APPELLO
PER GAZA

“Da oltre un anno assistiamo impotenti a quello che succede nella Striscia di Gaza, mentre cresce lo sdegno, l’orrore e la ripulsa morale per l’inaudito massacro dei palestinesi da parte del governo Netanyahu, un massacro che non ha più nessuna proporzionalità con gli attacchi guidati da Hamas il 7 ottobre 2023 e ha assunto invece la forma di una vera e propria pulizia etnica realizzata quotidianamente con efferatezza e ferocia.

La stampa internazionale, le associazioni umanitarie come Amnesty International e i movimenti democratici hanno documentato la condotta di Israele a Gaza e hanno raccolto prove che forniscono una base sufficiente per concludere che quello che Israele sta commettendo a Gaza è un genocidio.

Bombardamenti incessanti anche su ospedali e scuole, distruzione senza precedenti di sistemi idrici, igienico-sanitari e di produzione alimentare, lo sfollamento forzato del 90% della popolazione, il diniego e l’ostacolo alla fornitura di servizi essenziali, di assistenza umanitaria e di ulteriori beni necessari per salvare vite umane, sono atti che evidentemente non perseguono l’annientamento dell’organizzazione militare di Hamas e la liberazione degli ostaggi, ma l’intento specifico e deliberato di distruggere la popolazione palestinese di Gaza. Tra ottobre 2023 e maggio 2025 Israele ha commesso atti vietati dalla Convenzione sul genocidio e continua a commetterli. Finora sono morti 50.000 civili tra cui 20.000 bambini (800 sotto il primo anno di vita).

Come si ricorderà, nelle scorse settimane, più volte Donald Trump ha sorpreso l’opinione pubblica annunciando l’intenzione del suo governo di assumere il controllo della Striscia di Gaza per sgombrarla delle macerie prodotte dalla guerra in corso e trasformarla in una ridente riviera (per ricchi di tutto il mondo), dopo aver espulso la popolazione palestinese. È possibile rimanere indifferenti e inerti di fronte a questa prospettiva? La questione israelo-palestinese, che dal 1948 travaglia tutto il medio-oriente, e che il governo di estrema destra di Netanyahu affronta con metodi che risuonano sinistramente cinici come una “soluzione finale”, riguarda, ora più che mai, il mondo intero e la sua capacità di rimanere umano.

In dissenso radicale contro questo insano progetto, sentiamo l’obbligo di denunciare la grave minaccia dello sfollamento di massa, un’ingiustizia che colpisce il cuore stesso della dignità umana. Il popolo di Gaza, famiglie che per generazioni hanno vissuto nella terra dei loro antenati, non deve essere costretto all’esilio, privato di ciò che resta delle sue case, del suo patrimonio e del suo diritto di rimanere nella terra che costituisce l’essenza della sua identità. Come esseri umani, non possiamo restare indifferenti a questa enormità.

Chiediamo la liberazione di tutti i prigionieri, da entrambe le parti, affinché possano essere riuniti in sicurezza con le loro famiglie. A tutte le persone di fede, agli uomini e donne di cultura, ai governi e alla comunità internazionale chiediamo di agire con rapidità e decisione per fermare la catastrofe. Non vi sia alcuna giustificazione per lo sradicamento e l’annientamento di un popolo che ha già sofferto oltre ogni misura. Che la sacralità della vita umana e l’obbligo morale di proteggere gli indifesi prevalgano sulle forze della distruzione e dell’odio e che sia garantito un accesso immediato e senza restrizioni ai soccorsi umanitari per coloro che sono nel disperato bisogno.

Prendiamo posizione contro la prospettiva di costringere a un esodo forzato la popolazione della Striscia di Gaza. Agiamo ora insieme per fermare il genocidio”.

Per imagines. Classici latini e libri d’artista da Dürer a Picasso, il titolo della mostra visitabile fino al 5 ottobre 2025 presso il Museo Civico Medievale (Via Manzoni, 4 – Bologna), a cura di Francesco Citti e Daniele Pellacani.
Organizzata dal Dipartimento di Filologia Classica e Italianistica – FICLIT e dal Centro Studi “La permanenza del classico” dell’Alma Mater Studiorum – Università di Bologna, in collaborazione con la Biblioteca Universitaria di Bologna – BUB e i Musei Civici d’Arte Antica del Settore Musei Civici Bologna, l’esposizione vuole evidenziare quanto i grandi classici della letteratura latina siano stati modelli fondamentali per lo sviluppo della letteratura e dell’arte europea. Per farlo, è stato adottato un angolo visuale sostanzialmente inesplorato, ovvero il libro d’artista contemporaneo, inteso come luogo privilegiato dell’incontro tra testo e immagine, e quindi come spazio ‘materiale’ dell’interazione tra letteratura e arte, tra parola e segno.

