La prima delle sei puntate del podcast, intitolata La collezione delle meraviglie, è fruibile dal 26 giugno 2025, e a quest’episodio seguiranno gli altri cinque i quali verranno pubblicati sulle piattaforme uno a settimana. Il ruolo di narratore del podcast è stato affidato all’attore, autore e attivista per i diritti LGBTQIA+ Pietro Turano.

Il prodotto editoriale è stato finanziato dall’Unione europea nell’ambito del Programma Nazionale Metro Plus e Città Medie Sud 2021-2027 – Priorità 7 – Progetto BO7.5.1.1.b “I musei come leva di sviluppo turistico e promozione dei talenti”.

Queering Museum ha preso avvio nell’ottobre 2023 con un corso di formazione curato da Viviana Gravano e Nicole Moolhuijsen e destinato a tutti musei del Settore, che ha coinvolto, oltre alle direzioni, diversi profili museali nell’ambito della curatela, comunicazione, educazione e mediazione culturale, accoglienza e guardiania.

Il corso ha previsto una serie di interventi di persone esperte a livello nazionale e internazionale che hanno affrontato il tema di come introdurre la cultura queer nei contesti museali a partire dall’allestimento e dalla comunicazione fino ad arrivare alla didattica per adolescenti e giovani, portando all’attenzione esempi di casi studio di pratiche virtuose già in atto in altri musei in Italia e all’estero.

Le persone che hanno partecipato all’attività formativa attraverso il tutoraggio delle due curatrici hanno poi collaborato alla costruzione di una proposta progettuale da realizzare in uno dei musei del Settore Musei Civici Bologna, che è stato individuato nel Museo Civico Medievale.

A seguito di una call per candidarsi a partecipare al processo di co-progettazione rivolta a tutte le associazioni del “Patto generale di collaborazione per la promozione e la tutela dei diritti delle persone LGBTQIA+ nella città di Bologna 2022-2027”, si è unita al gruppo di lavoro IAM Intersectionalities And More APS.

Definito il target di riferimento dell’iniziativa, quello degli adolescenti e dei giovani adult*, è stato individuato l’esito finale del percorso, ovvero la realizzazione di un podcast.

Come azione preliminare è stato pertanto formato un insieme di ragazz* di età compresa tra 17 e 20 anni che affiancasse il gruppo di lavoro nella selezione degli oggetti della collezione del museo su cui sviluppare una possibile narrazione in chiave queer.

Nell’ottobre 2024, nell’ambito del Festival Gender Bender, sono stati presentati i primi esiti del progetto.

Nei mesi successivi sono stati elaborati i testi che hanno dato origine al podcast continuando a perseguire una metodologia di lavoro trasversale e mettendo in campo le diverse competenze del personale museale, in particolar modo quelle dei Musei Civici d’Arte Antica, e di Attitudes_spazio alle arti aps. Il podcast è stato sviluppato da Chora Media.

Ad accompagnare la fruizione del podcast all’interno del Museo Civico Medievale sarà distribuito un pieghevole contenente una mappa utile all’individuazione all’interno delle sale espositive degli oggetti scelti.

Queering Museum rientra nelle attività realizzate nell’ambito del”Patto generale di collaborazione per la promozione e la tutela dei diritti delle persone LGBTQIA+ nella città di Bologna 2022-2027″, lo strumento con cui il Comune di Bologna e le Associazioni ed enti esponenziali della comunità LGBTQIA+ hanno concordato, a seguito di un percorso di coprogrammazione e coprogettazione, la realizzazione di servizi, progetti, interventi e azioni sussidiari e complementari a quelli dell’Amministrazione comunale, finalizzati a prevenire e rimuovere ogni forma di discriminazione, a promuovere e a tutelare i diritti delle persone e della comunità LGBTQIA+., perchè venga garantito che ogni persona possa vivere liberamente la propria identità e il proprio orientamento sessuale. Attualmente le associazioni firmatarie sono 29. Il Patto si sviluppa su tre Assi tematici, a loro volta suddivisi in diversi Cluster: servizi alle persone, educazione e formazione e cultura e socializzazione.

Il progetto si inserisce, inoltre, nella cornice dell’azione di design for all che mira a trasformare i Musei Civici in spazi pienamente accessibili e aperti, in cui ogni individuo possa vivere un’esperienza arricchente e stimolante. Il progetto negli anni a seguire sperimenterà altri output legati alla rilettura delle collezioni dei Musei Civici concentrando l’attenzione su pubblici diversi.

Podcast QueeringBO. Cose mai viste nei Musei Civici di Bologna

C’è una parola che un tempo risultava essere un insulto ma che oggi è diventata un grido di libertà: queer. Un termine che rompe le regole, sfida le etichette e accoglie tutto ciò che non si lascia definire. Cosa succede se si porta questa visione fuori dagli schemi, in un museo?
Varcando il portone di ingresso del Museo Civico Medievale di Bologna ed entrando nelle sue sale espositive si possono riscoprire opere e oggetti attraverso un’ottica queer.
Nel podcast QueeringBO. Cose mai viste nei Musei Civici di Bologna, insieme all’attore e attivista Pietro Turano e alle persone esperte del Museo Medievale e dell’associazione Attitudes_spazio alle arti aps viene riletto il passato parlando di identità, genere e rappresentazione. Attraverso un viaggio dal Medioevo al presente, dentro e fuori dal museo, ognuna delle sei puntate porta alla luce ciò che spesso resta invisibile.

Episodio 1. La collezione delle meraviglie (data di uscita: 26 giugno 2025)
Uno sguardo queer ci rivela tante meraviglie. Ed è proprio la parola, sinonimo del concetto di “sfidare le norme sociali e le categorie tradizionali”, a essere la chiave della prima puntata alla scoperta della collezione del Museo Civico Medievale di Bologna. Dal corno di unicorno fino alla misteriosa Pietra di Bologna, ogni oggetto diventa occasione per scovare storie dimenticate e identità che resistono alla logica binaria. Un invito a immaginare nuove possibilità, al di là di ogni definizione, insieme a Viviana Gravano dell’Associazione Attitudes_spazio alle arti aps e a Ilaria Negretti e Giancarlo Benevolo dei Musei Civici d’Arte Antica di Bologna.

