Categoria: Experiences

Da Paolo Scheggi a Vincenzo Agnetti, dalle sperimentazioni digitali di Giovanni Ferrario alle pratiche partecipative del Premio Gallarate, fino al dialogo tra Brunetta e Missoni: il museo di Gallarate propone un itinerario che racconta oltre mezzo secolo di ricerca artistica e si completa con una rassegna dedicata ai grandi maestri del cinema.

L’estate del Museo MAGA si trasforma in un percorso attraverso alcuni dei temi centrali dell’arte contemporanea: la relazione tra opera e spazio, il valore della memoria, il rapporto con la tecnologia, la partecipazione del pubblico e l’incontro tra arti visive e moda. Un programma che rimane aperto fino all’11 ottobre 2026 e che invita a leggere il presente attraverso linguaggi differenti.*

Il Museo MA*GA di Gallarate affronta la stagione estiva con un progetto espositivo unitario, costruito attorno a cinque mostre che, pur diverse per epoca, linguaggi e protagonisti, condividono una medesima tensione: interrogare il modo in cui l’arte continua a ridefinire il rapporto tra esperienza, conoscenza e società. Dalla ricerca ambientale degli anni Sessanta fino alle più recenti sperimentazioni legate all’intelligenza artificiale, il percorso proposto dal museo lombardo mette in dialogo alcuni protagonisti del secondo Novecento con le pratiche artistiche contemporanee, estendendo lo sguardo anche alla moda e al cinema.

Il nucleo centrale della programmazione è rappresentato dalla grande mostra dedicata a Paolo Scheggi (1940-1971), figura tra le più originali della ricerca artistica italiana del dopoguerra. L’esposizione Qui e altrove. Gli ambienti di Paolo Scheggi 1964-1971, curata da Ilaria Bignotti ed Emma Zanella, concentra l’attenzione sulla fase in cui l’artista supera definitivamente la dimensione della superficie pittorica per trasformare lo spazio in esperienza fisica. Attraverso circa sessanta opere tra fotografie, documenti e maquette vengono ricostruiti alcuni ambienti storici oggi perduti, come Tomba della geometria e Piramide. Della Metafisica, consentendo di comprendere come Scheggi abbia interpretato l’arte come luogo da attraversare e non soltanto da osservare. La sua ricerca, sviluppata nel clima dello Spazialismo milanese e alimentata dalle celebri Intersuperfici, anticipa molte riflessioni che diventeranno centrali nell’arte ambientale e installativa degli anni successivi.

Accanto a Scheggi trova spazio un’altra figura decisiva dell’arte concettuale italiana, Vincenzo Agnetti (1926-1981), cui è dedicata la mostra Le strade terminano prima di cominciare. Curata da Alessandro Castiglioni, la rassegna indaga il ruolo della fotografia all’interno della sua ricerca, non come semplice documento ma come dispositivo capace di trasformare l’immagine in memoria, traccia e riflessione filosofica. Il percorso riunisce una trentina di opere nelle quali parola, fotografia e tecnologia dialogano costantemente: dall’installazione Il Trono, realizzata insieme allo stesso Scheggi, fino al celebre Libro dimenticato a memoria, passando per la Macchina Drogata, sorprendente calcolatrice linguistica che sostituisce i numeri con lettere per generare combinazioni casuali di parole. L’esposizione ricorda come Agnetti sia stato uno degli interpreti più raffinati dell’arte concettuale internazionale, protagonista di Documenta 5 a Kassel e presente nelle principali collezioni museali europee.

Il dialogo con il presente prosegue attraverso Giovanni Ferrario, artista e teorico che affronta il tema dell’immagine nell’epoca dell’intelligenza artificiale. Stato di quiete presenta il progetto Atlante del verosimile (2025), composto da diciassette nature morte generate mediante sistemi di IA. L’apparente immobilità delle composizioni nasconde in realtà la continua instabilità dei processi algoritmici che le producono. Le immagini non rappresentano oggetti realmente esistiti, ma simulazioni plausibili costruite da reti neurali e modelli probabilistici, aprendo una riflessione sul concetto stesso di creatività e sul ruolo dell’autore nell’era digitale. In un momento storico in cui l’intelligenza artificiale sta ridefinendo profondamente il rapporto tra produzione artistica e strumenti tecnologici, il progetto di Ferrario si colloca nel dibattito internazionale sulle pratiche post-fotografiche e sulla nuova estetica delle immagini sintetiche.

Un diverso modo di intendere l’opera emerge invece in Arte Viva. Processi performativi e partecipativi come pratica, esposizione collegata alla ventottesima edizione del Premio Gallarate e curata da Lorenzo Balbi, Eva Fabbris e Caterina Riva. I cinque artisti coinvolti – Allison Grimaldi Donahue, Francesco Fonassi, Francesca Grilli, Beatrice Marchi e Martina Rota – condividono una concezione dell’arte come esperienza collettiva piuttosto che come oggetto concluso. Installazioni sonore, interventi performativi, pratiche partecipative e dispositivi relazionali invitano il pubblico a diventare parte attiva dell’opera, affrontando temi che spaziano dalla memoria delle migrazioni ai traumi ambientali, fino ai processi di cura e di ricostruzione emotiva. Il progetto testimonia una delle tendenze più significative della ricerca contemporanea, orientata a valorizzare l’interazione sociale e il coinvolgimento diretto dello spettatore.

La stagione espositiva si completa con Il vizio del vestire. Le illustrazioni di Brunetta per Missoni, curata dall’Archivio Missoni. La mostra rende omaggio a Bruna Moretti Mateldi, conosciuta come Brunetta, illustratrice che ha contribuito in maniera determinante all’immaginario della moda italiana del Novecento. Attraverso bozzetti, tavole originali e materiali editoriali viene ricostruito il lungo sodalizio con Ottavio e Rosita Missoni, iniziato alla fine degli anni Cinquanta e culminato nel volume Il Vizio del Vestire del 1981. Il tratto essenziale e ironico di Brunetta seppe raccontare non soltanto gli abiti, ma anche l’evoluzione del costume femminile e della società italiana, traducendo in segni grafici la rivoluzione cromatica e materica introdotta dalla maison Missoni, protagonista del design tessile internazionale.

Ad accompagnare il programma espositivo torna anche Le Stanze del Cinema, rassegna curata da Alessandro Castiglioni che conclude il proprio percorso con due classici della cinematografia italiana del Novecento: Blow-Up (1966) di Michelangelo Antonioni, in programma il 25 luglio, e La terrazza (1980) di Ettore Scola il 1° agosto. Due opere profondamente diverse ma accomunate dalla capacità di raccontare le trasformazioni culturali dell’Italia contemporanea: il primo, liberamente ispirato a un racconto di Julio Cortázar, è diventato uno dei film simbolo della modernità cinematografica europea; il secondo offre invece uno sguardo corale e disincantato sulla crisi della borghesia intellettuale italiana. Le proiezioni si svolgono nell’arena esterna dell’HIC MA*GA MAJNO, con ingresso libero, confermando la volontà del museo di estendere la propria proposta culturale oltre le arti visive.

Accanto alle mostre, il museo rinnova anche la collaborazione con Ricola, che nei primi venerdì di agosto, settembre e ottobre offre l’ingresso gratuito ai primi cinquanta visitatori a partire dalle ore 15, accompagnando l’iniziativa con degustazioni delle proprie tisane presso l’ArtCafé. Un’attenzione alla fruizione pubblica che si inserisce nella più ampia missione del MA*GA: essere non soltanto uno spazio espositivo, ma un luogo di incontro, ricerca e partecipazione culturale, capace di mettere in relazione patrimonio storico, sperimentazione artistica e comunità.