La selezione degli esemplari esposti – generosamente prestati dalla Biblioteca di Busseto di Cariparma (donazione Corrado Mingardi), dalla Biblioteca Universitaria di Bologna – BUB e da numerosi artisti e collezionisti privati – intende sviluppare un percorso transmediale tra le diverse epoche e i diversi stili dell’arte contemporanea, al fine di mostrare come personalità artistiche tra loro anche profondamente differenti hanno saputo reagire agli stimoli dei modelli letterari antichi, in un’operazione di rielaborazione e rivitalizzazione del classico, che prende nuova forma mediante la trasposizione dal codice verbale al codice visuale. 

Sarà quindi possibile ammirare opere imprescindibili, come l’Apuleio simbolista di Max Klinger (Apuleius. Amor und Psyche, 1881) o le Metamorfosi ovidiane di Pablo Picasso (Ovide. Les Métamorphoses, 1931), un lavoro che segna un punto di svolta fondamentale nel modo in cui il libro d’artista contemporaneo si pone di fronte al modello classico: l’esperimento di Picasso influenzerà infatti, pur con esiti differenti, opere quali le Georgiche di Giacomo Manzù (Le Georgiche di Virgilio, 1948) o il De rerum natura di Enrico Baj (De rerum natura, 1958).  

Per fornire un quadro ampio e articolato della varietà dei possibili approcci al modello letterario latino, sono esposti libri che riflettono stili e epoche differenti, come l’Orazio e il Virgilio di Aristide Maillol (Les Éclogues de Virgile, 1926; Odes d’Horace, 1939), il Catullo di Filippo De Pisis (I Carmi di Catullo, 1945) o il Lucrezio di Giulia Napoleone (NERO, 2014), ma anche opere in cui la rielaborazione artistica del testo antico è mediata dal tramite di una riscrittura moderna, come nel caso del Virgilio-Valéry di Jacques Villon (Paul Valéry. Les Bucoliques de Virgile, 1953) o del Properzio-Pound di Fausto Melotti (Ezra Pound. Homage to Sextus Propertius, 1976).

Infine, per rendere più completa e stimolante l’esperienza dello spettatore, la mostra si propone di affiancare ai libri d’artista contemporanei antiche edizioni illustrate dei classici latini, tra cui il Terenzio di Albrecht Dürer, i cui disegni furono incisi e stampati solo nel 1971 grazie all’iniziativa dell’Officina Bodoni (i tre volumi dell’Andria, accompagnati rispettivamente dalla traduzione di Machiavelli, Bernard e Mendelssohn Bartholdy): una scelta che intende creare un deliberato effetto di contrasto, utile a far emergere elementi di continuità e discontinuità nel secolare rapporto tra testo letterario e raffigurazione artistica. 

L’evento è finanziato da Unione Europea – NextGenerationEU a valere sul Piano Nazionale di Ripresa e Resilienza (PNRR), Missione 4 Istruzione e ricerca-Componente 2 Dalla ricerca all’impresa-investimento 1.1, Avviso PRIN 2022 PNRR indetto con DD N. 1409 del 14/09/2022, nell’ambito del progetto “Per Imagines, Per Scripta. Forms of interaction between texts and images in Latin culture and its reception: innovative methodologies, new interpretations, digitisation initiatives” (codice progetto P2022C4A7N-CUP J53D23016360001).
Con il contributo di Fondazione Cassa di Risparmio in Bologna.

La mostra sarà inaugurata venerdì 23 maggio alle ore 17.30.
Aperta al pubblico dal 24 maggio al 5 ottobre 2025.
Ingresso con acquisto del biglietto museo.

Sono in programma eventi e visite guidate in occasione della mostra.