Episodio 2. La bellezza tra genere e canoni (data di uscita: 3 luglio 2025)
Gli oggetti parlano delle persone, delle loro abitudini e dei ruoli sociali che la società gli assegna. Per questo è importante guardarli con una lente queer, soprattutto quando hanno a che fare con il genere e i canoni di bellezza. In questa puntata Pietro Turano, Fabio Ranzolin, dottorando in Museologia e Metodologia Queer, Ilaria Negretti e Giancarlo Benevolo dei Musei Civici d’Arte Antica di Bologna mostrano come la cultura medievale costruiva e limitava maschilità e femminilità, ma anche come ci fossero eccezioni e figure fluide che sfidavano questi confini. Focus della puntata, alcune rappresentazioni di dame e cavalieri presenti in acquamanili e selle e un’immagine presente su un cammeo attraverso cui decostruire gli stereotipi.

Episodio 3. Chi ha paura dei mostri? (data di uscita: 10 luglio 2025)
In questo episodio Pietro Turano invita a ribaltare la prospettiva: la mostruosità può essere una fortuna, una categoria positiva e liberatoria. Partendo da tre piccoli oggetti che rappresentano sirene e tritoni, si osservano gli esseri ibridi come metafora di identità fluide e in continua trasformazione. La puntata intreccia letteratura ottocentesca, cartoni animati, manga e riflessioni sull’ecologia, per riscoprire ancora una volta la bellezza di ciò che sfida la norma. Intervengono Viviana Gravano dell’Associazione Attitudes_spazio alle arti aps, Ilaria Negretti e Giancarlo Benevolo dei Musei Civici d’Arte Antica di Bologna.

Episodio 4. Tra tacchi vertiginosi e armature fraintese (data di uscita: 17 luglio 2025)
Nel corso della storia i corpi sono stati continuamente disciplinati, anzi costruiti secondo regole di genere e culturali ben precise. Dalle scarpe altissime – o calcagnini – che impedivano alle donne di muoversi liberamente nel Seicento, alla statua della Giustizia con un corpo “idealizzato”, fino al corsaletto di un’armatura che per anni è stato descritto come femminile. Con Pietro Turano si esplora il potere che hanno gli oggetti di plasmare identità e anatomie fino a trasformarci in “cyborg”. In questa puntata, gli interventi di Fabio Ranzolin, dottorando in Museologia e Metodologia Queer, Ilaria Negretti e Giancarlo Benevolo dei Musei Civici d’Arte Antica di Bologna.

Episodio 5. Miti classici da smontare (data di uscita: 24 luglio 2025)
Basta romanticizzare la violenza e la mancanza di consenso: questo episodio rilegge i miti classici attraverso una prospettiva queer per rivelare le dinamiche di abuso e sopraffazione che spesso nascondono. Pietro Turano analizza le storie di Apollo e Dafne, Amore e Psiche, e il ratto di Ganimede, che sono raffigurate rispettivamente su una coltelliera, un cammeo e una coppa in maiolica. Con l’aiuto di Viviana Gravano dell’Associazione dell’Associazione Attitudes_spazio alle arti aps, di Ilaria Negretti e Giancarlo Benevolo dei Musei Civici d’Arte Antica di Bologna, si decostruiscono le narrazioni tossiche, si individua la violenza di genere e si riaffermerma il diritto all’autodeterminazione.

Episodio 6. La storia di un pettine (data di uscita: 31 luglio 2025)
Dietro un antico pettine d’avorio si cela una storia di violenza e di silenzi. Nell’ultima puntata Pietro Turano si concentra su questo unico, piccolo oggetto custodito nel museo, che raffigura la presunta pena imposta a Re Edoardo II d’Inghilterra. L’episodio interroga le omissioni delle narrazioni ufficiali e, attraverso una lente queer, rilegge il passato per aiutare ad aprire nuove possibilità nel nostro presente. Ad arricchire il racconto ci sono gli interventi di Fabio Ranzolin, dottorando in Museologia e Metodologia Queer, e di laria Negretti, responsabile dei servizi educativi dei Musei Civici d’Arte Antica di Bologna.

Un evento che esalta il patrimonio artistico e culturale del folk partenopeo, autentico simbolo della musica italiana nel mondo, capace di ispirare generazioni di musicisti e di affascinare un pubblico internazionale con il suo ritmo ancestrale e la sua potenza emotiva.
Cinque giorni di musica, danza e cultura, con due serate-concerto, laboratori e un convegno, per celebrare un’arte che vive nel presente guardando alle radici più profonde della tradizione. Un’occasione unica per immergersi nella cultura popolare campana, tra ritmi ipnotici, canti d’amore e di protesta, danze che parlano di libertà. Perché la tammurriata non è solo musica: è l’anima di Napoli che batte nel mondo.

«Piazza Mercato si conferma ancora una volta contenitore privilegiato di grandi eventi come ‘La Notte della Tammorra’, che rientra nella nuova edizione di Estate a Napoli. Un’Estate inaugurata con una formula rinnovata, in linea con la visione dell’Amministrazione guidata dal sindaco Gaetano Manfredi, che offre un calendario ricco di proposte inedite e iniziative di qualità consolidate come, appunto, ‘La Notte della Tammorra’, per promuovere un’immagine inclusiva e policentrica della cultura cittadina, valorizzando le sue diverse identità e i suoi luoghi simbolo», dichiara Sergio Locoratolo, coordinatore delle politiche culturali del Comune di Napoli.

«In linea con il progetto ‘Napoli Città della Musica’ – osserva Ferdinando Tozzi, delegato del Sindaco per l’industria musicale e l’audiovisivo – l’edizione 2025 de ‘La Notte della Tammorra’ offrirà un programma ricco di concerti e momenti formativi, promuovendo la conoscenza e la diffusione della tammurriata quale espressione artistica di radici profonde. È un evento che abbraccia non solo il passato e il presente della nostra musica, ma esplora anche le sue prospettive future. ‘La Notte della Tammorra’ è l’anima pulsante della nostra città che vibra e si diffonde nel mondo».

«Quest’anno celebriamo la danza, il canto antico, le lingue del Sud, in un viaggio tra passato e presente» – dichiara Carlo Faiello, maestro concertatore. «Piazza Mercato torna a essere lo spazio del “ritmo” perduto e ritrovato, dove artisti di fama e portatori di tradizione si incontrano per raccontare una musica che è storia, identità e innovazione».

I concerti: la magia della musica folk in scena

Venerdì 4 Luglio ad aprire la serata sarà Serena Rossi, straordinaria interprete della scena musicale e teatrale napoletana, preceduta dal suggestivo ‘Canto ‘a figliola’ dedicato alla Madonna del Carmine e dalla Tammurriata di Accoglienza. Sul palco si alterneranno grandi nomi della scena folk e nuove voci: Ars Nova Napoli; le voci del Nu-Folk come Irene Scarpato (Suonno d’ajere), Simona Boo (99 Posse, Bimbi di fumo), Denise Di Maria e la romana Lavinia Mancusi che presenta un progetto che unisce il folk, la classica e il pop d’autore.
E ancora lo storico quartetto femminile Assurd e la travolgente Bagarjia Orkestar si alterneranno con i maestri della Tammurriata: Antonio o’ Lione Matrone, Toto Toralbo, Dario Mogavero, Luigi Matrone.

