“Il giorno in cui ricorderò” è il tema di questa nuova edizione del festival, un invito a riflettere sul legame tra fotografia e memoria, tra archivi fisici e la crescente smaterializzazione dell’immagine nell’era digitale​. “In un tempo in cui la memoria diventa sempre più liquida” – afferma la direttrice artistica Laura Tota – “vogliamo indagare il potenziale della fotografia nel dare forma al passato e immaginare il futuro”. La scelta del Polo del ‘900 di Torino come sede rafforza questo intento: luogo simbolo della memoria storica, diventa cornice ideale per un racconto visivo che connette il secolo scorso alle sfide del presente.

A partire da giovedì 8 fino domenica 11 maggio, dalle 10:00 fino alle 20:00 (fatta eccezione per la prima giornata dalle 18:00 alle 21:00)le affascinanti sale di Palazzo San Daniele, cuore del Polo del ‘900, faranno da cornice alla manifestazione, ospitando le opere dei migliori autori emergenti, italiani e internazionali, nel panorama della fotografia contemporanea, oltre ad un ricco programma di talk e incontri. I biglietti di ingresso sono acquistabili dal sito: https://www.paratissima.it/liquida-photofestival-2025/.

I PROGETTI E GLI AUTORI IN MOSTRA

Tra le mostre presenti nella sezione Guest Project spazio a “What Echoes Remain – Fotografie e archivi tra Palestina, Ucraina e identità contese“, progetto espositivo esclusivo realizzato da Liquida Photofestival con la curatela di Laura Tota, che mette insieme i lavori di Sofya Chotyrbok, Greg. C. Holland e Varvara Uhlik, per un ciclo di opere che indaga sulle eredità invisibili della guerra, riflettendo sui conflitti non vissuti direttamente, ma che ci abitano, lasciando tracce nei corpi, nelle memorie familiari e nelle identità. Dalla Palestina, indagata da Greg C. Holland, attraverso lo sguardo delle nuove generazioni, al conflitto russo-ucraino documentato da Sofya Chotyrbok e Varvara Uhlik (vincitrice Liquida Grant Full Project), che intrecciano le proprie storie personali, attraversate da ambivalenze culturali (entrambe le autrici hanno radici sia russe che ucraine), in un racconto visivo che coglie la loro pluralità identitaria in costante trasformazione. In “What Echoes Remain” la fotografia diventa strumento di ascolto, di riscrittura, di resistenza.

La sezione EdiTable, lo spazio dedicato all’editoria curato da Vittoria Fragapane, book editor della casa editrice elvetica ArtPhilein, vede in mostra un progetto speciale della fotografa statunitense Katie Prock, “Yesterday We Were Girls“, un lavoro in cui l’autrice rilegge la propria adolescenza trascorsa in una comunità mennonita, segnata da rigide norme religiose e dal peso silenzioso delle malattie mentali familiari. L’opera si presenta come un grande collage composto da centinaia di fogli manipolati visivamente e testualmente: fotografie e poesie scritte a mano si sovrappongono per evocare la natura discontinua della memoria, trasformando la pratica fotografica in un gesto di riscrittura e di cura.

Per Liquida Grant, il macro-contenitore del festival che premia le migliori proposte selezionate da giurie di esperti e operatori del settore, verranno presentati numerosi progetti. La vincitrice del premio Full Project è Varvara Uhlik, con un lavoro già incluso nell’esposizione “What Echoes Remain”. Per la sezione collettiva One Shot, i dieci scatti vincitori sono firmati da: Maria Siorba, Anton Bou, Antonella Castelnuovo, Chiara Tancredi, Federica Baruffi, Gerasimos Platanas, Lydia Toivanen, Cristian Iacono, Ronya Hirsma e Mirko Ostuni.

Artphilein Edition premia l’intenso lavoro di Francesco Pennacchio per il progetto “Unlike Flowers”, un’indagine poetica sulla memoria e la perdita, in cui l’autore ripercorre i luoghi vissuti dalla madre, scomparsa durante la sua infanzia. Il progetto sarà pubblicato in un libro d’autore dalla casa editrice elvetica e presentato durante il festival.