Attraverso questa selezione di scatti fotografici, realistici e scenografici, Solarino racconta pensieri e suggestioni al cospetto di uno spazio punteggiato da elementi, collocati in una distesa apparentemente anonima e deserta. In quegli elementi, sospesi in un’atmosfera sempre più rarefatta e intimista, si manifestava una testimonianza del fare instancabile dell’uomo, presenza muta ma forte nella sua assenza.

Frammenti nasce da un dialogo avviato dal collettivo durante il periodo del lockdown: partendo dal titanio, come materia concreta e del reale, il progetto arriva all’immagine cinematografica, come materia impalpabile e della finzione. L’installazione e il cortometraggio rappresentano una trascrizione materiale pervasa una dualità di sentimenti – l’ansia, la frustrazione, la certezza – al fine di ricomporre i sentimenti umani quali frammenti emotivi, composti insieme a formare l’unità o smembrati e divisi in parti differenti. 

L’immagine che ne deriva potrebbe ricordare l’effige della maschera: come scrive lo psicologo e filosofo Arturo Conte, «l’uomo è un assente dietro la sua presentazione, è una persona nascosta che si svela, resta nascosto mentre viaggia. E viaggia sempre con una maschera che nasconde un’assenza. L’uomo si veste, si nasconde, si nasconde ovunque. Si nasconde nelle case, nelle città, ma soprattutto si nasconde nella stessa definizione di “Uomo” come “Persona”. “Persona” come “Maschera”. Persona dall’etrusco “phersu”, quindi dal greco “πρ.σωπον” [pr.s.pon], significa ciò che è davanti agli occhi. La maschera appunto. Mentre tutta la Natura è nuda, l’Uomo è vestito. Quindi, mentre la Natura è futuro, l’Uomo è immerso nel suo passato. L’uomo ferma i fantasmi, ed ecco che c’è il cinema, la presenza del passato. Il presente opprimente. Ma chi è l’uomo? Storici, giornalisti, psicologi, sociologi, artisti hanno cercato per anni di trovare una risposta. In natura questo non accade. Non c’è animale che abbia scritto, indagato la storia di un antenato. La parola “Futuro” invece deriva dal greco “φυω”,ciò che fiorisce, ciò che nasce. Ad esempio un albero. Il futuro è la trasfigurazione dell’uomo in donna e della donna in uomo. La trasfigurazione intesa come sensazione. L’incontro delle gemme degli alberi con il cielo e la pioggia. Questo è il futuro, il senza tempo, l’inconscio. Ciò che va oltre il bene e il male». 

Nella scultura-installazione, la rappresentazione coincide con un volto trasfigurato che sottolinea i due aspetti del pensiero e dell’azione: una maschera fatta di frammenti assemblati che suscita innumerevoli interrogativi. Nel cortometraggio, i frammenti dei due personaggi/maschere, al limite dell’identificazione reciproca, tendono alla riconquista dell’armonia e alla ricomposizione, aiutati anche dalla colonna sonora che si ispira ai quattro elementi naturali – terra, aria, acqua, fuoco – alternati da voci registrate su fonemi/parole/frasi. 

BIOGRAFIE

Paolo Mazzeschi.
Nato a L’Aquila nel 1966, figlio d’arte, frequenta gli studi nell’Istituto d’Arte dell’Aquila, conseguendo nel 1983 il diploma di maestro d’arte. Termina gli studi nel 1985 specializzandosi in oreficeria e diplomandosi con il titolo di maestro d’arte applicata . Nel 1990 apre il proprio studio d’arte, concentrandosi sul gioiello d’arte contemporanea: i suoi gioielli sono frutto di una attenta ricerca e sperimentazione combinando differenti materiali. Queste capacità gli vengono riconosciute sin dalle prime esposizioni dove riceve la medaglia d’argento del Presidente della Repubblica . Nel tempo alterna scultura e design. Il suo spirito creativo gli permette di confrontarsi con materiali come metalli, legno, pietra e ceramica. Il linguaggio estetico si traduce in una costante impressione della texture. Negli ultimi anni scopre il titanio che dà nuova forza alla sua ricerca artistica, trovando finalmente una propria espressione personale. Le sue ultime opere possono essere considerate in linea con il movimento artistico del decostruttivismo.

