Di certo Giacomo Francesco Cipper o, alla tedesca, Zipper, fu un artista vulcanico. Dipingeva, con anticonformismo e libertà di tratto, scene di vita quotidiana, di cronaca vera. Popolani al mercato, contadini, ambulanti, vagabondi, mendicanti, zuffe o lezioni di musica, arti e mestieri, giocatori di carte e morra. Tutti protagonisti su un palcoscenico, quello della vita, dove ad essere rappresentata non è la desolazione ma la vitalità e il divertimento. C’è indubbiamente una vitalità quasi provocante nelle sue raffigurazioni che manca in altri: una tavolozza vivace, una spregiudicatezza nei soggetti e una simpatia nei confronti di alcuni personaggi, in particolar modo dell’infanzia.

In queste sue “istantanee” Cipper riesce a cogliere ovunque un movimento e un sorriso, vita non tristezza.  In ciò distinguendosi dagli altri pittori di “Pitocchi” e dallo stesso grande Giacomo Ceruti, che pur conosceva vivendo entrambi nello stesso quartiere di Milano. “Le scene di vita quotidiana e le nature morte di Cipper incontrano il gusto della committenza italiana ma non solo. Entrano così a far parte delle raccolte di molte grandi famiglie e casate, in area lombarda e italiana innanzitutto, Nonostante le scene umili, spesso i suoi committenti e collezionisti erano di rango elevato: attraverso le ricerche condotte per la mostra abbiamo scoperto che i suoi dipinti erano nelle gallerie della famiglia Colloredo (Governatore di Milano) e dei Clerici a Milano, di Pietro Mellarede a Torino, e nel Settecento quattro suoi quadri erano già nelle collezioni reali inglesi”, sottolineano i curatori. Una Lezione di musica, già nel Settecento nella residenza inglese di Richard Temple a Stowe sarà presente in mostra. Le sue invenzioni sono apprezzate anche in Austria e Germania, Cecoslovacchia, Polonia e persino in Russia. Sono dipinti che colpiscono per il loro realismo, per la capacità di racconto, quasi ad anticipare il moderno fotogiornalismo, ma anche per l’ironia, la benevolenza, la positività dello sguardo con cui l’artista coglie le situazioni. Cipper racconta la miseria ma non indulge sull’abbruttimento.

Il successo porta l’artista a “riscrivere” i suoi dipinti e stimola altri artisti, meno fantasiosi e dotati, ad ispirarsi ad essi o copiarli. Per questo ancora oggi il mercato è invaso da opere attribuite al maestro, inquinandone la grandezza e la figura. Che questa importante mostra intende mettere correttamente a fuoco. 

La mostra “Unveiling the Unknown” nasce dall’esigenza di mettere in relazione due pratiche artistiche apparentemente distanti ma profondamente complementari. Se da un lato Théo Viardin esplora l’umanità attraverso figure monumentali in continua trasformazione, interrogandosi sulle mutazioni dell’essere umano nel contesto del biopunk e della crisi ecologica, dall’altro Lou Jaworski decostruisce la materia, lavorando con materiali carichi di memoria e significato per affrontare questioni di percezione e struttura.

L’accostamento di queste due ricerche mira ad indagare la sopravvivenza e l’evoluzione della forma umana, esplorandone le tracce nel tempo e nello spazio. Se Viardin rappresenta corpi mutanti immersi in scenari essenziali, Jaworski utilizza materiali che evocano la stratificazione temporale e il dialogo tra il fisico e il digitale. I loro linguaggi si intrecciano in un equilibrio sottile tra figurazione e astrazione, corporeità ed evanescenza, memoria storica e visione del futuro.

Attraverso questa mostra, Tempesta Gallery intende creare un percorso visivo e concettuale che affronta le tensioni tra umanità e post-umanità, fisicità e digitalizzazione, tradizione e avanguardia. Viardin e Jaworski, con i loro linguaggi complementari, ci portano a riflettere sul destino della nostra presenza nel mondo e sulle possibili direzioni future dell’esistenza umana.