Mostre di respiro internazionale, festival dedicati alla fotografia, appuntamenti con l’antiquariato e nuove aperture museali delineano un settembre che attraversa il Novecento e arriva al contemporaneo. Da Parma a Venezia, da Ferrara a Firenze, il calendario culturale italiano inaugura l’autunno con una straordinaria concentrazione di eventi.

Settembre segna tradizionalmente il ritorno della grande stagione espositiva, ma quest’anno il calendario italiano assume un respiro particolarmente ampio, trasformando il Paese in una rete di città accomunate dalla volontà di raccontare l’arte attraverso prospettive diverse. Pittura, fotografia, arti decorative, contemporaneo e antiquariato dialogano lungo un itinerario che unisce istituzioni storiche e festival internazionali, offrendo al pubblico un panorama capace di attraversare oltre un secolo di cultura visiva. L’avvio è affidato a due appuntamenti dedicati ai protagonisti della modernità artistica. Il 12 settembre la Fondazione Magnani Rocca di Mamiano di Traversetolo, presso Parma, inaugura Man Ray: tutto, annunciata come la più ampia retrospettiva mai realizzata in Italia sull’artista statunitense. Nato Emmanuel Radnitzky nel 1890, Man Ray fu tra le figure più influenti delle avanguardie del Novecento. Vicino al Dadaismo prima e al Surrealismo poi, trasformò fotografia, cinema sperimentale, pittura e oggetti d’arte in strumenti di continua ricerca. Celebri invenzioni come le rayografie, ottenute senza macchina fotografica direttamente sulla carta fotosensibile, rappresentano ancora oggi uno dei contributi più originali alla storia della fotografia contemporanea.

Pochi giorni più tardi, il 19 settembre, Palazzo dei Diamanti a Ferrara apre Da Monet a Van Gogh a Kandinsky, un percorso che attraversa alcune delle tappe decisive dell’arte moderna. Impressionismo, Postimpressionismo e Astrattismo non vengono semplicemente accostati come movimenti successivi, ma raccontati come fasi di una profonda trasformazione dello sguardo europeo. Claude Monet rivoluzionò il rapporto con la luce e il paesaggio; Vincent van Gogh portò la pittura verso una potente dimensione emotiva; Vasilij Kandinskij inaugurò una nuova concezione dell’immagine, emancipandola definitivamente dalla rappresentazione del reale. Il progetto espositivo si inserisce nella lunga tradizione di Palazzo dei Diamanti, sede tra le più prestigiose della programmazione artistica italiana.

La seconda parte del mese conduce a Venezia, dove patrimonio storico e ricerca contemporanea convivono in modo naturale. Il 24 settembre Ca’ Rezzonico presenta al pubblico la Donazione Rubelli, destinata ad arricchire le collezioni dedicate alle arti decorative e alla storia del tessuto veneziano. La famiglia Rubelli rappresenta infatti una delle eccellenze italiane nella produzione di tessuti d’arte, interprete di una tradizione manifatturiera che, dal XIX secolo, continua a dialogare con il restauro e l’architettura d’interni.

Il giorno successivo Ca’ Pesaro inaugura la mostra personale dedicata a Nicolas Lamas, artista peruviano la cui ricerca si concentra sulle relazioni tra natura, archeologia, tecnologia e memoria materiale. Parallelamente, il Muvec – Casa della Contemporaneità di Mestre propone un approfondimento sulla Secessione viennese attraverso Gustav Klimt, Egon Schiele e Oskar Kokoschka. Tre personalità differenti, accomunate dall’aver ridefinito il linguaggio figurativo della Vienna tra Otto e Novecento, trasformando il ritratto, il paesaggio e la rappresentazione del corpo umano in strumenti di indagine psicologica e simbolica.

Accanto alle arti visive, settembre conferma il ruolo centrale della fotografia. A Savignano sul Rubicone torna infatti SI FEST, giunto alla trentacinquesima edizione e articolato nei fine settimana dell’11-13, 19-20 e 26-27 settembre. Nato nel 1992, il festival è oggi uno dei principali punti di riferimento italiani per la fotografia d’autore, capace di mettere in dialogo autori storici, giovani fotografi, editori e studiosi in un confronto costante sulle evoluzioni del linguaggio fotografico.

Il 24 settembre Palazzo dei Musei di Modena dedica invece una grande mostra a Robert Doisneau, curata da Gabriel Bauret. Circa 130 fotografie in bianco e nero, provenienti dall’Atelier Robert Doisneau di Montrouge, restituiscono il percorso di uno dei maggiori interpreti della fotografia umanista francese. Le sue immagini hanno raccontato la quotidianità della Parigi del dopoguerra con uno sguardo insieme poetico e documentario, capace di trasformare gesti ordinari, bambini, lavoratori, innamorati e strade cittadine in icone della memoria collettiva. Il celebre Le Baiser de l’Hôtel de Ville, pur rimanendo la fotografia più nota, rappresenta soltanto una parte di una produzione molto più ampia, dedicata alla dignità della vita quotidiana.

Due giorni dopo, il 26 settembre, prende il via il Festival della Fotografia Etica di Lodi, manifestazione ormai riconosciuta a livello internazionale per l’attenzione al fotogiornalismo e ai grandi temi sociali contemporanei. Guerre, migrazioni, cambiamenti climatici, diritti civili e trasformazioni ambientali trovano spazio attraverso il linguaggio delle immagini, confermando come la fotografia possa ancora svolgere un ruolo fondamentale nella costruzione della coscienza civile.

La stessa data segna anche l’apertura della trentaquattresima Biennale Internazionale dell’Antiquariato di Firenze, ospitata nello storico Palazzo Corsini. Considerata la più antica mostra-mercato dedicata all’arte italiana, la manifestazione rappresenta uno degli appuntamenti più autorevoli per collezionisti, studiosi e galleristi provenienti da tutto il mondo. Accanto all’aspetto commerciale, la Biennale costituisce un importante osservatorio sul collezionismo internazionale e sulla valorizzazione del patrimonio storico-artistico.

L’ultimo fine settimana del mese propone infine un diverso rapporto con il paesaggio attraverso Verde Grazzano, il festival botanico ospitato nel Parco e Castello di Grazzano Visconti, in provincia di Piacenza. Qui la cultura incontra il giardinaggio, la biodiversità e il patrimonio storico, confermando come il tema della sostenibilità possa essere affrontato anche attraverso la valorizzazione del paesaggio storico e delle tradizioni botaniche italiane.

Il calendario di settembre restituisce così l’immagine di un sistema culturale diffuso, nel quale musei, fondazioni, festival e istituzioni costruiscono un racconto corale della creatività europea. Dalle avanguardie storiche alla fotografia umanista, dalle arti decorative al contemporaneo, fino all’antiquariato e alla cultura del paesaggio, ogni appuntamento contribuisce a delineare una stagione che invita non soltanto a visitare mostre, ma a leggere l’arte come uno strumento privilegiato per comprendere la complessità del presente.

Otto concerti, otto geografie sonore e un unico viaggio tra tradizioni popolari, sperimentazione e dialogo interculturale. Dal Burkina Faso alla Corea, il Museo della Musica rinnova uno degli appuntamenti più originali dell’estate italiana.

Non tutte le mappe si leggono con gli occhi. Alcune si percorrono ascoltando. È questa l’idea che anima la quindicesima edizione di (s)Nodi festival di musiche inconsuete, rassegna che trasforma Bologna in un crocevia di culture sonore, dimostrando come la musica continui a essere uno dei linguaggi più efficaci per raccontare il mondo contemporaneo.