Sabato 5 Luglio, protagonista sarà l’iconico Peppe Barra, insieme a Roberto Colella, voce storica de La Maschera. E ancora: Carlo Faiello in un omaggio alle danze e alle lingue del Sud, Mimmo Cavallaro (Tarantella calabrese), Piero Ricci (Saltarello molisano), Ugo Mazzei (canto siciliano), Officine Popolari Lucane di Pietro Cirillo (tarantella lucana). Il Canzoniere Grecanico Salentino, in tour internazionale, festeggerà i 50 anni di carriera con un’esplosione di pizziche salentine; le Tammurriate di Biagio De Prisco, custode dell’antichissima arte del ballo sul tamburo. Gran finale con il Ballo Notturno e, per i più coraggiosi, l’alba magica del 6 Luglio con le paranze spontanee.

Laboratori e convegno: approfondire la tradizione

Dall’1 al 5 Luglio, presso la Chiesa di Santa Croce e Purgatorio al Mercato, si terranno: laboratori di danze popolari (a cura di Mariagrazia Altieri)
Laboratori di tamburi a cornice (a cura di Enzo Esposito – Tammurrièllo).Giovedì 3 Luglio, il convegno “Tarantella in forma di rosa” (ore 19.00) vedrà interventi di: Paolo Apolito (antropologo), Pier Paolo De Giorgi (etnomusicologo), Enzo Amato (direttore d’orchestra). Modera Ugo Vuoso (docente universitario e divulgatore). A seguire, nel solco della tradizione viva, esibizioni di tarantella irpina, tammurriate vesuviane, pizzica tarantata e tarantella napoletana.

Dal 28 giugno al 21 settembre 2025, Palazzo Bonaparte accoglie lo sguardo più ironico e disarmante della fotografia del Novecento: ELLIOTT ERWITT.
Un’esposizione che è molto più di una mostra: è un invito a osservare il mondo con leggerezza, empatia e meraviglia.

Un evento imperdibile, che racconta – attraverso oltre 80 scatti iconici – la lunga e brillante carriera di un artista capace di cogliere l’anima del Novecento e di trasformare attimi ordinari in immagini indimenticabili, con uno sguardo profondamente umano ma sempre sorprendente.

In mostra a Roma icone di un’epoca, di un modo di guardare il mondo con leggerezza e intelligenza. “Icons” perché ogni scatto di Erwitt è diventato un simbolo, della sua poetica e della nostra stessa memoria collettiva.

Erwitt non è solo un fotografo: è il cantore della commedia umana, l’infallibile testimone delle piccole e grandi assurdità della vita, che sa raccontare con un’ironia disarmante, una poesia sottile e una grazia senza tempo. Le sue immagini – celebri, indimenticabili, spesso folgoranti – riescono a essere al tempo stesso leggere e profonde, intime e universali. Sono scatti che fanno sorridere, riflettere, emozionare.
Elliott Erwitt è stato – ed è – un protagonista assoluto della cultura visiva del nostro tempo. Le sue immagini, i suoi libri, i reportage, le illustrazioni e le campagne pubblicitarie hanno attraversato i decenni, apparendo su testate internazionali e influenzando generazioni di fotografi e artisti. Questa mostra è un viaggio attraverso la sua opera e insieme un invito a guardare il mondo con occhi nuovi: con leggerezza, con empatia, con meraviglia.
Membro dal 1953 della storica agenzia Magnum – fondata tra gli altri da Henri Cartier-Bresson e Robert Capa – Erwitt ha raccontato con piglio giornalistico gli ultimi sessant’anni di storia e di civiltà contemporanea, cogliendo gli aspetti più drammatici ma anche quelli più divertenti della vita che è passata di fronte al suo obiettivo.

“Nei momenti più tristi e invernali della vita, quando una nube ti avvolge da settimane, improvvisamente la visione di qualcosa di meraviglioso può cambiare l’aspetto delle cose, il tuo stato d’animo.Il tipo di fotografia che piace a me, quella in cui viene colto l’istante, è molto simile a questo squarcio nelle nuvole. In un lampo, una foto meravigliosa sembra uscire fuori dal nulla”.
Con queste parole Erwitt sintetizza lo spirito e la poetica con cui filtra la realtà, la rappresenta con la sua maestria, cogliendone gli aspetti a volte giocosi, a volte irriverenti o quasi surreali, che ne fanno un maestro indiscusso della commedia umana.

Curata da Biba Giacchetti, una delle massime conoscitrici di Erwitt a livello internazionale, con l’assistenza tecnica di Gabriele Accornero, Elliott Erwitt. Icons è uno spaccato della storia e del costume, un percorso sintetico e completo della sua genialità, del suo sguardo sul mondo, dai suoi cani antropomorfi ai potenti della terra, dalle grandi star del cinema, una su tutte Marilyn, ai suoi bambini. Ma è anche un omaggio all’uomo che, con uno sguardo gentile e disincantato, ha saputo raccontare il mondo per quello che è: tragicomico, tenero, assurdo, irripetibile.

Nel percorso espositivo si incontrano i famosi ritratti di Marilyn Monroe, di Che Guevara, di Kerouac, di Marlene Dietrich, Fidel Castro, Sophia Loren, Arnold Schwarzenegger e fotografie che hanno fatto la storia, come il diverbio tra Nixon e Krusciov, il funerale di Kennedy, il grande match tra Frazier e Alì, così come le icone più amate dal pubblico per la loro forza romantica, come il California Kiss, o quelle più intime e private, come lo scatto della sua primogenita neonata, osservata sul letto dalla mamma.
Su tutte, Erwitt posa uno sguardo incisivo e al tempo stesso pieno di empatia, dal quale emerge non soltanto l’ironia del vivere quotidiano, ma anche la sua complessità.

Con lo stesso atteggiamento, d’altra parte, Erwitt riserva la sua attenzione a qualsiasi altro soggetto, portando all’estremo la qualità democratica che è tipica del suo mezzo. Il suo immaginario è infatti popolato in prevalenza da persone comuni, uomini e donne, colte nel mezzo della normalità delle loro vite.
Dai ritratti di personaggi famosi alle immagini più ironiche e talvolta irriverenti, si passa ad alcuni autoritratti dove Erwitt non lascia più niente al caso o all’intuizione, ma costruisce un altro da sé, dove l’eccentricità fine a se stessa è metafora e puro divertimento surreale.