Théo Viardin

Théo Viardin (nato a Parigi nel 1992, vive e lavora a Marsiglia) esplora nei suoi dipinti enigmatici la figura umana in costante mutazione. Le sue opere presentano figure colossali che sembrano vegliare l’una sull’altra, caratterizzate da un uso stratificato della pittura a olio che alterna pennellate gestuali a velature eteree. Il suo lavoro si nutre di un dialogo con la filosofia e affronta il tema della condizione umana attraverso contrasti e dicotomie. Il biopunk diventa un mezzo per riflettere sulla fine dell’umanità così come la conosciamo e sulle sue possibili evoluzioni. Le sue recenti esposizioni lo hanno portato a esporre in città come Parigi, New York, Londra, Berlino, Vienna, Shanghai, Anversa, Madrid e Palma di Maiorca tra il 2021 e il 2024.

Lou Jaworski

Lou Jaworski (nato a Varsavia nel 1981) adotta un approccio post-minimalista nelle sue sculture, installazioni e stampe, caratterizzato da un linguaggio visivo essenziale. L’uso di materiali carichi di significato, come marmo, magneti in ferrite, grafite e meteoriti, conferisce alle sue opere un valore universale e senza tempo. Alcune delle sue creazioni incorporano hardware da server rack, impiegato come struttura architettonica per esplorare il concetto di memoria materiale e conservazione. Le sue opere, al tempo stesso astratte ed evocative, amplificano gli elementi architettonici e le proprietà dei materiali, fungendo da catalizzatori di pensiero ed energia.

“Con la sua opera Alessandro Zannier mette in scena l’escalation di crisi ambientali, il declino culturale e l’iper-dipendenza tecnologica. Una narrazione immersiva tra poetiche visive di pixel e dati: l’arte diventa una chiamata collettiva, un invito al pubblico alla riflessione e ancor più a divenire parte attiva di una nuova era che abbandona l’Antropocene. ”

Rebecca Pedrazzi

La vita sulla Terra è gestita da un software sofisticato e invisibile che ci permette di esistere, un calcolo sottile fatto di milioni di correlazioni ed equilibri tra uomo, specie animali, vegetali, funghi, batteri, minerali, campi magnetici, scudi atmosferici, ciclo dell’acqua e risorse minerarie, frutto di millenni di adattamento.

Continenti, oceani e poli sono da considerarsi oramai un’ unica rete neurale, un habitat mundi di connessioni. Nell’Antropocene, inquinanti, fake news, propaganda, virus, economia, energia, si propagano sull’intero sistema planetario sempre più velocemente e potenzialmente con esiti fuori controllo. La correlazione tra criticità ambientali, aumento della dipendenza dalla tecnologia, potenzialmente distruttiva nelle nostre mani e involuzione culturale dell’Occidente, non è mai stata così alta nei secoli precedenti.

Supportata da OOM (Alex Piacentini e Nicholas Bertini), l’opera di Zannier propone una visione artistica ed emotiva della moltitudine di big data ambientali e antropici registrati in questi ultimi anni, molti dei quali forniti dalle Università e dal CNR, mettendo in scena il crescendo esponenziale delle iperboli dei grafici sugli allarmi denunciati dall’Agenda 2030, verso l’inevitabile raggiungimento del “tipping point”, o punto di singolarità, oltre il quale le reazioni a catena divengono rapide, impattanti e irreversibili.

Le curve esponenziali del crescendo emotivo  si sviluppano in 10 minuti complessivi supportate dall’altro elemento protagonista che è “Escalation soundscape”, l’installazione sonora realizzata dall’artista stesso, anche musicista e autore di lungo corso con lo pseudonimo di Ottodix.

E’ da considerarsi a tutti gli effetti uno sviluppo di “ENT project 6 continents”, progetto quadriennale che l’artista ha ideato e portato avanti incrociando dati ambientali tra Italia e i 6 continenti, attraverso coppie di installazioni luminose gemelle tra loro collegate, ma remote, ospitato in due Biennali di Venezia consecutive (Padiglione Italia 2021 e Padiglione Camerun 2022), istituti universitari e di ricerca, musei e gallerie d’arte in Oceania, Africa, Sud America, Europa e Asia, chiudendo negli Stati Uniti, dove è stato infine inserito nella collezione dell’Istituto di Cultura di New York col supporto del curatore internazionale e architetto Alessandro Melis.La mostra è una produzione di ARTantide Gallery- Verona

Alessandro Zannier – Note biografiche

Alessandro Zannier (Treviso 1971), è un artista concettuale che lavora tra musica e arti visive, fisica, ambiente e big data con opere e concerti dal taglio multimediale e divulgativo. Ha esposto in personali e collettive internazionali tra cui varie edizioni della Biennale Italia-Cina, alla Biennale di Curitiba 2019 (Brasile), al CAFA Museum Pechino e in due Biennali di Venezia consecutive 2021/2022.

