TEMA 2025: DESIDERIO

Giacomo Leopardi scriveva, nello Zibaldone, che la speranza è una passione, un modo di essere, inseparabile dalla vita e dal desiderio per il proprio bene. Io vivo, dunque io spero, è un sillogismo giustissimo. Citando Leopardi, il teologo Vito Mancuso, in un articolo ne “La Stampa” del 2021, precisa la definizione: “Io vivo, dunque io desidero, è un sillogismo giustissimo. Non si può vivere senza desiderare, ma si può, anzi si deve vivere, orientando il desiderio. Il desiderio orientato e innalzato si chiama aspirazione.”

“Orientare e innalzare il desiderio” ci riporta all’etimologia della parola ‘desiderio’ ma allo stesso tempo ne evoca altre due: volontà e tempo. Desiderio è la fusione della particella privativa ‘de’ e del termine sidus, sideris (plurale sidera), ovvero stella. Desiderio è, dunque, quella condizione in cui sono assenti le stelle, trovando la sua origine dal linguaggio degli antichi aruspici, impossibilitati dal compiere le loro funzioni divinatorie a causa del cielo coperto da nubi, e desiderosi, quindi, della visione delle stelle.

Desiderio è condizione di assenza dell’infinito e tensione verso esso, differenziandosi così dal semplice bisogno che può essere appagato dal suo stesso oggetto. Tralasciando i pensieri, in ordine al desiderio, per eccesso e per difetto – il primo che si materializza in una miriade di desideri, in una sorta di bulimia del “consumo”; il secondo con l’estinzione totale di ogni desiderio – emerge l’idea che sia possibile coltivare un desiderio “alternativo” che possieda il sapore della cura, della volontà, della perseveranza, che non sia adeguamento al presente ma utopia di un futuro diverso^[1]. Possiamo pertanto allenarci a desiderare, orientando il desiderio, divenire di nuovo soggetti competenti del proprio desiderio^[2], operando scelte e perseguendole con la volontà e la fortezza, in un sistema di economia comune che ci concede il metro di riferimento dello stesso desiderio: espressione di una spinta interna che per trovare il proprio adempimento ha bisogno dell’altro da sè^[3].

Il desiderio è motore della nostra crescita e di quella della comunità. Noi parti di un tutto, in ambiti di prossimità che ci rendono responsabili e generatori vicendevoli di desideri, aspiriamo ad un tempo lungo, lento, vuoto per essere poi riempito, l’unico tempo che ci concede di costruire quel “castello esteriore”^[4] a partire dal “castello interiore”^[5]: un moto che parte dal centro dell’interiorità dell’individuo, la quale si fa “vuoto”, esce dal proprio io per andare verso l’altro. «Ecco la grande attrattiva
del tempo moderno:
penetrare nella più alta contemplazione
e rimanere mescolati fra tutti,
uomo accanto a uomo.» (Chiara Lubich) ^[6]

^[1] cit. Vito Mancuso, in “La Stampa”, 17 giugno 2021
^[2] cit. Salvatore Natoli, Perseveranza
^[3] Ibidem
^[4] Chiara Lubich, La dottrina spirituale
^[5] Ibidem
^[6] Chiara Lubich, Il grido

Il 2025 si è aperto con il progetto Aurelio Amendola indaga Canova, sostenuto dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura con la Strategia Fotografia 2024, che ha portato all’acquisizione di sei immagini di Aurelio Amendola (Pistoia, 1938), uno dei fotografi più attenti che meglio sa cogliere le sfumature di significato delle opere plastiche, frutto di una ricerca profonda e sensibile sul patrimonio canoviano, che arricchiscono il fondo dedicato alle fotografie d’artista, già costituito da tempo e parte integrante del Museo Gypsotheca Antonio Canova.

A corollario dell’iniziativa, si arricchirà l’offerta formativa con due laboratori di fotografia per bambini dai 6 agli 11 anni e un corso completo di fotografia di base pensato per ragazzi dai 12 ai 18 anni. Inoltre, è in programma un ciclo di tre incontri, con Aurelio Amendola (17 maggio), con la Fondazione Alinari per la Fotografia di Firenze (8 marzo) e con il FAST – Foto Archivio Storico Trevigiano di Treviso (5 aprile), che permetterà di esplorare e approfondire lo sviluppo della fotografia di tema canoviano nel corso degli anni.

Il primo appuntamento espositivo è in programma dal 23 marzo al 21 giugno 2025. La rassegna, dal titolo Canova e la nascita della scultura moderna, curata da Elena Catra, presenterà, per la prima volta al pubblico, la Testa di Teseo, uno studio in gesso per il gruppo scultoreo del Teseo sul Minotauro, realizzato a Roma nel 1783 che segna il decisivo passaggio dagli stilemi barocchi agli ideali estetici neoclassici.

La Testa sarà messa a confronto con il modellino della scultura e la sua versione finale in gesso. Il percorso si completa con una sezione allestita nella Casa natale di Antonio Canova dove si troveranno incisioni, documentazioni e pubblicazioni storiche.