Una particolare attenzione poi è destinata ai cani, di cui Erwitt apprezzava l’atteggiamento irriverente, libero e svincolato dalle comuni regole che condizionano gli esseri umani.
Moltissimi sono gli scatti “dal punto di vista dei cani”, lasciando comparire nelle sue composizioni solo le scarpe o una parte delle gambe dei loro padroni. Erwitt voleva che queste fotografie risultassero buffe e per questo metteva in atto ingegnose strategie, come suonare una trombetta o emettere una specie di latrato, per ottenere dagli animali una reazione il più naturale possibile.

L’esposizione – visitabile fino al 21 settembre – segna, dopo il recente grande successo della retrospettiva di Edvard Munch, l’apertura della stagione espositiva estiva di Palazzo Bonaparte, e rende omaggio a uno dei maestri più amati della fotografia mondiale. I visitatori avranno l’occasione di ripercorrere il suo sguardo sul mondo: surreale, romantico, giocoso, sempre capace di cogliere l’essenza delle cose.

La mostra Elliott Erwitt. Icons, è prodotta e organizzata da Arthemisia, in collaborazione con Orion57 e Bridgeconsultingpro. Main partner della mostra la Fondazione Terzo Pilastro – Internazionale con Fondazione Cultura e Arte e Poema.
La mostra vede come special partnerRicola, mobility partnerFrecciarossa Treno Ufficiale e sponsor tecnicoFerrari Trento.

Elliott Erwitt – Note biografiche

Elliott Erwitt nacque a Parigi da una famiglia di emigrati russi, nel 1928. Passò i suoi primi anni in Italia, a Milano. A 10 anni, si trasferì in Francia con la sua famiglia e da qui negli Stati Uniti, nel 1939, prima a New York e, due anni dopo, a Los Angeles. Durante i suoi studi alla Hollywood High School, Erwitt lavorò in un laboratorio di fotografia che sviluppava stampe “firmate” per i fan delle star di Hollywood. La grande opportunità gli venne offerta dall’incontro, durante le sue incursioni newyorchesi a caccia di lavoro, con personalità come Edward Steichen, Robert Capa e Roy Stryker, che amavano le sue fotografie al punto da diventare i suoi mentori. Nel 1949 tornò in Europa, viaggiando e immortalando realtà e volti in Italia e Francia. Questi anni segnarono l’inizio della sua carriera di fotografo professionista. Chiamato dall’esercito americano nel 1951, continuò a lavorare per varie pubblicazioni e, contemporaneamente, anche per l’esercito stesso, mentre soggiornava in New Jersey, Germania e Francia. Nel 1953, congedato dall’esercito, Elliott Erwitt venne invitato da Robert Capa, socio fondatore, a unirsi all’agenzia Magnum Photos in qualità di membro fino a diventarne presidente nel 1968 per tre mandati. Oggi Erwitt è riconosciuto come uno dei più grandi fotografi di tutti i tempi.
Il fotografo si è spento nella sua casa di New York a 95 anni, il 29 novembre 2023.

La prima edizione di Catanzaro Contemporanea segna l’avvio di un percorso più ampio, che proseguirà fino a novembre con workshop, attività di formazione e nuovi appuntamenti sul territorio. Un progetto che mette in dialogo artisti, curatori, studiosi e cittadini, e che sceglie la città di Catanzaro – centro di riferimento per l’arte contemporanea in Calabria – come luogo da cui ripensare i linguaggi del contemporaneo, in connessione con la dimensione pubblica, la riflessione critica e la vita collettiva. Un programma aperto a tutti, con ingresso gratuito a ogni appuntamento: un modo per rendere l’arte accessibile, vicina, condivisa.

Ideato e curato da Francesco Vaccaro, e promosso dal Comune di Catanzaro con il patrocinio della Regione Calabria, Fondazione Marisa Bellisario, Ordine degli Architetti della provincia di Catanzaro e Università Magna Graecia, Catanzaro Contemporanea è realizzato in collaborazione con Artecinema Napoli e Accademia di Belle Arti di Catanzaro.

UN FESTIVAL IN TRE ATTI: VIDEOARTE, CINEMA, CONVERSAZIONI PUBBLICHE

Il programma inaugurale di Catanzaro Contemporanea si sviluppa in tre giornate che intrecciano arte visiva, parola pubblica e narrazione cinematografica. Tre sezioni pensate per attivare esperienze differenti, ma profondamente connesse: una mostra di videoarte con otto artiste di rilievo internazionale, una rassegna di film documentari sull’arte contemporanea e un ciclo di conversazioni aperte al pubblico, con la partecipazione di curatori, artisti e architetti tra i più interessanti della scena attuale.

La prima è VIDIMU, mostra collettiva a cura di Claudio Libero Pisano, ospitata negli spazi del Complesso Monumentale del San Giovanni, che sarà inaugurata il 4 luglio alle 18.00. Un focus dedicato alla videoarte italiana contemporanea che propone la presentazione dei lavori di otto artiste di rilievo nel panorama nazionale e internazionale: Sonia Andresano, Elisabetta Benassi, Bruna Esposito, Iulia Ghita, Myriam Laplante, Raffaela Mariniello, Marzia Migliora e Fiamma Montezemolo. Le opere, di straordinaria qualità visiva e concettuale, presentano una pluralità di sguardi, linguaggi e ricerche che attraversano temi politici, sociali, intimi e collettivi. “Vidìmu in calabrese è un verbo che esprime più che il semplice guardare, una parola oziosa che contiene diverse opzioni sul modo di vedere le cose, senza fermarsi a ciò che appare, che sta di fronte, spostando invece lo sguardo verso i confini e la periferia dell’immagine, dove si rivelano soluzioni altre”, sottolinea Claudio Libero Pisano, curatore del progetto. La mostra, visitabile fino al 31 luglio, aperta tutti i giorni dalle 16:30 alle 20:30 e ad ingresso gratuito, è accompagnata da un catalogo pubblicato da Rubbettino, concepito come strumento critico e didattico, che sarà distribuito gratuitamente a visitatori, studenti e operatori culturali coinvolti nel progetto.