Dal 2023 è uno degli artisti testimonial di cifra.com, piattaforma di arte digitale.

Il suo progetto “ENT” di installazioni gemelle che incrociano dati ambientali tra l’Italia e i 6 continenti iniziato ad Auckland in Nuova Zelanda, si è concluso negli Stati Uniti dove è stato inserito nella collezione dell’Istituto di Cultura di New York.

Collabora con atenei e istituti di ricerca internazionali sonificando, visualizzando e dipingendo dati statistici e scientifici con operazioni che indagano i sistemi complessi.

Ha pubblicato 8 concept album, due raccolte e una biografia con l’alias Ottodix, considerato un progetto storico della musica electro-alternative italiana, che oggi invade spazi culturali e museali con concerti tra scienza, filosofia e ambientalismo.

Con oltre cento opere dall’immenso patrimonio dei Musei Reali di Torino e prestiti dalle Gallerie degli Uffizi di Firenze, da Castel Sant’Angelo a Roma, dall’Istituto Salce di Treviso e da altre prestigiose istituzioni e collezioni pubbliche e private italiane, la mostra intende creare lungo 11 sale tematiche dialoghi inediti fra dipinti, sculture e oggetti d’arte differenti per epoca, tipologia e provenienza, mantenendo quale elemento comune l’estrema eleganza, bellezza e armonia. Particolare attenzione è dedicata alla bellezza interpretata attraverso il mito, il fascino dell’antico, la meraviglia della natura, e alla rappresentazione del mondo femminile con grazia e sensualità esemplari.

La mostra si apre con una sezione dedicata a Venere, la dea della bellezza e dell’amore, e il confronto tra due capolavori: la celebre Venere di Botticelli della Collezione Gualino, opera identitaria della Galleria Sabauda, e la Venere di Lorenzo di Credi, in prestito dalle Gallerie degli Uffizi.

Si prosegue con la declinazione del mito di Elena, simbolo di femminilità in tutta la cultura occidentale, illustrato da arazzi, sculture e dipinti. Un affondo speciale è dedicato alle Tre Grazie, le fanciulle figlie di Zeus considerate fin dall’antichità la personificazione della bellezza e della

grazia femminile, raffigurate anche in tre importanti disegni di Antonio Canova della Biblioteca Reale.

Al fascino dell’antico e all’armonia rinascimentale sono dedicate le due sezioni successive, che presentano sculture classiche, disegni con grottesche e una selezione di magnifici disegni dal taccuino di Girolamo da Carpi, oltre a eleganti dipinti rinascimentali in cui il soggetto religioso è incorniciato da elementi naturali e da dettagli tratti dall’antico.

La bellezza della natura, sorgente di meraviglia con il dispiegarsi delle sue forze vitali, occupa le due sezioni successive, nelle quali si presentano gli straordinari Album di fiori, pesci e uccelli della Biblioteca Reale che, all’inizio del Seicento, facevano parte della “camera delle meraviglie” del duca Carlo Emanuele I di Savoia.

Il percorso prosegue con opere che illustrano l’universo femminile, nelle quali la bellezza si trasforma in virtù, strettamente congiunta alla purezza e alla castità, come nella bellissima Dama con l’unicorno di Luca Longhi, proveniente dalle collezioni di Castel Sant’Angelo, o nell’ideale supremo di ogni arte rappresentato dalle Muse, con la presenza di alcune tele di Antiveduto Gramatica e di un delizioso rame di Giovanni Battista Naldini. Raffigurazioni allegoriche, eroine della mitologia, della storia e femmes fortes sono le protagoniste di queste due sale che contano opere di grande suggestione, tra le quali sei Sibille realizzate dalla pittrice Orsola Maddalena Caccia.