Seguirà, dal 22 giugno 2025 al 6 gennaio 2026, la mostra Carlo Scarpa e le Biennali. Opere dalla collezione Luciano Gemin, curata da Mario Gemin e Orietta Lanzarini, che evoca in particolar modo la proficua collaborazione di Carlo Scarpa con la Biennale di Venezia, iniziata nel 1948 e conclusasi nel 1972, attraverso alcune opere della collezione Luciano Gemin. In particolare, verranno presentate le sculture, disegnate in occasione della XXXIV Biennale dal maestro veneziano, per il padiglione “Ambiente” all’interno dell’esposizione “Linee della ricerca: dall’informale alle nuove strutture”, oltre a una serie di vasi in vetro, sempre su disegno di Scarpa, prodotta, tra il 1926 e il 1931, dalla Vetreria Maestri Muranesi Cappellin & C.

In occasione del 250° anniversario della nascita di Giovanni Battista Sartori, erede universale di Antonio Canova, giovedì 30 e venerdì 31 ottobre 2025, al Museo Gypsotheca Antonio Canova si terrà il convegno Giovanni Battista Sartori e l’eredità di Canova.

L’evento, primo appuntamento di un ciclo di incontri finalizzati a promuovere la ricerca, arricchire il patrimonio di conoscenze e divulgare la vita, le opere di Canova e i loro contesti culturali, è curato da Francesco Leone, Paolo Mariuz e Moira Mascotto, e vedrà studiosi ed esperti approfondire tematiche come la gestione dello studio di Canova a Roma dopo la sua scomparsa, la vendita delle sue opere e la creazione di istituzioni dedicate alla conservazione della memoria del Maestro e altro ancora.

Il fine è di favorire la diffusione della cultura canoviana anche tra i giovani. A tal proposito, la Fondazione Canova ONLUS metterà a disposizione cinque borse di studio che copriranno le spese di viaggio, vitto e alloggio per la durata del convegno, garantendo così la partecipazione di altrettanti studenti.

Tra le varie iniziative promosse dal Museo Gypsotheca Antonio Canova, un posto prioritario è occupato dalla proposta didattica, appositamente studiata per coinvolgere un pubblico di visitatori sempre più allargato: gruppi, singoli, scuole e famiglie.

La funzione educativa è infatti tra le priorità del programma del Museo, con un occhio di riguardo soprattutto alle nuove generazioni. Coinvolgere i ragazzi e le ragazze nelle varie attività rappresenta una importante sfida ma anche un obiettivo da perseguire.

Non mancherà l’attenzione a percorsi tematici completi che permetteranno di scoprire la collezione anche attraverso l’esplorazione tattile o che prevedono l’intervento d’interpreti LIS – Lingua dei Segni Italiana.

Il Museo Gypsotheca Antonio Canova conferma anche per il 2025 la propria adesione al Circuito Scarpiano, con l’intenzione di proporre attività legate alla figura dell’architetto Carlo Scarpa nell’ambito della Giornata del Contemporaneo, promossa da AMACI.

Tra i vari appuntamenti dell’anno si segnala, inoltre, una rassegna teatrale di quattro spettacoli, in scena tra marzo e settembre, organizzata in collaborazione con Tema Cultura, visite guidate serali alla collezione del museo alla luce delle candele o la partecipazione a eventi europei come la Notte dei Musei.

“Il programma delle attività presentato oggi ci ricorda che Canova è orgoglio veneto, eccellenza italiana e sinonimo di bellezza nel mondo e da secoli rappresenta quell’identità veneta connessa con il gusto estetico e il saper fare artigiano – afferma Cristiano Corazzari Assessore alla Cultura della Regione Veneto -. È una figura di grande rilevanza non solo per il suo straordinario talento artistico, ma anche per il suo impatto culturale e storico. La sua eredità continua a influenzare artisti e visitatori, rendendo il Veneto un importante centro di attrazione culturale.

Nel corso del 2025 questo simbolo dell’arte e ambasciatore della bellezza e della cultura veneta nel mondo, sarà presentato e vissuto attraverso diverse dimensioni come ad esempio mostre, laboratori di fotografia e spettacoli teatrali, ma elemento ancor più importante è il fatto che raggiungerà un pubblico molto vasto e soprattutto saprà rivolgersi alle giovani generazioni attraverso proposte didattiche per scuole e famiglie”.

“Possagno – dichiara il suo sindaco Valerio Favero – è un piccolo paese della pedemontana veneta che conta poco più di 2300 anime, ma, in particolare nel fine settimana, si trasforma in un luogo turistico d’eccellenza, raddoppiando quasi le presenze sul territorio comunale. Questo grazie ad Antonio Canova, a ciò che ci ha lasciato e all’enorme lavoro di promozione svolto. È in questo contesto che si colloca l’ambizioso programma di eventi per il 2025 ricco di approfondimenti, mostre e spettacoli che appassioneranno i nostri visitatori, con l’obbiettivo di aprirsi sempre più ad una dimensione inclusiva della cultura e del nostro museo”.

“Vogliamo che il Museo – ricorda Massimo Zanetti, Presidente della Fondazione Canova Onlus – sia un luogo di accoglienza e ispirazione, dove ogni visitatore possa sentirsi arricchito non solo nella conoscenza dell’arte canoviana, ma anche nel proprio percorso personale. L’attenzione all’accessibilità, alla formazione e alla valorizzazione del patrimonio si intreccia con una visione più ampia, che mette al centro il benessere e l’emozione della scoperta. Con questa nuova stagione, rinnoviamo il nostro impegno nel rendere vivo e dinamico il dialogo tra passato presente e futuro”.