Discarded Magazine, piattaforma online che esplora il potenziale delle immagini scartate e dimenticate, assegna i suoi premi a Marinos Tsagkarakis e Maria Siorba. Il premio Iconic Artist è stato attribuito a tre artisti: Mirko Ostuni, vincitore della cover e di un editoriale nella prossima edizione cartacea del magazine, e Ronya Hirsma e Lydia Toivanen, entrambi selezionati per un’intervista e un approfondimento editoriale. Infine, il premio ImageNation Milan è stato assegnato a Giandomenico Veneziani con lo scatto “Sleeping with the ghosts”.

Nella sezione collettiva Exhibition, Liquida presenta le migliori proposte pervenute tramite call, per un vero e proprio caleidoscopio dei progetti contemporanei più promettenti. In mostra gli scatti di: Julia Bohle, Mattia Bonucci, Chiara Bruno, Salvatore Cocca, Mattia Dagani Rio, Beppe Giardino, Giulia Gustavsen Angelini, Daniela Gobetti, Lorenzo Gonnelli, Yuehan Hao, Giorgia Lippolis, Gianluca Micheletti, Marta Passalacqua, Alberto Rava, Scatti lenti by Giorgio Cerutti, Catia Simões, Marta Valls i Valls, Primo Vanadia, Carmen Woreth, Tianyi Xu e Filippo Zanella.

TALK E LETTURE PORTFOLIO

Liquida Photofestival ospiterà un fitto programma di talk curati da Vittoria Fragapane, che animeranno la sezione EdiTable con incontri, conversazioni e presentazioni editoriali selezionate in sintonia con il concept del festival. Tra gli ospiti: Maximiliano Tineo (Boîte Editions) e Giulia Brivio, esploreranno la migrazione e il concetto di “casa” attraverso fotografie, immagini d’archivio e documenti personali raccolti tra Francia e Argentina; Yvonne De Rosa in dialogo con Simone Azzoni; Jonathan Lorilla, in conversazione con Laura Tota e Paola Robiolio Bose, presenterà un focus speciale sul nuovo numero di ICONIC e sui talenti emergenti premiati dal Liquida Grant.

Accanto ai talk, tornano il 10 e 11 maggio le attesissime letture portfolio One to One, un’occasione preziosa e gratuita per i fotografi emergenti di confrontarsi direttamente con professionisti del settore. Le sessioni, della durata di 15 minuti, saranno condotte da Laura Tota, Vittoria Fragapane, Gian Marco Sanna, Alex Urso e Rosa Lacavalla, che offriranno un’analisi critica e costruttiva del lavoro presentato, con suggerimenti utili per l’evoluzione progettuale in chiave editoriale, espositiva e narrativa.

UN FESTIVAL PER LA NUOVA FOTOGRAFIA

Liquida Photofestival si conferma un appuntamento imperdibile per appassionati e professionisti: un luogo di incontro, formazione e confronto, dove il linguaggio visivo diventa strumento di narrazione, ricerca e memoria.

Ciò che rende il festival unico è la sua vocazione a valorizzare i talenti emergenti della fotografia contemporanea, offrendo loro visibilità e spazio progettuale. In una settimana ricca di appuntamenti dedicati alla fotografia a Torino, Liquida Photofestival si distingue come piattaforma indipendente e necessaria, laboratorio di nuove visioni e terreno fertile per le autorialità di domani.

Con questo primo evento del 2025 si intende proseguire il percorso espositivo di arte contemporanea avviato nella precedente stagione con i Maestri della collezione della Fondazione Orestiadi e l’esposizione del David di Alessandro Calizza, attraverso l’opera di artisti di rilievo nazionale ed internazionale, che con le loro azioni sono capaci di evidenziare luci e ombre, paure e speranze proprie della nostra contemporaneità, così come, evidenziano il Presidente Orazio Miloro ed il Sovrintendente Gianfranco Scoglio, negli spettacoli teatrali che caratterizzeranno la stagione ed in particolare “Il Colore del sole” che andrà in scena a maggio 2025 suggerito dalle tele del Caravaggio.