All’interno del programma di Catanzaro Contemporanea anche Artecinema a Catanzaro, rassegna realizzata in collaborazione con Artecinema Napoli, uno dei più autorevoli festival internazionali di film sull’arte contemporanea, nato nel 1996 e diretto da Laura Trisorio. Per la prima volta in Calabria, Artecinema porta nel cortile del San Giovanni due serate di proiezioni che offrono uno sguardo diretto sui processi creativi, le poetiche e i contesti in cui l’arte prende forma. Venerdì 4 luglio alle 21.00 si proietta “Arte Povera. Appunti per la storia” (Italia, 2023) di Andrea Bettinetti, con la presenza del regista. Sabato 5 luglio alle 20.30 il film “Daniel Buren. L’Observatoire de la lumière à la Fondation Louis Vuitton” di Gilles Coudert, alla presenza del regista, seguito alle 21.30 da “Renzo Piano. L’architetto della luce” di Carlos Saura. I film saranno proiettati all’aperto, a ingresso libero fino a esaurimento posti.

La terza sezione del festival è Conversazioni, un ciclo di incontri pubblici con curatori, artisti, architetti e teorici, pensato come spazio di confronto vivo sui temi dell’arte, della progettazione e del pensiero contemporaneo. Venerdì 4 luglio alle 19.30 in programma “La curatela come atto poetico”, con Chiara Bertola, curatrice della GAM – Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino e Michela Alessandrini, storica dell’arte e curatrice presso la Fondation Cartier di Parigi. Il dialogo, moderato da Francesco Vaccaro, curatore di Catanzaro Contemporanea, si concentra sul ruolo della curatela come forma narrativa, gesto relazionale e strumento di ascolto. Sabato 5 luglio, alle 19.00, il secondo appuntamento, “La luce si fa spazio”, coinvolge Gregorio Botta, artista visivo noto per il suo lavoro sul vuoto, la trasparenza e la materia impalpabile, e Luca Galofaro, architetto, docente e fondatore dello studio LGSMA, in un dialogo, moderato da Mara Varia, vice presidente della Fondazione Architetti di Catanzaro, che si concentra sul rapporto tra luce, forma e materia, esplorando come lo spazio possa diventare esperienza sensibile e dimensione simbolica.

Il programma del festival si arricchisce anche di due attraversamenti guidati pensati per mettere in relazione l’arte contemporanea con alcuni luoghi simbolo della città e della provincia. Sabato 5 luglio alle 10.00 si tiene una visita al Parco Internazionale della Biodiversità, una passeggiata curatoriale che restituisce valore a uno dei più importanti progetti di arte pubblica realizzati in Calabria negli ultimi decenni, tra i lavori di Antony Gormley, Tony Cragg, Mimmo Paladino, Michelangelo Pistoletto, Denis Oppenheim, Stephan Balkenhol e tanti altri. Domenica 6 luglio alle 11.00, il viaggio prosegue con una visita guidata al Museo e Parco Archeologico Nazionale di Scolacium, straordinaria area archeologica immersa tra ulivi secolari e rovine romane, nel territorio di Borgia. Un luogo che conserva le tracce stratificate della storia antica del Mediterraneo e che, negli anni, ha già accolto importanti interventi di arte contemporanea, in un dialogo fertile tra memoria e visione.

UN PERCORSO CHE NON SI ESAURISCE

Quella di luglio è solo la prima tappa di Catanzaro Contemporanea, che da qui ai prossimi mesi continuerà a tessere relazioni, attivare incontri e generare visioni. Il progetto proseguirà fino a novembre con nuovi appuntamenti, workshop e momenti di approfondimento, che verranno annunciati attraverso i canali ufficiali del festival.Catanzaro Contemporanea si fonda sulla convinzione che la diffusione del pensiero contemporaneo sul territorio possa agire come un vero e proprio enzima culturale, capace di generare nuova vitalità nei luoghi, nei paesaggi e nelle comunità. In questo senso, l’arte diventa strumento di trasformazione, capace di rigenerare il tessuto culturale e sociale e di restituire alla Calabria un ruolo attivo e centrale nel dibattito nazionale sulla cultura contemporanea.

In questo contesto si colloca la chiamata a Vetriolo di Tito Chini (Firenze 1898 – Desio 1947), pittore e ceramista appartenente a un’illustre dinastia di decoratori originari di Firenze e fondatori di una rinomata fornace a Borgo San Lorenzo, nel Mugello. Reduce da importanti imprese decorative portate a termine in Toscana e nel Veneto, nel 1936 il pittore venne incaricato di decorare lo Stabilimento Termale di Vetriolo.

Da tempo dismesso, l’edificio fu demolito nel 1997, ma parte della decorazione interna venne fortunatamente salvata grazie all’interessamento dell’Ufficio Beni Storico-Artistici della Provincia autonoma di Trento, che provvide d’urgenza allo stacco delle pitture murali interne e dei mosaici della facciata, ai fini di preservare la memoria di questo episodio di storia del termalismo. I dipinti di Vetriolo vengono per la prima volta esposti in pubblico in occasione di questa mostra, unitamente agli inediti bozzetti preparatori e a una selezione di manufatti ceramici prodotti dalla manifattura di Borgo San Lorenzo, nell’ambito di uno specifico focus dedicato a Tito Chini e alla stagione dell’art déco.

La mostra prosegue nel racconto della storia del termalismo trentino con particolare attenzione al territorio della Val di Sole, articolandosi in sezioni tematiche dedicate rispettivamente ai Bagni di Rabbi e alle Fonti di Pejo. Altri materiali documentano le vicende degli altri siti termali del Trentino. Ogni sezione è costituita da differenti tipologie di opere d’arte, antiche pubblica-zioni medico-scientifiche, oggetti legati alla fruizione delle acque salubri, cartoline e fotografie d’epoca, ritratti e ricordi di ospiti illustri.
Tra i materiali esposti, un posto di assoluto rilievo è riservato ai manifesti pubblicitari, spesso di grande qualità estetica, che rappresentano una prima modalità di promozione turistica del territorio e che sono al tempo stesso testimonianza dell’evoluzione del linguaggio artistico e del gusto. Gli esemplari originali dei manifesti sono stati concessi in prestito da collezionisti privati e dalla Collezione Salce di Treviso.

Nella sezione sulle Fonti di Rabbi, un focus è dedicato alla figura dello scrittore e geologo Antonio Stoppani (Lecco 1824 – Milano 1891), il celebre autore del Bel Paese, libro che si proponeva far conoscere a un vasto pubblico di lettori il territorio italiano dal punto di vista geografi-co e naturalistico, invitando a coltivare il sentimento nazionale. Stoppani contribuì in modo decisivo a far conoscere la Val di Rabbi e i suoi bagni, dove soggiornò più volte, anche attraverso la pubblicazione di uno specifico volume.
La mostra è curata dai conservatori del museo Elisa Nicolini e Roberto Pancheri ed è stata possibile grazie anche al sostegno dell’APT della Val di Sole e con la collaborazione delle Terme di Pejo e di Rabbi.