“Custodire l’eredità di Canova – sottolinea Moira Mascotto, Direttore del Museo Gypsotheca Antonio Canova – significa preservarne le opere e, al contempo, mantenerne vivo il dialogo con il nostro tempo. Attraverso mostre, eventi e progetti di studio, ci impegniamo a valorizzare questo straordinario patrimonio, offrendo ai visitatori gli strumenti per un’esperienza condivisa e un’immersione culturale autentica e coinvolgente: un viaggio che invita a riflettere su come l’arte, attraverso le sue forme e il suo messaggio, continui a emozionare, ispirare e stimolare riflessioni universali e senza tempo”.

In occasione della Giornata Internazionale dei diritti delle donne Fondazione Cariparma inaugura, presso la sede di Palazzo Bossi Bocchi, la mostra “Donne allo Specchio. Eleganza, emancipazione e lavoro nella moda tra ‘800 e ‘900”, percorso espositivo multisensoriale dedicato alla moda e ai diversi ruoli della donna in questo particolare periodo storico. Attraverso un viaggio nel mondo della moda – intesa non solo come un fenomeno estetico ma anche come un sistema di produzione manifatturiera e industriale – la mostra ha l’obiettivo di mettere in luce il progressivo e lento processo di emancipazione della donna e i cambiamenti di costume che ne sono scaturiti.

L’esposizione, aperta al pubblico dall’8 marzo al 25 maggio, si snoda lungo cinque spazi in cui sono allestite le opere: dipinti e disegni – tra cui opere di Giovanni Boldini, Pompeo Mariani e Ambrogio Antonio Alciati, appartenenti alla Collezione Bruson di Fondazione Cariparma insieme a manifesti pubblicitari, riviste di settore italiane e francesi, cataloghi di moda, abiti e accessori originali dell’epoca.

Per la prima volta le opere in mostra sono accompagnate da didascalie interattive, curatoriali e tematiche, dedicate ai più piccoli, tattili e olfattive.

“Manifattura, industrializzazione e lavoro femminile sono alla base della storia della moda in Italia, e anche Parma ha significative vicende da raccontare. – ha commentato Franco Magnani, presidente di Fondazione Cariparma – Tra opulenza e invisibilità in questa mostra abbiamo voluto mettere in evidenza il dualismo nascosto dietro la creazione di oggetti alla moda, testimonianza non solo dei cambiamenti nei costumi ma anche della lotta per i diritti e del percorso di accettazione sociale delle donne”.

Alla fine dell’Ottocento si registrano, su scala nazionale, circa un milione e mezzo di donne lavoratrici nell’industria tessile, nella produzione di biancheria, nelle stirerie e nel commercio della moda. Anche Parma riflette questa dinamica, illustrata in apertura della mostra con una panoramica sul settore tessile parmense e sulla produzione di busti per signora di cui si possono ammirare alcuni esempi esposti, curata dall’Archivio Storico del Comune di Parma. Tale attività, che raggiunge il suo apice agli inizi del secolo sarà segnata, nel 1907, dal primo sciopero delle bustaie di Parma che, guidate da Alceste De Ambris, segretario della Camera del Lavoro, si ribellarono ai salari inadeguati e alle condizioni di lavoro insopportabili e portarono alla sospensione della produzione di busti per cinquanta giorni.

Nello stesso periodo, Parma vanta anche una consolidata tradizione nell’industria profumiera all’interno della quale le donne furono impiegate in diverse fasi della produzione. La “Violetta di Parma”, la “Duchessa di Parma” e “Acqua di Parma” sono le fragranze più celebri dei marchi Borsari e OPSO (Officina Parmense Sostanze Odorose) che si imposero nel settore profumiero.
Nel panorama nazionale la produzione di merletti è un’altra importante manifattura che vede la manodopera femminile protagonista. La mostra ne fornisce alcuni spunti anche grazie alla collaborazione con il Museo del Merletto di Burano.

Il percorso espositivo prosegue con un approfondimento sulla borghesia ottocentesca, la nuova classe emergente che, grazie allo sviluppo economico, utilizza la moda come espressione del proprio successo. La donna di questi anni ha un ruolo ancora subordinato alla figura maschile; stretti busti e gonne vaporose, abiti elaborati e difficili da portare sanciscono il confinamento della donna nella dimensione domestica. Una condizione che si riflette anche nell’arte dell’epoca come si evince dai ritratti di Boldini e Bocchi in mostra, ma anche dagli abiti, dai corpetti e dai busti esposti, in prestito dalla Collezione abiti antichi di Camilla Colombo.

