Dopo essere stato presentato in anteprima – come unico corto italiano selezionato –, all’European Film Festival di Lille, “Quinn” verrà proiettato a Varsavia l’11 aprile all’interno della sezione competitiva Gay Love Affairs. Un Concorso Internazionaleprestigiosissimo per uno dei primi lavori realizzati da GM Production, opera breve, distribuita da Sayonara film, che mette al centro della storia un giovane alla ricerca della propria identità sessuale, che dopo aver subito un brutale pestaggio decide di mettersi sulle tracce del proprio aggressore. Ad interpretare Quinn, due giovani promesse del nostro cinema, Costantino Seghi e Filippo De Carli, alle prese con due ruoli complessi, interpretati magistralmente.

“Siamo orgogliosi di questa selezione”, spiega Andrea Cicini, CEO di Gruppo Matches. “Il tema che affronta il cortometraggio è attuale e importante. Siamo felici che il modo in cui abbiamo deciso di raccontare l’esperienza soggettiva rappresentata dall’identità di genere abbia convinto questo importante festival europeo“.

“L’LGBT+ Film Festival è sicuramente un traguardo importante per “Quinn” – ha commentato Cristina Borsatti, Responsabile di GM Production. “Siamo molto lieti dell’accoglienza che sta ricevendo in Europa. Come casa di produzione, GM Production ha da subito messo al centro temi molto sentiti e attuali, sui quali confrontarsi con tutti, ma soprattutto con i giovani. Con sensibilità, continueremo questo percorso anche nel documentario e nel lungometraggio“.

L’attività di GM Production è solo alle battute iniziali, ma è già iniziato anche il viaggio di una seconda opera, “Puca” di Sara Scalera, realizzata in pellicola, prodotta dalla giovane casa di produzione capitolina e distribuita da Allegorie Distribution.

Apre mercoledì 15 aprile a Villa Artieri la mostra Terra Mater, che riunisce per la prima volta il pittore Francesco Campese e il fotografo Antonio Solarino in un dialogo tra due linguaggi artistici e due geografie dell’anima: la Sicilia e l’Irpinia.

Il progetto nasce da una ricerca condivisa sulle radici e sulla memoria dei luoghi d’origine. Le opere esposte — dipinti e fotografie — non documentano un territorio, ma lo attraversano: paesaggi interiori in cui la terra è matrice di ricordi collettivi e traccia dell’infanzia. Atmosfere rarefatte, silenzi visivi, luci velate costruiscono un immaginario sospeso tra il reale e l’evocato.

Campese e Solarino lavorano con strumenti diversi ma convergono verso la stessa domanda: cosa rimane di un luogo quando diventa memoria? Il risultato è una mostra in cui pittura e fotografia si interrogano e si completano, senza sovrapporsi.

Luogo: Villa Altieri, viale Manzoni 47 Roma (uscita metro Manzoni)

Ingresso: libero

Info e contatti: 06 9320562

Banca Generali conferma per l’ottavo anno il sostegno alla Milano Art Week 2026 in qualità di main sponsor. La manifestazione, promossa dal Comune di Milano, in programma dal 13 al 19 aprile, prevede una serie di eventi in tutta la città con un ricco palinsesto di mostre, visite e incontri.

Per l’occasione, Banca Generali propone, da lunedì 13 a sabato 18 aprile, l’apertura al pubblico, a ingresso libero, del proprio spazio BG Art Gallery,ospitato nella sede di Piazza Sant’Alessandro 4, nello storico “Palazzo Pusterla”.

Grazie al progetto BG ArTalent, nato nel 2018, la collezione si arricchisce quest’anno con le opere di due nuovi artisti selezionati, come per le passate edizioni, da Vincenzo De Bellis: Jem Perucchini (Tekeze, Etiopia, 1995) e Valerio Nicolai (Gorizia, 1988) che si aggiungono agli altri già presenti in collezione: Francesco Arena, Rosa Barba, Enrico David, Patrizio Di Massimo, Lara Favaretto, Giuseppe Gabellone, Linda Fregni Nagler, Alessandro Pessoli, Giangiacomo Rossetti e Francesco Vezzoli.