Esistono festival che programmano concerti e festival che costruiscono itinerari culturali. (s)Nodi appartiene senza dubbio a questo tipo di manifestazioni. Dal 21 luglio all’8 settembre 2026, ogni martedì alle ore 21, il Museo internazionale e biblioteca della musica di Bologna ospita la quindicesima edizione della manifestazione, ormai divenuta un punto di riferimento per chi desidera esplorare repertori poco frequentati, strumenti tradizionali, pratiche musicali ancestrali e nuove forme di contaminazione artistica. La rassegna nasce all’interno del Museo della Musica, uno dei poli culturali più significativi della città, ospitato nello storico Palazzo Sanguinetti. La scelta della sede non è casuale: il museo conserva importanti collezioni dedicate alla storia della musica europea e dialoga costantemente con la ricerca contemporanea, offrendo un contesto ideale per una manifestazione che mette in relazione memoria e innovazione. Bologna, riconosciuta dall’UNESCO come Città Creativa della Musica dal 2006, conferma così una vocazione internazionale che affonda le proprie radici in una lunga tradizione musicale, dall’antica scuola bolognese fino alle più recenti sperimentazioni.

Il filo conduttore dell’edizione 2026 è la contaminazione. Non come semplice fusione di generi, ma come incontro autentico fra culture, tecniche esecutive e visioni del mondo. Gli otto progetti invitati condividono infatti la capacità di superare le tradizionali classificazioni musicali, costruendo linguaggi originali nei quali convivono patrimonio popolare, improvvisazione, elettronica, jazz, ricerca sonora e pratiche performative. È proprio questa apertura che ha reso (s)Nodi una delle rassegne italiane più apprezzate dagli artisti della world music contemporanea.

Il viaggio prende avvio il 21 luglio con Kaito Winse, musicista originario del Burkina Faso e fra i più autorevoli interpreti della tradizione dei jeli, i griot dell’Africa occidentale, figure che da secoli custodiscono la memoria collettiva attraverso il canto e il racconto orale. La sua musica nasce dall’intreccio fra voce, strumenti tradizionali come il tama, l’arco a bocca, il flauto peul e la calebasse, trasformando proverbi, storie e rituali del villaggio natale in una narrazione musicale di straordinaria intensità.

Il 28 luglio sarà invece protagonista Ëda Diaz, cantante e bassista franco-colombiana che ha costruito una cifra stilistica personale mescolando il patrimonio musicale dell’America Latina – dal vallenato al bolero, passando per currulao, bullerengue e danzón – con produzioni elettroniche e sensibilità pop contemporanea. Le sue composizioni riflettono sui contrasti dell’esperienza umana, oscillando continuamente fra nostalgia e modernità, contemplazione e ritmo.

Il 4 agosto l’atmosfera cambia radicalmente con l’energia della Butter Funk Family, collettivo nato dall’universo creativo del trombettista e produttore Printz Board, due volte vincitore del Grammy Award e collaboratore dei Black Eyed Peas. Accanto alla potente macchina ritmica della band, sarà ospite speciale Alana Hil, cantante statunitense capace di intrecciare gospel, soul, studi di musica classica indiana e pratiche vocali ispirate ai mantra himalayani, in un repertorio che amplia ulteriormente i confini della musica afroamericana.

L’11 agosto sarà la volta delle polacche Sutari, trio che negli ultimi anni ha ridefinito il rapporto con il patrimonio folklorico dell’Europa orientale. Le loro armonie vocali, costruite su polifonie ipnotiche, si intrecciano con strumenti tradizionali e sperimentazioni contemporanee dando vita a racconti dedicati alla natura, alla libertà, alla sorellanza e alla memoria femminile. Un lavoro che dimostra come il folklore possa ancora essere materia viva e linguaggio del presente.

Il percorso prosegue il 18 agosto con Trilog, progetto internazionale nato dall’incontro fra la flautista canadese Lara Wong, il chitarrista flamenco spagnolo Melón Jiménez e il percussionista indiano Chaitanya Natu. La loro ricerca esplora le possibili connessioni storiche e culturali fra India e Mediterraneo, evocando le radici orientali del flamenco attraverso improvvisazione, virtuosismo e dialogo interculturale. Non a caso il progetto è stato premiato come miglior proposta flamenca al Festival del Cante de las Minas.

Il 25 agosto la scena si sposta a Cipro con Nābu Pēra e il progetto Soundscapes of Nicosia. La città diventa materia musicale: rumori urbani, echi, voci, architetture sonore e improvvisazione si fondono in un paesaggio acustico capace di raccontare la complessità di una capitale storicamente attraversata da culture, lingue e identità differenti. È una riflessione sul suono come forma di lettura dello spazio urbano e della memoria collettiva.

Il primo settembre si torna in Italia con Trevize, progetto dell’artista pugliese Francesco Barletta. Il suo percorso nasce da un curioso paradosso: l’iniziale rifiuto della pizzica e della taranta si è trasformato, grazie al confronto con i musicisti della tradizione, nella scoperta della loro forza rituale. Da qui prende forma un linguaggio che unisce strumenti popolari, elettronica e techno, restituendo al ritmo la sua dimensione ancestrale e collettiva. Un esempio significativo di come il patrimonio immateriale possa dialogare con le pratiche musicali delle nuove generazioni.

La conclusione dell’8 settembre è affidata a Talsori, trio elettroacustico che intreccia free jazz, elaborazione digitale del suono e pansori, l’antica forma narrativa musicale coreana riconosciuta dall’UNESCO come patrimonio culturale immateriale. Il risultato è una performance in continua trasformazione, nella quale improvvisazione, elettronica e tradizione costruiscono un autentico rito contemporaneo dell’ascolto.

Più che un cartellone di concerti, (s)Nodi propone una riflessione sul ruolo della musica nel XXI secolo. In un’epoca caratterizzata da mobilità, migrazioni e connessioni globali, le tradizioni non appaiono più sistemi chiusi da conservare immutati, ma patrimoni dinamici che continuano a rigenerarsi attraverso il confronto con altri linguaggi. È proprio questa tensione fra radici e innovazione a rendere la rassegna bolognese una delle esperienze culturali più interessanti dell’estate italiana.

Inserito nel programma di Bologna Estate 2026 promosso dal Comune di Bologna e dalla Città metropolitana, (s)Nodi conferma infine la capacità della città di fare della musica non soltanto uno spettacolo, ma uno strumento di conoscenza, dialogo e partecipazione culturale.

Nell’Oratorio di Santa Barbara Andrea Tagliapietra e Mariarosa Vio costruiscono un percorso espositivo che nasce dall’assenza della reliquia della santa e si trasforma in una riflessione sulla fragilità umana. Un progetto che mette in dialogo spazio sacro, cronaca contemporanea e responsabilità dello sguardo.

L’arte contemporanea raramente trova un interlocutore più eloquente del vuoto. Quando un luogo perde temporaneamente la propria funzione rituale, può acquistare una nuova capacità di interrogare il presente. È da questa inattesa condizione che prende forma Miserere, progetto espositivo concepito per l’Oratorio di Santa Barbara a Burano, dove l’assenza della reliquia della santa non viene nascosta né compensata, ma assunta come principio generatore di una riflessione sulla vulnerabilità dell’essere umano.

Ci sono luoghi che raccontano una storia attraverso ciò che custodiscono e altri che, per un breve intervallo di tempo, parlano soprattutto attraverso ciò che manca. Ogni estate l’Oratorio di Santa Barbara a Burano vive una condizione insolita: le reliquie della santa vengono trasferite a Roma e l’altare rimane privo della presenza che per secoli ne ha definito la funzione devozionale. Quello che potrebbe apparire come un semplice spostamento liturgico diventa invece il fondamento concettuale di Miserere, mostra di Andrea Tagliapietra e Mariarosa Vio, promossa da BAC – Burano Arte Contemporanea e visitabile dal 1° agosto al 6 settembre 2026.

