Marco Goldin inaugura una nuova stagione del racconto culturale con Monet. Una vita a colori, uno spettacolo che intreccia parole, musica e immagini per ripercorrere la vicenda umana e artistica del padre dell’Impressionismo. Accanto alla tournée prende forma anche un innovativo progetto di comunicazione, pensato per avvicinare un pubblico sempre più ampio all’opera del grande maestro francese.

Non sempre l’arte ha bisogno di essere spiegata. Talvolta basta lasciarsi attraversare da ciò che suscita. È da questa convinzione che nasce un progetto teatrale e culturale dedicato a Claude Monet, nel centenario della sua morte, capace di trasformare la conoscenza in esperienza e la divulgazione in partecipazione emotiva.

Il 2026 segna il centenario della scomparsa di Claude Monet, avvenuta il 5 dicembre 1926 nella sua casa di Giverny. A distanza di un secolo, il pittore che ha rivoluzionato la percezione della luce e del paesaggio continua a esercitare un’influenza profonda non soltanto sulla storia dell’arte, ma anche sull’immaginario contemporaneo. È in questo contesto che nasce Monet. Una vita a colori, il nuovo spettacolo teatrale scritto e diretto da Marco Goldin, destinato a debuttare il 17 ottobre al Teatro Sociale di Mantova, prima della prima nazionale prevista il 20 ottobre a Udine. Critico d’arte, curatore di grandi mostre e fondatore di Linea d’ombra nel 1996, Goldin ha dedicato oltre trent’anni di studi al maestro francese, organizzando esposizioni che hanno contribuito in modo significativo alla diffusione dell’Impressionismo in Italia. Con questo nuovo lavoro porta quella lunga esperienza fuori dai musei, scegliendo il teatro come luogo in cui immagini, musica e narrazione possano fondersi in un racconto unitario.

Lo spettacolo, della durata di circa novanta minuti, è costruito in sei momenti che seguono l’intero percorso creativo di Monet. Si parte dagli anni giovanili trascorsi tra la foresta di Fontainebleau e le coste della Normandia, dove il giovane artista sviluppò quella sensibilità per la luce naturale destinata a cambiare la pittura europea. Il racconto prosegue attraverso l’esperienza di Argenteuil e Vétheuil, luoghi simbolo della stagione impressionista, fino ai viaggi a Bordighera, nei Paesi Bassi e in Norvegia, ai soggiorni londinesi e veneziani e infine alla lunga stagione di Giverny, dove nacquero le celebri serie dedicate alle ninfee e al ponte giapponese.

Il percorso biografico coincide con l’evoluzione di un linguaggio pittorico che ha modificato il modo di osservare la realtà. Monet fu tra i protagonisti della prima mostra impressionista del 1874, organizzata nello studio del fotografo Nadar a Parigi. Proprio da uno dei dipinti esposti, Impression, soleil levant, il critico Louis Leroy coniò ironicamente il termine “impressionisti”, destinato a identificare uno dei movimenti più influenti della storia dell’arte. La ricerca di Monet si concentrò sull’osservazione delle variazioni atmosferiche e luminose, portandolo a dipingere più volte lo stesso soggetto in condizioni differenti, come dimostrano le celebri serie dedicate ai covoni di fieno, ai pioppi, alla Cattedrale di Rouen e alle ninfee.

Accanto alla parola, nello spettacolo assume un ruolo essenziale la musica. Sul palco Goldin è accompagnato dal pianista e compositore Remo Anzovino, autore delle musiche originali, e dalla violoncellista e cantante Daniela Savoldi. La componente sonora non accompagna semplicemente il racconto, ma contribuisce a costruire un dialogo continuo con le immagini, trasformando la narrazione in un’esperienza immersiva.

Anche l’allestimento scenico è concepito per amplificare questa dimensione. La scenografia, firmata dallo stesso Goldin, utilizza piattaforme rotanti per i musicisti, ledwall curvi bifacciali e un grande schermo sul quale scorrono video e animazioni realizzati da Luca Attilii, Federico Pelle e Geremia Vinattieri. L’obiettivo non è ricostruire semplicemente le opere del pittore, ma creare uno spazio visivo capace di accompagnare il pubblico dentro i luoghi e le atmosfere che hanno alimentato la sua ricerca artistica.

Accanto allo spettacolo prende forma anche un progetto di comunicazione che rappresenta una significativa novità nel panorama culturale italiano. Linea d’ombra ha infatti scelto di abbandonare il modello tradizionale della promozione teatrale, affidandosi a una strategia sviluppata insieme all’agenzia Tale di Mirano. Il principio da cui prende avvio è sintetizzato in una frase semplice quanto efficace: «Monet non si racconta soltanto. Si sente».