Il Global Risks Report 2024 del World Economic Forum 2024 segnala come macro fattori più rilevanti di rischio del nostro presente il peggioramento delle due grandi crisi che caratterizzano questo periodo storico, il cambiamento climatico e le guerre, in particolare in Ucraina e Medio oriente; dall’altra una amplificazione delle tensioni che accompagnano il cambiamento tecnologico e le incertezze legate alle sperequazioni economiche.  Ambiente e Pace sono, dunque, le direttrici su cui si muove questa prima proposta espositiva per il 2025.

E quale migliore forma di comunicazione e di stimolo per la riflessione se non quella costituita dall’arte, che da sempre costituisce mezzo per esprimere idee, bellezza, per descrivere una situazione storica, politica o sociale e per svolgere opera di informazione e di sensibilizzazione.

Si ringrazia Confagricoltura donne Sicilia e l’Azienda agricola Kibbò per la degustazione di miele in occasione del Vernissage.

“…Digli che, se fosse un bambino, non dovrebbe
tormentare i suoi sogni, il bambino non
sarebbe mai dovuto nascere da una madre, ma
dalla terra. Quel bambino è un seme, ricordaglielo,
il seme si trova sottoterra, è qualcosa di ostinato,
più profondo di un tunnel.”

Mai Serhan

A Fabrizio Malachin, oggi direttore dei Musei Civici di Treviso, sono serviti ben 25 anni, un pieno quarto di secolo, per mettere a punto la prima monografia completa di Mattia Bortoloni, (1696 – 1750).

Il suo è un catalogo generale raro e che resterà come una pietra miliare negli studi dell’arte del Settecento per almeno tre motivi principali: offre per la prima volta una visione completa dell’opera pittorica dell’artista (450 illustrazioni); comprende schede scientifiche di ciascuna opera certa (70 schede tra cicli e opere singole), perduta o di collocazione ignota (15 schede), dubbia o espunta (20 schede); raccoglie per la prima volta tutta la grafica (24 disegni certi e 18 respinti); è completa di apparati documentali, bibliografici fino agli indici di nomi, luoghi e soggetti. Insomma, una summa che racconta il genio polesano come mai prima.

Così lo racconta Malachin, autore della monografia.

“Estroso e bizzarro, politicamente scorretto. Bortoloni è un artista ancora poco noto al grande pubblico, eppure ricercatissimo, capace di ottenere commissioni di grande prestigio e di realizzare opere da primato. Sua la più grande decorazione al mondo a tema unitario nella maestosa cupola di Mondovì, ma i suoi capolavori si trovano in numerose ville e palazzi, chiese e collezioni dal Veneto all’Emilia pontificia, dalla Lombardia austriaca fino al Piemonte sabaudo. Un artista internazionale”.

“Si potrebbe immaginare addirittura che Venezia abbia provato a godere della sua attività, offerta alle famiglie politicamente più influenti, si pensi ai vari Clerici, Visconti, Casnedi eccetera, come dell’opera di un ambasciatore – un ambasciatore culturale. La Repubblica viveva del resto nel XVIII secolo un enorme paradosso: riconosciuta per la sua bellezza, lo splendore delle sue architetture e delle sue ville, la fama indiscussa dei suoi uomini di cultura (alcuni dei quali spinti peraltro verso l’esilio: Goldoni, Vivaldi, Tiepolo, Casanova, Bellotto, Crosato, Bortoloni…), ma lacerata dai ritardi e dalle inquietudini di uno Stato incapace di riformarsi. Bortoloni, al servizio di potenti legati anche alla massoneria, come si evince esaminando alcuni cicli ad affresco, poteva ben rivestire il ruolo di ambasciatore culturale della Serenissima”.

“La monografia rivela un pittore fecondo, un artista differente per natura e sensibilità, un genio del tutto autonomo e originale. Il frescante più gustoso, piacevole e sorprendente del Settecento, senza dimenticare Crosato e Tiepolo. Un tridente di campioni dell’affresco, una internazionale pittorica dalla parlata comune”.

Nel ricco volume edito da Biblos Edizioni con introduzione del professor Giuseppe Pavanello, la figura di Bortoloni emerge a tutto tondo, arricchendo così ciò che si era palesato nella mostra proposta dalla sua Rovigo nel 2010.