L’intuizione del progetto risiede proprio nella scelta di non colmare quel vuoto con una nuova icona. Al contrario, gli artisti decidono di abitarlo. L’assenza della reliquia diventa una metafora della condizione umana contemporanea, segnata da precarietà, conflitti, migrazioni, emarginazione e fragilità sociale. Il titolo della mostra richiama l’antica invocazione latina Miserere fragilitatis nostrae – “abbi pietà della nostra fragilità” – ma ne modifica radicalmente il destinatario. La supplica non sale più dall’uomo verso Dio: si rivolge orizzontalmente agli altri esseri umani, chiamando ciascun visitatore a esercitare empatia, responsabilità e prossimità. È uno spostamento semantico che trasforma un’espressione liturgica in una domanda etica rivolta alla società contemporanea.

Questa prospettiva si inserisce in una riflessione più ampia sul concetto di pietas, termine che nella cultura classica non indicava soltanto la devozione religiosa, ma anche il senso del dovere verso gli altri, la comunità e la memoria. La tradizione artistica occidentale ha attraversato i secoli rappresentando la misericordia e la compassione, dalle opere di Giotto alle grandi interpretazioni di Caravaggio, fino alle numerose declinazioni della Pietà, nelle quali il dolore individuale assume una dimensione universale. Miserere raccoglie questa eredità, ma la trasporta nel presente, sostituendo i protagonisti della storia sacra con le figure anonime che popolano quotidianamente la cronaca.

Il punto di partenza, infatti, è il flusso continuo di immagini che attraversa giornali, televisioni e social network. Guerre, naufragi, catastrofi ambientali, povertà, violenza e migrazioni finiscono spesso per essere assimilati come un consumo visivo, perdendo progressivamente la capacità di suscitare indignazione. La mostra prova a interrompere questo processo di assuefazione, restituendo individualità e presenza a chi rischia di trasformarsi in una statistica o in un’immagine destinata a scorrere rapidamente sullo schermo.

Le tre sculture costituiscono il nucleo emotivo del percorso espositivo e affrontano il tema dell’infanzia violata. Un bambino, ancora avvolto nel proprio giubbotto di salvataggio, stringe il corpo del furetto morto durante un’alluvione, trasformando una tragedia collettiva in un gesto di intima disperazione. Un piccolo migrante indossa guantoni da pugilato decorati con i colori della bandiera statunitense: non sono il simbolo dell’aggressività, ma della lotta necessaria per conquistare diritti elementari come una casa e una scuola. Una bambina salta una corda che termina in un cappio mentre il volto è nascosto da un sacco, evocando la pena capitale attraverso il linguaggio apparentemente innocente del gioco. Sono immagini che rifiutano ogni estetizzazione del dolore e pongono lo spettatore davanti a una fragilità impossibile da osservare con distacco.

Accanto alle sculture, la pittura amplia il discorso interrogando le contraddizioni dell’Occidente. In L’ingordo, una figura umana si aggrappa al ventre di una mucca, allegoria di un consumismo che continua a divorare risorse e desideri senza mai trovare sazietà. Ancora più esplicita è La zattera, che rilegge provocatoriamente La zattera della Medusa di Théodore Géricault. Il celebre naufragio romantico viene trasportato nel comfort domestico: i corpi non cercano più disperatamente la salvezza in mare aperto, ma si ammassano sopra una poltrona, simbolo di una società che assiste alle tragedie del mondo mantenendo la distanza rassicurante dello spettatore. Il riferimento all’opera di Géricault non è soltanto iconografico. Come il dipinto del 1819 denunciava l’incompetenza politica e morale della Francia della Restaurazione, così questa reinterpretazione riflette sull’anestesia etica prodotta dall’eccesso di immagini nel presente.

Altre opere affrontano invece il tema della violenza e della disumanizzazione. The Rabbit prende spunto da un episodio realmente accaduto durante una manifestazione pubblica, mentre il dipinto dedicato a una bambina che ruba un gelato sposta il giudizio morale dalla colpa al bisogno, interrogando il confine sottile tra legalità, necessità e dignità. In tutti questi lavori non esiste una narrazione consolatoria: l’artista preferisce lasciare aperte le contraddizioni, chiedendo allo spettatore di assumersi la responsabilità dell’interpretazione.

Eppure Miserere non è una mostra disperata. All’interno del percorso compare anche My Love, opera dedicata a un tossicodipendente che si china per raccogliere un fiore. È un gesto minimo, quasi invisibile, ma sufficiente a suggerire che persino nelle condizioni di maggiore marginalità sopravvive la possibilità di riconoscere la bellezza. Il riferimento implicito al celebre pensiero di Fëdor Dostoevskij non assume qui il valore di una citazione letteraria, quanto quello di una domanda aperta: può ancora la bellezza generare un cambiamento etico?

A unire idealmente l’intero itinerario interviene il video performativo Miserere Domini di Mariarosa Vio. L’artista, vestita di nero sulla soglia del cimitero monumentale di San Michele a Venezia, è accompagnata da un violino volutamente imperfetto, quasi ferito. Il suono si diffonde nella cappella come un lamento che non pretende di offrire conforto, ma invita a non lasciare invisibile il dolore dell’altro. L’opera dialoga con l’architettura trasformando il silenzio stesso dello spazio in parte integrante dell’esperienza.

Anche l’allestimento contribuisce in modo decisivo alla costruzione del significato. Un ponteggio edile attraversa l’interno dell’oratorio diventando il supporto fisico delle opere. È un elemento volutamente estraneo al contesto storico, ma non per questo invasivo. Piuttosto, suggerisce che la misericordia non sia una qualità acquisita una volta per tutte, bensì un cantiere permanente, un esercizio quotidiano fatto di manutenzione delle relazioni, tentativi, errori e ricostruzioni. Lo spazio espositivo non contiene semplicemente la mostra: ne diventa parte integrante, trasformandosi esso stesso in dispositivo narrativo.

Il progetto nasce all’interno di BAC – Burano Arte Contemporanea, realtà fondata da Silvia Rossi e Mauro Nardin insieme agli artisti Andrea Tagliapietra e Mariarosa Vio. In un’isola conosciuta in tutto il mondo e inevitabilmente attraversata dal turismo di massa, BAC propone un modello differente: utilizzare l’arte contemporanea come occasione di confronto con il territorio, con la comunità locale e con le grandi questioni del presente, restituendo tempo all’osservazione e profondità all’esperienza culturale.

In definitiva, Miserere non chiede allo spettatore di condividere una fede, né propone una risposta definitiva alle tragedie del nostro tempo. Domanda qualcosa di più semplice e, proprio per questo, più difficile: fermarsi davanti all’altro, riconoscerne l’umanità e accettare che la fragilità non sia un’eccezione, ma la condizione che accomuna tutti. Nell’epoca della velocità e dell’indifferenza, questo gesto elementare finisce per assumere il valore di un autentico atto di misericordia.

Al Museo di Santa Giulia, a Brescia, quaranta fotografi interpretano uno dei più celebri bronzi romani giunti integri fino a noi. Una mostra che inaugura le celebrazioni del Bicentenario del ritrovamento della Vittoria Alata e riflette sul dialogo tra patrimonio archeologico e linguaggi visivi del presente.