L’idea è quella di spostare il baricentro dalla spiegazione all’esperienza emotiva. Invece di limitarsi a fornire informazioni storiche o didascaliche, il progetto punta a dare voce alle sensazioni che molti spettatori provano davanti ai dipinti dell’artista. Nascono così trailer, video, podcast, newsletter e contenuti digitali che vedono Goldin protagonista di un racconto in prima persona, costruito non come una lezione d’arte, ma come una condivisione di passione e memoria.

Il piano editoriale, sviluppato da giugno a dicembre 2026, si articola in sette rubriche narrative. “Sentire” apre il dialogo con il pubblico sul rapporto emotivo con la pittura di Monet; “Avvicinarsi” racconta il percorso trentennale di Goldin dedicato all’artista; “Comporre” documenta la nascita dello spettacolo; “Rappresentare” dà spazio ai musicisti; “Approfondire” propone una serie di video-podcast dedicati ai luoghi fondamentali della vita di Monet, da Fontainebleau ad Argenteuil, dalla Normandia a Bordighera, da Londra a Giverny; “Taccuini” pubblica pagine autentiche dei quaderni di viaggio del critico; infine “Esserci” raccoglierà le testimonianze del pubblico durante la tournée.

Si tratta di un’impostazione che riflette una trasformazione più ampia della comunicazione culturale. Oggi il coinvolgimento del pubblico passa sempre più attraverso linguaggi narrativi capaci di integrare contenuti scientificamente rigorosi con strumenti digitali e forme di partecipazione emotiva. Musei, fondazioni e istituzioni culturali internazionali stanno progressivamente adottando strategie che privilegiano il racconto e l’esperienza condivisa rispetto alla sola divulgazione, nel tentativo di intercettare anche chi normalmente resta distante dai circuiti artistici tradizionali.

L’obiettivo dichiarato del progetto va infatti oltre il successo della tournée. Linea d’ombra intende ampliare stabilmente il pubblico interessato all’arte, sfruttando l’occasione del centenario di Monet per costruire un rapporto duraturo con nuovi spettatori. In questa prospettiva, lo spettacolo diventa il punto di partenza di un percorso culturale destinato a proseguire anche oltre il 2026, trasformando l’anniversario in un’occasione di educazione permanente allo sguardo e alla sensibilità estetica.

Dopo Mantova e Udine, Monet. Una vita a colori raggiungerà numerose città italiane, tra cui Milano, Verona, Genova, Torino, Bologna, Cascina, Firenze, Roma, Fermo, Parma, Bergamo, Pescara e Napoli. Una seconda parte della tournée è già prevista tra la fine di febbraio e l’inizio di maggio 2027, confermando la volontà di trasformare il progetto “Monet 100” in un appuntamento destinato ad accompagnare il pubblico ben oltre le celebrazioni del centenario.

Oltre cinquanta capolavori raccontano un secolo di arte, società e identità nazionale. A Roma una mostra rende finalmente accessibile uno dei più importanti patrimoni artistici custoditi da un’impresa privata, con un ospite d’eccezione: Le tre età di Gustav Klimt.

Esistono collezioni d’arte che, pur custodendo opere celebri, rimangono quasi invisibili al grande pubblico. La mostra allestita a Palazzo Bonaparte porta finalmente alla luce uno dei più significativi patrimoni corporate europei, trasformandolo in un racconto del Novecento italiano attraverso alcuni dei suoi protagonisti più rappresentativi.

Dal 14 luglio al 23 agosto 2026 Palazzo Bonaparte, nel cuore di Roma, ospita “Novecento italiano. Opere dalla collezione Generali”, un’esposizione che offre al pubblico un’occasione rara: ammirare oltre cinquanta opere provenienti dalla prestigiosa collezione del Gruppo Generali, normalmente conservata al di fuori dei tradizionali circuiti museali. L’iniziativa rappresenta uno degli appuntamenti culturali più significativi dell’estate romana e consente di osservare da vicino un patrimonio artistico che testimonia non soltanto la storia dell’arte italiana del XX secolo, ma anche il rapporto sempre più stretto tra impresa, cultura e responsabilità sociale.

Negli ultimi decenni le collezioni aziendali hanno assunto un ruolo crescente nella tutela e nella valorizzazione del patrimonio artistico. In Europa numerose grandi imprese hanno investito nella costruzione di raccolte permanenti, non soltanto come espressione di prestigio, ma anche come strumenti di conservazione, ricerca e divulgazione culturale. La collezione Generali si inserisce in questo panorama come una delle più autorevoli esperienze italiane, distinguendosi per la qualità scientifica delle acquisizioni e per la coerenza del progetto culturale sviluppato nel tempo.