Palazzo Roverella a Rovigo ospita ancora per pochi giorni, fino al 29 giugno, la prima mostra italiana dedicata a Vilhelm Hammershøi, uno dei pittori più importanti del Nord Europa tra Ottocento e Novecento. Conosciuto soprattutto per i suoi interni silenziosi e minimalisti, Hammershøi racconta con delicatezza e introspezione gli spazi privati, i ritratti enigmatici e le vedute architettoniche. La mostra non si limita a esporre le sue opere più famose, ma approfondisce anche il legame con l’Italia e il confronto con altri artisti europei che hanno esplorato temi come il silenzio e la solitudine.

Non ci allontaniamo di molto: a Ferrara, Palazzo dei Diamanti dedica due mostre parallele a un tema affascinante e sempre attuale: la rappresentazione della figura femminile nell’arte tra Ottocento e Novecento. Da una parte, la monografica su Alphonse Mucha celebra l’arte raffinata e armoniosa dell’Art Nouveau, con le sue donne eleganti, seducenti e iconiche protagoniste di manifesti, dipinti e oggetti decorativi. Le opere di Mucha incarnano un ideale femminile fatto di grazia e delicatezza, simbolo di una bellezza ideale che ha segnato un’epoca. Dall’altra parte, la mostra dedicata a Giovanni Boldini offre un ritratto della donna moderna, carismatica ed emancipata, ritratta con un linguaggio dinamico e raffinato. Boldini cattura l’energia, la personalità complessa e il fascino di figure femminili che incarnano la nuova società urbana e borghese. Entrambe le esposizioni, aperte fino al 20 luglio, hanno riscosso un grande successo di pubblico.

Per chi fosse interessato all’arte sacra e alla tradizione, il Museo di Santa Caterina a Treviso propone fino al 13 luglio “La Maddalena e la Croce. Amore Sublime“. Con un corpus di oltre cento opere, la mostra indaga il mito e la figura di Maria Maddalena, soffermandosi in particolare sul suo rapporto con Cristo e sulle molteplici rappresentazioni sacre che si sono succedute nei secoli di lei. Non si tratta di una semplice narrazione storica o religiosa, ma di un viaggio attraverso l’arte che rende universale l’esperienza del sacro, intrecciando fede, emozione e riflessione sulla condizione umana.

Rimanendo in tema di figure femminili, a Bologna è stata inaugurata da poco una grande monografica sull’artista ucraino-americana Louise Nevelson, famosa per i suoi assemblaggi lignei bianchi neri e dorati. Femminile e femminista Nevelson trovò successo già in vita. La mostra di Bologna rappresenta la prima grande esposizione di questa artista nella città e coincide con il 120° anniversario del suo trasferimento da Kiev, sua città natale, verso gli Stati Uniti. Questo trasferimento fu un momento cruciale nella sua vita: Louise si ricongiungeva al padre, che qualche anno prima aveva lasciato l’Ucraina per sfuggire alle persecuzioni antisemite dilaganti nel paese. Negli Stati Uniti, la giovane artista trovò un ambiente in cui poter affermare la propria identità e realizzarsi pienamente, sia come donna sia come creatrice. Fu lì che iniziò il suo cammino di indipendenza e successo artistico, segnando l’inizio di una carriera straordinaria. Visitabile fino al 20 luglio a Palazzo Fava.

Per chi ha un debole per la moda: La forza del colore. Roberto Capucci a Villa Pisani è la mostra giusta. Vi si celebra l’opera dello stilista italiano Roberto Capucci, noto per trasformare gli abiti in vere sculture indossabili. L’esposizione, ospitata nel Museo Nazionale Villa Pisani a Stra (Venezia) fino al 2 novembre 2025, presenta venti abiti, disegni, schizzi e fotografie, creando un dialogo unico tra le creazioni di Capucci e gli spazi storici della villa settecentesca. Il percorso espositivo mette in risalto il legame tra la moda scultorea e l’architettura monumentale, con un focus particolare sull’uso del colore, elemento distintivo dello stilista. Da non perdere: l’abito da nozze ispirato ai colori del Tiepolo, esposto nel Salone da Ballo sotto l’affresco di Giambattista Tiepolo.

Concludiamo questo tour delle mostre nelle principali città italiane con Venezia che quest’anno ospita la Biennale Internazionale di Architettura e moltissime mostre collegate.

In Piazza San Marco ha recentemente aperto un nuovo spazio espositivo: SMAC – San Marco Art Centre che ospita due mostre, entrambe aperte fino al 13 luglio. La prima, dal titolo “For All That Breathes On Earth” ruota attorno alla pioniera coreana dell’architettura del paesaggio: Jung Youngsun (classe 1941). La prima donna coreana a ottenere il titolo di ingegnere del paesaggio. Con lei è nata e cresciuta la sensibilità nei confronti del recupero di aree degradate e dell’impianto di nuovi spazi verdi, sia in area urbana che in contesti diversi, pubblici e privati. Tra i suoi interventi, la mostra documenta quelli pensati e realizzati in occasione dei grandi appuntamenti internazionali: le Olimpiadi e i Giochi Asiatici di Seul, l’Expo di Daejeon o per l’aeroporto Internazionale di Incheon.

La seconda mostra a SMAC è “Migrating Modernism. The architecture of Harry Seidler”. Un’ampia retrospettiva sulla vita e l’opera dell’architetto australiano di origine austriaca Harry Seidler (Vienna 1923 – Sydney 2006). Seidler è uno degli architetti moderni più influenti, è stato responsabile della progettazione di numerosi edifici pionieristici in Australia, oltre che di edifici in Messico, a Parigi, a Hong Kong e, alla fine della sua carriera, di nuovo nella città natale, Vienna.

Rimanendo in Piazza San Marco: “L’oro dipinto. El Greco e la pittura tra Creta e Venezia” Palazzo Ducale racconta la lunga storia di scambi artistici tra Creta e Venezia dal XV al XIX secolo, incentrata sull’uso dell’oro nella pittura sacra e sulla fusione tra la tradizione bizantina e l’arte rinascimentale veneziana. Il percorso espositivo presenta capolavori di maestri cretesi e veneziani, con un focus su El Greco, che ha iniziato la sua carriera a Creta e si è formato a Venezia.

