Per il terzo anno consecutivo, sabato 27 e domenica 28 settembre 2025 numerosi musei, spazi espositivi e luoghi della cultura di Bologna e area metropolitana aderiscono alle Giornate Europee del Patrimonio con una progettualità e una comunicazione condivise.
L’attività è realizzata con il coordinamento del Settore Musei Civici del Comune di Bologna e della Città metropolitana di Bologna, in un’ottica di valorizzazione del sistema museale metropolitano e di integrazione tra le sue diverse articolazioni.

“Architetture: l’arte di costruire” è il tema italiano scelto per l’edizione 2025 della più estesa e partecipata manifestazione culturale in Europa, che dal 1999 viene organizzata congiuntamente dal Consiglio d’Europa e dalla Commissione europea per celebrare la ricchezza e la diversità del patrimonio culturale europeo, promuovendo al contempo il dialogo, l’inclusione e la cooperazione transfrontaliera.

Spiega il Ministero della Cultura, che promuove e coordina l’organizzazione delle Giornate Europee del Patrimonio in Italia: “Il tema delle Giornate Europee del Patrimonio 2025, Architetture: l’arte di costruire, è la declinazione italiana del tema europeo Heritage and Architecture: Windows to the Past, Doors to the Future: un invito a esplorare il ricco e variegato paesaggio architettonico che ci circonda, in occasione dei 50 anni dall’Anno Europeo del Patrimonio Architettonico del 1975 che ispirò, tra l’altro, il logo ufficiale degli European Heritage Days. Il plurale “Architetture” richiama la molteplicità di tipologie e funzioni del patrimonio costruito: dai monumenti celebri delle città d’arte agli edifici meno noti delle aree rurali e industriali. L’architettura, infatti, va oltre la funzione degli spazi: è memoria, identità, racconto collettivo; riflette istanze civiche, sociali e religiose. “L’arte di costruire” invita a riscoprire la varietà di stili, materiali e saperi che hanno modellato l’ambiente costruito europeo, dalla preistoria fino a oggi. Valorizza il patrimonio immateriale legato alle conoscenze e alle tecniche tradizionali, promuovendone la conservazione. Allo stesso tempo, guarda al presente: alle soluzioni innovative, alle nuove tecnologie sperimentate per rispondere alle istanze del contemporaneo, come quelle legate alla sostenibilità e all’accessibilità fisica, sensoriale e cognitiva. Il tema invita anche a riflettere su alcune “architetture” immateriali ma fondamentali: sistemi di gestione e convivenza, reti di relazioni, pratiche quotidiane, spirituali o professionali, che plasmano in modo invisibile ma concreto il tessuto civile e culturale. Le Giornate Europee del Patrimonio 2025 offrono così l’occasione per riscoprire l’architettura come espressione viva della storia, della cultura e delle aspirazioni delle comunità, italiane ed europee”. 

28 istituzioni aderenti, 41 luoghi coinvolti nei territori di 13 Comuni (Alto Reno Terme, Anzola dell’Emilia, Bologna, Comune di Castenaso, Dozza, Grizzana Morandi, Imola, Marzabotto, Ozzano dell’Emilia, Pianoro, Pieve di Cento, San Lazzaro di Savena, Valsamoggia), 82 attività proposte tra aperture straordinarie, visite guidate, itinerari all’aperto, incontri, degustazioni, laboratori per il pubblico più giovane e iniziative per famiglie, sono i numeri del programma 2025 a Bologna e nella sua area metropolitana.

Inoltre, sabato 27 settembre in alcune sedi previste aperture straordinarie in fascia serale con ingressi al costo simbolico di € 1, eccetto le gratuità previste per legge: Museo Civico Medievale (ore 19.00 – 22.00 solo mostra temporanea), Opificio Golinelli (ore 16.00 – 20.00), Torre dell’Orologio (18.40 – 22.00).

Da segnalare, la partecipazione per la prima volta di tre luoghi simbolo del patrimonio storico-architettonico bolognese: il trecentesco Palazzo Pepoli, dove ha sede il Museo della Storia di Bologna con il suo percorso espositivo dedicato alla storia, alla cultura e alle trasformazioni della città, dalla Felsina etrusca fino ai nostri giorni; il Padiglione de l’Esprit Nouveau, costruito nel 1977 a cura di Giuliano Gresleri e José Oubrerie nel quartiere fieristico, replica fedele dell’originale progettato da Le Corbusier per l’Esposizione Internazionale delle Arti Decorative di Parigi nel 1925 e unico esemplare esistente al mondo del prototipo abitativo ideato dal celebre architetto; la Torre dell’Orologio inglobata nella parte più antica di Palazzo d’Accursio, sede del Comune di Bologna, accessibile nella terrazza situata sopra il meccanismo di funzionamento dell’enorme orologio meccanico posto sulla facciata della Torre nel 1444, che permette di godere di una vista panoramica eccezionale e unica, a 360 gradi sul centro storico e sulle colline circostanti e con una visuale privilegiata su Piazza Maggiore, la Basilica di San Petronio e in particolare sulla altre Torri della città “turrita”.

Tutte le informazioni sono disponibili sul sito web www.cittametropolitana.bo.it/cultura/gep_2025.

La situazione attuale delle quattro flotillas

a cura di Paolo Pantani

Paolo Pantani, che collabora con Experiences da Napoli, in contatto con Michele Borgia, rappresentante e portavoce ufficiale della Flotilla per l’Italia ha chiesto notizie aggiornate sulla situazione attuale delle quattro Flotillas impegnate a rompere il blocco israeliano imposto alla striscia di Gaza. Michele Borgia gli ha comunicato il testo seguente.