Francesco Paolucci.
Giornalista professionista e film maker freelance. Dal 2009 documenta, con diversi linguaggi, il post terremoto dell’Aquila e delle aree interne con reportage rivolti soprattutto al web, Privilegiando il video reportage, da anni è impegnato a documentare storie e tematiche legate al mondo del sociale, ma anche dell’arte e dell’architettura. Nel 2017 ha realizzato “I Migrati”, un documentario acquistato contemporaneamente dalla Rai e da Tv2000, presentato e premiato in diversi festival nazionali e internazionali. Gli ultimi lavori sono “I Senza Nome” (2022) sul tema dei migranti sepolti nel cimitero di Lampedusa e “L’uomo più buono del mondo – La leggenda di Carlo Tresca” (2023) e “Io ci provo” (2023) un documentario che fa parlare l’autismo. Nel 2024 è stato selezionato per la 29esima Biennale della Slavonia (Croazia) con il documentario “I Senza Nome”; ha vinto il Premio Penisola Sorrentina “Viaggio in treno” con il corto “Cicale” e il premio miglior documentario” con “L’uomo più buono del mondo” al Festival Documentario D’Abruzzo. 

Roberta Vacca.
Compositrice residente presso Mac Dowell Colony (U.S.A.), Fondazione per le Lettere e per le Arti di Bogliasco e Residenza d’Artista “Le Ville Matte” di Villasor. Le sue composizioni, edite da Ars Publica, MEP, RAI Com, Sconfinarte, Twilight, sono presenti in sei monografie e raccolte discografiche per varie etichette. La componente ludica e idealistica, unita alla sua passione per il teatro, i cui gesti permeano anche la sua produzione strumentale, la portano ad essere aperta a numerose ed eterogenee collaborazioni “in cui il progetto compositivo è impostato su impianti formali sempre molto chiari e su figure mutuate dalla tradizione e trasfigurate. Gesto teatrale e narratività, il raccontare sia in senso teatrale che in senso musicale, interni all’elaborazione dell’andamento strumentale, sono il vero bisogno espressivo della compositrice.” (R. Cresti)

Marzia Lioci.
Laureata in Lingue e Civiltà Orientali e in Scienze e Tecniche Psicologiche, si affaccia alle arti performative nel 2018 e crea un sodalizio artistico con la fotografa Giusy Calia, Cuore Taglia Unica. Espone in varie città italiane ed estere, tra cui Parigi e Berlino, e vince il Primo Premio Internazionale Fotografia Agnese Meotti a Verona. Marzia indaga la dimensione legata al sentire i materiali e gli ambienti attraverso il corpo per farne un’esperienza profonda da cui trarre ispirazione. Le sue collaborazioni artistiche sono nell’ambito della fotografia, della danza e della narrazione, con un filo conduttore che riguarda il viaggio intimo dentro se stessi quale ricerca e rivelazione di forze vitali libere e autentiche. 

“Vocazioni” è già disponibile sulle principali piattaforme digitali e sarà presentato proprio il 23 maggio con uno showcase live all’Auditorium Novecento di Napoli (ingresso 10€ con CD album incluso, inizio ore 22:30, prevendite su Etes.it all’indirizzo https://bit.ly/Ra_Di_Spina_Auditorium_Novecento).

L’album, che racchiude anche i brani pubblicato in un precedente Ep, è un lavoro corale e visionario, che attinge dalla tradizione popolare del Sud Italia per rielaborarla in una chiave contemporanea, mescolando polifonie vocali, ritmi ancestrali, chitarre elettriche, elettronica sperimentale e suggestioni world.

Frutto della collaborazione tra Laura Cuomo (voce, elettronica e ricerca), Alexsandra Ida Mauro (voce), Ernesto Nobili (chitarra e produzione) e Francesco Paolo Manna (percussioni), “Vocazioni” è un viaggio sonoro che esplora il concetto di “chiamata” – quella delle voci antiche, delle storie dimenticate, delle lotte e delle resistenze di un popolo.

«Voci che si rincorrono, ascoltate, immaginate, sognate. Voci che raccontano amori divini e terrestri, che si arrampicano l’una sull’altra, restituendo la potenza delle melodie arcaiche»: così il gruppo descrive “Vocazioni”, un lavoro che trasforma il canto in un atto di memoria collettiva, un richiamo ancestrale che risuona nel cuore di chi lo interpreta e di chi lo ascolta.