La raccolta prende forma all’inizio degli anni Ottanta seguendo un’impostazione allora tutt’altro che scontata. L’obiettivo non era arredare sedi istituzionali con opere di pregio, bensì costruire un corpus capace di raccontare l’evoluzione della società italiana attraverso la produzione artistica del Novecento. È una prospettiva che considera l’arte come documento storico oltre che come espressione estetica, trasformando la collezione in uno strumento di lettura delle trasformazioni politiche, economiche e culturali che hanno segnato il secolo scorso.

L’esposizione nasce inoltre per celebrare il decimo anniversario di Generali Valore Cultura, il programma avviato da Generali Italia nel 2016 con l’obiettivo di rendere il patrimonio culturale accessibile a un pubblico sempre più ampio. In dieci anni il progetto ha coinvolto oltre sette milioni di persone attraverso iniziative diffuse sul territorio nazionale, promuovendo inclusione, partecipazione e condivisione come principi fondamentali dell’attività culturale. Non è casuale che la celebrazione si svolga proprio a Palazzo Bonaparte, edificio storico di proprietà del Gruppo Generali e sede del primo Spazio Valore Cultura, oggi simbolo dell’impegno dell’azienda nella promozione dell’arte. L’ingresso gratuito rafforza ulteriormente questa scelta di apertura verso tutti i visitatori.

Il percorso espositivo attraversa alcune delle stagioni più importanti dell’arte italiana del Novecento. Dalle sperimentazioni futuriste alle atmosfere sospese della Metafisica, dal Realismo Magico fino alla Scuola Romana e alle esperienze della figurazione del secondo dopoguerra, la mostra costruisce un itinerario nel quale le opere dialogano tra loro attraverso grandi temi comuni: il progresso, il rapporto con il paesaggio, la memoria, la costruzione dell’identità, il corpo umano, la quotidianità e le profonde trasformazioni della società contemporanea. Più che una successione cronologica, il visitatore incontra un racconto culturale nel quale l’arte diventa specchio dei cambiamenti collettivi.

Tra gli autori presenti figurano alcuni dei protagonisti assoluti del Novecento italiano. Umberto Boccioni rappresenta la tensione verso la modernità e il dinamismo del Futurismo; Giorgio de Chirico introduce gli enigmi della Metafisica che influenzeranno profondamente il Surrealismo europeo; Gino Severini testimonia il dialogo continuo tra Italia e Francia nelle avanguardie; Felice Casorati, Antonio Donghi e Ubaldo Oppi raccontano il recupero della classicità e della misura che caratterizza il cosiddetto Realismo Magico; Filippo de Pisis restituisce invece una pittura lirica e intimista, mentre artisti come Mario Sironi, Massimo Campigli, Alberto Savinio, Fausto Pirandello ed Emanuele Cavalli ampliano ulteriormente il panorama di una stagione artistica straordinariamente ricca e articolata.

Ad arricchire il percorso arriva un prestito eccezionale: Le tre età di Gustav Klimt, concesso dalla Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma. Il dipinto, realizzato tra il 1905 e il 1908 durante la piena maturità dell’artista viennese, è una delle opere simbolo della Secessione Viennese e riflette, attraverso le figure della bambina, della madre e dell’anziana, sul ciclo dell’esistenza umana. La sua presenza introduce un significativo dialogo tra la cultura figurativa italiana e il grande scenario europeo di inizio Novecento, ricordando come i movimenti artistici del continente siano stati caratterizzati da continui scambi di idee, linguaggi e sensibilità.

La mostra è curata da Costantino D’Orazio ed è prodotta e organizzata da Arthemisia, realtà che negli ultimi anni ha contribuito in modo decisivo alla diffusione delle grandi esposizioni temporanee in Italia. L’iniziativa gode del patrocinio del Ministero della Cultura, della Regione Lazio e di Roma Capitale, con il sostegno del Gruppo Generali attraverso il programma Valore Cultura. Main partner è la Fondazione Terzo Pilastro – Internazionale, insieme a Fondazione Cultura e Arte e Poema, mentre ARTE Generali partecipa come sponsor tecnico, confermando l’attenzione crescente verso la tutela e la valorizzazione del patrimonio artistico.

“Novecento italiano. Opere dalla collezione Generali” dimostra come una collezione d’impresa possa trasformarsi in un autentico bene collettivo quando viene condivisa con il pubblico. La mostra non propone soltanto una sequenza di capolavori, ma invita a riflettere sul modo in cui l’arte ha raccontato un secolo di trasformazioni sociali, economiche e culturali, restituendo un’immagine complessa dell’identità italiana. È un viaggio nella memoria del Paese che conferma come il patrimonio custodito fuori dai musei possa diventare, se valorizzato con competenza, uno straordinario strumento di conoscenza e partecipazione.

Oltre settanta capolavori dal Centre Pompidou raccontano il percorso umano e artistico del maestro russo. Un’esposizione che ripercorre la nascita dell’arte astratta e restituisce il ruolo di figure decisive come Gabriele Münter e Nina Kandinsky.