A due passi da San Marco si intrecciano due importanti esperienze artistiche che raccontano la potenza dell’arte contemporanea nel dialogare con lo spazio. Da un lato, la mostra “No Stone Unturned – Conceptual Photography” di John Baldessari alla Fondazione Querini Stampalia, aperta fino al 23 novembre. Una mostra che ripercorre la ricerca di Baldessari dagli anni Sessanta agli Ottanta, mettendo in luce la sua capacità di trasformare oggetti semplici e quotidiani in opere ricche di riflessioni, umorismo e innovazione. Nel campo di fronte al museo, l’artista Davide Rivalta presenta “Leoni in campo”. Cinque leoni e leonesse, seduti ma vigili, incarnano la forza silenziosa della resistenza e della partecipazione attiva: non sono figure passive, ma protagonisti che “scendono in campo” con calma ma determinazione, trasformando lo spazio pubblico in un palcoscenico di simboli, potenza e controllo.

Se visitate Venezia, non potete non andare a Ca’ Pesaro! La Galleria Internazionale d’Arte Moderna presenta il ciclo monumentale “Il Poema della vita umana” di Giulio Aristide Sartorio, realizzato per la Biennale di Venezia del 1907. L’opera, composta da 14 grandi scene ispirate alla mitologia e al simbolismo, racconta la vita umana attraverso temi come la Luce, le Tenebre, l’Amore e la Morte. Il ciclo è stato recentemente restaurato e ora esposto, fino al 28 settembre, in un allestimento di grande suggestione che rievoca la sua prima apparizione ai Giardini della Biennale. Al Sartorio si aggiungono opere coeve di artisti simbolisti e con la storia culturale europea del primo Novecento.

La mostra presenterà più di 150 stampe d’epoca, oltre a sculture, documenti e oggetti appartenuti al fotografo, per un approfondito e inedito sguardo sull’opera di Brassaï, con particolare attenzione alle celebri immagini dedicate alla capitale francese e alla sua vita.

Le sue fotografie dedicate alla Ville Lumière – dai quartieri operai ai grandi monumenti simbolo, dalla moda ai ritratti degli amici artisti, fino ai graffiti e alla vita notturna – sono oggi immagini iconiche che nell’immaginario collettivo identificano immediatamente il volto di Parigi.

Ungherese di nascita – il suo vero nome è Gyula Halász, sostituito dallo pseudonimo Brassaï in onore di Brassó, la sua città natale – ma parigino d’adozione, Brassaï è stato uno dei protagonisti della fotografia del XX secolo, definito dall’amico Henry Miller “l’occhio vivo” della fotografia.

In stretta relazione con artisti quali Picasso, Dalí e Matisse, e vicino al movimento surrealista, a partire dal 1924 fu partecipe del grande fermento culturale che investì Parigi in quegli anni. Brassaï è stato tra i primi fotografi in grado di catturare l’atmosfera notturna della Parigi dell’epoca e il suo popolo: lavoratori, prostitute, clochard, artisti, girovaghi solitari. Nelle sue passeggiate il fotografo non si limitava alla rappresentazione del paesaggio o alle vedute architettoniche, ma si avventurava anche in spazi interni più intimi e confinati, dove la società si incontrava e si divertiva.

È del 1933 il suo volume Paris de Nuit, un’opera fondamentale nella storia della fotografia francese.

Le sue immagini furono anche pubblicate sulla rivista surrealista “Minotaure”, di cui Brassaï divenne collaboratore e attraverso la quale conobbe scrittori e poeti surrealisti come Breton, Éluard, Desnos, Benjamin Péret e Man Ray.

“Esporre oggi Brassaï – afferma Philippe Ribeyrolles, curatore della mostra – significa rivisitare quest’opera meravigliosa in ogni senso, fare il punto sulla diversità dei soggetti affrontati, mescolando approcci artistici e documentaristici; significa immergersi nell’atmosfera di Montparnasse, dove tra le due guerre si incontravano numerosi artisti e scrittori, molti dei quali provenienti dall’Europa dell’Est, come il suo connazionale André Kertész. Quest’ultimo esercitò una notevole influenza sui fotografi che lo circondavano, tra cui lo stesso Brassaï e Robert Doisneau.”

Brassaï appartiene a quella “scuola” francese di fotografia definita umanista per la presenza essenziale di donne, uomini e bambini all’interno dei suoi scatti sebbene riassumere il suo lavoro solo sotto questo aspetto sarebbe riduttivo.

Oltre alla fotografia di soggetto, la sua esplorazione dei muri di Parigi e dei loro innumerevoli graffiti testimonia il legame di Brassaï con le arti marginali e l’art brut di Jean Dubuffet.

Nel corso della sua carriera il suo originale lavoro viene notato da Edward Steichen, che lo invita a esporre al Museum of Modern Art (MoMA) di New York nel 1956: la mostra “Language of the Wall. Parisian Graffiti Photographed by Brassaï” riscuote un enorme successo.

I legami di Brassaï con l’America si concretizzano anche in una assidua collaborazione con la rivista “Harper’s Bazaar”, di cui Aleksej Brodovič fu il rivoluzionario direttore artistico dal 1934 al 1958. Per “Harper’s Bazaar” il fotografo ritrae molti protagonisti della vita artistica e letteraria francese, con i quali era solito socializzare. I soggetti ritratti in quest’occasione saranno pubblicati nel volume Les artistes de ma vie, del 1982, due anni prima della sua morte.

Brassaï scompare il 7 luglio 1984, subito dopo aver terminato la redazione di un libro su Proust al quale aveva dedicato diversi anni della sua vita. È sepolto nel cimitero di Montparnasse, nel cuore della Parigi che ha celebrato per mezzo secolo.

La mostra sarà accompagnata da un catalogo bilingue italiano-francese edito da Silvana Editoriale e curato dallo stesso Philippe Ribeyrolles, con testi di Daria Jorioz, Philippe Ribeyrolles, Silvia Paoli e Annick Lionel-Marie, posto in vendita a € 36,00.

Biglietti: Intero 8 euro, ridotto 6 euro. Ingresso gratuito per i minori di 18 anni.
Mostra inserita nel circuito Abbonamento Musei.
Orari di apertura: martedì-domenica, dalle 10 alle 13 e dalle 14 alle 18.

Mi avventuro nel mondo per respirare la sua dubbia reputazione e il suo umorismo, per vedere più chiaramente, per cercare finalità e conoscenza, per aprirmi, per cogliere in modo esuberante e inesorabile la luce.
Rodney Smith

Per la prima volta in Italia, arriva a Palazzo Roverella una grande mostra monografica che celebra l’opera dell’acclamato fotografo newyorkese Rodney Smith (1947-2016).