Prima dello showcase napoletano, Ra di Spina porterà “il suo viaggio musicale” in tour con una data a Roma il 15 maggio presso Santa Libbirata La Carretteria, che prosegue il viaggio dal vivo iniziato il mese scorso da Barcellona, in compagnia di Maria Mazzotta, Suonno D’ Ajere e Sangennarobar promossa da Fabra i Coats con il festival Napoli World e supportata dall’Istituto Italiano di Cultura di Barcellona.

Il tour di “Vocazioni” proseguirà successivamente con tappe a  Bologna, Palermo, nelle Marche, in Basilicata e in Salento.

“Vocazioni” è un inno alla resistenza culturale, un disco che rompe gli schemi della tradizione per rigenerarla, mescolando synth, chitarre elettriche e voci carnali. Un lavoro che parla di radici, comunità e identità, restituendo alle storie antiche una nuova, vibrante attualità.

“La voce è soglia e radice dell’identità: attraverso di essa si manifesta l’essere, nel suo stare al mondo e nel suo divenire – racconta Laura Cuomo. È strumento di riconoscimento e rivelazione, capace di indicare la direzione del nostro possibile, tracciando il confine tra potenza e limite. Il canto d’insieme in Ra di spina è la riscoperta di una dimensione collettiva, condivisa. Il canto è di tutti, perché un gesto umano. Le melodie che cantiamo sono popolari, perché sono di tutti. La musica è autenticamente popolare quando appartiene a tutti. Le melodie che ricerco e riarrangio non sono solo un pretesto, ma un veicolo per diffondere il messaggio che la voce è capace di esprimere emozioni. Queste melodie – conclude Cuomo – sono sopravvissute a generazioni e generazioni tramite una tradizione fondamentalmente orale, conservano una forza intrinseca, derivante dalla loro robustezza nel resistere ai naturali cambiamenti delle comunità che, nel corso del tempo, le hanno mantenute vive attraverso la pratica. Il progetto Ra di spina risponde all’esigenza di donare la parte più autentica della voce.

Il 24 e il 31 maggio dalle 18.00 alle 20.00, lo studio di architettura di Massimiliano Chialastri e Stefania Macori sarà animato dagli interventi per Lift Garden di Federica Luzzi, Anna Onesti, Naoya Takahara, Gabriella Pace, Melissa Lohman e Flavio Arcangeli, Antonio Amendola e Sergio Iannelli, Michele Marinaccio. 

Il 28, 29, 30 maggio e il 1 giugno 2025 dalle 18.00 alle 20.00 nello studio aavv creative engineering di Massimo Cardone e Marina Scognamiglio; Silvia Stucky e Marina Scognamiglio generano La città impropria (con interventi di Jacopo Benci, Ysabel Dehais). 

Il 31 maggio dalle 11.00 alle 15.00 e il 1 giugno dalle 11 alle 16.00, all’interno del Padiglione Nervi, le performance di ÆROREVERIE (Jacopo Benci, Beatrice Miniaci, Dalila Specchio, Luca Venitucci), Alberto D’Amico e Giovanna Floris, Ysabel Dehais, Roberta Melasecca, Silvia Stucky, Anna Valeriani. 

Città Accogliente unirà poi tre eventi il 31 maggio alle ore 16.00, con un tour condiviso col pubblico: partendo dal Padiglione Nervi in Via della Magliana, il percorso transita per Ponte Marconi verso la basilica di San Paolo, arriva allo studio di architettura aavvce, per poi inerpicarsi su Via delle Sette Chiese e attraversare la Garbatella, l’Appia Antica, il Parco della Caffarella per giungere allo Studio Chialastri-Macori in Via Coppi. Lungo tutto il percorso Ysabel Dehais lascerà una traccia; il pubblico, accompagnato dagli artisti e dagli architetti, sarà invitato a osservare ciò che è trascurato, marginale, nascosto, e ciò che vediamo sempre senza guardarlo: le differenze fra un quartiere e l’altro, l’architettura, il verde, ma anche la luce, l’aria, i suoni.