Freedom Flotilla Coalition (FFC)

È una coalizione storica che da quasi vent’anni organizza missioni navali per portare aiuti umanitari a Gaza, ma specialmente per rompere il blocco israeliano. Nel maggio 2025 una delle loro navi, la Conscience, è stata colpita da droni a 14 miglia dalla costa di Malta, con danni e feriti a bordo.
Nel giugno 2025 la nave Madleen, della stessa coalizione, è stata intercettata e bloccata a circa 100 miglia nautiche da Gaza.
A luglio 2025 anche la nave Handala è stata intercettata e bloccata a circa 50 miglia nautiche da Gaza.Gli attivisti a bordo sono stati rapiti e deportati, la nave confiscata.
Il 24 settembre 2025 è prevista una nuova partenza di navi civili da Catania, in coordinamento con la Thousand Madleens to Gaza e la Global Sumud Flotilla e da Otranto con le barche di Freedom Flotilla Italia.
Infine il 1° ottobre è prevista un’ennesima partenza per Gaza da Otranto.

Global Sumud Flotilla

Partita il 13 settembre 2025 dal porto di Augusta (Italia) e da Tunisi, con partecipanti da oltre 40 paesi, tra cui veterani USA.
La flotilla ha subito attacchi con droni su alcune navi prima della partenza, ma ha potuto salpare con ingenti aiuti umanitari a bordo.
L’obiettivo è spezzare il blocco israeliano per portare cibo e medicine ai palestinesi. Il viaggio è nella sua fase finale (settembre 2025).

Thousand Madleens to Gaza

Iniziativa intitolata alla prima pescatrice di Gaza Madleen Kulab e alla nave Madleen del 2025.
Collabora con la Freedom Flotilla Coalition, unendosi come parte della stessa azione navale prevista a settembre.
Presenza attiva sui social network con aggiornamenti costanti.

F. lotta

È un gruppo che si unisce alla causa per rompere il blocco, navigando con la Freedom Flotilla Coalition e le altre.
Anche loro sono attivi sui social e impegnati a portare aiuti e solidarietà ai palestinesi, partecipando all’azione navale congiunta a fine settembre.

In sintesi, tutte e quattro le flotillas sono in coordinamento e stanno procedendo con missioni navali congiunte nel settembre 2025, mirate a sfidare il blocco israeliano su Gaza portando aiuti umanitari.
Negli ultimi mesi hanno subito attacchi e impedimenti militari, ma mantengono alta la mobilitazione e la visibilità internazionale con trasparenza e tecnologia di tracciamento live delle navi.
Il fine ultimo è quello di fare pressioni sui governi perché si interrompa ogni complicità con Israele, si interrompano le collaborazioni militari, gli accordi commerciali e le collaborazioni accademiche.

Website: https://globalsumudflotilla.org/

Il ritrovamento di un nucleo di quattro disegni inediti di Umberto Boccioni, provenienti dalla Collezione Baer, costituisce il punto di partenza per una doverosa ricostruzione delle vicende collezionistiche di una delle più significative raccolte – per qualità e consistenza – di opere del genio futurista, e per la restituzione di una storia familiare legata a doppio filo con la storia artistica e politica dell’Italia di primo Novecento.

I contatti tra Umberto Boccioni e la famiglia Baer, e quindi con i due cugini Vico e Samuele Baer, importanti imprenditori di successo nel commercio di ricami e confezioni d’abiti, nacquero, verosimilmente, all’interno del raffinato entourage culturale di Margherita Sarfatti. La moglie di Samuele, Betty, ritratta da Boccioni nel 1909 insieme alla piccola figlia Nora, sin dal suo arrivo a Milano, si mosse all’interno del mondo dell’associazionismo femminile, battendosi tanto per l’emancipazione della donna che per le politiche assistenziali, come dimostra la sua vicinanza ad una delle figure più importanti in questo ambito, come Alessandrina Ravizza. La comune frequentazione di questi ambienti è, con buona probabilità, l’occasione per Betty di approfondire il suo interesse per il mondo dell’arte, proprio nel momento in cui Margherita Sarfatti aveva da poco conosciuto Boccioni. L’ingresso nel circuito sociale e culturale di Betty e Samuele Baer apre a Boccioni nuovi rapporti come quelli con la famiglia Ruberl e, in particolar modo, con Leisel Hammerschlag Ruberl, figlia della celebre attivista Meta Quarck, e, soprattutto, con Vico Baer. Questi in breve tempo, divenne una delle figure più vicine all’artista, non solo in qualità di collezionista e mecenate, ma anche di “solo amico che mi rimane”, come gli scriveva l’artista stesso nel 1914.

Legati all’impresa familiare di produzione di “confezioni per signora”, M. Baer & Co, fondata nel 1884 a Milano dal padre di Vico, Maximilian, i Baer sostennero ampiamente l’attività artistica boccioniana: una “fotografia” della collezione è ricavabile dagli elenchi delle opere esposte in occasione della mostra postuma del 1933 allestita al Castello Sforzesco di Milano, nella quale figurano ben 38 pezzi prestati dai due cugini Vico e Betty Baer.

Solo cinque anni dopo la mostra boccioniana, i destini della famiglia Baer venivano sconvolti dalle improbe azioni del fascismo. La promulgazione delle leggi razziali porterà alla diaspora dei Baer: Ludovico con la sua famiglia, già rifugiatosi in Svizzera, riuscirà a raggiungere gli Stati Uniti nel dicembre del 1938, Nora – la bambina ritratta ad appena due anni da Boccioni – fuggirà in Inghilterra insieme al marito Cornelio Papp, e anche la sorella Gemma lascerà l’Italia nel 1939 per gli Stati Uniti.

Una parte della famiglia di Samuel e Betty Baer, però, era rimasta in Italia. Paradigmatico in questo senso il caso della figlia Marianna Baer, del marito Giuliano Treves e del fratello Mario Baer. Marianna e Giuliano, sfuggiti alla razzia del Carmine del novembre 1943 a Firenze, ripararono a Roma dove Giuliano proseguì la sua militanza nelle file partigiane risalendo la penisola, gradualmente liberata, e trovando la morte proprio a Firenze, durante le azioni per la liberazione della città. Marianna, poco dopo, avrebbe raggiunto l’Inghilterra. Mario, diversamente, rimase a Firenze, lavorando per salvare la vita agli ebrei in fuga dalle persecuzioni.