“E’ un orgoglio e un piacere affiancare anche quest’anno l’eccezionale kermesse di Milano Art Week che anno dopo anno richiama sempre più appassionati e curiosi verso le novità dal mondo dell’arte, offrendo la cornice perfetta come preludio all’importante fiera di MiArt che, come sappiamo, rappresenta ormai un appuntamento immancabile e la porta d’ingresso dei collezionisti internazionali prima della Biennale di Venezia. Con il nostro progetto a supporto degli artisti italiani e l’impegno per la comunità al fianco dell’iniziativa vogliamo difendere e rilanciare l’importanza della creatività e dell’arte come motore di innovazione e del patrimonio culturale. L’arte non è solo emozione, memoria e passione, ma anche valore e investimento. Promuovere un dialogo tra queste dimensioni significa riconoscere come la creatività possa stimolare nuove idee e contribuire allo sviluppo sociale, culturale ed economico, e allo stesso tempo considerare l’arte come componente integrante di una gestione patrimoniale consapevole”, dichiara Andrea Ragaini, vicedirettore generale di Banca Generali.

“BG ArTalent – afferma Vincenzo De Bellis – è un programma di acquisizioni che intende sostenere in modo concreto la scena artistica italiana contemporanea, con l’idea di costruire una collezione che non sia semplicemente rappresentativa, ma che rifletta la complessità e la vitalità delle ricerche in corso, accompagnando gli artisti in un momento cruciale del loro percorso. Quest’anno ci siamo concentrati in modo particolare sulle generazioni più giovani, orientando le acquisizioni verso due artisti che stanno contribuendo a ridefinire il linguaggio della pittura contemporanea in Italia, Valerio Nicolai e Jem Perucchini. Questa scelta riflette la volontà di intercettare nuovi talenti che dimostrano una forte coerenza e la capacità di inserirsi nel dibattito contemporaneo. Per BG ArTalent sostenere artisti emergenti significa investire nel futuro, ma anche contribuire a costruire un ecosistema più forte e dinamico”.

Il progetto BG ArTalent, teso a valorizzare e sostenere la creatività nelle sue varie espressioni, si concentra sulle proposte più innovative degli artisti italiani contemporanei, consolidati o emergenti, già riconosciuti a livello internazionale. Quest’anno i lavori selezionati sono What For? (Zagreo), 2025, olio e acrilico su lino, di Jem Perucchini e Cotone reverso, 2025, olio su tela, di Valerio Nicolai.

Reinterpretando simboli, archetipi e miti attraverso un linguaggio che unisce classicità e contemporaneità, Jem Perucchini dà vita a un universo visivo dove culture diverse si intrecciano, sfidando le categorie di identità e di tempo e restituendo alla pittura la sua capacità di incarnare la complessità del presente. Come accade in What For? (Zagreo), in cui il personaggio ritratto, un giovane dalla carnagione scura immerso in uno spazio sospeso, condensa riferimenti alla mitologia greca e alla cultura occidentale, generando un contesto familiare e insolito al tempo stesso, che invita lo spettatore a riflettere consapevolmente sulle narrazioni ereditate dal passato e al modo in cui esse hanno plasmato il nostro immaginario.

Anche la pratica di Valerio Nicolai si muove in un territorio fluido, questa volta tra figurazione e astrazione, dove immagini, narrazioni e frammenti autobiografici si stratificano in composizioni dense, ironiche ed enigmatiche che esplorano le possibilità narrative e percettive dell’arte. In Cotone reverso (2025), ritraendo del semplice cotone poggiato a terra, l’autore innesca un sottile ribaltamento semantico: un elemento banale come del tessuto sfilacciato assume le sembianze di una nuvola e così facendo trasforma il pavimento in un cielo, trasfigurando l’interno di una stanza in un paesaggio rovesciato dove realtà e immaginazione si confondono. Il lavoro di Nicolai è in grado di attraversare l’ordinario e renderlo terreno di indagine visiva e critica, stimolando lo spettatore a guardare oltre la propria concezione e ad esplorare mondi nuovi.