L’esposizione continua analizzando il tema della bellezza incarnata nei ritratti di dame e principesse della Corte sabauda, regine e donne celebri della storia europea con affondi su figure femminili straordinarie come la Contessa di Castiglione, nobildonna di rara bellezza e seducente agente segreto, e la regina Margherita di Savoia, effigiate nei ritratti dipinti da Michele Gordigiani, realizzati quando la pittura cominciava a temere l’arrivo della fotografia.

Via via si giunge all’ultima sezione con le attraenti interpretazioni della figura femminile tra la fine dell’Ottocento e i primi decenni del Novecento, con opere di pittori quali Giovanni Grosso e Carlo Stratta e scultori come Leonardo Bistolfi, culminando nella bellezza senza tempo immortalata da Alphonse Mucha, protagonista dell’Art Nouveau. In questa sezione è esposto anche il capolavoro di Cesare Saccaggi, A Babilonia (Semiramide), entrato recentemente a far parte delle collezioni dei Musei Reali, insieme ad altre opere scelte dal catalogo del pittore piemontese.

In occasione dell’esposizione sono presentate, per la prima volta, le indagini diagnostiche realizzate sulla Venere di Botticelli della Collezione Gualino, dalle quali emergono la tecnica del disegno e i ripensamenti dell’artista.

Nelle stesse date della mostra, come collegamento tra il percorso di visita dei Musei Reali e l’esposizione nelle Sale Chiablese, all’interno dello scrigno specchiante posto al centro del nuovo Spazio Leonardo, al primo piano della Galleria Sabauda, viene esposto un meraviglioso disegno autografo di Leonardo da Vinci noto come Volto di fanciulla, realizzato tra il 1478 e il 1485 circa, considerato lo studio preparatorio per l’angelo nella versione parigina della Vergine delle Rocce.

Prodotta dai Musei Reali di Torino e da Arthemisia, la mostra DA BOTTICELLI A MUCHA. Bellezza, Natura, Seduzione è curata da Annamaria Bava ed è visitabile nelle Sale Chiablese, in Piazzetta Reale, dal 17 aprile al 27 luglio 2025.

Il tema di questa edizione di Biennale Democrazia, “Guerre e Paci”, vuole essere una riflessione sui conflitti, sulle violenze e sulle guerre, alla luce dell’attuale scenario internazionale. L’arte è un potente strumento per raccontare e superare i conflitti: attraverso di essa si costruiscono ponti tra diverse culture e visioni del mondo, si creano spazi di dialogo e comprensione e si promuovono pratiche e iniziative che favoriscono il pensiero critico e la partecipazione attiva per rispondere alle sfide della contemporaneità.
 
Il tema suscita riflessioni importanti e quanto mai attuali sul tempo presente, sulle relazioni tra noi e gli altri, tra le persone e l’ambiente, tra gli esseri viventi e il pianeta. Il titolo di Biennale Democrazia 2025 allude al concetto di conflitto che in senso etimologico significa mettere a confronto, far incontrare. Tramite il Dipartimento Educazione, il Castello di Rivoli lavora per creare continue occasioni di incontro e di condivisione, promuovendo pratiche e iniziative che favoriscono il pensiero critico e il lavoro collettivo al fine di offrire, soprattutto ai più giovani, strumenti per interpretare e trasformare la realtà e per attivare le tante possibili “paci”.
 
Per Democrazia Futura – la sezione dedicata alle giovani generazioni con le loro famiglie, alle istituzioni scolastiche e all’associazionismo giovanile – il Dipartimento Educazione ha coinvolto un centinaio di classi delle scuole di Torino, in totale oltre mille giovanissimi dell’area metropolitana, attraverso attività al Museo per elaborare il tema Guerre e Paci.
Prendendo spunto dalle opere di vari artisti contemporanei nella Collezione del Museo tra cui Michelangelo Pistoletto, Anna Boghiguian e Nicola De Maria, è stata realizzata una grande bandiera collettiva, sintesi grafica e cromatica dei tanti elementi simbolici disegnati e dipinti con bambini e ragazzi. Si tratta di un immenso lavoro condiviso assemblato nel momento conclusivo in Piazza Carlo Alberto a Torino giovedì 27 marzo alle ore 9.30, dove si daranno appuntamento studenti e insegnanti per una riflessione su pace, cooperazione e collaborazione attraverso le pratiche artistiche nell’ambito di Biennale Democrazia. Colorare di paci il futuro è un impegno collettivo da assumere e un’azione concreta e condivisa da intraprendere insieme alle tante persone, grandi e piccole che aderiranno al progetto, che comprende anche un’azione di pittura collettiva per tutte le famiglie, sabato 29 marzo ore 15 in Piazza Carlo Alberto.