La collezione Baer, nell’immediato dopoguerra, andrà lentamente disperdendosi tra vendite e significative donazioni, come le opere di Boccioni che Vico destinò al MoMA di New York. Oltre che nei documenti ufficiali, rimane traccia di queste donazioni anche dai movimenti dei Baer tra il vecchio e il “nuovo mondo”: in uno dei tanti elenchi dei passeggeri in ingresso negli Stati Uniti, troviamo Vico e la moglie Lotta di rientro a New York il 27 agosto del 1951. Si erano imbarcati a Malpensa: nel giugno avevano concluso la donazione alla Pinacoteca di Brera di Milano del celeberrimo Autoritratto boccioniano del 1908.

Nell’occasione della riemersione del nucleo di disegni, sinora inediti, provenienti dalla collezione di Betty Stein Baer, la mostra Boccioni e i Baer, una memoria ritrovata, si propone di presentare al pubblico una selezione di opere del maestro futurista, transitate nella collezione Baer, come ad esempio alcuni lavori connessi allo sviluppo del suo La città sale, uno dei suoi massimi capolavori, o un inedito disegno di una testa futurista.
Tali opere saranno affiancate da altri lavori boccioniani, come il ritratto dello scultore Riccardo Ripamonti, che permettono di ricostruire la fisionomia di una stagione fondamentale non solo per l’arte di Umberto Boccioni, ma per l’intera storia del collezionismo d’avanguardia di inizio secolo.

La mostra sarà accompagnata dalla pubblicazione di un volume a cura di Niccolò D’Agati con un testo di Ester Coen. Arricchito da materiali e documenti d’epoca che raccontano la storia della Famiglia Baer, il volume presenterà per la prima volta una ricostruzione della collezione di Samuele e Betty Baer e di Vico Baer offrendo la possibilità di riscoprire opere ritenute disperse, come Il Ritratto di Vico Baer, e capolavori inediti come il Ritratto di Gemma Baer, sinora ignoto nella letteratura boccioniana.

È un evento culturale atteso e difficilmente ripetibile: il ritorno a Padova, sia pure per il breve spazio di una mostra, della “Bibbia Istoriata Padovana”, un manoscritto miniato di epoca trecentesca di grande importanza e originalità. Questo capolavoro della miniatura è opera di artisti operanti presso la Corte dei da Carrara, che furono i Signori della città sino al 1405, quando Padova entrò nella Serenissima Repubblica di Venezia.

Non è dato sapere se il progetto di raccontare l’intera vicenda biblica sia mai andato in porto. L’impresa certo si presentava come ciclopica e richiedeva somme ingentissime, oltre che tempi lunghi.

Caduta la Signoria, della Bibbia Istoriata si sono perse le tracce. Due porzioni staccate giunsero sul mercato probabilmente in epoca sette-ottocentesca. Ad assicurarsene una fu la potente famiglia rodigina dei Silvestri, grandi bibliofili oltre che collezionisti d’arte; la seconda fu acquisita dal Duca di Sussex. I Silvestri legarono la loro intera biblioteca, e quindi anche la loro parte della Bibbia, all’Accademia dei Concordi; la Bibbia Sussex giunse invece alla British Library. Di eventuali ulteriori parti del manoscritto miniato non c’è, ad oggi, traccia.

La riunione delle due parti conosciute della Bibbia Istoriata Padovana è stata suggerita e promossa dalla Fondazione Cariparo, che ha chiesto e ottenuto la determinante collaborazione delle due Istituzioni che la custodiscono.

Ad accogliere la Bibbia così riunita sarà, grazie alla collaborazione della Diocesi di Padova e del Vescovo monsignor Claudio Cipolla, una sede di grande prestigio – il magnifico Salone dei Vescovi – oggi compreso nel Museo Diocesano, una collocazione non casuale, dato che la Bibbia Istoriata mostra molte assonanze stilistiche con quel tesoro dell’Urbs Picta patavina, Patrimonio Unesco, che è il Battistero del Duomo affrescato da Giusto de’ Menabuoi.

A rendere unica la Bibbia Istoriata Padovana è il suo corredo di miniature in perfetto dialogo con lo svilupparsi del racconto biblico. Sono proprio queste affascinanti immagini a dare forza al testo che sembra quasi diventare didascalico rispetto ad esse. Non è infatti raro leggere il rinvio a “Como qui si è depento”, come si trattasse di un racconto più affidato alle scene miniate che alle parole, quasi ad anticipare un meraviglioso fumetto. Una Bibbia per immagini, dunque, nella tradizione delle Bibbie Illustrate francesi dell’epoca.

Il racconto biblico è scritto in volgare con inflessioni venete e padovane, un esempio raro, dato che le Bibbie di quell’epoca erano soprattutto in lingua latina.

La porzione del manoscritto miniato conservata a Rovigo contiene l’incipit del sacro testo, ovvero la Genesi, oltre alla storia di Ruth. Quella londinese riporta la parte centrale del Pentateuco (Esodo, Levitico, Numeri, Deuteronomio) e il libro di Giosuè.

Della Bibbia Sussex della British Library sono conservate 86 carte illustrate, impreziosite dal 529 immagini miniate. Una improvvida rifilatura dei fogli, avvenuta in un momento sconosciuto, si è portata via una parte della numerazione delle pagine e delle note. I fogli londinesi si presentano racchiusi da una legatura blu e oro ottocentesca, con stemma reale.

“Le illustrazioni della Bibbia Padovana dimostrano di guardare ai grandi cicli pittorici che Giotto, Altichiero, Giusto de’ Menabuoi avevano realizzato per i Carraresi e per le potenti comunità religiose della città, secondo uno stile particolarmente sobrio e realistico” sottolinea Alessia Vedova, curatrice della mostra.

Nel salone dei Vescovi le due parti della Bibbia si potranno ammirare affiancate, protette da una teca di massima sicurezza. A precederle, nel percorso espositivo, una sala immersiva dove i visitatori saranno condotti a rivivere l’ambiente storico ed artistico della Padova del Trecento, per capire il clima culturale nel quale maturò l’impresa della Bibbia e constatare come la presenza a Padova, in quegli anni, di Giotto e di altri grandi artisti abbia influenzato i miniatori impegnati nella grande impresa. Sono gli anni in cui la città accoglie anche il maggiore poeta del momento, Francesco Petrarca, ad indicare un ambiente culturale tra i più elevati del continente.