La BG Art Gallery in Piazza Sant’Alessandro 4 sarà visitabile, a ingresso libero con prenotazione nei seguenti orari: 15:00–15:30 e 15:30–16:00. Nella giornata di sabato gli slot saranno invece 10:00–10:30 e 12:00-12:30. La visita è prenotabile scrivendo all’indirizzo prenotazionibgart@wonderproject.it o inviando richiesta tramite il sito BG Art Gallery.

Anche quest’anno Banca Generali propone, negli spazi del BG Training & Innovation Hub (via Achille Mauri 8), un talk dedicato all’arte contemporanea e al suo sistema. In programma sabato 18 aprile alle ore 11.00, l’incontro ruoterà attorno a una delle tematiche attuali di maggiore interesse per tutti gli operatori del mondo dell’arte: l’attrito sempre più stridente tra la velocità in costante aumento con cui si muove il mercato dell’arte e i tempi sempre più lunghi richiesti dalla produzione artistica. A parlarne, insieme a Vincenzo De Bellis, saranno Vincenzo Filogamo, Responsabile Corporate, Real Estate & Art Advisory di Banca Generali, Lorenzo Giusti, Direttore della GAMeC di Bergamo, ed Enea Righi, collezionista e Direttore Operativo di Arte Fiera Bologna.

Durante la settimana di Milano Art Week, Banca Generali organizzerà inoltre una serie di visite guidate al PAC – Padiglione d’Arte Contemporanea, con il curatore Diego Sileo, per la mostra personale di Marco Fusinato.

Jem Perucchini – Biografia

Jem Perucchini è nato a Tekeze, Etiopia, nel 1995, vive e lavora a Milano. Ha studiato all’Accademia di Belle Arti di Brera (Milano), ha esposto con mostre personali alla galleria Corvi-Mora di Londra (2022; 2024) e in contesti istituzionali come la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo di Torino (2025) e il CAAC di Siviglia (2025). Il suo lavoro è stato incluso in mostre collettive all’Ambasciata Italiana a Londra (2022), alla Triennale di Milano (2023), al MUMA, Monash University Museum of Art, Melbourne (2023), a Palazzo Reale, Milano (2025), alla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino (2025). Ha partecipato ai progetti “Una Boccata d’Arte” a Battaglia Terme (2021), “Art on the underground” per la stazione di Brixton, a Londra (2023) e alla Quadriennale d’Arte di Roma, Palazzo delle Esposizioni, Roma (2025). Nel 2023 è stato selezionato per il Prix Jean-François Prat di Parigi.

Valerio Nicolai – Biografia

Valerio Nicolai è nato a Gorizia, nel 1988, vive e lavora a Milano. Ha studiato all’Accademia di Belle Arti di Venezia, e nel 2020-21 ha ricevuto la borsa di studio della Fondazione Pollock-Krasner. Nel 2023 ha vinto il Premio Licini. Ha esposto con mostre personali presso gallerie e istituzioni italiane e internazionali, come: Museo Osvaldo Licini, Ascoli Piceno (2023); Campoli Presti, Parigi (2023); Clima, Milano (2022, 2019, 2017); Galeria Madragoa, Lisbona (2021); Las Palmas Project, Lisbona (2018); Fondazione smART, Roma (2017). Ha partecipato a numerose mostre collettive presso istituzioni come: Museo MADRE, Napoli; Casa Testori, Milano; MAXXI L’Aquila, L’Aquila; Triennale Milano; MACTE, Termoli; Fondazione Zimei, Pescara; GAM Torino;Art Residency – Port Tonic Art Center; MAMbo, Bologna. Nel 2025 ha partecipato alla Quadriennale d’Arte di Roma, Palazzo delle Esposizioni, Roma.