Come scrive la curatrice, Roberta Melasecca: «Noi, piccolo gruppo di artisti-intellettuali, transitiamo, attraversiamo, sostiamo, corriamo, camminiamo, ci riuniamo in famiglie più o meno temporanee, attirati dalle comuni inclinazioni; esperiamo ogni giorno soluzioni, alternate e alternative; ci mettiamo alla prova per capire, per andare nel fondo e nel retro, per trovare nuovi modi di stare con noi e gli ambiti che ci competono. Concepiamo nuove tipologie, nuove città nelle città di differenti conformazioni, di aspetti che si alterano con lo sguardo di chi le tocca e le fa proprie, e in esse proviamo ad immaginare se si possa vivere. Non serve andare su Marte. Uniremo tutte le città con i nostri corpi, con le nostre sembianze, le percorreremo in linea retta guardandoci negli occhi, spostando lo sguardo in basso e in alto, riconoscendo le unità frattali che ci appartengono e da cui non possiamo discostarci più di tanto. Non so se alla fine daremo vita ad una città accogliente. Ma di certo non smetteremo mai di desiderare». 

La geo-città: Lift Garden 
Nello studio di architettura di Massimiliano Chialastri e Stefania Macori, Federica Luzzi, Anna Onesti, Naoya Takahara, Gabriella Pace, Melissa Lohman e Flavio Arcangeli, Antonio Amendola e Sergio Iannelli, Michele Marinaccio generano Lift Garden, esplorano la geo-città ascoltando le ragioni della terra. Federica Luzzi predispone strutture di azioni possibili, forgiate dai vuoti che collegano le ossa, dai sogni di giardini interiori, nascosti agli occhi, quei regni di transizione tra esterno ed interno dove vagheggiano i pensieri concretizzati in fogge rinate. Come Penelope tessitrice che crea ma non disfa, l’artista ricompone un contemporaneo hortus conclusus, non più separato ma affondato in un flusso di aria, energia e tensione. Anna Onesti costruisce mappe urbane volanti, immerse nelle immagini del suolo con il sapore dell’etere: con mani sapienti piega e apre, apre e piega, in una svolta a destra, in una svolta a sinistra mentre il cielo si abbassa sulla terra e con lei coincide. Naoya Takahara dà forma al vento, anelito di invisibili ombre: e si fa albero, e si fa fiume, e si fa foglia, e si fa suono lontano di corde tese, in silenzio. Gabriella Pace sceglie di affidarsi all’acqua. Gabriella sceglie il fiume, quel fiume che vede ogni giorno, che conserva le memorie andate ma che più non appare né verde né azzurro. Lo ridisegna, ne riperfeziona l’alveo, ne ricorda il corso spingendolo oltre la linea prefissata. Lo ricolora di agognata purezza e lui si assurge a elemento di congiunzione tra paesaggio naturale ed umano. Melissa Lohman e Flavio Arcangeli si ibridano in organismi tridimensionali di carne e linfe, si espandono, mettono in atto dispositivi di adattamento all’ambiente da loro stessi generati, spingendoci a fare altrettanto. Antonio Amendola e Sergio Iannelli evocano la realtà con il suono e la voce, lasciando al sito il compito di guidare le modulazioni del sentire, del vedere, del pronunciare. Michele Marinaccio compone una sinfonia visiva di parole narranti e noi ne siamo circondati, travolti, avvolti, tentando di afferrare quello che è solo indefinito, incerto. 

La città residuale: La città impropria
Nello studio aavv creative engineering di Massimo Cardone e Marina Scognamiglio; Silvia Stucky e Marina Scognamiglio (con interventi di Jacopo Benci, Ysabel Dehais) ci conducono in quei frammenti lungo l’asse del fiume fuori le mura. È una città porosa, permeabile, risultante dagli scarti che si impadroniscono di brandelli definiti da identità improprie. Qui la natura contaminata è la regola da osservare e tutto quello che viene coltivato dalle mani umane acquista la stessa resistenza e pregnanza, forze commutabili senza distinzione. Emergono barriere, sbarre, recinzioni, cancellate, schermi di transito e di tramite che impediscono l’oltre e l’infinito e condannano le rappresentazioni ad una sorte uniforme. Ogni ambizione qui si infrange, ogni aspirazione qui decade e lo sforzo per sollevarsi raddoppia la sua intensità. Emerge il bisogno inequivocabile di riappropriarsi dell’abbandono attraverso l’attestazione, la consapevolezza, attraverso il riconoscimento dell’esistenza tralasciata. 