Il sontuoso frescante, innanzitutto, poi l’estroso pittore di pale d’altare e dipinti profani, ma anche abile disegnatore. I documenti e gli apparati consentono di seguire, e aggiornare, la sua attività.

Nuova data
per i tour serali
di Cavana Stories:
giovedì 8 maggio

ll percorso notturno nei vicoli e nelle strade di Cavana  sarà l’occasione per riscoprire – grazie anche al recente progetto Out of Bounds promosso da Varcare la frontiera – la topografia di quella che era una delle zone più “calde” e proibite per i soldati del Governo Militare Alleato di stanza a Trieste fino al 1954.

Scopriremo così, guidati da Francesca Pitacco, un altro dei mille volti che il quartiere di Cavana ha avuto negli anni. Da sede di consolati a rifugio per pescatori, e poi con il suo dedalo di osterie, fonte di ispirazione per artisti e scrittori uno fra tutti James Joyce, a cui sono dedicate le luci d’artista del progetto Doublin’.

Un’occasione per rivedere la luce Night town su Palazzo Morpurgo e la nuova “casa” di James Joyce, ora su Casa della Musica, recentemente reinstallate per celebrare ancora una volta James Joyce e questo progetto di arte pubblica a lui dedicato.

Incontreremo, nei racconti di Francesca Pitacco, Zeno Cosini con i suoi tormenti amorosi, le poesie di Umberto Saba e le canzoni popolari, i ricordi di Pino Roveredo e le vicende narrate da Ricarda Huch. 
E poi la Muta e altri indimenticabili personaggi che abitano le memorie di Cavana per chiudere con un prezioso omaggio inedito di Claudio Grisancich a Cavana Stories.

Dettagli del tour:

• giovedì 8 maggio 2025 ore 21
• costo: 10 € (pagamento in loco)
• ritrovo: davanti alla Farmacia “Al Redentore” in piazza Cavana
• prenotazione obbligatoria inviando una mail a:
info@cizerouno.it

Il tour è promosso da Cizerouno in collaborazione con l’Associazione Guide Turistiche del Friuli Venezia Giulia nell’ambito della rassegna Cavana Stories e realizzato grazie al finanziamento della Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia – Assessorato Attività Produttive e Turismo.

#iosonofriuliveneziagiulia
#discovertrieste
#cavanastories
www.cizerouno.it

Come sostiene il noto storico dell’arte cinese Lü Peng: “Sebbene influenzato dal Rinascimento, dal modernismo europeo e dalle avanguardie, Zhang Zhaoying ha evitato di aderire rigidamente a schemi pittorici predefiniti, creando una sintesi straordinaria tra la tecnica libera e la pittura controllata, esplorando le trasformazioni culturali e le nuove dinamiche sociali della globalizzazione, per interrogarsi infine sulla bellezza e la verità universale”. 

Attraverso un percorso espositivo di 26 quadri, l’artista decostruisce e ricostruisce iconografie tradizionali, intrecciando passato e presente, tradizione e innovazione, e sviluppando una narrazione visiva che invita lo spettatore a un dialogo tra culture e che si integra perfettamente con le sale del Museo di Palazzo Grimani, uno straordinario esempio di architettura rinascimentale tosco-romana a Venezia, riccamente decorata con stucchi e affreschi da artisti come Giovanni da Udine, Francesco Salviati e Federico Zuccari, che conserva la memoria di Giovanni Grimani e della sua collezione di statue greche e romane che si possono ammirare nella Tribuna e nella Sala del Doge.

Nato a Guangzhou, Zhang Zhaoying ha studiato pittura a olio all’Istituto di Belle Arti del Sichuan e ha proseguito la sua formazione a Bruxelles e all’Università di Scienza e Tecnologia di Macao, dove si è specializzato in arte scenica e teatro dell’assurdo. Questi studi hanno contribuito a rendere la sua pittura altamente drammatica.