Per oltre un quarto di secolo Roma ha atteso il ritorno di Vassily Kandinsky. Dal 15 settembre 2026 al 14 febbraio 2027, Palazzo Bonaparte ospita una delle più importanti mostre dell’anno, offrendo un’occasione rara per seguire da vicino l’evoluzione di un artista che ha cambiato definitivamente il modo di concepire la pittura.

Per molti visitatori sarà un incontro, per altri un ritorno. In entrambi i casi, la mostra che Palazzo Bonaparte dedica a Vassily Kandinsky offre qualcosa di più di una semplice retrospettiva: ricostruisce il momento in cui la pittura smise di descrivere il mondo per provare a renderne visibili le emozioni. Dal 15 settembre 2026 al 14 febbraio 2027, oltre settanta opere provenienti in gran parte dal Centre Pompidou di Parigi ripercorrono la vicenda artistica e umana del maestro russo, protagonista di una delle svolte decisive dell’arte del Novecento.
L’esposizione, visitabile dal 15 settembre 2026 al 14 febbraio 2027, è prodotta e organizzata da Arthemisia in collaborazione con il Centre Pompidou di Parigi ed è curata da Angela Lampe, conservatrice delle collezioni moderne del Musée national d’art moderne, con la consulenza scientifica ed editoriale di Francesca Villanti. Oltre settanta opere provenienti dal museo parigino e da altre raccolte internazionali accompagnano il visitatore attraverso l’intera vicenda artistica e personale del pittore russo.

La collaborazione con il Centre Pompidou assume un significato particolare. L’istituzione francese custodisce infatti il più importante nucleo di opere di Kandinsky esistente al mondo, costituito anche grazie al lascito della moglie Nina Kandinsky. La temporanea chiusura del museo parigino per i lavori di ristrutturazione rende possibile un prestito eccezionale di capolavori che difficilmente lasciano abitualmente la Francia, trasformando Roma in uno dei principali poli internazionali dedicati alla riscoperta dell’artista.

Nato a Mosca nel 1866, Kandinsky non sembrava destinato a una carriera artistica. Dopo gli studi in Giurisprudenza ed Economia politica presso l’Università di Mosca intraprese una promettente attività accademica, ma attorno ai trent’anni decise di cambiare completamente vita. Si trasferì a Monaco di Baviera, allora uno dei centri più dinamici della cultura europea, scegliendo di dedicarsi interamente alla pittura. Una decisione radicale destinata a modificare il corso dell’arte contemporanea.

Due esperienze contribuirono in maniera decisiva alla sua maturazione. La prima fu l’incontro con i “Covoni” di Claude Monet, che gli rivelarono come il colore potesse prevalere sulla descrizione fedele della realtà. La seconda nacque dall’ascolto del “Lohengrin” di Richard Wagner al Teatro Bol’šoj di Mosca. In quell’occasione Kandinsky intuì che anche la pittura avrebbe potuto agire come la musica, senza necessariamente rappresentare oggetti riconoscibili, ma suscitando emozioni profonde attraverso forme, linee e colori.

Queste riflessioni trovarono una prima sistemazione teorica nel celebre saggio “Lo spirituale nell’arte”, pubblicato nel 1911, testo fondamentale dell’estetica moderna nel quale l’artista elaborò la propria teoria della corrispondenza tra colori, emozioni e dimensione interiore. La pittura, secondo Kandinsky, non doveva limitarsi a riprodurre il mondo visibile, ma diventare espressione diretta della vita spirituale.

Lo stesso anno nacque il gruppo Der Blaue Reiter, fondato insieme a Franz Marc e animato anche dalla presenza di Gabriele Münter, August Macke, Paul Klee e altri protagonisti dell’Espressionismo tedesco. Il movimento pose al centro della ricerca artistica la libertà espressiva, il valore simbolico del colore e la dimensione emotiva dell’opera, preparando il terreno alla definitiva affermazione dell’astrazione.

Il percorso espositivo dedica ampio spazio proprio a questa stagione decisiva, presentando opere che testimoniano il progressivo abbandono della figurazione. Tra i capolavori esposti figurano lavori come L’Arco nero del 1912 e Gelb-Rot-Blau del 1925, quest’ultima considerata una delle sintesi più alte della sua maturità artistica, nella quale equilibrio geometrico e armonia cromatica costruiscono una composizione dalla struttura quasi musicale.

La mostra segue poi tutte le principali tappe della vita dell’artista: gli anni monacensi, il ritorno nella Russia rivoluzionaria dopo lo scoppio della Prima guerra mondiale, l’attività culturale svolta nella nuova realtà sovietica e il successivo approdo al Bauhaus nel 1921. All’interno della celebre scuola tedesca Kandinsky approfondì ulteriormente le relazioni tra geometria, percezione visiva e struttura compositiva, influenzando profondamente il dialogo tra arte, architettura e design che avrebbe caratterizzato buona parte del Novecento.