Il desiderio di distinzione della nuova classe borghese, che ricerca l’eleganza a costi accessibili, determina una profonda trasformazione dei modelli di consumo nelle città europee dove sorgono i primi grandi magazzini, templi innovativi del commercio. Questi nuovi spazi commerciali non si limitano alla semplice vendita, ma offrono al pubblico un’esperienza immersiva. Le strategie promozionali si fanno sempre più innovative: i cataloghi illustrati permettono di sfogliare comodamente da casa le ultime novità, i grandi manifesti pubblicitari colorano le città, mentre le inserzioni pubblicitarie sui quotidiani e sui periodici femminili amplificano il desiderio, facendo leva sulle aspirazioni della nuova clientela. Con il progressivo aumento dell’alfabetizzazione femminile, infatti, prende piede il giornalismo di moda – a cui è dedicata un’intera sala espositiva dove è possibile sfogliare riviste femminili italiane e francesi, fra cui Margherita. Giornale delle Signore Italiane, e cataloghi di moda, in versione digitale attraverso uno schermo touchscreen.

Nell’ultima parte espositiva la mostra si sofferma sull’inizio del nuovo secolo che segna l’avvio di un lento ma progressivo processo di emancipazione femminile con la donna nuova protagonista degli spazi pubblici del divertimento – come caffè, casinò e teatri – prima riservati al solo pubblico maschile.
Le attrici, protagoniste anche di alcuni disegni in mostra, sono le nuove muse ispiratrici della moda femminile. La bellezza e l’eleganza diventano espressione di un nuovo protagonismo femminile. I dipinti di Boldini, Mariani, Alciati e De Strobel, testimoni di questa nuova tendenza, sono accompagnati da didascalie di approfondimento, tattili e olfattive studiate in collaborazione con Mouillettes & Co e Cartongraf che aiutano il visitatore a meglio comprendere il clima dell’epoca.

Con lo scoppio della Grande Guerra la donna acquisisce una nuova autonomia e inizia a ricoprire un ruolo attivo nella società. Le tendenze degli anni ‘20 e ‘30 del Novecento rispecchiano quindi la nuova figura femminile che lavora, fa sport e guida l’automobile, e che abbandona quindi il busto per indossare abiti dalle linee dritte, copricapi sobri e minimali e tagli di capelli corti, nuovo simbolo della donna indipendente e audace.

La mostra è arricchita da 10 appuntamenti collaterali, per adulti e per bambine e bambini, che si terranno a Palazzo Bossi Bocchi durante il periodo di apertura della mostra. Inoltre è in programma sabato 10 maggio un evento esperienziale dal titolo Atelier a Palazzo, aperto al pubblico che immergerà i visitatori nell’atmosfera della Belle Èpoque attraverso un percorso multisensoriale tra moda, make-up e fragranze che consentirà loro di rivivere il costume dell’epoca.

“…un cadenzato fermento di linee e di colori effusi di calore cromatico e di delicata poesia compone la trama vistosa di una vastissima passione artistica che segna l’avvento sicuro del suo inconfondibile contributo all’arte assoluta”.

Alberto Sartoris, Carla Badiali, in “Origini”; Roma, 1942.

Fra le artiste italiane, Carla Badiali (1907-1992) è una delle poche a poter essere inquadrata nell’ambito di quella che Lea Vergine definì “l’altra metà dell’avanguardia” sottolineando l’apporto dato dalle donne all’evoluzione della pittura italiana nella prima metà del secolo scorso.

A Carla Badiali, protagonista dell’Astrattismo comasco, la galleria M77 di Milano dedica, dal 20 gennaio al 15 marzo 2025, un’ampia retrospettiva, organizzata in collaborazione con gli eredi dell’artista, dal titolo Geometria e poesia.

La rassegna, curata da Luigi Cavadini, storico e critico dell’arte, a cui si deve il Catalogo generale della sua opera, ripercorre l’intera carriera di Carla Badiali, lungo ben sei decenni di attività, dalla prima metà degli anni Venti fino alla fine degli anni ottanta, attraverso oltre cinquanta, tra dipinti, disegni e collage.

Il percorso espositivo si apre con la fase legata alla figura, riconducibile a un breve arco temporale, all’incirca tra il 1925 e il 1932, tra cui spicca il delicato Autoritratto(1926), un pastello colorato su carta e prosegue con il suo ingresso nell’ambito dell’arte astratta, tra il 1932 e il 1934, benché come lei stessa ha più volte sostenuto “non sono mai passata da un periodo figurativo a uno astratto. Ho cominciato subito con le composizioni astratte”.

Carla Badiali fu, fin da subito, dentro all’esperienza di quel cenacolo di artisti, passato alle cronache come “Gruppo Como”, contribuendo al dibattito artistico e di confronto con gli astrattisti milanesi riuniti attorno alla Galleria del Milione, in un momento in cui alle donne non veniva dato molto credito, ma forte del sostegno e degli stimoli a percorrere la strada dell’astrazione di Manlio Rho, una delle figure di riferimento, assieme a Mario Radice, dell’avventura astratta sorta sulle rive del Lario.

Esemplari di quegli anni, a cavallo tra gli anni trenta e quaranta, sono le Composizioni, dove elementi di libera geometria, esaltati da una attenta e precisa scelta di colori, s’inseriscono in uno spazio virtuale.

Parallelamente alla sua ricerca geometrica, le opere di Carla Badiali assumono un valore lirico e musicale di grande rilevanza. È il caso della serie Le vent se léve, ben documentata in mostra, in cui le forme essenziali fluttuano sulla tela o sulla carta, che l’avvicinano al lirismo di Osvaldo Licini o, ancor di più, a Vassily Kandinsky, riletto in assoluta originalità, a dimostrazione di una ormai raggiunta autonomia linguistica.