Temi contemporanei come la globalizzazione, il consumismo, i social media e la tecnologia AI hanno trasformato il mondo, portando a un’esplosione di informazioni e immagini di civiltà diverse. L’artista affronta questo flusso di forme e significati con un approccio di grande respiro e con un’impronta irriverente, utilizzando un metodo di compilazione, riorganizzazione e riappropriazione. E così gli spettacoli di Broadway, i circhi, gli artisti e i personaggi storici diventano parte delle sue opere, non come semplice montaggio o sovrapposizione, ma come strumento per rispondere ai cambiamenti del mondo, scoprire le connessioni tra gli individui e indagare la società contemporanea. 

Le narrazioni che si susseguono senza sosta appaiono come scene teatrali, ma poi improvvisamente si rivelano come “giochi” o “trappole visive” per lo spettatore. L’equivoco che si viene a creare è dato da due trame distinte, quella dell’iconografia di fondo coerente e leggibile, e l’altra data da elementi di disturbo, nonsense che galleggiano sulla superficie del quadro, come un polipo o un gambero gigante che campeggiano su un cielo terso in uno scorcio da vecchia cartolina: rebus allegorici che si limitano e si controllano a vicenda. Vi è in Zhang una sottile e insistita tecnica di rappresentazione figurativa tesa a lanciare esche al fruitore che, in mancanza di precise coordinate spaziali e logiche, vive una crisi analoga a un dramma di Beckett.

Stilisticamente, Zhang integra varie tecniche, dalle pennellate morbide a quelle più decise, mantenendo una coerenza espressiva e una capacità pittorica straordinarie. In mostra sono presenti diverse opere della serie Lifelong Beauty. Ed è proprio la bellezza uno dei temi maggiormente esplorati dall’artista: un concetto dinamico da indagare laddove l’osservazione della vita dai margini lo induce a smontare e ricomporre continuamente le sue percezioni. Il suo incessante lavoro cattura l’interazione tra immaginazione, aspettativa e realtà, invitando lo spettatore a confrontarsi con le manifestazioni transitorie e diverse della bellezza. Ogni cornice del quadro è in definitiva una finestra che offre una visione su un universo parallelo: un invito a vivere questi istanti effimeri e ad apprezzare l’intricato connubio che si cela dietro le aspirazioni umane.

Sebbene l’artista non offra risposte chiare, ci guida a riesaminare e ripensare tutto ciò che è risolto e infallibile, e questa capacità di adattamento e di innovazione rende la sua arte un contributo particolarmente significativo al panorama artistico contemporaneo.

Zhang Zhaoying – Note biografiche

Zhang Zhaoying è nato a Guangzhou, in Cina, nel 1988. Ha conseguito una laurea in Belle Arti presso il Dipartimento di Pittura a Olio dell’Istituto di Belle Arti del Sichuan e un Master in Belle Arti all’Académie royale des Beaux-Arts. Attualmente, sta completando il suo dottorato presso l’Università di Scienza e Tecnologia di Macao e insegna presso la Scuola dell’Istituto di Belle Arti di Tianjin. È anche supervisore post-laurea alla Sahmyook University. Zhaoying è considerato una delle figure di spicco tra gli artisti della generazione post-1985, distinguendosi per una prospettiva fortemente internazionalizzata. Le sue opere riflettono una mentalità ibrida, che attraversa diversi mezzi, linguaggi e temporalità, e si nutrono di una profonda ricerca iconologica. Ha esposto le sue opere in numerose mostre personali, tra cui la Yibo Gallery a Shanghai nel 2021 e il Museo d’Arte dell’Università di Nanchino nel 2019, così come in varie gallerie e spazi espositivi in Cina. Il suo lavoro è stato anche presentato in importanti mostre collettive a livello internazionale, tra cui “Global Painting” al MART di Rovereto, la Biennale di Chengdu e diverse mostre in Germania, Svizzera, e New York. Le sue opere fanno parte di collezioni prestigiose come il MART di Rovereto, il Museo Nazionale d’Arte della Cina, la White Rabbit Gallery e il Today Art Museum, tra gli altri. 

www.zhaoyingzhang.wordpress.com

LÜ PENG 

Lü Peng, è un curatore, critico e storico dell’arte cinese.È nato a Chongqing, nel Sichuan, nel 1956 e si è laureato in Studi Politici alla Sichuan Normal University nel 1982. Nel 1992 è stato direttore artistico della prima biennale d’arte cinese: Guangzhou Biennial Art Fair.