La chiusura del Bauhaus imposta dal regime nazista nel 1933 lo costrinse a trasferirsi definitivamente a Parigi, dove visse fino alla morte nel 1944. Anche nell’ultima fase della sua produzione continuò a sperimentare nuove forme, dando vita a composizioni sempre più libere, ricche di riferimenti organici e biomorfici, anticipando sensibilità che sarebbero emerse pienamente soltanto nel secondo dopoguerra.

Uno degli aspetti più interessanti dell’esposizione romana è la scelta di valorizzare figure rimaste a lungo ai margini della narrazione ufficiale. Per la prima volta trovano spazio alcune opere di Gabriele Münter, artista di grande personalità e compagna di Kandinsky per oltre dieci anni. La loro relazione rappresentò uno dei momenti più fecondi della nascita dell’Espressionismo tedesco e dell’astrazione europea. Münter non fu soltanto una presenza affettiva, ma una protagonista autonoma della ricerca artistica, oggi pienamente riconosciuta dalla critica.

Accanto a lei emerge anche il ruolo di Nina Kandinsky, seconda moglie dell’artista e instancabile custode della sua memoria. Il suo impegno nella conservazione dell’opera del maestro e la donazione effettuata al Centre Pompidou hanno consentito la formazione della più importante raccolta kandinskiana oggi esistente, rendendo possibile anche iniziative espositive come quella romana.

L’allestimento non si limita ai dipinti. Documenti, fotografie, oggetti personali e materiali provenienti dalla Bibliothèque Kandinsky restituiscono il profilo dell’uomo oltre che dell’artista, mentre approfondimenti dedicati alle sue teorie sul rapporto tra musica, forma e colore aiutano il pubblico a comprendere la complessità del suo pensiero. Completa il percorso una sala immersiva progettata appositamente per accompagnare il visitatore all’interno dell’universo cromatico e geometrico dell’autore.

La mostra conferma inoltre il ruolo di Palazzo Bonaparte come uno dei principali spazi espositivi italiani dedicati alle grandi rassegne internazionali. Grazie alla collaborazione tra istituzioni museali, enti culturali e partner pubblici e privati, Roma si propone ancora una volta come luogo privilegiato di incontro tra il grande pubblico e i capolavori della storia dell’arte.

Più che una retrospettiva, l’esposizione rappresenta un viaggio dentro una delle trasformazioni culturali più profonde del secolo scorso. Attraverso il percorso di Kandinsky emerge infatti la nascita di una nuova idea di pittura, capace di emanciparsi dalla rappresentazione del reale per parlare direttamente alla sensibilità dello spettatore. Una rivoluzione che continua ancora oggi a influenzare artisti, designer, architetti e studiosi della cultura visiva, ricordando come il linguaggio delle forme e dei colori possa attraversare il tempo senza perdere la propria forza espressiva.

Al MAN di Nuoro una mostra racconta come il Novecento abbia immaginato il domani, dalle utopie tecnologiche della corsa allo spazio fino alle inquietudini dell’ipermodernità

Per gran parte del Novecento il futuro non era un’incognita, ma una destinazione. La mostra “FUTURAMA. Nostalgia di futuro”, ospitata dal MAN di Nuoro, ripercorre quella stagione di fiducia nel progresso, interrogandosi su ciò che oggi resta di quell’immaginario e sul bisogno di tornare a progettare il domani con consapevolezza.

Ci sono epoche in cui il futuro sembra arrivare con naturalezza, quasi fosse la conseguenza inevitabile del presente. Tra gli anni Cinquanta e Sessanta questa convinzione attraversò l’arte, il design, l’architettura, la moda e perfino i giocattoli, trasformando la tecnologia in un simbolo di emancipazione e benessere. È proprio da questa stagione di entusiasmo che prende avvio FUTURAMA. Nostalgia di futuro, la mostra che il MAN – Museo d’Arte della Provincia di Nuoro presenta dal 4 luglio al 15 novembre 2026, a cura di Chiara Gatti ed Elisabetta Masala in collaborazione con Storyville. L’esposizione conclude un percorso iniziato con SENSORAMA e proseguito con DIORAMA, dedicato alle modalità attraverso cui l’essere umano interpreta il rapporto con la realtà, l’ambiente e il tempo.