Vincenzo De Bellis – Biografia

Vincenzo De Bellis (Director, Fairs and Exhibition Platforms Art Basel) Vincenzo de Bellis è Chief Artistic Officer, Global Director of Art Basel Fairs, la fiera d’arte contemporanea più importante al mondo che ha luogo a Parigi, Miami Beach, Basilea, Hong Kong e Doha. Dal 2016 al 2022 ha ricoperto il ruolo di Curator and Associate Director of Programs, Visual Arts presso il Walker Art Center di Minneapolis. Dal 2012 al 2016 è stato Direttore Artistico alla guida di Miart, la fiera internazionale di Arte Moderna e Contemporanea di Milano. Durante il suo mandato, la manifestazione è passata dall’essere una vetrina regionale di 90 espositori ad una piattaforma di livello internazionale di 180 gallerie, inserita in un vivace programma cittadino di eventi culturali sotto l’insegna della Milano Art Week.

L’incontro avrà luogo sabato 11 aprile alle ore 10 davanti al Teatro Miela, dove avrà inizio la visita durante la quale Francesca Pitacco accompagnerà i partecipanti al tour nella Trieste del GMA. Si partirà dal Teatro Miela, dove la nostra guida ci farà conoscere i luoghi istituzionali del Governo Militare Alleato, ma anche molti dettagli e curiosità della vita quotidiana di quei nove anni in cui Trieste fu al centro della diplomazia e della politica internazionale.

Attraverso un linguaggio visivo saturo e intensamente cromatico, l’artista costruisce una riflessione sulla vita urbana contemporanea e sulla condizione percettiva della metropoli, indagando le dinamiche simboliche di uno spazio profondamente segnato dalle logiche del consumismo. Il colore non è elemento descrittivo ma dispositivo selettivo: una soglia percettiva che orienta e destabilizza lo sguardo, filtrando l’eccesso visivo della città globale. In questo senso, il lavoro di Buricelli si avvicina alla riflessione di Susan Sontag sulla fotografia come atto di appropriazione e interpretazione: l’immagine non restituisce il mondo, ma lo trasforma.

Realizzate con flash diretto e inquadrature ravvicinate, le immagini comprimono lo spazio e intensificano la superficie del reale, generando una tensione continua tra immediatezza e artificio. Il gesto fotografico, rapido e reattivo, intercetta frammenti minimi e inattesi della vita urbana, restituendo una realtà in cui l’ordinario si carica di una qualità quasi teatrale. Lo sguardo dell’artista si configura come un attraversamento attento e consapevole dello spazio pubblico.

Una parte delle opere è tratta da Don’t Feed the Animals (Eyeshot Magazine, 2024), dove Buricelli riflette sugli effetti del capitalismo avanzato sul paesaggio urbano. La città appare come un sistema saturo di stimoli visivi, in cui eccesso e sovrabbondanza diventano condizioni strutturali dell’esperienza contemporanea. In questo contesto, la fotografia non si limita a registrare, ma amplifica e rende percepibili le dinamiche di accumulazione, attrazione e dispersione.

In Everything Is Bright Here, la luminosità evocata dal titolo non coincide con una condizione di chiarezza, ma con un’intensificazione dell’esperienza visiva: una forma di iper-visibilità che, lungi dal chiarire il reale, ne rivela l’eccesso, invitando lo spettatore a interrogare le modalità attraverso cui oggi guardiamo, consumiamo e abitiamo le immagini.

Lucia Buricelli – Profilo

Lucia Buricelli. Nata a Venezia nel 1994, si è formata tra Italia e Stati Uniti, frequentando il corso di fotogiornalismo presso l’International Center of Photography di New York. Partendo dalla street photography, la sua ricerca si è progressivamente orientata verso una pratica più consapevole della costruzione dell’immagine, mantenendo al centro un interesse costante per lo spazio urbano come campo di forze visive e sociali. L’uso del colore e del flash contribuisce a definire un’estetica riconoscibile, capace di isolare e intensificare la densità visiva del reale. Le sue opere sono state pubblicate su importanti testate internazionali quali The New York Times, The New Yorker, Time, Vogue e Financial Times, ed esposte in numerose mostre in Europa e negli Stati Uniti, tra cui Photoville a New York nel 2025 e una personale presso New Collectors Gallery nel 2022.