“La visita all’esposizione è un’occasione da non perdere”- sottolinea Federica Toniolo, professoressa all’Università di Padova di Storia dell’arte medievale “per apprezzare la qualità raggiunta dai miniatori e vedere riflessi nelle vignette, come in uno specchio, gli usi e i costumi, gli spazi architettonici e il territorio rurale della Padova tardo medievale”.

Nella elegante, ampia “Veranda” del Palazzo Vescovile, i visitatori avranno, una volta ammirato l’originale, l’opportunità di godere della visione di tutte le pagine della Bibbia, riprodotte in fac simile, potendo così seguire lo svolgimento delle “Storie” in essa illustrate.

Il visitare potrà poi inoltrarsi nel ricco Museo Diocesano, diretto da Andrea Nante, in cui sono conservate opere di rilevo dal Medioevo a Canova. E visitare, con un unico biglietto, il Battistero della Cattedrale, ammirando il celebre ciclo di affreschi di Giusto de’ Menabuoi, le cui scene dipinte, soprattutto nel tamburo della cupola, furono modelli iconografici per la Bibbia.

C’è un allarme che arriva dagli Stati Uniti, ma che riguarda ormai gran parte dell’Occidente: si legge sempre meno. Secondo una ricerca condotta dall’Università della Florida in collaborazione con l’University College di Londra, pubblicata sulla rivista scientifica iScience, tra il 2003 e il 2023 il tempo dedicato alla lettura di piacere è calato del 40%. Lo studio ha preso in esame i dati di oltre 236 mila americani con più di 15 anni, restituendo un quadro netto: la quota di lettori diminuisce in media del 3% ogni anno.

Il fenomeno, spiegano gli autori, non è del tutto nuovo. Le prime avvisaglie risalgono già agli anni Quaranta, ma l’ampiezza del recente calo ha sorpreso anche i ricercatori, soprattutto perché la definizione di “lettura” utilizzata nello studio era volutamente ampia: comprendeva libri, riviste, giornali, sia in versione cartacea che digitale, fino ad arrivare agli audiolibri.

Italia in coda

Il trend non risparmia l’Europa, e l’Italia occupa posizioni tutt’altro che lusinghiere. Secondo l’ultima rilevazione Eurostat (2024), il nostro Paese figura al terzultimo posto nella classifica dei lettori di libri, confermando una fragilità culturale che da anni affiora nei rapporti sulla pratica della lettura.

Un identikit del declino

Le cause sono molteplici. Da un lato la crescita delle distrazioni digitali, che erodono il tempo libero tradizionalmente dedicato alla lettura. Dall’altro l’aumento delle ore di lavoro, spesso imposto da motivi economici, che lascia meno spazio a un’attività percepita come “lenta”. Lo studio individua inoltre differenze sociali e geografiche: la riduzione più marcata si registra tra afroamericani, persone con redditi o livelli di istruzione più bassi e residenti nelle aree rurali.

Eppure, rinunciare alla lettura non è senza conseguenze. Leggere, ricordano i ricercatori citando The Economist, è uno dei motori più efficaci della mobilità sociale, oltre che un esercizio di democrazia: permette di ampliare il linguaggio, sviluppare capacità critiche, coltivare empatia e costruire relazioni più solide. Un calo di questa portata rischia quindi di intaccare l’apprendimento e, in prospettiva, il benessere generale della società.

Strategie per tornare a leggere

Non tutto è perduto. Tre studiose di scienze comportamentali, in un contributo pubblicato su The Conversation, suggeriscono alcune strategie concrete per rimettersi in pista. Prima regola: non forzarsi a finire un libro che non ci convince, per non associare alla lettura un senso di frustrazione. Seconda: aprirsi a generi diversi, superando i confini delle proprie abitudini. Terza: creare momenti di condivisione, leggendo lo stesso libro insieme a familiari o amici, per trasformare l’esperienza individuale in un’occasione sociale.

Esistono anche piccoli accorgimenti quotidiani: privilegiare testi brevi, lasciarli in bella vista per renderli immediatamente accessibili, tenerne uno a portata di mano prima di uscire di casa. Una sorta di “ecologia della lettura”, che non passa per grandi gesti ma per una serie di micro-pratiche capaci di ricucire il rapporto con i libri.

La biblioteca sotto la città

Un segnale incoraggiante arriva da Varsavia, dove è stata inaugurata Metroteka, una biblioteca sotterranea ricavata negli spazi della metropolitana. Un’idea che fonde funzionalità urbana e cultura: mentre ci si sposta per lavoro o studio, si può scegliere un libro da portare con sé. Un invito simbolico e pratico a rimettere la lettura al centro della vita quotidiana.

Una sfida aperta

Il futuro della lettura non è scritto. Ma lo scenario tracciato dagli studiosi ci ricorda che, senza un’inversione di tendenza, rischiamo di perdere non solo un piacere privato, ma anche un patrimonio collettivo. Perché leggere non è soltanto un passatempo: è un gesto di cittadinanza, di emancipazione e di libertà.

Le Scuderie del Quirinale ospiteranno “Tesori dei Faraoni”, una delle più imponenti esposizioni mai dedicate all’antico Egitto in Italia. Con 130 reperti straordinari, prestati dai più importanti musei egiziani e accompagnati da un intenso programma di eventi collaterali, la mostra segna un nuovo capitolo nella diplomazia culturale tra Italia ed Egitto.

Un’operazione di diplomazia culturale

L’iniziativa è frutto della collaborazione tra il Consiglio Supremo delle Antichità Egizie, l’Ambasciata Italiana al Cairo e istituzioni italiane come ALES e MondoMostre. Non si tratta solo di un evento espositivo, ma di un vero e proprio progetto politico-culturale che rinnova i secolari legami mediterranei tra Roma e il mondo faraonico. L’ultima volta che una selezione così importante lasciò l’Egitto per l’Italia risale al 2002-2003, quando Venezia ospitò a Palazzo Grassi l’esposizione “Faraoni”.