Il titolo richiama volutamente uno degli eventi più celebri della cultura americana del Novecento: Futurama, la spettacolare installazione realizzata dalla General Motors per la New York World’s Fair del 1939. Ideata dal designer industriale Norman Bel Geddes, offriva ai visitatori un volo immaginario sopra le metropoli del futuro, attraversate da autostrade sopraelevate, quartieri ordinati e città costruite attorno all’automobile. Oltre cinque milioni di persone visitarono quell’allestimento, che trasformò il progresso tecnologico in un’esperienza immersiva e contribuì a consolidare l’idea che il domani sarebbe stato inevitabilmente migliore del presente. La mostra nuorese utilizza quella visione come punto di partenza per interrogarsi su come il futuro sia stato immaginato, rappresentato e, infine, rimesso in discussione.

Il secondo dopoguerra alimentò infatti una fiducia senza precedenti nella scienza e nella tecnica. La ricostruzione economica, l’espansione industriale, l’energia nucleare, la diffusione dell’elettronica e i primi passi dell’informatica sembravano destinati ad aprire una nuova fase della storia umana. A rafforzare questa percezione contribuì la corsa allo spazio, divenuta il simbolo stesso della modernità.

In questo clima nacquero alcune delle esperienze artistiche più innovative del Novecento italiano. Lucio Fontana fu tra i primi a comprendere che la conquista del cosmo non avrebbe modificato soltanto la tecnologia, ma anche il modo di pensare l’arte. Già nel secondo Manifesto dello Spazialismo del 1948 il gruppo immaginava artisti capaci di osservare la Terra “dall’alto”, ispirandosi alle prime fotografie realizzate nel 1946 dai razzi V2 utilizzati dagli Stati Uniti per la ricerca scientifica. Quelle immagini, pubblicate nel 1947, cambiarono radicalmente la percezione dello spazio e alimentarono una nuova sensibilità estetica.

Da questa intuizione nacquero i celebri Concetti spaziali, le superfici perforate che aprivano letteralmente la pittura verso una dimensione infinita. Fontana immaginava un’arte fatta di luce, energia e ambiente, anticipando molti linguaggi dell’arte contemporanea. Attorno a lui si sviluppò un’intera stagione di sperimentazioni che coinvolse artisti come Giulio Turcato, Gino Marotta, Gianni Colombo, Agostino Bonalumi, Getulio Alviani, Paolo Scheggi e Piero Gilardi, molti dei quali presenti nell’esposizione del MAN.

La mostra racconta come quella fiducia nel progresso abbia investito ogni ambito della cultura materiale. I nuovi polimeri, il metacrilato e le materie plastiche entrarono nelle opere d’arte così come negli oggetti di design. Gli interni domestici si trasformarono in ambienti modulari, leggeri e flessibili, mentre la moda adottava geometrie essenziali e materiali sintetici, immaginando un’eleganza quasi astronautica. Non è un caso che il percorso espositivo comprenda anche una sezione dedicata al design degli anni Sessanta e una selezione di abiti curata da Michela Gattermayer, a testimonianza del dialogo continuo tra ricerca artistica, progetto industriale e cultura del consumo.

Parallelamente, la fantascienza usciva dai romanzi per diventare un fenomeno di massa. Le collane editoriali come Urania, rappresentate in mostra attraverso materiali provenienti dalla Fondazione Arnoldo e Alberto Mondadori, contribuirono a diffondere l’idea di un futuro abitato da robot, città automatizzate e viaggi interplanetari. Anche i primi robot giocattolo giapponesi degli anni Cinquanta traducevano in forma ludica questa fiducia nella macchina, anticipando l’immaginario dei grandi protagonisti dell’animazione nipponica degli anni successivi.

La corsa allo spazio costituì naturalmente uno dei motori principali di questa trasformazione culturale. Il lancio dello Sputnik nel 1957, il volo di Jurij Gagarin nel 1961 e l’intera competizione tra Stati Uniti e Unione Sovietica modificarono profondamente l’immaginario collettivo. Le fotografie della Terra osservata dall’orbita e i racconti dei primi astronauti offrirono agli artisti una prospettiva completamente nuova. Fontana tradusse quella percezione in ambienti di luce e installazioni al neon; Giulio Turcato sviluppò le celebri Superfici lunari; Enrico Baj reagì con ironia attraverso il Manifesto dell’arte interplanetaria, opponendo la fantasia dell’arte al tecnicismo della conquista spaziale. Anche Mario Schifano, Fabio Mauri, Sergio Lombardo e Franco Angeli elaborarono linguaggi differenti per riflettere sulle implicazioni politiche e simboliche della nuova era cosmica.

Accanto all’entusiasmo, tuttavia, cominciavano ad affiorare le prime inquietudini. Se inizialmente la tecnologia appariva come uno strumento di liberazione dal lavoro, dalla fatica e persino dai limiti biologici dell’uomo, con il passare dei decenni emersero anche i costi ambientali e sociali dello sviluppo industriale. La crescita urbana incontrollata, il consumo delle risorse, le nuove forme di alienazione e le disuguaglianze produssero una revisione critica delle grandi narrazioni del progresso. Artisti come Piero Gilardi intercettarono precocemente queste contraddizioni, aprendo la strada a una riflessione ecologica che oggi appare sorprendentemente attuale.