In occasione del 140esimo anniversario della morte di Emily Dickinson (15 maggio 1886), l’iniziativa vuole restituire complessità e attualità a una delle figure più incisive della letteratura americana. Non una celebrazione commemorativa, ma un’esperienza capace di riattivare la sua voce nel presente.

LA MOSTRA AL CASTELLO DI MONCALIERI

Cuore visivo dell’iniziativa è la mostra site specific allestita lungo il percorso di visita del Castello di Moncalieri (TO) che vede protagoniste le artiste torinesi Matilde Domestico e Floriana Porta.

Matilde Domestico presenta opere che rievocano i luoghi, gli oggetti e l’ambiente in cui è vissuta Emily Dickinson e un nuovo ciclo in porcellana e carta dedicato alla poesia intesa come composizione di forme, intonazione di colore, intreccio di segni e materiali. I versi di Emily trascritti in metallo e trasferiti su superfici di porcellana IPA cotti ad altissime temperature si bruciano, si dissolvono e diventano segno incisivo, traccia permanente nella materia. Accanto alle opere viene presentato l’inedito libro d’artista FA-MI-SOL (FAmMI un quadro del SOLe) realizzato in tiratura limitata e stampato a mano su carta pregiata dalla casa editrice PulcinoElefante di Alberto Casiraghy con la collaborazione della Galleria Melesi di Lecco.

Floriana Porta propone invece una serie di acquerelli inediti in cui parola e immagine si fondono. Lettere, frammenti poetici e colori dialogano su pagine recise da libri di poesie e spartiti musicali, dando forma a composizione intime e sospese. Il blu, colore introspettivo e cifra ricorrente della sua ricerca, domina le opere dedicate alla poeta americana, trasformando il testo in paesaggio interiore.

VERNISSAGE CON CONCERTO-READING

Momento centrale del progetto è il vernissage con il reading poetico in programma domenica 8 marzo alle 17, un evento che intreccia poesia, musica dal vivo, immagini e interventi critici in un’esperienza performativa che rinnova il lascito culturale, poetico e spirituale del “Mito di Amherst”.

L’attrice Luana Doni dà voce alle poesie di Emily Dickinson, di Paola Loreto (Università di Milano) e al racconto di Yeniffer Lilibell Aliaga Chávez (Concorso letterario Lingua Madre), mentre Antonella Francini (Syracuse University) legge alcune sue traduzioni inedite. Sullo sfondo scorrono le fotografie delle partecipanti alle varie edizioni del Concorso letterario nazionale Lingua Madre, ampliando la dimensione narrativa dell’evento. Le letture sono intervallate dagli interventi musicali del quartetto d’archi ICARO – Ruben Galloro (primo violino), Giovanni Putzulu (secondo violino), Luca Infante (viola), Viola Sommariva (violoncello) – che costruisce una partitura sonora in dialogo con il ritmo e le pause della parola poetica. Il quartetto è introdotto da Alberto Rizzuti (Università di Torino) e seguito da una visita guidata alla mostra con le artiste e la storica dell’arte Elisabetta Silvello (Residenze reali sabaude – Musei nazionali Piemonte), e una degustazione di vermouth, a cura dell’associazione Amici del Real Castello e del Parco di Moncalieri.

L’evento è organizzato in collaborazione con Università di Torino, Concorso letterario nazionale Lingua Madre e realizzato con il sostegno del Dipartimento di Studi Umanistici dell’Università di Torino.