La città futura: Il caso del Padiglione Nervi
All’interno del Padiglione progettato da Pierluigi Nervi, ÆROREVERIE (Jacopo Benci, Beatrice Miniaci, Dalila Specchio, Luca Venitucci), Alberto D’Amico e Giovanna Floris, Ysabel Dehais, Roberta Melasecca, Silvia Stucky, Anna Valeriani ci traghettano alla scoperta di un posto prezioso ma sconosciuto ai più: il primo edificio prodotto con la tecnica del ferrocemento da uno dei maggiori artefici di architetture strutturali del Novecento, del quale ammiriamo molto spesso l’opera più nota, l’Aula Paolo VI in Vaticano. Il padiglione, situato in Via della Magliana, fu realizzato mescolando calcestruzzo e armatura e invertendone le proporzioni. Ne risultò un materiale estremamente sottile, di appena 2,5 cm di spessore, resistente, elastico, duttile, omogeneo, leggero, sagomabile in forme qualsiasi. Attualmente di proprietà privata e parte di un parcheggio ma sottoposto a tutela, il piccolo capolavoro pionieristico dell’ingegnere italiano diventa il territorio di ulteriori sperimentazioni, un caso studio che possa indicare strategie di rigenerazione culturale. ÆROREVERIE erige un’abitazione provvisoria dove le pareti sono i suoni che risuonano in accordo con le strutture del padiglione. Alberto D’Amico e Giovanna Floris rileggono il paesaggio urbano, mediante l’uso delle figure e del linguaggio, narrando gli spazi delle convergenze, delle contraddizioni: una preghiera che assume il tono dell’ironia e della supplica, della poesia e del sarcasmo, dell’indagine critica e della conversazione. Ysabel Dehais racconta la diversità, gli incontri che da essa nascono e la necessità e l’urgenza della creazione: attraverso sistemi di relazione e reciprocità ogni cosa rimane strettamente connessa ad una rete in perenne movimento. Silvia Stucky concede la misura dei corpi, degli spazi, e la esercita con le braccia, con i vuoti e i pieni di quello che siamo. Anna Valeriani ricorda che la nostra ricerca è sul limite dell’essere, che cenere siamo e ritorniamo e che alla fine di tutto e tutti siamo noi, soli con noi davanti a noi. Roberta Melasecca (io che scrivo) forse sarà il magma duttile del ferrocemento che trasmuta al contatto con l’altro. 
(testi di Roberta Melasecca)

Rebecca Horn – Cutting Through the Past
Una mostra in collaborazione tra Haus der Kunst, Monaco di Baviera e Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Rivoli-Torino
A cura di Jana Baumann e Marcella Beccaria
22 maggio – 21 settembre 2025
Manica Lunga, Terzo piano

Nata dalla collaborazione con Haus der Kunst, e a seguito della personale dell’artista organizzata dalla stessa istituzione nel 2024, la mostra al Castello è la prima retrospettiva dedicata a Rebecca Horn in un’istituzione museale pubblica italiana. La mostra, volta a riconoscere il ruolo fondamentale dell’artista tedesca nello sviluppo della pratica artistica contemporanea, comprende opere che intrecciano tematiche quali tempo, memoria, ossessione e relazioni di potere, la mostra presenta una selezione di installazioni, sculture, video, film e disegni che si estende dagli anni Settanta al presente. Il percorso espositivo includerà iconiche macchine cinetiche come Peacock Machine, originariamente ideata dall’artista per la sua partecipazione a documenta, Kassel nel 1982, sino alla recente Hauchkörper, 2017, oltre alle installazioni monumentali Inferno, 1993-1994, Tower of the Nameless, 1994 e Concert for Anarchy, 2006. Nella sezione centrale della mostra, i visitatori potranno incontrare le performance di esordio di Horn attraverso i video Performance I, 1970-1972, Performance II, 1972 e Berlin, 1974-1975. Come per l’iniziale presentazione a Haus der Kunst, essi saranno proiettati in grande scala, dopo essere stati restaurati e digitalizzati. La mostra comprenderà inoltre importanti lavori appartenenti alla collezione del Castello, tra cui il film Der Eintänzer, 1978, e le coinvolgenti installazioni Cutting Through the Past, 1993, l’opera che da il titolo alla mostra, e Miroir du lac, 2004. Gli ulteriori film di Horn, La Ferdinanda – Sonate für eine Medici Villa, 1981 e Buster’s Bedroom, 1990, saranno allestiti nel Teatro del Museo e proiettati nell’ambito di una speciale programmazione.
 