Sei sezioni per raccontare una civiltà

Il percorso romano è strutturato in sei sezioni tematiche che ripercorrono la storia della civiltà egizia dalle origini fino al Terzo Periodo Intermedio. I temi abbracciano regalità e divinità, vita quotidiana e pratiche funerarie, fino alle più recenti scoperte archeologiche. Statue monumentali, gioielli, sarcofagi finemente decorati e oggetti d’uso comune restituiscono al pubblico la complessità di una civiltà che, oltre quattromila anni dopo, continua ad affascinare e ispirare.

Capolavori inediti in Italia

Tra i pezzi di maggior rilievo spiccano la Triade di Micerino, capolavoro dell’Antico Regno che raffigura il faraone affiancato dalla dea Hathor, il sarcofago d’oro della regina Ahhotep con la celebre Collana delle Mosche d’Oro, onorificenza militare unica nel suo genere, e la maschera funeraria d’oro di Amenemope, esempio di raffinatezza artistica e simbolo di immortalità regale. Accanto a essi, il sarcofago della nobildonna Thuya e la copertura funeraria d’oro di Psusennes I completano un panorama che unisce splendore estetico e profondità spirituale.

Il fascino delle nuove scoperte

Particolare attenzione è riservata alla cosiddetta Città d’Oro, riportata alla luce nei pressi di Luxor nel 2021 e considerata dagli archeologi la più importante scoperta degli ultimi decenni. Fondata durante il regno di Amenhotep III e ancora in uso sotto Akhenaton, la città rivela aspetti finora ignoti della vita quotidiana di artigiani e funzionari al servizio della corte. Una testimonianza preziosa che sposta lo sguardo dai faraoni al popolo, restituendo una dimensione più intima e concreta dell’Egitto antico.

Un intreccio di culture

Il percorso romano sarà arricchito anche dal contributo del Museo Egizio di Torino, che presterà la Mensa Isiaca, tavola bronzea intarsiata con metalli preziosi, realizzata a Roma nel I secolo d.C. in imitazione di motivi egizi. Un prestito simbolico che ricorda l’intensità dei rapporti culturali tra Egitto e mondo romano, e l’interesse costante dell’Italia per la terra del Nilo.

Le voci degli organizzatori

Per il curatore Tarek El Awady, l’esposizione è “l’esperienza più impegnativa ed entusiasmante della carriera”, un’occasione per portare nel cuore di Roma “non solo oggetti splendenti d’oro e pietra, ma storie di scoperta, resilienza e ingegno umano”.
L’ambasciatore Michele Quaroni sottolinea come la mostra incarni “la potenza della diplomazia culturale, capace di superare i confini e costruire legami duraturi”.
Il direttore delle Scuderie, Matteo Lafranconi, parla invece di un’“opportunità irripetibile” per l’Italia di ospitare un progetto che incarna il valore universale delle civiltà mediterranee.

Un’eredità che guarda al futuro

La mostra sarà accompagnata da conferenze, laboratori didattici e visite guidate per coinvolgere pubblici di ogni età. Il catalogo ufficiale, curato dall’archeologo Zahi Hawass, offrirà un ulteriore strumento di approfondimento.
Ma l’esposizione non guarda soltanto al passato. Le parole di Mohamed Ismail Khaled, segretario generale del Consiglio Supremo delle Antichità, ricordano che “queste mostre temporanee sono ponti culturali fondamentali: fanno dialogare i popoli e rinnovano la percezione del patrimonio come bene condiviso”.

La guerra che devasta la Striscia di Gaza non risparmia i suoi tesori. Tra palazzi crollati e vite spezzate, archeologi e volontari palestinesi cercano di proteggere un patrimonio millenario minacciato dalla guerra. Hanno intrapreso una corsa disperata per mettere in salvo reperti di valore inestimabile, memoria di oltre cinquemila anni di storia.

Una corsa contro il tempo

Nei giorni più intensi dei bombardamenti su Gaza City, il principale archeologo della Striscia, Fadel al-Otol, riceve l’allarme che temeva da tempo: l’edificio che custodisce migliaia di reperti rischia di essere colpito. Con il supporto di organizzazioni internazionali, riesce a coordinare da lontano un’operazione straordinaria: sei camion carichi di mosaici, ceramiche, scheletri e oggetti antichi vengono trasferiti in extremis in un luogo più sicuro. Gran parte della collezione è salvata, ma ciò che rimane viene distrutto quando il palazzo di al-Kawthar, tredici piani, viene raso al suolo.

Gaza, crocevia di civiltà

La storia di Gaza affonda le radici in oltre cinque millenni di civiltà. Porto strategico sul Mediterraneo, la città ha visto passare Cananei, Egizi, Filistei, Greci, Romani, Bizantini, Ottomani. Alessandro Magno la assediò, Napoleone vi soggiornò. Siti archeologici come il monastero di Sant’Ilarione, la sinagoga del VI secolo, la chiesa bizantina di Jabalia o il porto di Anthedon raccontano di un passato che intreccia religioni e culture. Per i palestinesi, questo patrimonio è parte fondante dell’identità collettiva.

La distruzione del patrimonio

La guerra in corso ha accelerato la cancellazione materiale di questo passato. L’Unesco ha registrato danni a oltre cento siti. La Grande Moschea di Omari ha perso il suo minareto ottagonale; il palazzo mamelucco Qasr al-Basha è stato raso al suolo; il Souq al-Qissariya e il bagno turco Hammam al-Samra sono ridotti in macerie. Persino la chiesa di Jabalia, con i suoi mosaici protetti da una struttura di copertura, è stata danneggiata. Israele attribuisce la responsabilità ad Hamas, accusato di collocare infrastrutture militari in prossimità di siti storici.

Archeologi e comunità

La passione di Fadel al-Otol nasce da bambino, sulle coste di Gaza, dove i reperti affioravano con le mareggiate. Dopo studi in Francia, ha guidato scavi riconosciuti a livello internazionale, fino all’inserimento del monastero di Sant’Ilarione nella lista UNESCO. Accanto a lui opera un’intera comunità: il programma Intiqal, ideato da Jehad Abu Hassan con il sostegno del British Council e dell’Agenzia francese per lo sviluppo, ha formato giovani locali nella tutela e valorizzazione del patrimonio, creando anche opportunità di lavoro in un contesto segnato da disoccupazione endemica.

