso l’arte. La mostra sarà visitabile fino a domenica 13 aprile.

Davide Dormino

Davide Dormino, nato a Udine nel 1973, vive e lavora a Roma. Dal 2003 insegna Disegno, Scultura e Installazione alla RUFA. Realizza sculture monumentali, in marmo, bronzo e ferro, affrontando tematiche universali. Tra le sue opere più celebri: Breath (2011), installata permanentemente presso le Nazioni Unite a New York, e Anything to say? (2015), scultura itinerante dedicata al coraggio e alla libertà d’espressione, esposta in 26 capitali europee e premiata nel 2016 con il Prix Èthique dall’organizzazione AntiCor.

Francesco Petrone

Francesco Petrone (Foggia, 1978) vive e lavora a Roma. Si laurea con lode presso l’Accademia di Belle Arti di Foggia; ha lavorato come scenografo per il teatro e il cinema ed è docente presso il Liceo Artistico Argan di Roma. La sua pratica è incentrata su un’analisi del contesto contemporaneo attraverso l’uso della scultura non come fine ma come mezzo di indagine. L’interesse si situa sul simbolo, che riporta attraverso l’uso di materiali industriali e freddi, quali cemento armato e ferro, ma anche quotidiani e caldi, quali legno, pane, ghiaccio, muffe e muschi. Artista votato alla circolarità, riconosce la coincidenza dei concetti di inizio e di fine, se ne fa messaggero, attraverso forme, idee e materiali. Il suo campo di indagine comprende anche una pratica più effimera, legata alla trasparenza e all’inafferrabilità, avvicinandosi al concetto di tempo, che egli riflette nel vetro, in un gesto che è lo specchio del suo processo di indagine artistica verso l’essenza. L’artista è stato selezionato per il PAC (Piano Arte Contemporanea) 2024, con un progetto in collaborazione con il Piccolo Museo del Diario di Pieve Santo Stefano (AR).