Tra i suoi successi curatoriali:
Global Painting. La Nuova pittura cinese al Mart di Rovereto, una restituzione composita dell’arte contemporanea cinese che traccia un importante passaggio storico (2024);
Passage to History: 20 Years of La Biennale di Venezia and Chinese Contemporary Art, co-curata con Achille Bonito Oliva alla 55. Biennale d’Arte (2013);
la Biennale di An’ren del 2011;
Pure Views: New Painting from China (Asia Art Museum, San Francisco, 2011);
Pure Views: New Painting from China (Louise Blouin Foundation, Frieze, London, 2010);
Reshaping History (Pechino, 2010), una mostra su larga scala che presentava più di mille opere di quasi duecento tra gli artisti cinesi più innovativi del primo decennio del 21° secolo;
A Gift to Marco Polo, un evento collaterale per la Biennale di Venezia del 2009 che ha messo in mostra otto dei più importanti artisti contemporanei cinesi.

Lü è attualmente direttore del Museo di arte contemporanea di Chengdu, direttore di CHINART, agenzia di gestione delle istituzioni d’arte cinesi, ed è professore associato delDipa rtimento di Storia e Teoria dell’Arte presso l’Accademia di Belle Arti di Hangzhou, Zhejiang. Dal 2017 è Presidente della L-Art University e Professore del Sichuan Fine Arts Institute e Xi’an Academy of Fine Arts.

A Gennaio 2024 ha pubblicato con Rizzoli, “Storia dell’arte cinese del XX al XXI secolo” già edito incinese nel 2006 da Peking University Press ed inglese nel 2010 dalla casa editrice Charta.

Con questa pubblicazione storica, Lü Peng analizza in modo incisivo ed appassionato gli sviluppi dell’arte cinese dalla fine della dinastia Qing fino agli anni di apertura del XXI secolo tracciando abilmente questa evoluzione, non solo nella Cina continentale, Taiwan e Hong Kong, ma anche in centri importanti come Parigi e Tokyo. Questa narrazione completa è un punto di riferimento per conoscere la storia dell’arte cinese del XX e XXI secolo.

Quest’anno dedicato a “Ungaretti il Poeta innamorato”, capace di imprimere un segno indelebile con i suoi versi scritti durante il periodo della Grande Guerra sul Carso, “Caffè Letterari” si apre a Gorizia, martedì 6 maggio, alle ore 11.30, al Palazzo Werdemnberg (sede della Biblioteca Statale Isontina) con una conferenza dal titolo “Eredità culturale”, a cura del dott. Luca Caburlotto, Direttore della Soprintendenza Archivistica del Friuli Venezia Giulia e della Biblioteca Statale Isontina. Un affondo storico inedito sulla celebrazione del Milite Ignoto a Gorizia attraverso un’esamina degli articoli di giornale del periodo tra ottobre/novembre 1921 a Gorizia, con punti di vista di testate con diversi profili e tendenze.

“Mantenendo il consueto format e la partecipazione attiva dei giovani, con lo scopo di far conoscere autori e opere alle nuove generazioni” – sottolinea il direttore artistico di “Caffè Letterari”, Lorena Matic – “il progetto propone una riflessione sulla poetica di Ungaretti, poeta innamorato come innamorata è l’età dell’adolescenza, nel pieno della fragilità dell’individuo, come lo era Ungaretti al fronte. Prendendo in considerazione tre poesie (I fiumi, Soldati e Mattina), il progetto spazia dallo studio alla scrittura, dal disegno all’animazione, dall’interpretazione attoriale alla realizzazione delle musiche, e – sviluppato con ampia partecipazione di studenti e giovani professionisti – reinterpreta il pensiero del poeta e lo riversa nel contemporaneo, creando una connessione tra la storia e il presente”.

Secondo appuntamento in programma, giovedì 15 maggio 2025, ore 17.30, al Museo del Villaggio del Pescatore (Duino Aurisina) con “Echi di Storia”, uno spettacolo itinerante tra le postazioni museali con l’attore Gualtiero Giorgini: plastici, cimeli, reperti, documenti e memorie della Grande Guerra prendono vita per voce dell’attore e immergono lo spettatore in una innovativa “visita guidata” interattiva e recitata.