La mostra individua proprio in questo passaggio il momento in cui il futuro smette di essere una certezza condivisa per trasformarsi in un territorio ambiguo. Alla fiducia modernista subentrano le distopie, mentre il presente è segnato da crisi economiche, guerre, pandemie, cambiamenti climatici e trasformazioni tecnologiche sempre più rapide. È il contesto che i curatori definiscono “ipermodernità”: una condizione nella quale l’accelerazione continua produce contemporaneamente entusiasmo e spaesamento, innovazione e perdita di punti di riferimento.

Da qui nasce il concetto di “nostalgia di futuro”, che dà il titolo all’esposizione. Non si tratta della nostalgia del passato, ma del rimpianto per un’epoca nella quale esisteva ancora la convinzione che il domani potesse essere costruito collettivamente. Il futuro non era percepito come una minaccia, bensì come un progetto comune.

Attraverso oltre venti protagonisti dell’arte italiana del secondo Novecento – da Lucio Fontana a Mario Schifano, da Gino Marotta a Gianni Colombo, da Pino Pascali a Giulio Turcato, fino ai fratelli Castiglioni e a Grazia Varisco – FUTURAMA propone così una riflessione che supera la semplice ricostruzione storica. L’obiettivo non è celebrare un’età dell’oro della modernità, ma comprendere come l’immaginario del futuro abbia influenzato il modo di progettare, abitare e interpretare il mondo. In un presente dominato dall’incertezza, la mostra invita a recuperare quella capacità di immaginazione critica che, più della tecnologia stessa, rappresenta forse il lascito più prezioso del Novecento.

Una mostra diffusa trasforma la numismatica in un racconto accessibile e coinvolgente, seguendo oltre duemila anni di storia di Roma attraverso immagini, simboli e opere d’arte. Tre grandi istituzioni statali uniscono per la prima volta collezioni e competenze in un unico percorso espositivo.

Una moneta è molto più di uno strumento economico. Nelle sue dimensioni ridotte custodisce l’autorità di chi l’ha emessa, il linguaggio del potere, l’evoluzione dell’arte e la memoria di un’intera società. È da questa intuizione che nasce “Roma in moneta”, una mostra che invita a leggere la storia della capitale attraverso uno degli oggetti più diffusi e significativi della civiltà occidentale.

Dal 2 luglio al 27 settembre 2026 Roma propone un itinerario espositivo inedito che mette al centro la moneta come documento storico, artistico e politico. “Roma in moneta. Arte e potere nella storia della città eterna” non è infatti una tradizionale esposizione numismatica, ma un progetto culturale diffuso che coinvolge tre tra i più importanti istituti museali statali – il Museo Nazionale Romano, il Parco archeologico del Colosseo e il VIVE – Vittoriano e Palazzo Venezia – riuniti per la prima volta in un’unica iniziativa coordinata dal Ministero della Cultura.
L’idea di fondo è tanto semplice quanto ambiziosa: utilizzare la moneta come chiave di lettura per comprendere la lunga vicenda storica di Roma. Ogni esemplare, infatti, racchiude un universo di informazioni. Attraverso iscrizioni, ritratti, allegorie, simboli religiosi e immagini celebrative, racconta chi deteneva il potere, quali valori desiderava trasmettere e quale immagine intendeva proiettare della città e delle proprie istituzioni.

La mostra prende le mosse da una riflessione ormai consolidata negli studi sulla cultura materiale: gli oggetti non sono soltanto testimonianze del passato, ma strumenti capaci di restituire la complessità della società che li ha prodotti. Nel caso della moneta questa capacità è ancora più evidente. Nata come mezzo di scambio, essa è diventata nel tempo un efficace mezzo di comunicazione, un veicolo di propaganda, un’opera d’arte in miniatura e un simbolo identitario destinato a circolare ben oltre i confini politici.

Fin dalle prime emissioni della Repubblica romana, la monetazione ha accompagnato ogni trasformazione della città. I denari con il ritratto di Giulio Cesare inaugurarono una nuova stagione nella rappresentazione del potere personale, mentre gli imperatori utilizzarono sistematicamente le monete per diffondere la propria immagine in tutto l’Impero. Templi, archi trionfali, divinità protettrici e imprese militari raggiungevano milioni di persone attraverso piccoli dischi di metallo che diventavano così il più capillare mezzo di comunicazione dell’antichità.