Collezioni in esilio

Paradossalmente, parte del passato di Gaza sopravvive oggi lontano dalla Striscia. A Parigi, l’Institut du Monde Arabe espone mosaici, statue e oggetti di culto provenienti da chiese bizantine, donati o salvati in circostanze fortuite. A Ginevra, il Museo d’Arte e Storia conserva circa 500 reperti che Fadel ora cataloga, consapevole che il loro esilio forzato li ha preservati dalla distruzione.

La memoria come resistenza

La guerra ha cancellato non solo vite e infrastrutture, ma anche musei e collezioni private. L’imprenditore Jawdat Khoudary, che per decenni aveva raccolto manufatti provenienti da scavi e ritrovamenti casuali, ha visto la sua casa-museo trasformata in macerie e cenere. “Posso ricostruire una fabbrica”, ha detto, “ma come si ricostruiscono monete, statue, anfore di Gaza?”.

Oltre la distruzione

La Convenzione dell’Aja del 1954 stabilisce che i monumenti culturali debbano essere protetti anche in guerra. Eppure, oggi, la cancellazione del patrimonio di Gaza è al centro di contenziosi giuridici internazionali, tra accuse di crimini di guerra e di genocidio. Per gli archeologi e i cittadini, resta l’urgenza di preservare ciò che rimane. Come sottolinea Jehad Abu Hassan, “ricostruire il patrimonio culturale significherà anche restituire al mondo l’immagine di una Gaza che non è solo guerra e disperazione, ma storia, identità, civiltà”.

Questa edizione si propone Completamente Rinnovata grazie a una nuova più esperta curatela e a un percorso espositivo ripensato nel concept in modo radicale.

A guidare questa nuova visione è lo Storico dell’Arte, Scrittore e Criminologo, Andrea Pellegrino, che firma una versione inedita, profonda e sorprendente della mostra.

Concepita come un vero e proprio rito di passaggio laico, STREGHERIE non è solo un’esposizione artistica, ma un’esperienza immersiva e trasformativa. Lontana dalle caricature da fiaba o dagli incubi dell’inquisizione, la figura della

strega proposta in questo progetto è un archetipo ricco di significati: una donna che sa, una portatrice di conoscenze dimenticate, una voce che resiste.

UNA NARRAZIONE SORPRENDENTE

Il percorso espositivo si sviluppa attraverso nove sezioni narrative, concepite come altrettanti portali iniziatici che guidano il visitatore in un viaggio tra mito, corpo, sapere, persecuzione e rinascita. Dalle origini oracolari e precristiane della strega fino alla sua attualizzazione come simbolo di resistenza politica e culturale, ogni sala accompagna il pubblico in un processo di trasformazione, attraverso opere d’arte, installazioni, documenti e oggetti rituali.

Si parte dalle radici profonde del mito, con un’immersione nei culti antichi, nei simbolismi del femminile primordiale e nelle narrazioni orali che hanno dato vita all’archetipo della strega. Il secondo passaggio affronta il corpo, inteso come sapere incarnato, territorio di desiderio e di ribellione: un corpo che non si lascia normare, ma che sa e resiste.

Successivamente, il visitatore entra nella dimensione dell’oblio, dove i saperi popolari – medicina naturale, erboristeria, pratiche magiche – vengono restituiti alla loro dignità culturale. Si approda poi alla sala del marchio, che esplora le dinamiche storiche e iconografiche che hanno costruito l’immagine demoniaca della strega, dalle miniature medievali alla propaganda inquisitoria.

Una sala è dedicata a Marietta Robusti, detta Tintoretta, protagonista di una leggenda che intreccia arte e magia. Si racconta che, tentata da una strega, rubò ostie consacrate da nascondere in giardino: subito gli animali si inginocchiarono come incantati. Avvertito, il padre Tintoretto affrontò la donna, che fuggì trasformandosi in gatto. Per proteggere la famiglia fece murare il passaggio con l’altorilievo di Ercole con la clava, ancora oggi visibile a Venezia.

La mostra attraversa anche l’Ottocento, quando la strega torna a manifestarsi come figura evocativa nell’immaginario romantico con nuove sembianze e diversa considerazione sociale, e giunge infine al presente, dove la magia si riscrive nel linguaggio dell’arte contemporanea. Qui, la strega non è più una creatura marginale ma un simbolo attivo di autonomia, rinascita e potere culturale.

RICONOSCERSI NEGLI OCCHI DELLA STREGA

Le esperienze immersive sono da sempre la cifra stilistica delle mostre Vertigo Syndrome e, prendendo ispirazione dal teatro, cercano di rendere il visitatore parte attiva dell’esperienza, coinvolgendo i suoi sensi e le sue emozioni.

Una sala chiave della mostra, realizzata in collaborazione con l’Archivio di Stato di Modena, è dedicata ad un Processo per Stregoneria avvenuto nel 1539.

I visitatori siederanno al banco degli imputati e saranno messi al centro del serrato fuoco di terribili accuse dell’inquisitore e delle risposte, sempre più sfinite, della donna processata disposta a confessare fatti osceni pur di mettere fine alla tortura.

La mostra si conclude con una seconda esperienza immersiva composta da specchi, luci e un podio centrale su cui è poggiato il Libro delle Ombre, strumento fondamentale di ogni vera strega. Armati di penna e calamaio, i visitatori vengono invitati a condividere per sempre i loro pensieri e i loro incantesimi personali con i visitatori che li seguiranno.

La sala è accompagnata da un impianto sonoro che rende l’esperienza commovente e di grande impatto emotivo.

UN ENIGMA IN OGNI FRAMMENTO

Questa nuova edizione della mostra apre varchi inediti nel mistero della stregoneria, grazie a opere mai esposte prima che offrono nuove chiavi di lettura e sorprendenti prospettive di studio.