La conclusione del progetto si terrà a Trieste, al Teatro Miela, giovedì 22 maggio 2025 ore 11.30, con lo spettacolo “I segreti degli Stati d’Animo”, un’inedita lettura della poetica di Ungaretti messa in relazione con l’età dell’adolescenza. Le tre poesie – I fiumi, Soldati e Mattina – sono il filo rosso nelle riprese sui sentieri della Grande Guerra e nelle azioni dei giovani attori, intervallate da animazioni video, frutto delle illustrazioni realizzate dagli studenti del ITS Deledda Fabiani. Uno spettacolo che prevede la proiezione del filmato e l’azione sul palcoscenico dell’attore Gualtiero Giorgini che evidenzia, tra storia e contemporaneità, l’attualità della poetica di Ungaretti.

Il progetto, prodotto da Opera Viva Associazione culturale, ideato e diretto da Lorena Matic, si realizza grazie al sostegno della Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia, il contributo della Fondazione CRTrieste e la collaborazione della Soprintendenza Archivistica del Friuli Venezia Giulia, della Biblioteca Statale Isontina del Conservatorio di Musica G. Tartini Trieste, di Bonawentura Soc.Cooperativa, del Gruppo Speleologico Flondar e la partecipazione del ITS Deledda Fabiani Trieste. Tutti gli eventi sono a ingresso gratuito, per rimanere aggiornati potete iscrivervi alla Newsletter su www.assocoperaviva.it

Questo straordinario evento segna l’ottava edizione del Maggio Museale del PMS e rappresenta un’occasione unica per vivere in modo alternativo lo spazio universitario, dando la possibilità ad un pubblico ampio e variegato di prendere parte a un momento di scoperta, divertimento e incontro dalle prime ore del pomeriggio sino a sera tarda.

Valore aggiunto di questo imperdibile appuntamento artistico e culturale è la facilità di accesso agli spazi del Polo, grazie alla messa a disposizione del tutto gratuita del parcheggio interno del campus universitario e all’apertura di due ingressi, il primo situato in P.le Aldo Moro 5 e il secondo in Viale dell’Università 38. Inoltre, la vicinanza dei numerosi musei permette di raggiungere rapidamente e visitare senza sforzi una vasta gamma di strutture e collezioni.

IL POLO MUSEALE SAPIENZA

Il Polo Museale Sapienza, sotto la presidenza di Fabio Attorre e diretto da Claudia Carlucci, rappresenta una delle istituzioni culturali e scientifiche più rilevanti all’interno della Capitale e dell’Università di Roma. Comprende ben 19 musei universitari, di cui 7 fuori dalla Sapienza suddivisi tra Roma e Latina, ciascuno portatore di una propria specificità e identità culturale. Si tratta di musei di interesse storico, dedicati alla conservazione, alla tutela e alla valorizzazione di un ingente patrimonio, ma anche alla ricerca attiva, alla didattica e alla divulgazione. Le numerose collezioni rappresentano un autentico tesoro senza eguali e dal valore inestimabile, offrendo un’ampia gamma di scienze, tecnologie, reperti archeologici e opere d’arte che riflettono la complessità e la ricchezza della storia romana e non solo. La diversità e l’importanza delle collezioni presenti all’interno del PMS lo collocano tra le istituzioni culturali di maggior prestigio di Roma, contribuendo in modo significativo alla conoscenza e alla valorizzazione del patrimonio storico e scientifico.

I musei che il Polo museale coordina sono: il Museo di Anatomia Comparata, il Museo di Anatomia Patologica, il Museo di Antropologia, il Museo delle Antichità Etrusche e Italiche, il Museo dell’Arte Classica, il Museo di Storia della Medicina, il Museo della Geografia, il Museo di Scienze della Terra, il Museo Erbario, il Museo Orto Botanico, il Museo di Zoologia, il Museo di Arte e Giacimenti Minerari, il Museo di Chimica, il Museo di Fisica, il Museo di Idraulica, il Museo di Merceologia, il Museo Laboratorio di Arte Contemporanea, il Museo Vicino Oriente Egitto e Mediterraneo, il Museo delle Origini.