Il secondo appuntamento nell’ambito di Biennale Democrazia, si terrà giovedì 27 marzo 2025 alle 14.30 al Teatro Gobetti, dove l’artista Michelangelo Pistoletto candidato al Premio Nobel per la Pace per il suo impegno nel segno delle ‘paci’, della giustizia sociale e della responsabilità collettiva, dialogherà con Francesco Manacorda Direttore del Castello di Rivoli. La conversazione, realizzata in collaborazione con Cittadellarte Fondazione Pistoletto, verterà sulla relazione e soprattutto sulle potenzialità che ha l’arte di essere motore di trasformazione sociale responsabile. Le opere di Michelangelo Pistoletto, nella collezione del Museo fin dalla sua apertura, affrontano infatti temi di grande attualità quali politica, educazione, scienza, sostenibilità. L’artista, attraverso il messaggio della pace preventiva, ha inteso la sua candidatura al Premio Nobel come impegno per il lavoro futuro e afferma che l’arte deve assumere una posizione propulsiva per un cambiamento radicale, che porta un concetto di umanità condiviso e responsabile.

L’appuntamento con Michelangelo Pistoletto e Francesco Manacorda è realizzato in collaborazione con Cittadellarte Fondazione Pistoletto

ALE SOUND FESTIVAL BLUES: le serate

Venerdì 4 Aprile Serata al femminile, che ospita due voci meravigliose del panorama Blues.

Ore 21.15 MamaBaba & Mass Duo

“A Blues Story – Le Ladies del Blues raccontano l’amore”, dove i momenti felici e quelli più tristi delle vicende amorose si intersecano ai brani di artiste come Memphis Minnie, Etta James, Nina Simone, Beth Hart, Tracy Chapman ed altre ancora. Da questo spettacolo nasce poi, un Recital contro la violenza di genere.

Per questa occasione, MamaBaba si presenterà in formazione ridotta, con il pianista Massimo Sammito.

MamaBaba cantante Gospel & Blues con all’attivo tre dischi e 2 inediti singoli, pioniera delle Street Blues milanese. Massimo Sammito tastierista con alle spalle varie collaborazioni, tra cui Edoardo Bennato. E’ diplomato alla Berkley in composizione e armonia.

Ore 22.15 Stephanie Ocean Ghizzoni and The Blues Mantras

Una band esplosiva emersa dai profondi bayou della Louisiana per rapire gli spettatori e trascinarli in un viaggio tantrico, tra sonorità ipnotiche e ritmi incalzanti, in una sorta di ode ai divini mostri sacri del Blues.

E così si canta e si suona come in un incantesimo, circondati dagli spiriti Voodoo dei Loa, capitanati da Papa Legba, il Dio custode delle porte verso altri regni .. in una festosa danza impazzita, dove incenso.. fuoco e piogge di coriandoli vi cadranno addosso tra uno scatenato funk, un’ umida ballata e un mantra africano.

Un concerto tutto da vivere, da ascoltare e ballare lasciandosi abbandonare ad una magica possessione primordiale. La band è formata da Stephanie Océan Ghizzoni voice, Alberto Giacobone guitar and voice, Daniele Scala Keyboards, Paolo Stellini bass, Gian Maria Tonin drums.

***

Sabato 5 aprile Serata dedicata all’omaggio e alla solidarietà

Ore 21,15 TIGULLIO4FRIENDS in concert

Loro sono una associazione di promozione sociale composta principalmente da musicisti e da amanti della musica attivi nella raccolta fondi per la SLA, malattia che ha colpito gli aspetti affettivi e familiari della band.