Tra le presenze più suggestive: le visionarie stampe ottocentesche della collezione Invernizzi dedicate alle figure delle fortune-teller, rari mazzi di sibille e tarocchi provenienti dalla collezione privata del curatore e affascinanti oggetti originali carichi di simbolismo arcano, concessi dal Museo della Stregoneria di Torino.

Completano il percorso opere pittoriche e scultoree di rara potenza evocativa, in prestito da prestigiosi nomi del collezionismo e dell’antiquariato, come Aliprandi Antichità, Arte nel Tempo Pezzini e la collezione Romanazzi. 

Ogni oggetto custodisce un enigma, un frammento di sapere occulto. Vederli riuniti in un unico spazio è un’esperienza che accade poche volte in una vita.

LA STREGA ARTISTA DI ELISA SEITZINGER

Vertigo Syndrome ospita all’interno delle sue esposizioni una seconda mostra di un artista che con le sue opere inedite omaggia il tema della mostra principale.

Questa volta è stata scelta Elisa Seitzinger che ha ideato per STREGHERIE un progetto originale composto da due arazzi e cinque opere. Tra gli arazzi spicca Superego, considerato il suo manifesto artistico: un autoritratto simbolico della “strega-artista” che affronta, con forza e determinazione, i condizionamenti sociali che cercano di contenerla.

Il progetto nasce dal desiderio dell’artista di esplorare, attraverso linguaggi visivi potenti e simbolici, il legame tra mito, magia e identità femminile, offrendo ai visitatori un percorso immersivo e unico nel suo immaginario.

NON SOLO WITCH

STREGHERIE si rivolge a un pubblico ampio e trasversale: studiosi, artisti, docenti, studenti, appassionati di storia, antropologia, spiritualità o semplicemente curiosi di scoprire un lato nascosto del sapere femminile.

Il visitatore è invitato ad attraversare simbolicamente un rito iniziatico: abbandonare la vecchia visione della strega come incarnazione del male, per rinascere a una comprensione più autentica e articolata.

Come consuetudine di Vertigo Syndrome, la mostra sarà arricchita da eventi collaterali con autori selezionati con la collaborazione della celebre Libreria Esoterica di Milano. Incontri, laboratori e attività didattiche che approfondiscono il tema della mostra, con particolare attenzione al coinvolgimento delle scuole e delle università.

UNA MOSTRA STREGATA ANCHE PER I BAMBINI E LE SCUOLE

Vertigo Syndrome ha un occhio di riguardo per le famiglie che visiteranno la mostra, di modo che nessuno debba annoiarsi.

I visitatori più piccoli saranno coinvolti in giochi e avventure all’interno del percorso espositivo al termine dei quali riceveranno in omaggio un premio “stregato” e avranno a loro disposizione un piccolo antro della strega dove preparare amuleti e pozioni magiche con ragni, serpenti e altro materiale misterioso.

Per tutte le scuole di ogni ordine e grado sono pensate delle visite guidate alla mostra e dei laboratori didattici.

CHI È ANDREA PELLEGRINO

Andrea Pellegrino, curatore di questa nuova edizione, è una figura di riferimento nell’ambito degli studi simbolici e della comunicazione culturale. Laureato in Scienze dei Beni Culturali e specializzato in Criminologia Clinica e Psicologia Criminale, è docente, giornalista e vicedirettore della casa editrice Libraio Editore, legata alla storica Libreria Esoterica di Milano. Le sue ricerche, al confine tra arte, mistero e psiche, restituiscono alla mostra uno spessore unico, capace di coniugare rigore scientifico e suggestione narrativa.

L’ARTISTA ELISA SEITZINGER

Nata tra le montagne di Val d’Ossola, Elisa Seitzinger ha trasformato la sua passione per il disegno e la storia dell’arte in un’alchimia visiva unica. A Torino crea immagini che evocano mosaici bizantini, icone sacre e tarocchi: disegni a china carichi di simboli, colorati con perfezione moderna. Premi prestigiosi e mostre internazionali l’hanno elevata tra gli illustratori più influenti d’Italia. Collabora con musicisti, case editrici, brand e istituzioni culturali, spaziando dai bestseller italiani a etichette di vino d’arte. L’arte di Elisa è una porta aperta tra antico e contemporaneo, un viaggio in cui ciascuno può leggere la propria mitologia personale.

Bohémien impenitente e dandy ribelle, Ugo Valeri viene spesso accostato a Toulouse-Lautrec per la capacità di dare corpo e anima, con pochi tratti, all’umanità che incrociava nel suo irrequieto peregrinare, nelle serate di stordimento, nel suo mordere un’esistenza sempre sopra le righe. Disegnatore formidabile, era considerato uno dei migliori talenti di quegli anni, corteggiato dalle migliori riviste italiane che stavano proliferando tra Bologna e Milano, lavorò come illustratore accanto a Filippo Tommaso Marinetti, Umberto Notari e Neera, nelle redazioni di “Poesia”, “La Lettura”, “L’Illustrazione italiana”, “Il Secolo XX”, “Varietas”.

Nato a Piove di Sacco (Padova) nel 1873, frequentò le Accademie di Venezia e Bologna, e già nei primi anni del Novecento si affermò come artista di successo, partecipando a esposizioni di rilievo internazionale, tra cui la Biennale di Venezia e l’Esposizione Internazionale del Sempione. Con Gino Rossi, Felice Casorati, Umberto Moggioli, Ubaldo Oppi, Arturo Martini rappresentò quel nuovo fermento artistico che diede vita alla cosiddetta “secessione capesarina”, dando vita a esposizioni che lasciarono il segno nella storia dell’arte italiana. Morì giovanissimo a 37 anni cadendo da una finestra di Ca’ Pesaro nel 1911.

Come nella mostra a Ca’ Pesaro nel 1909, che lo consacrò al grande pubblico, riempì le tre salette a disposizione con schizzi, carboncini, acquarelli, gauches e olii, così allo spaziotrart si è voluto porgergli omaggio esponendo sessanta opere provenienti da alcune collezioni private. Un modo per raccontare la breve e intensa avventura artistica di una meteora della Belle Époque, un’artista cantore della strada, della giovinezza, dello sferragliare dei tram e dei primi bagliori della luce elettrica. I disegni esposti rivelano la sua mano rapida e incisiva, capace di restituire la frenesia della bohème veneziana, bolognese e milanese, e ne fanno uno degli interpreti più originali dell’arte italiana di inizio secolo. Con l’occasione saranno esposte anche tre opere inedite di recente entrate in una delle collezioni private.