Enrico David – Domani Torno
A cura di Marianna Vecellio
29 ottobre 2025 – 22 marzo 2026
Manica Lunga, Terzo piano
 
L’esposizione traccia un compendio della ricerca di Enrico David (Ancona, 1966), che spazia tra pittura, opere tessili, disegno, scultura e grandi installazioni ambientali in un’esplorazione della condizione psicologica e interiore dell’essere umano contemporaneo. Il percorso, appositamente concepito per la Manica Lunga, oscilla tra figurazione e astrazione per concentrarsi sul corpo come punto di partenza per una riflessione sulla figura umana come metafora della trasformazione. Utilizzando un linguaggio espositivo che richiama la scenografia teatrale e il display per oggetti di design, la mostra ripercorre la traiettoria creativa dell’artista, arricchita da nuove produzioni. Tra i lavori in mostra figurano gli ambienti Madreperlage, 2003, prima installazione di grandi dimensioni realizzata presso la galleria Cabinet a Londra, Ultra Paste, 2007, presentato per la prima mostra istituzionale dell’artista presso la ICA di Londra, Absunction Cardigan, 2009, realizzato in occasione della nomina al Turner Prize, e Tutto il Resto Spegnere, esposto al Padiglione Italia della Biennale Arte 2019 a Venezia. L’ampio corpo di opere in mostra include gli studi dell’artista sulla scultura con opere come Sign for Lost Mountaineers Hair Grooming Station, 2004, Pebble Lady, 2014 e Racket II, 2017, numerosi disegni, una selezione di nuove produzioni tra grandi pitture, arazzi e ricami su tela e la serie dei teatrini, realizzata dal 2005 ad oggi.
 
Inserzioni
A cura di Francesco Manacorda
Settembre 2025 – marzo 2026
Edificio Castello, I e II piano
 
Inserzioni diffonde nuove commissioni nel tessuto della Collezione invitando una selezione di artisti a intervenire in una sala del Museo relazionandosi con l’allestimento delle opere appartenenti al Museo. Il formato, della durata di sei mesi e rinnovato due volte l’anno, trasforma le sale storicamente dedicate alla Collezione in una “mostra collettiva” in continuo rinnovamento, arricchendo il percorso espositivo di figure, movimenti e aree geografiche finora non pienamente rappresentati. Riprendendo la formula originaria usata dal primo direttore Rudi Fuchs per Ouverture, ogni artista è invitato a ideare un’opera per una delle sale auliche del Castello di Rivoli e a inserirsi nella storia dell’arte narrata attualmente dal Museo.

Nell’allestimento di Hyunnart Studio saranno esposti sia grandi teli che pastelli ad olio realizzati nel quinquennio 1976-1980, opere che l’artista piemontese ha scelto di esporre a Roma, in quella che è la sua seconda personale nella capitale, perché l’insieme dei lavori ha ancora il sapore inedito di una proposta fresca, attuale e di carattere ambientale.

Nella selezione delle opere di grande formato in tela Baretta ha applicato, in determinate porzioni della pasta di carta (“pdc”) con interventi pressoché monocromatici. Al tramonto degli anni Settanta, mentre sulla scena internazionale si verifica un ritorno alla pittura in chiave di citazione e figurazione, l’artista sceglie, in controtendenza, «di aggredire la tela con campiture monocrome di pigmenti intrisi nella cellulosa macerata, un coagulo cromatico e materico che spesso espande delicate sfumature sulla tela». Come scrive Carlo Alberto Bucci, «a sfogliare sul tavolo questi suoi teli, come fossero pagine di un libro di stoffa, prima che finiscano appesi quali dipinti alle pareti della galleria di viale Manzoni, mi rendo conto che essi appartengono a un tempo ancora, e sempre, presente: il tempo della misurazione, della catalogazione (ogni opera reca il giorno, il mese e l’anno in cui è nata) e della contemplazione dello spazio attraverso colori e forme essenziali che vivono, per dirla con le parole dell’artista, “una libera e pulita austerità”».

 In mostra saranno esposte anche due “piccole stanze metafisiche”, cassette di legno con forme geometriche ed elementi di pittura che rievocano architetture scenografiche, in un sottile insieme onirico.