Un capolavoro dell’antichità continua a produrre immagini, domande e interpretazioni. La Vittoria Alata di Brescia diventa il punto di incontro tra archeologia e fotografia contemporanea, affidando a quaranta autori il compito di dimostrare come un’opera di duemila anni possa ancora generare visioni nuove.

Ci sono opere che sembrano sottrarsi allo scorrere del tempo. Non perché restino immutate, ma perché ogni epoca trova in esse qualcosa di diverso da osservare. La Vittoria Alata di Brescia, capolavoro della bronzistica romana risalente al I secolo d.C., appartiene a questa ristretta categoria. Scoperta nel 1826 durante gli scavi nell’area del Capitolium dell’antica Brixia, è diventata nel corso di due secoli non soltanto uno dei simboli della città, ma anche uno dei più importanti riferimenti dell’archeologia italiana. Oggi quella presenza millenaria torna a interrogare il presente attraverso il linguaggio della fotografia.
Dal 17 luglio al 1° novembre 2026, il Museo di Santa Giulia ospita infatti “La Vittoria di Brescia. 40 fotografi e un’eterna bellezza”, mostra curata da Giovanna Calvenzi che riunisce quaranta interpreti della fotografia italiana e internazionale chiamati a confrontarsi con la celebre scultura. L’esposizione inaugura il programma delle celebrazioni dedicate al Bicentenario del ritrovamento della Vittoria Alata, promosso dal Comune di Brescia e dalla Fondazione Brescia Musei insieme a numerosi partner culturali cittadini, trasformando la ricorrenza storica in un’occasione di produzione artistica contemporanea piuttosto che in una semplice commemorazione.

La forza del progetto risiede proprio nella sua impostazione. L’obiettivo non è documentare un capolavoro universalmente noto, ma verificare quanto un’opera dell’antichità possa ancora generare visioni originali. Ogni fotografo ha incontrato la Vittoria Alata senza vincoli interpretativi, mettendo in gioco il proprio linguaggio e la propria sensibilità. Il risultato è una sorta di atlante visivo nel quale la stessa scultura assume identità differenti, dimostrando come la fotografia contemporanea sia ormai uno strumento di lettura della realtà prima ancora che di registrazione del visibile.

L’origine dell’iniziativa risale al 2021, quando il fotografo bresciano Renato Corsini, direttore artistico del Brescia Photo Festival, pubblicò il volume Vittoria Alata. Viaggio di andata e ritorno, dedicato al lungo e complesso restauro della statua. Da quell’esperienza nacque l’idea di invitare numerosi autori a misurarsi con il bronzo nel nuovo allestimento progettato dall’architetto spagnolo Juan Navarro Baldeweg, uno dei protagonisti dell’architettura europea contemporanea. L’intervento museografico, concepito come un dialogo essenziale tra luce, spazio e materia, ha restituito alla scultura una centralità percettiva capace di influenzare anche lo sguardo dei fotografi.

Fra gli autori coinvolti figurano alcuni dei nomi più autorevoli della fotografia italiana, da Gabriele Basilico a Gianni Berengo Gardin, da Franco Fontana a Giovanni Gastel, insieme a Silvia Camporesi, Maurizio Galimberti, Paolo Ventura, Francesco Cito, Giovanni Chiaramonte, Luca Gilli e molti altri. Ognuno affronta la Vittoria Alata secondo una propria grammatica visiva. C’è chi ne esalta la monumentalità classica, chi la lascia quasi sfuggire all’inquadratura, chi la ricostruisce attraverso un immaginario pittorico, chi la scompone in visioni multiple, chi concentra l’attenzione sui dettagli della superficie bronzea e chi sperimenta persino nuove possibilità offerte dall’intelligenza artificiale. La statua diventa così un laboratorio di linguaggi nel quale convivono documentazione, ricerca estetica e sperimentazione.

Questa pluralità di approcci riflette una caratteristica fondamentale della fotografia contemporanea. Se nel Novecento essa è stata spesso considerata un mezzo privilegiato per testimoniare il reale, oggi rappresenta sempre più uno spazio di interpretazione, capace di costruire significati attraverso la scelta dell’inquadratura, della luce, della sequenza narrativa e perfino della manipolazione digitale. La Vittoria Alata diventa quindi il pretesto per osservare l’evoluzione stessa del linguaggio fotografico, mostrando come un’identica presenza possa generare narrazioni radicalmente differenti.

Non è un caso che il progetto trovi sede nel Museo di Santa Giulia, patrimonio mondiale UNESCO insieme all’area monumentale del Foro Romano di Brescia. Qui il dialogo tra archeologia e contemporaneità è parte integrante della missione culturale del museo, che negli ultimi anni ha investito in restauri, nuovi allestimenti e iniziative capaci di mettere in relazione il patrimonio storico con i linguaggi artistici del presente. La stessa Vittoria Alata, dopo il delicato restauro eseguito dall’Opificio delle Pietre Dure di Firenze tra il 2018 e il 2020, è tornata a essere non soltanto un reperto archeologico di eccezionale valore, ma un’opera capace di alimentare nuove letture e nuovi percorsi espositivi.

La mostra si inserisce inoltre in un programma più ampio di eventi dedicati al Bicentenario. Alla Cavallerizza – Centro della Fotografia Italiana saranno presentate le esposizioni dedicate a Renato Corsini, con il racconto fotografico del restauro della Vittoria Alata, e a Mario Cresci, che propone un dialogo ideale con la Pietà Rondanini di Michelangelo. Al MO.CA – Centro per le Nuove Culture troverà invece spazio “SHAPING MEMORIES. Arte e Moda Oltre la Vittoria”, progetto dedicato alle relazioni tra patrimonio storico, creatività contemporanea e nuove generazioni. In questo modo il Bicentenario si trasforma in una piattaforma culturale diffusa, capace di coinvolgere fotografia, arti visive, moda e ricerca.

La rassegna del Museo di Santa Giulia suggerisce infine una riflessione che va oltre l’anniversario celebrativo. Un’opera sopravvive davvero quando continua a generare interpretazioni, quando non smette di dialogare con il proprio tempo. Due secoli dopo il suo ritrovamento e quasi duemila anni dopo la sua realizzazione, la Vittoria Alata dimostra ancora questa capacità. Non si limita a raccontare la grandezza del mondo romano: invita artisti e pubblico a interrogarsi sul significato della bellezza, sulla memoria e sul modo in cui ogni epoca costruisce il proprio sguardo. È forse questa la forma più autentica della sua eterna vittoria.

Alla Rocca Albornoz una mostra mette in relazione Ezra Pound e Pier Paolo Pasolini attraverso opere storiche, documenti, installazioni e un percorso che riflette sul ruolo del poeta nella società contemporanea, all’interno del Festival dei Due Mondi.

Non tutte le mostre raccontano una storia conclusa. Alcune riaprono un dialogo che sembrava appartenere al passato e lo restituiscono al presente. È ciò che accade con “PPP – Pound Poesia Pasolini”, il progetto di Marco Nereo Rotelli che invita a rileggere due protagonisti del Novecento come interlocutori ancora capaci di interrogare il nostro tempo.