È questo il periodo – siamo agli inizi degli anni quaranta – che segna la sua prima affermazione sul palcoscenico dell’arte pubblica, dapprima con l’adesione al gruppo Valori Primordiali, che nasce dall’entusiasmo della omonima rivista fondata da Franco Ciliberti, quindi al Gruppo Primordiali Futuristi, assieme a Cesare Cattaneo, Pietro Lingeri, Marcello Nizzoli, Mario Radice, Manlio Rho, Osvaldo Licini, Giuseppe Terragni e Alberto Sartoris, che portò alla formulazione del manifesto e alla denominazione definitiva di Gruppo Primordiali Futuristi Sant’Elia.

L’entrata nell’orbita di Marinetti fu di grande importanza per gli astrattisti comaschi, cui venne riservata un’intera sala alla Biennale di Venezia del 1942, nella quale Carla Badiali espose tre opere, e concesse loro l’opportunità di essere presenti alla Quadriennale di Roma del 1943.

In virtù degli strascichi dolorosi della guerra e del rinnovato impegno nel dare nuova vita al suo studio di disegno tessile che ebbe straordinaria fortuna in Italia e all’estero, con le collaborazioni, tra gli altri, con Hubert de Givenchy e con Pierre Balmain, gli anni cinquanta e i primi anni sessanta passarono sotto silenzio. Fu la partecipazione alla Biennale di Venezia del 1966 a dare slancio alla sua ricerca artistica.

La rassegna dà inoltre ampio riscontro dell’uso della tecnica del collage, luogo di sperimentazione e di scansione spaziale e plastica, ma che Carla Badiali considerava lo strumento più immediato, forse più efficace del disegno, per assegnare alle forme la loro giusta collocazione, ideale base progettuale per futuri lavori e che ha accompagnato la sua ricerca fino nel pieno degli anni ottanta.

La mostra, a trentacinque anni dall’antologica tenuta Como nel 1990, si chiude con un rapido excursus sull’astrattismo comasco e sui suoi esponenti che per tutta la vista hanno continuato una ricerca in ambito astratto, da Manlio Rho a Mario Radice, da Aldo Galli a Carla Prina ad Alvaro Molteni.

Carla Badiali – Note biografiche

Carla Badiali nasce a Novedrate (CO) nel 1907. Dopo pochi anni, si trasferisce con la famiglia in Francia a Saint-Étienne, dove si dedica alla musica e all’arte. Tornata in Italia, a Como, prosegue i suoi studi presso l’Istituto Nazionale di Setificio. Dopo le prime opere degli anni venti, raffiguranti paesaggi e nature morte, l’artista si avvicina all’astrattismo tra il 1933 e il 1934. Nel frattempo, si dedica all’arte applicata nel campo del tessile, organizzando e gestendo un importante laboratorio. Nel 1938 aderisce al gruppo Valori Primordiali, di cui fanno parte anche Terragni e Lingeri e due anni dopo sottoscrive il Manifesto del Gruppo primordiali futuristi Sant’Elia. Partecipa a una serie di prestigiose esposizioni, tra cui la XXIII Biennale di Venezia nel 1942 e la IV Quadriennale d’Arte Nazionale di Roma nel 1943. La produzione artistica di Carla Badiali s’interrompe a causa del secondo conflitto mondiale, ma riprende a esporre già nel 1951; da questo momento in poi, l’attività prosegue fino alla sua morte, avvenuta a Como nel 1992.

Promossa da Comune di Milano – Cultura, da Palazzo Reale e dalla Fondazione Giuseppe Iannaccone, con la produzione esecutiva di Arthemisia, la mostra è a cura di Daniele Fenaroli con la consulenza scientifica di Vincenzo de Bellis, e rappresenta un’occasione unica per esplorare i temi della contemporaneità attraverso il punto di vista degli artisti tra i più noti a livello internazionale.

Allestita in 11 sale, poste al piano terra di Palazzo Reale, l’esposizione dedica lo spazio in apertura a Cindy Sherman, artista emblematica, i cui 6 lavori aprono un’immediata riflessione sull’identità femminile, sul corpo e la sua libera disponibilità e ci introducono in un percorso i cui temi cruciali – dall’identità di genere a quelle legate alla cultura o alle tradizioni di appartenenza – sono indagati e rappresentati secondo la sensibilità di ogni artista presente.

A seguire artisti come Nan Goldin, Mattew Barney e Kiki Smith, Francis Alys, Elizabeth Peyton, Francesco Vezzoli e Dana Schutz, fino a Jennifer Packer e Hayv Kahraman, e molti altri.

L’insieme delle opere esposte evoca all’interno di ogni sala un motivo, una tendenza o un tema centrale nella produzione artistica contemporanea: dalla riflessione sul corpo, all’identità di genere e all’orientamento sessuale, ai diritti civili e ad ogni qualsivoglia ricerca di libertà, a temi quali la solitudine, l’introspezione, l’indagine sulle dinamiche di gruppo e di società, lo sfaldamento degli archetipi culturali, fino ad aprirsi sul terreno che fa collidere – ora creando aperture ora chiusure – il mondo naturale con quello artificiale, spesso, frutto dell’uomo contemporaneo.