LA MOSTRA AL FORTE DI GAVI

La mostra prosegue dall’11 luglio al 30 settembre 2026 al Forte di Gavi con un nuovo allestimento espositivo e ulteriori interventi artistici e performativi, tra cui quelli del collettivo Truly Design e le opere di Alberto Casiraghy. La programmazione prevede sabato 27 giugno alle 17.30 uno spettacolo teatrale originale dedicato a Emily Dickinson, con testo di Daniela Fargione, regia di Alessandra Vannucci (Università di Torino). In scena le attrici Luana Doni ed Elisabetta Mazzullo e l’intervento del gruppo musicale Malecorde. Lo spettacolo, cofinanziato e organizzato dall’Università degli Studi di Torino (Dipartimento di Studi Umanistici), sarà proposto in versione integrale al Bogliasco Center di Genova in occasione dell’evento Parole Spalancate e in collaborazione con il Festival Internazionale di Poesia di Genova (sabato 6 giugno, ore 20.30) e in anteprima al Salone del Libro di Torino, ospiti del Concorso letterario nazionale Lingua Madre (sabato 16 maggio), a testimonianza della natura itinerante e modulare dell’iniziativa.

EVENTI COLLATERALI AL CASTELLO DI MONCALIERI

Visite guidate con le artiste Matilde Domestico e Floriana Porta e laboratori per famiglie accompagnano la mostra al Castello di Moncalieri in date da definire. Tra le iniziative in programma: sabato 14 marzo alle 15.15, visita e laboratorio per famiglie con bambini 5-11 anni (quota di partecipazione: 3 € a bambino per laboratorio + biglietto di ingresso); sabato 9 maggio alle 10, visita gratuita alla mostra per le famiglie in possesso del Passaporto Culturale per celebrare l’adesione del Castello di Moncalieri al progetto “Nati con la Cultura” dei musei Family and Kids Friendly.    

Matilde Domestico – Profilo

Matilde Domestico si diploma all’Istituto d’Arte A. Passoni e in Scenografia all’Accademia Albertina di Belle Arti di Torino. Fin dagli anni Novanta sviluppa un linguaggio espressivo unico, che ruota attorno all’utilizzo della porcellana dura Feldspatica, proveniente dagli stabilimenti dell’azienda I.P.A. Industria Porcellane S.p.A. di Usmate-Velate (MB), con cui realizza opere e installazioni suggestive: colonne alte e ondeggianti, arcate monumentali, forme sferiche che sembrano sospese tra equilibrio e leggerezza. La carta, la grafite, i punti metallici sono gli altri materiali con cui realizza opere di grande e piccolo formato. Le sue creazioni sono racconti silenziosi, evocazioni tangibili di un pensiero che trasforma la materia in poesia. Nel 2025 ha esposto al Castello di Moncalieri alcune opere in occasione del nuovo allestimento permanente delle tavole imbandite dell’Appartamento del re Vittorio Emanuele II e della regina consorte Maria Adelaide. Ha partecipato a numerose esposizioni di arte contemporanea e collabora con la Galleria Melesi di Lecco.

Floriana Porta – Profilo

Pittrice, poeta, fotografa e illustratrice, Floriana Porta si dedica alla fusione tra la parola scritta e la creazione artistica. Ha pubblicato quindici libri, è presente in numerose antologie e collabora con importanti siti e blog culturali. Allieva di Fernando Bibollet e di Antonio Carena, ha frequentato il Liceo Artistico Renato Cottini a Torino e due anni l’Accademia Albertina di Belle Arti sempre nel capoluogo piemontese, sezione Decorazione, guidata da Nino Aimone. Ha esposto i suoi acquerelli e le sue chine in diverse mostre legando la figura femminile alla natura e alla sacralità della bellezza. Il suo stile è introspettivo e onirico; una pittura, la sua, tesa ad enfatizzare il colore e a caricarlo del massimo significato. La poesia e la delicata pittura ad acquarello si fondono nelle opere dedicate ad Emily Dickinson, avviando un congiunto processo di riflessione introspettiva sulla delicata gestualità e sulle parole, che prendono vita in disegni che paiono dissolversi nell’aria e sui supporti cartacei.