Fino al 13 settembre 2026 la Rocca Albornoz – Museo Nazionale del Ducato di Spoleto ospita PPP – Pound Poesia Pasolini, mostra personale di Marco Nereo Rotelli organizzata dai Musei Nazionali di Perugia – Direzione regionale Musei nazionali Umbria e dalla Fondazione Festival dei Due Mondi, con la collaborazione dell’Albornoz Palace Hotel di Spoleto. L’esposizione riunisce una selezione di opere storiche dedicate a Ezra Pound e Pier Paolo Pasolini, costruendo un itinerario che intreccia memoria, poesia, arti visive e riflessione civile.
L’idea curatoriale prende avvio da un episodio diventato emblematico della cultura italiana: l’incontro fra Ezra Pound e Pier Paolo Pasolini, documentato nel 1967 dalle telecamere della Rai. Quel colloquio, oggi considerato uno dei momenti più significativi del dialogo intellettuale del secondo Novecento, rappresenta il fulcro dell’intero progetto espositivo. Il visitatore può riviverlo grazie al filmato conservato dalle Teche Rai, mentre il reading di Davide Rondoni amplia quella conversazione trasformandola in un confronto ancora aperto sulle responsabilità della parola poetica.

La mostra evita qualsiasi intento celebrativo. Rotelli utilizza invece il rapporto tra Pound e Pasolini per interrogare la condizione dell’intellettuale contemporaneo, la libertà del pensiero, il peso delle persecuzioni ideologiche e giudiziarie e la capacità della poesia di sopravvivere ai conflitti della storia. È una prospettiva coerente con il percorso dell’artista veneziano, che da decenni lavora sul dialogo tra parola, luce e spazio pubblico, sviluppando interventi permanenti e installazioni in musei, città e siti monumentali internazionali.

Tra le opere più significative figurano tre grandi lastre d’acciaio sulle quali sono riportate le sentenze processuali contro Pier Paolo Pasolini. Questi lavori furono presentati per la prima volta alla Biennale Arte di Venezia del 2001, nella mostra Platea dell’Umanità diretta da Harald Szeemann, all’interno dell’installazione Bunker Poetico. Ancora oggi mantengono intatta la loro forza simbolica, trasformando documenti giudiziari in materia artistica e ricordando quanto la vicenda di Pasolini sia stata segnata da un continuo confronto con il potere e con i meccanismi della marginalizzazione culturale.

Accanto a queste opere trovano spazio le storiche Porte poetiche, dedicate a Ezra Pound e realizzate nell’ambito del progetto Promenade der Poesie a Merano e al castello di Brunnenburg, luogo nel quale il poeta americano trascorse parte della propria vita. Le porte riportano versi poetici e assumono il valore di soglie simboliche: attraversarle significa compiere un viaggio nella conoscenza, facendo della poesia un’esperienza fisica oltre che intellettuale.

La scelta di Spoleto non è casuale. Il Festival dei Due Mondi, fondato nel 1958 da Gian Carlo Menotti, nasce proprio come luogo d’incontro tra culture europee e americane, vocazione che dialoga naturalmente con la figura di Pound, poeta statunitense profondamente legato all’Italia, e con quella di Pasolini, autore capace di attraversare linguaggi diversi – poesia, narrativa, cinema, teatro e saggistica – mantenendo sempre uno sguardo critico sulla società contemporanea.

Esiste inoltre un legame storico preciso che rende la sede ancora più significativa. A Spoleto, durante la Settimana della Poesia organizzata nel 1965 da Gian Carlo Menotti, avvenne un incontro destinato a modificare profondamente il giudizio di Pasolini nei confronti di Pound. Da quella occasione nacque un rapporto di maggiore comprensione reciproca, destinato a trovare piena espressione nel celebre colloquio filmato due anni dopo. La mostra recupera quella vicenda non come semplice episodio biografico, ma come esempio della capacità del dialogo culturale di superare pregiudizi e contrapposizioni.

Il progetto espositivo prosegue idealmente anche oltre le sale della Rocca. L’inaugurazione è stata accompagnata da una lettura di Davide Rondoni dedicata ai due poeti, costruita attorno ai temi dell’incontro, dell’amore e del confronto tra culture e generazioni. Il percorso si concluderà invece l’8 settembre con il finissage affidato al Piccolo Museo della Poesia, che porterà a Spoleto autori internazionali chiamati a riflettere sul medesimo tema dell’incontro come occasione di libertà e conoscenza.

Nel corso dell’inaugurazione, inoltre, il presidente della Commissione Cultura della Camera dei Deputati, Federico Mollicone, ha conferito a Marco Nereo Rotelli e a Davide Rondoni la Medaglia della Camera dei Deputati, riconoscendo il valore culturale dell’iniziativa e del lavoro svolto dai due protagonisti.

Più che raccontare Pound e Pasolini, PPP – Pound Poesia Pasolini restituisce la loro presenza come domanda ancora aperta. In un’epoca nella quale il dibattito pubblico tende spesso alla semplificazione, la mostra ricorda come la poesia possa continuare a essere uno spazio di confronto, attraversamento e libertà. È forse proprio questa la sua attualità più profonda: dimostrare che le parole, quando riescono a trasformarsi in esperienza condivisa, non appartengono mai soltanto al passato.

A Spoleto una mostra racconta il laboratorio creativo del Nobel attraverso fondali, bozzetti e macchine sceniche che trasformano la pittura in azione teatrale

Non tutte le idee prendono forma con le parole. Alcune nascono da un segno, da un colore, da una superficie dipinta che anticipa il movimento degli attori. È questo il punto di vista scelto dalla mostra dedicata a Dario Fo, che restituisce al pubblico una delle dimensioni meno note, ma più decisive, della sua attività artistica.

Esiste un momento, prima ancora che il sipario si apra, in cui il teatro prende forma sulla carta. È il territorio del disegno, della pittura, della costruzione dello spazio scenico. Proprio da questa prospettiva prende avvio “Dario Fo pittore: le macchine teatrali”, allestita alla Rocca Albornoz – Museo Nazionale del Ducato di Spoleto, dove resterà aperta fino al 25 aprile 2027. Curata da Stefano Bertea e Mattea Fo, l’esposizione inaugura il programma umbro delle celebrazioni dedicate al centenario della nascita del Premio Nobel per la Letteratura del 1997, riportando l’attenzione su un aspetto fondamentale della sua ricerca creativa: la pittura come motore dell’invenzione teatrale.

L’iniziativa è promossa dalla Direzione Generale Biblioteche e Istituti Culturali e dalla Direzione Generale Musei del Ministero della Cultura, insieme ai Musei Nazionali di Perugia – Direzione regionale Musei nazionali dell’Umbria, alla Regione Umbria, al Festival dei Due Mondi di Spoleto e alla Fondazione Dario Fo e Franca Rame ETS, con la collaborazione della Soprintendenza Archivistica e Bibliografica del Veneto e del Trentino-Alto Adige e dell’Archivio di Stato di Verona. L’appuntamento si inserisce inoltre nel cartellone del Festival dei Due Mondi, luogo particolarmente significativo nella biografia artistica di Fo: proprio a Spoleto, nel 1999, debuttò infatti Lu Santo Jullare Francesco, il cui grande fondale scenico viene ora nuovamente esposto dopo ventisette anni.

La mostra propone una lettura del lavoro di Fo che supera la tradizionale distinzione tra arti visive e teatro. Per il drammaturgo lombardo, infatti, la pittura non costituiva un’attività parallela alla scrittura o alla regia, ma ne rappresentava una componente essenziale. Disegnare significava progettare lo spettacolo, definire i ritmi della narrazione, costruire lo spazio nel quale gli attori avrebbero agito. Fondali, bozzetti, arazzi scenografici e sagome mobili non erano semplici elementi decorativi, bensì strumenti drammaturgici destinati a partecipare attivamente alla costruzione della scena.