L’ampia retrospettiva, che espone oltre cento opere evocative di Smith, è promossa dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo, in collaborazione con diChroma photography, il Comune di Rovigo e l’Accademia dei Concordi, con il sostegno di Intesa Sanpaolo, e prodotta da Silvana Editoriale. Sarà possibile visitare l’esposizione curata da Anne Morin dal 3 ottobre al primo febbraio 2026.

La mostra introduce il pubblico italiano a un grande protagonista della fotografia, noto per la sua inconfondibile estetica: un raffinato connubio di eleganza classica, composizione rigorosa e ironia elegante e surreale, che ha richiamato paragoni con le opere del pittore René Magritte. A lungo acclamato per le iconiche immagini in bianco e nero che combinano ritratto e paesaggio, Rodney Smith ha dato vita a mondi incantati e visionari pieni di sottili contraddizioni e sorprese. Realizzate con il solo ausilio di pellicola e luce naturale, le sue immagini oniriche, mai ritoccate, si distinguono per una meticolosa cura artigianale e una straordinaria precisione formale.

Allievo di Walker Evans, influenzato da Ansel Adams e ispirato dall’opera di Margaret Bourke-White, Henri Cartier-Bresson e William Eugene Smith, le sue fotografie sono apparse su pubblicazioni di spicco quali “TIME”, “Wall Street Journal”, “The New York Times”, “Vanity Fair” e molte altre. Non da ultimo, Smith ha ottenuto grandi riconoscimenti per la sua fotografia di moda in collaborazione con rinomati marchi tra cui Ralph Lauren, Neiman Marcus e Bergdorf Goodman.

L’estetica di Smith mostra inoltre evidenti parallelismi con la tradizione cinematografica, e si avvale di netti rimandi all’opera di registi del calibro di Alfred Hitchcock, Terrence Malick e Wes Anderson, e a leggende del cinema muto quali Buster Keaton, Charlie Chaplin e Harold Lloyd.

Rodney Smith, uomo colto e studioso di teologia e filosofia, mosso da una ricerca continua del significato della vita, ha trovato nella fotografia il linguaggio che gli ha consentito di esprimersi al meglio.

Proprio Smith che si descriveva come un “ansioso solitario”, trovava conforto nel catturare immagini considerandole un modo per “riconciliare il quotidiano con l’ideale”, per tradurre le proprie emozioni nella forma e per tramutarsi da osservatore a partecipe.

Le sue immagini iconiche catturano il mondo con humour, grazia e ottimismo. Con il suo stile distintivo ha affinato la percezione, portando ordine nel caos.

Le fotografie di Rodney Smith stupiscono, affascinano e intrigano, conducendo l’osservatore in regni poetici di riflessi e riflessioni. Sereni luoghi immaginari evocano un senso di benessere e inducono chi li osserva a sorridere e ad abbandonarsi alla tenerezza e, grazie a questa apertura e distensione, a provare stupore e ammirazione.

Così la curatrice Anne Morin descrive il lavoro di Rodney Smith:

“Ogni immagine creata da Smith, con la cura e la precisione di un orafo, è un tentativo sempre nuovo di ricreare questa armonia divina e di raggiungere uno

stato superiore, anche solo per un istante. Ogni immagine è eterea ed estatica.

(…) In qualsiasi punto dell’immagine si posi lo sguardo, l’occhio è immediatamente sedotto dalla grazia, dalla raffinatezza, dallo squisito accostamento di forme e contro forme, dalla diversità delle materie e dalla ricchezza narrativa che eccelle per sobrietà, parsimonia e silenzio.”

Il percorso espositivo è suddiviso in sei sezioni tematiche: La divina proporzione, Gravità, Spazi eterei, Attraverso lo specchio, Il tempo e la permanenza, Passaggi.

La maggior parte delle opere esposte sono in bianco e nero, a testimonianza del fatto che Smith ha iniziato a lavorare con il colore solo a partire dal 2002.

Come spiega lo stesso fotografo: “Dopo quarantacinque anni e migliaia di rullini, provo ancora questo amore incondizionato per la pellicola in bianco e nero. Tuttavia, contrariamente a quanto pensavano molti miei conoscenti, ho cambiato idea e circa otto anni fa ho iniziato a scattare anche a colori. Assolve a una funzione diversa per me, e ne parlerò più avanti, tuttavia non c’è niente per me come l’oscurità e la sfolgorante intensità del bianco e nero. È un’astrazione che avviene per aggiunta. Sì, c’è molto più colore nel bianco e nero di quanto non ve ne sia nel colore”.

Di fatto, una volta che Smith ha abbracciato il colore e la fotografia di grande formato, i risultati sono stati sorprendenti.

Le opere di Rodney Smith sono ora esposte in musei, gallerie e importanti collezioni private in tutto il mondo.

L’imminente retrospettiva monografica che aprirà i battenti a Palazzo Roverella il 3 ottobre 2025, offrirà l’opportunità anche al pubblico italiano di lasciarsi trasportare nel mondo incantato di Rodney Smith e di approfondire la conoscenza di questo fotografo, maestro indiscusso di un’eleganza senza tempo.

Accompagna la mostra un catalogo edito da Silvana Editoriale, curato da Anne Morin e corredato dai testi delle curatrici internazionali Anne Morin e Susan Bright e di Leslie Smolan, Executive Director presso Estate of Rodney Smith.

Anne Morin – Note biografiche

Diplomatasi presso la National School of Photography di Arles e la École Supérieure des Beaux-Arts di Montpellier, è la direttrice di diChroma photography, società specializzata in esposizioni internazionali itineranti dedicate alla fotografia, nonché nello sviluppo e nella realizzazione di progetti culturali in collaborazione con musei e istituzioni prestigiosi, tra cui Fundación Canal (Madrid), Martin-Gropius-Bau (Berlino), Pushkin National Museum of Fine Arts (Mosca), Musée du Luxembourg, Jeu de Paume (Parigi), Palazzo Ducale (Genova). Mossa da grande passione ed entusiasmo, Anne Morin lavora alla riscoperta di artisti e fotografi. Ha curato numerose mostre di fotografi e artisti prestigiosi, tra cui Berenice Abbott, Antonio Lopez, Vivian Maier, Robert Doisneau, Jessica Lange, Jacques Henri Lartigue, Sandro Miller, Pentti Sammallahti e Margaret Watkins. Nel 2022 ha ricevuto il premio Photo Curator of the Year dei Lucie Awards (Carnegie Hall, New York) per il suo lavoro sulla mostra dedicata a Vivian Maier, Unseen, allestita al Musée du Luxembourg.