Il progetto prende forma attorno a una domanda radicale: cosa significa restituire alla parola la sua dimensione originaria di forza generativa, in un tempo in cui il linguaggio rischia di dissolversi in una logica algoritmica.

Il lavoro dei due artisti si definisce attraverso una posizione contemporanea netta che vuole riportare la parola al suo corpo e riconoscere che l’origine del linguaggio non sta nella comunicazione, che può essere ingannevole, ma nella creazione.

Il processo creativo

Al centro della pratica si colloca un’asimettria tra sapere e apertura all’ignoto. Il percorso linguistico-concettuale che precede la scelta delle parole è complesso, stratificato e si fonda su una ricerca rigorosa che si misura umilmente anche con il dizionario come strumento primario di estensione della mente.

Questa logica interna rimane invisibile. La parola, nel momento in cui viene pronunciata, arriva come un suono che irrompe senza un prima con un significato già depositato ma non dichiarato.

L’opera nasce nella frattura tra intenzionalità e ascolto, tra vibrazione della parola e sua traduzione visiva. Il segno sulla tela registra la collisione tra un linguaggio che porta in sé una storia segreta e un corpo che lo riceve come se fosse pronunciato per la prima volta.

I fondi monocromatici

I fondi monocromatici rappresentati da blu intensi, verdi compatti, rossi densi, cobalti stratificati, definiscono il territorio primigenio nel quale la parola prende corpo. La materia cromatica si configura come superficie, profondità e soglia, uno spazio che accoglie e attiva l’attraversamento.

La polisemia come principio epistemico

La relazione tra parola e segno si articola attraverso una tensione aperta. Ogni elemento mantiene una propria autonomia e genera uno scarto che fonda la dimensione dell’opera.

La polisemia emerge come principio epistemico: condizione strutturale del linguaggio. Ogni parola attiva una pluralità di significati, memorie, associazioni, risonanze che il gesto rilancia senza esaurire.

L’opera si costruisce nella proliferazione e nella molteplicità, assumendo la complessità come forma di verità.

«La logica che precede l’incontro tra gesto e parola rimane invisibile allo spettatore perché è una struttura sotterranea, un percorso che appartiene soltanto alla fase di ricerca: i segni sono punti di accesso e le parole, soglie concettuali. Il significato è uno spazio aperto nel quale ogni sguardo fa emergere connessioni e possibilità distinte.»

Sabrina Badalucco, curatrice editoriale Accademia di Belle Arte di Brera.

TERAPIA di VIAGGIO

Incontreremo cinque personaggi in procinto di partecipare ad un viaggio organizzato per una meta europea. Li vedremo nel viaggio di andata, scopriremo la loro vita prima della partenza e li incontreremo di nuovonnel viaggio di ritorno. Saranno le stesse persone oppure il viaggio li avrà trasformati?  TERAPIA di VIAGGIO è uno spettacolo di improvvisazione teatrale dove le attrici e gli attori non seguono un copione, né un canovaccio. Tutto nasce davanti agli occhi del pubblico: creazione e fruizione coincidono in questa antica e nobile forma d’arte. E il pubblico sarà parte integrante dell’opera. Saranno infatti proprio gli spettatori a suggerire ad ogni personaggio il motivo per partire dando così il la a questo viaggio.  Ne nascerà, ne siamo certi, una commedia divertente, capace di far sorridere ed emozionare e comprendere come andare lontano a volte serve per vedere meglio le cose vicine.  Mentre, a volte, basta andare a teatro a vedere TERAPIA di VIAGGIO. Per prenotare: info@artyroma.it; T. 327-1881956.