Tra il 2015 e il 2023 hanno prodotto tre dischi, “Happy Christmas“, “Ho Un Natale In Testa” e “3TRE” – ai quali hanno partecipato più di cinquanta musicisti della provincia genovese, ricevendo anche il sostegno di artisti nazionali come i Neri Per Caso, Tosca, Annalisa, Fabio Treves, Mercedes Martini, Andrea Ceccon. Nel 2024 la band Tigullio4Friends è stata nominata AMBASCIATORE di AISLA, e ha ricevuto una benemerenza della Presidenza durante le celebrazioni svoltesi a Novara, in occasione del 40esimo anniversario di AISLA.

Ore 22,15 NICK BECATTINI LEGACY

un omaggio al grande artista toscano scomparso nel 2024, un progetto nato per mantenere viva la sua eredità artistica e ricordare la sua brillante carriera attraverso la sua storica band. Sarà anche l’occasione per suonare l’ultimo album CRAZY LEGS e per diffondere i suoi libri “Catartico Blues” e “Dialoghi con Giulio“. In scena la band composta da Chek Franceschetti guitar and vox, Keki Andrei Hammond Organ, Andrea Cozzani bass, Carmine Bloisi drums e alcuni Special Guests.

Direzione Artistica : Gabriel Delta

BIGLIETTI

Ingresso intero euro 20, ridotto € 15 (Soci DLF, Unitre, Over 65, Under 12, studenti istituti musicali). Complete pass per 2 serate €30.

Info e biglietti: Segreteria DLFDa lunedì a Venerdì 9:00 – 12:30 e 16:00 – 18:00 (Viale Brigata Ravenna 8) 
Tel: +39 0131 252079 

Questa, che è la prima mostra italiana sul maestro nordico, è la rivelazione di un artista ammirato nei grandi musei del mondo ma che in Italia non è mai stato oggetto di una mostra. Solo pochissime sue opere si sono potute ammirare in esposizioni dedicate alla pittura nordica. La retrospettiva al Roverella – sino al 29 giugno – consente, finalmente, di scoprire un genio della pittura che fa del silenzio, del vuoto, un racconto intenso.

“La fama di Vilhelm Hammershøi, dopo la sua scomparsa nel 1916, diminuì rapidamente, quasi al limite dell’oblio, che durerà fino agli anni Ottanta”, sottolinea il curatore della mostra rodigina, Paolo Bolpagni. “Non si dimenticò di lui, tuttavia, il mondo del cinema: basti pensare a certi lungometraggi dello svedese Ingmar Bergman, o a Interiors (1978) di Woody Allen. In particolare, però, fu un grande regista danese, Carl Theodor Dreyer (Copenaghen, 1889-1968), a ispirarsi in maniera esplicita a Hammershøi nei propri film, dall’epoca del muto sino al suo ultimo capolavoro, Gertrud (1964), girato quasi interamente in interni, e incentrato sul tema dell’impossibilità dell’amore autentico e dell’incomunicabilità fra i personaggi, chiusi in un universo bloccato, nel quale la vita è come un lungo sogno.

In molte delle proprie inquadrature, da Il presidente (1919) all’Angelo del focolare (1925), da Vampyr (1932) a Dies irae (1943), da Ordet (1955) sino appunto all’ultimo suo film, Dreyer, vincitore del Leone d’oro alla Mostra internazionale del cinema di Venezia del 1955, ricrea le scene domestiche e lo spirito per così dire “metafisico” dei dipinti di Hammershøi. Alcuni ambienti, specie nel finale di Gertrud, con la porta bianca che si chiude dopo il saluto di commiato della protagonista, disillusa dalla vita e raccolta in una quieta rassegnazione, sembrano citazioni di opere del pittore danese”.

Nella mostra di Palazzo Roverella a Rovigo, perciò, intercalati al percorso espositivo sono inserite due proiezioni di alcuni spezzoni proprio di Gertrud, allo scopo di rendere immediato e suggestivo il confronto tra il film di Dreyer e l’arte di Hammershøi. Insomma, mentre la critica si era scordata della sua grandezza, il regista conterraneo continuò a trovare in lui un modello e una fonte d’ispirazione, sia nella costruzione delle inquadrature, sia nel delineare atmosfere sottilmente angosciose e sospese nel loro apparente ordine.