Il percorso espositivo attraversa oltre mezzo secolo di produzione artistica e teatrale, riunendo materiali provenienti da quattro spettacoli emblematici: Isabella, tre caravelle e un cacciaballe (1963), Mamma! I Sanculotti! (1993), Lu Santo Jullare Francesco (1999) e La figlia del Papa (2014). L’evoluzione delle cosiddette “macchine teatrali” emerge con particolare chiarezza: dagli arazzi scenografici degli anni Sessanta ai grandi fondali ispirati ai canovacci illustrati dei cantastorie medievali, fino alle sagome carrellate degli ultimi allestimenti, che trasformano la scenografia in un organismo dinamico capace di dialogare con gli interpreti.

Questa attenzione al valore narrativo dell’immagine affonda le radici nella formazione stessa di Dario Fo. Prima ancora di essere universalmente riconosciuto come autore, attore e regista, Fo studiò pittura e arti figurative all’Accademia di Brera e sviluppò un linguaggio visivo fortemente influenzato dall’arte popolare, dall’affresco medievale, dalla satira illustrata e dalla tradizione dei giullari. Nel suo teatro convivono riferimenti alla cultura figurativa europea, alla pittura murale, ai cartelloni narrativi e alle tecniche della comunicazione popolare, in una sintesi che rende inseparabili parola, gesto e immagine.

Il concetto di “macchina teatrale”, al centro della mostra, richiama anche una lunga tradizione della storia dello spettacolo. Dal teatro rinascimentale alle scenografie barocche, il termine indicava i dispositivi capaci di produrre illusioni prospettiche, cambi di scena ed effetti spettacolari. Fo ne offre una reinterpretazione personale: la macchina non è più soltanto un meccanismo tecnico, ma un sistema creativo nel quale pittura, narrazione e regia si fondono in un unico progetto. Il fondale diventa protagonista dell’azione, mentre le figure dipinte contribuiscono a definire il ritmo e il significato della rappresentazione.

A cento anni dalla nascita di Dario Fo (1926-2016), questa esposizione restituisce così un’immagine più completa di uno dei maggiori protagonisti della cultura italiana del Novecento. Premio Nobel, autore, attore, regista, scenografo e pittore, Fo ha costruito un linguaggio artistico capace di attraversare discipline differenti senza mai separarle realmente. La mostra di Spoleto invita a osservare proprio questo laboratorio creativo, dove ogni spettacolo nasce prima sulla superficie di un foglio e soltanto dopo raggiunge il palcoscenico. Un percorso che permette di comprendere come, nel suo lavoro, la pittura non illustrasse il teatro, ma ne costituisse l’origine stessa, continuando ancora oggi a suggerire nuove chiavi di lettura della sua eredità culturale.

L’Arlesiana torna protagonista a Perugia in un dialogo con la ritrattistica italiana del secondo Ottocento

Ci sono opere che continuano a cambiare significato ogni volta che vengono osservate accanto a nuovi interlocutori. È ciò che accade a L’Arlesiana di Vincent van Gogh, che alla Galleria Nazionale dell’Umbria diventa il punto di partenza per rileggere la stagione dei grandi ritrattisti italiani attivi tra la seconda metà dell’Ottocento e la Parigi dell’Impressionismo.

Dal 2 luglio al 27 settembre 2026 la Galleria Nazionale dell’Umbria dedica un nuovo appuntamento al ciclo “Un capolavoro a Perugia”, accogliendo uno dei prestiti più significativi concessi dalla Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma: L’Arlesiana, il celebre ritratto di Madame Ginoux realizzato da Vincent van Gogh durante gli ultimi mesi della sua attività artistica. La mostra, curata da Costantino D’Orazio e Aurora Roscini Vitali, propone però molto più dell’esposizione di un capolavoro: costruisce un confronto tra la sensibilità del pittore olandese e quella degli artisti italiani che, negli stessi decenni, guardarono a Parigi come al principale laboratorio della modernità.

L’iniziativa si inserisce nel percorso inaugurato dal museo nel 2024 con le mostre-dossier dedicate prima a Gustav Klimt e successivamente ad Amedeo Modigliani. La formula resta la stessa: concentrare l’attenzione su una singola opera di eccezionale rilievo, accompagnandola con strumenti di approfondimento storico e con un allestimento capace di restituirne la complessità artistica e culturale. Anche questa volta il visitatore viene introdotto al dipinto attraverso un ambiente preliminare dedicato al contesto storico-critico e da uno spazio immersivo che ripercorre, mediante videoproiezioni, gli aspetti fondamentali della ricerca di Van Gogh.

La protagonista della mostra è Madame Ginoux, proprietaria del Café de la Gare di Arles, figura familiare nell’universo di Van Gogh e già ritratta in più occasioni. La versione conservata dalla GNAMC appartiene al periodo trascorso dall’artista nell’ospedale psichiatrico di Saint-Rémy-de-Provence tra il 1889 e il 1890. Utilizzando un disegno lasciato da Paul Gauguin prima della sua improvvisa partenza da Arles, Van Gogh rielabora il soggetto trasformandolo in un’immagine di intensa partecipazione emotiva. Il ritratto non restituisce soltanto le sembianze della donna, ma diventa un luogo di memoria, riflessione e ricerca interiore, confermando come il genere del ritratto rappresentasse per l’artista uno strumento privilegiato di indagine psicologica.

Attorno a questo nucleo si sviluppa un dialogo con sedici opere provenienti dal Museo dell’Ottocento della Fondazione Di Persio-Pallotta di Pescara. Il percorso ricostruisce l’evoluzione della ritrattistica femminile italiana nella seconda metà del XIX secolo, mettendo in relazione Van Gogh con alcuni protagonisti della pittura nazionale come Gioacchino Toma, Saverio Altamura, Silvestro Lega, Antonio Mancini, Mosè Bianchi e Niccolò Cannicci. A questi si affiancano Giuseppe De Nittis, Federico Zandomeneghi e Giovanni Boldini, gli artisti italiani che seppero interpretare più direttamente l’atmosfera della Belle Époque parigina, contribuendo a definire un linguaggio pittorico capace di dialogare con il Realismo e con l’Impressionismo senza rinunciare a una propria identità.

Il confronto suggerito dalla mostra evita ogni ricerca di somiglianze forzate. Al contrario, mette in evidenza come percorsi artistici differenti possano condividere alcune domande fondamentali sulla rappresentazione della persona. Nei ritratti selezionati la figura femminile supera infatti la semplice funzione di ritratto sociale o borghese, trasformandosi in uno spazio dove emergono malinconia, introspezione, dignità quotidiana e complessità psicologica, indipendentemente dall’appartenenza sociale delle protagoniste.

La scelta di porre Van Gogh al centro di questa riflessione acquista ulteriore significato se si considera il ruolo esercitato da Parigi negli anni Ottanta dell’Ottocento. Pur non appartenendo formalmente al gruppo impressionista, l’artista olandese assimilò nella capitale francese le innovazioni cromatiche e luministiche che avrebbero trasformato radicalmente il suo linguaggio. Parallelamente, numerosi pittori italiani trovarono nella città il luogo ideale per confrontarsi con le nuove tendenze europee, dando vita a una stagione di fecondi scambi culturali che contribuì a rinnovare anche la pittura italiana.

Ad accompagnare la mostra è il catalogo pubblicato da Moebius, nel quale i saggi dei curatori approfondiscono rispettivamente il significato dell’Arlesiana e il rapporto, reale e culturale, tra gli artisti italiani e la Parigi della fine del XIX secolo. Completa il volume un contributo di Alessandra Migliorati dedicato all’evoluzione della rappresentazione femminile nel secondo Ottocento, ampliando ulteriormente la prospettiva storico-artistica dell’esposizione.