Il percorso espositivo segue proprio questa lunga evoluzione. La prima sezione, ospitata al Museo Nazionale Romano nelle Terme di Diocleziano, affronta l’età antica, dalla costruzione dell’identità repubblicana fino all’autorappresentazione imperiale. Qui le monete dialogano con importanti testimonianze archeologiche, ricostruendo oltre un millennio di vicende politiche e artistiche.

La seconda tappa conduce invece al Tempio di Romolo, all’interno del Parco archeologico del Colosseo, dove il racconto si concentra sul Medioevo. È una fase spesso meno nota della storia monetaria romana, ma di straordinario interesse. Pur cambiando forme, valori e autorità emittenti, la terminologia derivata dalla monetazione imperiale continua infatti a sopravvivere per secoli, testimoniando la straordinaria continuità culturale della città. Non è un caso che la storica zecca romana sorgesse nelle vicinanze del tempio di Giunone Moneta sul Campidoglio: proprio dal nome della dea deriva il termine “moneta”, destinato a diffondersi in molte lingue europee.

L’ultima sezione, ospitata al Vittoriano, accompagna il visitatore dall’età moderna fino alla contemporaneità. Il Rinascimento, il Barocco, il Risorgimento, l’Italia unita e l’Europa dell’euro vengono raccontati attraverso emissioni monetarie affiancate a dipinti, sculture, codici miniati e opere contemporanee. A chiudere simbolicamente il percorso è Untitled di Maurizio Cattelan, scelta che sottolinea come il dialogo tra immagini, potere e identità continui ancora oggi attraverso linguaggi artistici differenti.

L’intero progetto si sviluppa attraverso venticinque capitoli tematici distribuiti nelle tre sedi. Ogni episodio prende avvio da una singola moneta, che diventa il punto di partenza per ricostruire un preciso momento della storia cittadina mediante opere d’arte, documenti, reperti archeologici e strumenti digitali. È un metodo narrativo che procede dal particolare al generale: dall’oggetto alla civiltà che lo ha prodotto.

Tra gli episodi affrontati figurano alcuni snodi fondamentali della storia romana, dall’elezione di Giulio Cesare a dittatore al ritorno di papa Martino V dopo la cattività avignonese, fino alla Breccia di Porta Pia. Le monete diventano così il filo conduttore di una narrazione che attraversa repubblica, impero, papato, Regno d’Italia e Repubblica italiana, mostrando come ogni sistema politico abbia affidato anche alla monetazione la costruzione della propria immagine pubblica.

Accanto ai materiali numismatici, l’esposizione presenta oltre centosessanta opere provenienti da alcuni dei principali musei e istituti italiani. Le monete antiche arrivano soprattutto dal Medagliere del Museo Nazionale Romano, una delle raccolte numismatiche più importanti al mondo, recentemente riaperta al pubblico dopo un importante progetto di digitalizzazione finanziato attraverso il PNRR. Le emissioni contemporanee provengono invece dal Museo della Zecca, mentre dipinti, sculture, miniature e reperti sono stati concessi da musei statali, Musei Vaticani, Soprintendenza Capitolina, fondazioni, archivi e collezioni private.

Tra i prestiti più significativi figurano il Piatto onorario di Ardabur Aspar, il Ritratto di Giulio Cesare, il monumentale Bonifacio VIII scolpito da Manno di Bandino, il prezioso Messale della Rovere, il ritratto di papa Alessandro VII realizzato da Gian Lorenzo Bernini e numerosi altri capolavori che ampliano il racconto ben oltre la semplice storia della monetazione.

L’importanza dell’iniziativa risiede anche nel suo modello organizzativo. Per la prima volta tre grandi musei statali costruiscono un’unica esposizione condividendo collezioni, competenze scientifiche e strumenti di ricerca. A sostenere il progetto contribuiscono inoltre università, studiosi di numismatica, storici dell’arte, archeologi e l’Istituto Italiano di Numismatica, confermando il carattere fortemente interdisciplinare dell’iniziativa.

Particolarmente innovativa è anche la formula del biglietto integrato, valido per tutta la durata della manifestazione e pensato per incentivare una fruizione unitaria delle tre sedi. Più che una semplice agevolazione economica, rappresenta una diversa idea di museo: un sistema culturale nel quale istituzioni differenti collaborano per offrire al pubblico un racconto coerente e continuo.

Osservata attraverso la lente della numismatica, Roma appare come una città che ha continuamente ridefinito la propria identità senza interrompere il dialogo con il proprio passato. Le monete conservano la memoria di questo processo con una straordinaria capacità di sintesi: in pochi centimetri di metallo si intrecciano economia, politica, religione, arte e comunicazione visiva. “Roma in moneta” restituisce proprio questa complessità, dimostrando come un oggetto apparentemente quotidiano possa trasformarsi in una vera macchina del tempo capace di raccontare oltre ventitré secoli di storia della Città Eterna.