“La mostra invita i visitatori a intraprendere un viaggio attraverso le molteplici espressioni dell’arte contemporanea, capace di interrogare la nostra società e il nostro tempo con sguardi sempre nuovi – dichiara l’assessore alla Cultura Tommaso Sacchi –. Le opere in esposizione esplorano tematiche cruciali come l’identità, il corpo, la memoria collettiva e il rapporto tra realtà e immaginario, restituendo un panorama artistico che riflette e interpreta la complessità del presente. Grazie alla straordinaria selezione di opere e artisti invitati, Palazzo Reale si conferma luogo di confronto e scoperta, arricchendo il programma della Milano Art Week con questo nuovo progetto.”

Questi temi e motivi che si rincorrono costantemente all’interno del percorso espositivo, sono tenuti insieme dal duplice registro reale-immaginario che attraversa tutta la mostra: un viaggio tra sogno e realtà in cui l’allegoria, la mitologia e la leggenda da una parte e la storia, la politica e la società dall’altra si confrontano e intrecciano continuamente.

La mostra rappresenta uno sguardo sulla ricerca artistica del recente passato e del presente, ed è anche un’occasione per riflettere sull’importanza del collezionismo privato nella storia dell’arte.

“È meraviglioso guardare la storia dell’arte e vedere – dichiara Giuseppe Iannaccone, Presidente della Fondazione Giuseppe Iannaccone – come gli artisti abbiano sempre esplorato i sentimenti, le emozioni, i piaceri e i tormenti degli esseri umani. Un’epoca segue l’altra, gli artisti si adattano ai fattori sociali ed economici della scena mutevole, inventando nuove forme di poesia; ma il cuore umano resta lo stesso e riesco a vedere un’essenza comune, una componente poetica condivisa, in ogni periodo dell’arte.”

La mostra, parte del programma della edizione 2025 di Milano Art Week, vede come sponsorDeutsche Bank, Spada Partners e Atitech; come sponsor tecnicoOpen Care – Servizi per l’arte, ARTE Generali – Agenzia Milano Teodorico, Tenuta Sarno 1860, Donnachiara – Montefalcione e Petilia – Altavilla Irpina; come media partnerIGP Decaux e come mobility partner Frecciarossa Treno Ufficiale.
Catalogo edito da Allemandi.

Data la forte valenza sociale per i temi trattati quali i diritti fondamentali, la parità di genere, la non discriminazione e l’inclusione sociale, la mostra ha ottenuto per la cerimonia di apertura del 6 marzo l’alto patrocinio del Parlamento europeo.

IL SEDUTTORE
Il rinnovamento dell’immagine maschile al tempo di Casanova

Venezia, Museo di Palazzo Mocenigo

7 marzo – 27 luglio 2025

A cura di Roberta Orsi Landini e Chiara Squarcina

Attraverso l’allestimento negli ambienti evocativi e scenari di vita quotidiana del Museo di Palazzo Mocenigo, con prestigiosi esemplari provenienti dalle sue ricche collezioni accanto a prestiti dal Museo Stibbert di Firenze, la mostra mette in luce come l’abbigliamento maschile abbia subito una progressiva trasformazione: da espressione di potere e forza a simbolo di raffinatezza, cultura e sensibilità. La moda del tempo, che si codifica principalmente nel completo di tre pezzi – marsina, gilè e calzoni – si affina e si semplifica, abbandonando le ridondanze dei secoli precedenti e anticipando l’eleganza discreta che ancora oggi caratterizza il vestire maschile.

Un viaggio nella moda e nella società del Settecento

L’esposizione si articola in diverse sezioni tematiche, ciascuna dedicata a un aspetto cruciale della metamorfosi dell’immagine maschile. 

La vita di società, il Settecento come secolo della conversazione, dei salotti e della mondanità. La figura maschile, un tempo caratterizzata da abiti sontuosi e carichi di simbolismo, si adatta a un nuovo modello di seduzione: non più ostentazione di forza, ma arguzia, cultura e galanteria. 

La marsina: verso un fascino rassicurante: l’influenza dell’Illuminismo porta a una semplificazione dell’abito maschile. La marsina perde la sua rigidità e le sue decorazioni fastose per assumere una linea più essenziale e sofisticata.  

Le armi della seduzione: i colori, la seta. Venezia, come altre capitali della moda, gioca un ruolo chiave nella produzione di tessuti raffinati, con sete dai disegni innovativi e colori audaci che definiscono l’eleganza maschile del tempo. 

Il gilé, ovvero lo svelamento della personalità: questo elemento dell’abbigliamento diventa il dettaglio distintivo del gusto individuale, con ricami e motivi che rivelano la personalità e le inclinazioni di chi lo indossa. 

Il fasto della corte. Gli abiti e gli accessori di corte erano espressione di potere e status sociale. La magnificenza dei tessuti, l’abbondanza di ricami in oro e argento e ‘uso di pietre preziose caratterizzavano l’abbigliamento dei nobili e degli alti dignitari, sottolineando il loro ruolo nell’élite del tempo.