L’ IMPRO

Sali sul palco senza un copione, senza un canovaccio da seguire, eppure così, senza all’apparenza avere nulla nasce una storia, con battute, emozioni e tutto quello che serve. È l’Improvvisazione teatrale, un’arte antica che affonda le sue radici nell’Antica Grecia e nel corso dei secoli continua a svilupparsi approdando poi nella Commedia dell’Arte italiana del 1700. Prosegue a vivere parallela al teatro, conoscendo nel dopoguerra negli States una sua dignità e autonomia. E negli anni ’90 del secolo scorso arriva anche in Italia radicandosi ufficialmente nel 1988, quando a Firenze nasce la LIIT (Lega Italiana Improvvisazione Teatrale), fondata da Francesco Burroni, Fiamma Negri, Daniela Morozzi e Bruno Cortini. Nel 1991 arriva a Milano con il primo spettacolo al Caffé Teatro Nobel. IMPROJECT è il primo e più longevo raduno nazionale di improvvisazione teatrale in Italia, organizzato da Improteatro a Chianciano Terme. Nel 2026 raggiunge la sua 26ª edizione con quattro giorni di formazione specialistica che mette in connessione scuole, associazioni, gruppi e simpatizzanti da tutta Italia nel segno di un riconoscimento istituzionale crescente della disciplina. Oggi le scuole e compagnie attive si trovano in tutta Italia, tra queste Artyou a Roma. E i suoi spettacoli coinvolgono un pubblico sempre più giovane. L’impro, poi, non è solo spettacolo, ma è sempre più usata in terapia, scuole, ospedali, formazione psicologica e sanitaria. Nell’improvvisazione teatrale, infatti, si allena la creatività e la fantasia, si impara a cambiare i punti di vista, a provare nuove prospettive, si impara a dire dei sì che aprono le porte. Si impara a stare nel presente, nel qui e ora, a non programmare quello che sarà, ma semplicemente si impara a reagire a quello che succede. Insomma, l’improvvisazione teatrale non solo insegna a raccontare storie senza avere un copione, ma suggerisce una filosofia di vita, un modo per stare al mondo e starci meglio. Il tutto divertendosi.

In questo contesto, la Collezione Belli si apre al dialogo con lo spazio Bloomgalleri, rendendo accessibile una selezione di opere di artisti attivi in Toscana nel secolo scorso. Questi lavori diventano il punto di partenza per un processo di reinterpretazione affidato a diciotto artisti contemporanei, chiamati a sviluppare una risposta personale in relazione diretta con un’opera della collezione.
Il primo capitolo del progetto si sviluppa attorno alla figura di Alessandro Visani, artista attivo nella scena viareggina del secondo Novecento. La sua opera La piscina si configura come matrice generativa dell’intero percorso espositivo: un dispositivo capace di attivare nuove narrazioni visive e processi di trasformazione dell’immagine.

L’intervento degli artisti non si limita a una citazione o reinterpretazione stilistica, ma si articola come un processo di traduzione, in cui ogni lavoro nasce dall’incontro tra l’immaginario di Visani e le diverse sensibilità contemporanee. Il disegno, inteso come traccia primaria del pensiero visivo, diventa il terreno comune su cui si costruisce questo confronto intergenerazionale, rivelandosi strumento capace di attraversare il tempo e rinnovarsi costantemente.

Attraverso questo processo, l’opera di Visani viene riattivata e restituita come nodo di relazioni, origine di un sistema aperto che connette passato e presente, memoria e immaginazione.
Drawing LAB si configura come un laboratorio curatoriale permanente, capace di valorizzare il patrimonio artistico del Novecento toscano e, al contempo, di sostenere la ricerca contemporanea, rafforzando il legame tra memoria, territorio e sperimentazione.

Gli artisti coinvolti in questa prima edizione sono: Cristiano Baricelli, Paolo Bargelli, Alessio Betti, Davide Bondielli, Luca Cecioni, Victor De Castro, Mattia Di Rosa, Lorenzo Gagliardi (MIEIEGHI), Matteo Giuntini, David Lucchesi, Giulia Luzzi, Maicol & Mirco, Igor Monducci, David Paolinetti, Michele Redaelli, Marta Sesana, Lena Shaposnikova, Matteo Tenardi.