La mostra sarà inoltre arricchita da tre visite guidate animate con l’attore Giacomo Segulia, e a cura dello stesso e di Sabrina Morena, che trasformeranno l’esperienza espositiva in una vera e propria pièce teatrale:
Martedì 16 settembre 2025, ore 18.00;
Sabato 20 settembre 2025, ore 11.00;
Domenica 21 settembre 2025, ore 11.00.

Ogni visita offrirà al pubblico l’occasione unica di “incontrare” Ugo Valeri, di scoprire la sua vita e la sua arte direttamente attraverso la sua voce e il suo sguardo.

Eventi a numero chiuso, con prenotazione obbligatoria, costo 8,00 euro.

Prenotazioni: edizioni.trart@gmail.com

Liz Diller non ama le certezze. La sua architettura, fin dagli esordi, si muove su un crinale di instabilità e di continua ricerca. “Restless”, inquieta, è il termine che più di ogni altro sembra descrivere la sua opera: non un’inquietudine sterile, ma un’energia capace di trasformare i luoghi in esperimenti vivi.
Fondatrice, insieme a Ricardo Scofidio e dal 2004 a Charles Renfro, dello studio Diller Scofidio + Renfro, Diller è oggi una delle figure più influenti nel panorama internazionale. Il suo percorso prende forma alla Cooper Union di New York negli anni Ottanta, in un momento difficile per la città, segnata dal degrado urbano ma anche attraversata da una stagione di radicale sperimentazione culturale. È in quel clima che matura la convinzione che l’architettura non debba limitarsi a erigere muri, ma interrogare la società, contaminarsi con le arti, diventare un reagente critico e poetico.

Negli anni Novanta lo studio si afferma con installazioni e progetti al confine tra performance, arte visiva e costruzione. È un linguaggio che culmina nel Blur Building (2002), icona dell’Expo svizzero di Yverdon-les-Bains: una nube artificiale sospesa sul lago di Neuchâtel, prodotta da migliaia di ugelli vaporizzatori. Un edificio senza forma definita, immateriale, dove i visitatori avanzavano in un paesaggio di nebbia e luce. Un manifesto, più che un padiglione, che ribaltava l’idea stessa di costruzione.

A New York, qualche anno dopo, Diller e Scofidio firmano uno dei progetti urbani più celebrati del nuovo millennio: la High Line (2009-2014). Recuperare un viadotto ferroviario dismesso e pericolante nel West Side per trasformarlo in parco sopraelevato, piazza lineare e passeggiata verde, fu una sfida che univa memoria industriale, paesaggio e funzione pubblica. Oggi la High Line è diventata una delle mete più amate della città, simbolo di come le rovine del moderno possano essere rigenerate come risorse vitali.

L’attenzione per gli spazi collettivi e per le comunità composite ha trovato una nuova espressione con The Shed (2008-2019), il grande centro culturale newyorkese a Hudson Yards. La sua struttura telescopica mobile consente di trasformare l’edificio in base alle esigenze: da spazio chiuso e raccolto a grande arena all’aperto. Un’opera che conferma la continuità tra le prime installazioni concettuali e i progetti urbani su larga scala, un salto non tanto di linguaggio quanto di dimensione.

Accanto alle opere, c’è l’elaborazione teorica. Diller e Scofidio hanno sempre rifiutato i confini disciplinari, alimentando un dibattito internazionale che li ha resi interlocutori privilegiati nei grandi appuntamenti culturali. Nel 2021, ad esempio, il MAXXI di Roma ha ospitato la mostra Restless, che raccoglieva progetti storici e contemporanei legati al tema dell’instabilità concettuale e materiale, cifra distintiva della loro ricerca.

Il riconoscimento più recente è arrivato alla Biennale di Architettura di Venezia del 2023, dove Liz Diller ha ricevuto il Leone d’Oro alla carriera: un premio che sancisce l’importanza di una voce visionaria, capace di aprire nuove prospettive su come pensare gli spazi dell’abitare e della convivenza.

Il 23 settembre, al Cersaie di Bologna, Diller terrà una lectio magistralis. Non sarà soltanto un’occasione per ripercorrere le tappe di una carriera straordinaria, ma soprattutto per ribadire un’idea fondamentale: che l’architettura deve farsi carico delle fratture del nostro tempo, trasformare i resti e le ferite urbane in opportunità di rinascita. Inquieta, sì, ma anche profondamente necessaria.

Le opere chiave di Diller Scofidio + Renfro

• Blur Building (2002) – Expo 2002, Yverdon-les-Bains, Svizzera. Una “nuvola” artificiale sospesa sul lago di Neuchâtel, realizzata con migliaia di vaporizzatori d’acqua. Manifesto dell’architettura immateriale.
• High Line (2009-2014) – New York. Recupero di una linea ferroviaria sopraelevata abbandonata nel West Side, trasformata in parco urbano lineare. È oggi uno dei simboli della città e modello di rigenerazione urbana nel mondo.
• The Shed (2008-2019) – Hudson Yards, New York. Centro culturale polivalente con guscio telescopico mobile che consente di adattare lo spazio a concerti, mostre, eventi all’aperto o al chiuso.
• Alice Tully Hall (2009) – Lincoln Center, New York. Restauro e ampliamento della storica sala da concerto, trasformata in spazio più aperto, flessibile e permeabile alla città.
• Broad Museum (2015) – Los Angeles. Museo d’arte contemporanea ideato come “veil-and-vault”: un guscio poroso che lascia filtrare la luce naturale e custodisce al suo interno gli spazi espositivi e la collezione permanente.
• Museum of Image and Sound (in costruzione) – Rio de Janeiro. Edificio affacciato su Copacabana, concepito come una grande scalinata pubblica che si apre verso l’oceano, integrando architettura e paesaggio urbano.