La mostra è un omaggio al grande albero di alloro che ha dato il nome alla galleria caduto nel luglio 2022. Quasi cinquanta opere dedicate al lauro di quasi altrettanti artisti e visitatori si affiancano in questo luogo di incontro milanese per appassionati d’arte. Un segno d’affetto, una festa che coincide con i venti anni dello spazio espositivo. Le creazioni esposte sono pensieri di segno forte che riescono a tratteggiare il carattere e lo spirito, lirico, serio e anche giocoso dei frequentatori e degli artisti della galleria che le hanno realizzate. Disarticolato in varie opere il lauro risulta così ancora vivo dando forma ed espressione all’anima della galleria.

L’esposizione – aperta dal 13 marzo al 30 aprile 2025 – è accompagnata da un pieghevole con un testo di Cristina Sissa e la riproduzione di tutte le opere in mostra, e s’inaugura giovedì 13 marzo alle ore 18.

Artisti in mostra

Silvia Angelotti, Enzo Badalotti, Milena Barberis, Gianni Baretta, Daniela Barzaghi, Alice Bellati, Narciso Bresciani, Alfredo Casali, Elisabetta Casella, Roberto Casiraghi, Misia De Angelis, Jone Del Balzo, Elena Della Valentina, Mariangela De Maria, Paolo Di Capua, Debora Fella, Alessandro Fieschi, Paola Fonticoli, Franca Frignani, Marianna Gasperini, Paul Goodwin, IBM, Debora Magurno, Egidio Magurno, Maurizio Marino, Lorenzo Mazza, Nora Meneghini, Ayako Nakamiya, Daniele Nitti Sotres, Silvia Paladini, Federico Palerma, Mara Pepe, Nada Pivetta, Mario Raciti, Rossella Rapetti, Paoletta Serralunga, Tetsuro Shimizu, Valdi Spagnulo, Luiso Sturla, Paolo Tatavitto, Maria Tcholakova, Giorgio Vicentini, Mariangela Zabatino

Nel 1950, per commemorare il settecentesimo anniversario della nascita di Dante Alighieri, il governo italiano commissiona a Salvador Dalì, l’illustrazione dei cento canti della Divina Commedia. Il risultato è un capolavoro universale composto da centodue acquarelli, ognuno connesso a un canto dell’opera immortale di Dante. La combinazione di parole e immagini ne potenzia l’aspetto metaforico più profondo, creando un’alchimia di elementi che andremo ad indagare e scoprire grazie al lavoro della divulgatrice Daniela Del Moro, critica e storica d’arte.

Quello del 21 marzo sarà anche il primo di una seria di incontri che proseguiranno fino a giugno.

Salvador Dalì, tra arte e mito, è la grande mostra, record di visitatori dedicata al grande maestro del surrealismo, organizzata da Navigare in partnership con Difesa Servizi , società del Ministero della Difesa, allo scopo di valorizzare i Musei dell’Esercito Italiano  e allestita dal curatore di mostre internazionali Vincenzo Sanfo, con il supporto di un comitato internazionale. La mostra sarà visitabile dal 25 gennaio al 27 luglio 2025 presso il Museo Storico della Fanteria dell’Esercito Italiano, gode del patrocino della Regione Lazio, di Roma Capitale – Assessorato alla Cultura Italia e di Oficina Cultural de la Embajada de España.

Circa 80 opere, alcune delle quali esposte per la prima volta a Roma, e provenienti da collezioni private di Belgio e Italia. Disegni, sculture, ceramiche, boccette di profumo, incisioni, litografie, documenti, libri e fotografie conducono il pubblico a immergersi nell’universo daliniano, libero dalla rigidità delle regole, dove la realtà è costituita dai sogni. A completare questo percorso, anche opere di altri autori, dai disegni di García Lorca ai quadri di Mirò, che hanno condiviso con Dalì l’idea di un’arte dal carattere onirico e surreale. 

In apertura del percorso troviamo dei disegni poco noti che García Lorca, grande amico di SalvadorDalì, realizzò tra gli anni ’20 e ’30, nei quali è possibile intravedere una forma embrionale di surrealismo, che ispirò Dalì. Tra le opere esposte, molto interessante è la serie delle illustrazioni della Divina Commedia. L’artista le aveva realizzate su commissione dello Stato italiano. Tale affidamento, però, generò perplessità e malcontento, poiché in molti ritennero fosse meglio affidare un simile compito ad un artista italiano, e quindi Dalì si vide revocare l’incarico. A quel punto, disegni e schizzi furono acquistati da una società francese, che vi aveva visto un enorme potenziale artistico, e li rese noti in tutto il mondo.

La manifestazione culturale, che gode della compartecipazione, anche finanziaria, dell’Amministrazione Regionale dei Beni Culturali e dell’Identità Siciliana e dell’apporto reso dalla Curia Romana a mezzo l’Autorevole Esponente già menzionato, si aprirà con i Saluti Istituzionali delle Autorità presenti. Seguiranno i Saluti Istituzionali e l’Introduzione della Direttrice, Avv.Tommasa Siragusa, e il Contributo del Curatore della Mostra, il Collezionista Marco Donato.

L’Evento prevede, altresì, il 4 e l’11 aprile due momenti convegnistici, durante i quali sarà presentato il Catalogo “In occasione del Giubileo 2025 le Basiliche Papali nelle foto, nelle cartoline d’epoca e nelle cartoline fotografiche con breve bibliografia ragionata”: la pregevole pubblicazione racchiude, quindi, le immagini delle cartoline e fotografie oggetto di esposizione.