Più che una semplice esposizione monografica, Van Gogh e gli italiani a Parigi propone dunque una riflessione sulla circolazione delle idee nell’Europa di fine Ottocento e sulla capacità del ritratto di raccontare, attraverso i volti, le trasformazioni culturali di un’intera epoca. È proprio in questo dialogo tra esperienze diverse che l’Arlesiana continua ancora oggi a rivelare nuove possibilità di lettura, confermando la straordinaria attualità dello sguardo di Vincent van Gogh.

Al MAMbo di Bologna una mostra ripercorre l’intenso dialogo tra fotografia, letteratura e cinema nato dall’incontro fra Luigi Ghirri e Gianni Celati. Ottantuno fotografie, tre film e un catalogo raccontano una delle collaborazioni più fertili della cultura italiana contemporanea.

Più che una mostra fotografica, è il racconto di un’amicizia intellettuale che ha trasformato il modo di osservare il paesaggio. Al centro non ci sono monumenti o vedute spettacolari, ma il valore culturale dell’ordinario, dei luoghi marginali e delle persone comuni.

Il paesaggio non è soltanto ciò che si vede. È il modo in cui impariamo a guardarlo. Quando Luigi Ghirri impugnava la macchina fotografica e Gianni Celati prendeva appunti durante gli stessi viaggi lungo il Po, stavano costruendo una delle riflessioni più originali sul territorio italiano del secondo Novecento. La mostra del MAMbo riporta oggi alla luce quella conversazione silenziosa tra immagini, parole e cinema, restituendone tutta la forza culturale. Dal 26 giugno al 4 ottobre 2026 il MAMbo – Museo d’Arte Moderna di Bologna dedica a questo dialogo creativo la mostra Luigi Ghirri e Gianni Celati. Verso la foce, curata da Lorenzo Balbi e Giulia Pezzoli e allestita nella Project Room del museo. Il progetto, sostenuto da Strategia Fotografia 2025 della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura e realizzato in collaborazione con la Fondazione Luigi Ghirri, ricostruisce una stagione artistica fondamentale attraverso fotografie, materiali cinematografici e documentazione d’archivio.

La figura di Luigi Ghirri (1943-1992) occupa un posto centrale nella fotografia europea del secondo Novecento. La sua ricerca ha contribuito a superare la tradizionale distinzione tra documentazione e interpretazione, restituendo dignità poetica ai paesaggi quotidiani, ai margini urbani, alle periferie e agli spazi apparentemente anonimi. Parallelamente Gianni Celati (1937-2022), scrittore, traduttore, critico e successivamente regista, elaborava una forma narrativa capace di osservare il territorio senza retorica, facendo dell’erranza e dell’attenzione ai dettagli un metodo di conoscenza.

La mostra concentra l’attenzione sulla serie Blu infinito, composta da 81 fotografie realizzate da Ghirri tra il 1989 e il 1991 durante la preparazione e le riprese di Strada provinciale delle anime, primo lungometraggio diretto da Celati. Si tratta dell’ultimo importante lavoro fotografico dell’autore emiliano prima della sua prematura scomparsa e rappresenta un momento di svolta nella sua produzione. Alla consueta attenzione verso il paesaggio si affianca infatti una presenza più intensa della figura umana: amici, studenti, scrittori e familiari dello stesso Celati diventano protagonisti di un viaggio che attraversa Ferrara, le Valli di Comacchio e il Delta del Po, trasformando un semplice itinerario in un racconto collettivo fatto di incontri, attese e silenzi.

L’origine di questo percorso risale al successo del libro Verso la foce, pubblicato nel 1989 da Gianni Celati. Quel volume, oggi considerato uno dei testi fondamentali della letteratura italiana contemporanea sul paesaggio, proponeva un modo completamente nuovo di osservare la Pianura Padana, lontano sia dal pittoresco sia dalla denuncia sociale. Il film nasce proprio come naturale prosecuzione cinematografica di quell’esperienza narrativa, mentre Ghirri accompagna ogni fase della lavorazione con il proprio sguardo fotografico.

Strada provinciale delle anime, girato tra il 1989 e il 1991 dalla casa di produzione Pierrot e la Rosa con il sostegno di Rai Tre, racconta il viaggio di un gruppo eterogeneo di persone che accompagna alcuni anziani parenti di Celati a vedere il mare per la prima volta. Lungo il percorso il paesaggio diventa protagonista tanto quanto i viaggiatori. Appunti, taccuini, schemi di regia e materiali preparatori conservati nel Fondo Celati testimoniano un lungo lavoro di osservazione che coinvolse anche Ghirri durante mesi di sopralluoghi, confermando quanto profonda fosse la sintonia tra i due autori.

L’esposizione amplia questo racconto mettendo in dialogo la serie fotografica con altri due documentari firmati da Celati. Il mondo di Luigi Ghirri (1998) costituisce un ritratto affettuoso del fotografo attraverso i suoi luoghi, i libri, gli oggetti e il suo particolare modo di abitare il paesaggio, mentre Case sparse. Visioni di case che crollano (2003) prosegue idealmente una ricerca avviata insieme all’amico, riflettendo sulla scomparsa dell’architettura rurale e sulla trasformazione del territorio padano sotto la pressione della modernità.

Questi lavori rappresentano anche una pagina importante della storia del documentario italiano. La casa di produzione Pierrot e la Rosa, nata alla fine degli anni Settanta nell’ambiente del DAMS bolognese grazie a Luca Buelli, Paolo Muran e Lamberto Borsetti, contribuì infatti allo sviluppo di un cinema del reale capace di fondere osservazione, ricerca antropologica e sperimentazione narrativa, influenzando profondamente la produzione documentaristica italiana degli anni successivi.

Ciò che rende ancora oggi attuale il dialogo tra Ghirri e Celati è la loro comune idea di paesaggio. Per entrambi esso non coincide con una veduta spettacolare, ma con un’esperienza vissuta. Le fotografie di Ghirri attribuiscono valore estetico agli elementi più ordinari dell’esistente, mentre Celati costruisce narrazioni che ricompongono frammenti dispersi della realtà senza imporre interpretazioni definitive. È un invito a rallentare lo sguardo, ad accettare l’incertezza e a riconoscere nella normalità una dimensione poetica spesso invisibile.

Questa prospettiva ha avuto un’influenza significativa anche sul dibattito culturale e fotografico italiano. La ricerca di Ghirri dialoga idealmente con esperienze come Viaggio in Italia del 1984, volume che contribuì a ridefinire la fotografia di paesaggio nazionale, mentre la riflessione di Celati sul territorio ha influenzato numerosi scrittori, documentaristi e studiosi interessati ai temi della memoria, dell’identità dei luoghi e della trasformazione delle periferie.

A completare il progetto espositivo è il catalogo bilingue pubblicato da Danilo Montanari Editore (dal quale è stata tratta la copertina di questo articolo), curato da Lorenzo Balbi e Giulia Pezzoli. Il volume raccoglie le immagini della serie Blu infinito e approfondisce il rapporto tra i due autori attraverso contributi di Marco Sironi, Gabriele Gimmelli e Corrado Confalonieri, oltre a un’intervista di Giulia Pezzoli a Luca Buelli che ricostruisce il contesto culturale in cui nacque questa straordinaria collaborazione artistica.

Per chi conosce già Luigi Ghirri e Gianni Celati, la mostra rappresenta l’occasione per osservare da vicino il laboratorio creativo di un sodalizio che ha lasciato un segno profondo nella cultura italiana. Per chi invece si avvicina oggi al loro lavoro, costituisce un invito a riscoprire un’idea di paesaggio fondata sull’attenzione, sull’ascolto e sulla capacità di riconoscere il valore delle cose comuni. In un’epoca dominata dalla velocità delle immagini, quel loro sguardo paziente continua a offrire una lezione sorprendentemente attuale.