L’ingresso alla Mostra è gratuito e fruibile fino al 30 aprile 2025 negli orari di apertura al pubblico della Biblioteca. E’ gradita la prenotazione per gruppi, Associazioni, etc.

Lisa Hilton, storica, autrice di bestseller e membro della Royal Historical Society, presenterà il suo saggio Elizabeth: Renaissance Prince, un ritratto innovativo di Elisabetta I d’Inghilterra. Contrapponendosi alla visione tradizionale della sovrana come “Gloriana” o “Vergine Regina”, Hilton la racconta come un principe rinascimentale, colta, politicamente astuta e profondamente influenzata dall’educazione umanistica del suo tempo. Il libro mette in luce come Elisabetta abbia governato  in un mondo dominato dagli uomini, utilizzando il proprio intelletto, l’arte della diplomazia e la costruzione della propria immagine per mantenere il potere e ispirandosi ai grandi leader del Rinascimento, da Machiavelli ai Medici. Un’opera che ha ricevuto ampi consensi di critica per la sua capacità di restituire un’immagine complessa e moderna della sovrana

Bénédicte Delmas,scrittrice e regista, invece, presenterà il suo romanzo Jeanne, la rebelle de Dieu, ambientato nel 1589, durante le guerre di religione in Francia. La protagonista, Jeanne de Lestonnac, è una donna costretta a scegliere tra il destino impostole dalla società e il proprio cammino di indipendenza. Rimasta vedova, si oppone alle pressioni familiari che la vogliono risposata, preferendo dedicarsi alla spiritualità e all’istruzione, in un’epoca in cui le donne non avevano voce nelle scelte che le riguardavano. La storia di Jeanne si intreccia con i grandi eventi storici del suo tempo, offrendo un ritratto potente di una donna ribelle che ha trovato la sua strada contro ogni convenzione.

A guidare la conversazione sarà Roberta Semeraro, che metterà in luce i punti di contatto tra i due testi e l’arte di Anna Peter Breton. Così come Jeanne ed Elisabetta hanno sfidato i confini imposti 

dalla loro epoca, anche Breton, con le sue opere ispirate ai cieli sospesi sopra Venezia e ai laghi sacri del Kirghizistan, esplora i temi della spiritualità, dell’identità e della memoria, creando un ponte tra passato e presente.L’evento vuole celebrare il talento femminile in tutte le sue forme, dall’arte alla scrittura dalla storia al cinema è inserito nel palinsesto dell’edizione 2025 di Marzo Donna patrocinato dal Comune di Venezia

Bénédicte Delmas 

Originaria dei Paesi Baschi, Bénédicte Delmas ha iniziato la sua carriera nel mondo dello spettacolo interpretando uno dei ruoli principali in una celebre serie televisiva. Successivamente, ha intrapreso un percorso dietro la macchina da presa, dedicandosi alla regia di film per la televisione e perfezionando le sue competenze in sceneggiatura presso la prestigiosa scuola La Fémis.

Il suo debutto come sceneggiatrice e regista per la televisione è avvenuto con il film Elles… les filles du Plessis, che racconta la storia di uno sciopero della fame all’interno di un centro di accoglienza per minorenni incinte. L’opera ha ricevuto numerosi riconoscimenti, confermando il suo talento nel trattare tematiche sociali con profondità e sensibilità.

Con Jeanne, la rebelle de Dieu, Delmas esordisce nella narrativa, portando nella letteratura la sua esperienza cinematografica. Il romanzo, strutturato con un ritmo avvincente e una costruzione corale dei personaggi, mira a coinvolgere un pubblico ampio, affrontando temi complessi con un linguaggio accessibile. L’autrice conserva l’impronta della sua formazione nel mondo della cultura pop, con l’intento di creare una narrazione immersiva che spinga il lettore a seguire i protagonisti fino all’ultima pagina.

Lisa Hilton

Lisa Hilton è una storica e autrice di best-seller, membro della Royal Historical Society. Il suo ultimo libro, The Scandal of the Century (2024), rivisita la vita della prima drammaturga professionista inglese, Aphra Behn, e la sua connessione con eventi storici significativi.

Autrice di sette biografie storiche, tra cui Athenais: The Real Queen of France e Elizabeth, Renaissance Prince, Lisa esplora le vite di donne che hanno influenzato la storia, affrontando temi di misoginia e reputazione. Ha pubblicato anche tre romanzi storici, come The House with Blue Shutters, e un’opera di storia dell’arte, The Death of Cleopatra.

Ha lavorato a diverse serie storiche per la BBC e Arte, inclusi Charles I: Downfall e Elizabeth I’s Secret Agents, e ha collaborato a progetti documentaristici di successo. Sotto lo pseudonimo LS Hilton, ha scritto la serie Maestra, un bestseller internazionale che ha venduto oltre un milione di copie.

Trilingue, Lisa scrive per importanti testate in italiano, francese e inglese. Cresciuta nel nord dell’Inghilterra, ha studiato al New College di Oxford e ha vissuto in diverse città, tra cui New York e Parigi. Ha ricevuto numerosi riconoscimenti, tra cui il premio Glamour Magazine Writer of the Year nel 2016. www.lisahilton.com