Come ogni anno, il museo Fondazione Tito Balestra Onlus partecipa alla manifestazione Longiano dei Presepi con una mostra che unisce tradizione e arte contemporanea.

Il presepe della speranza e sculture lignee e carte, la mostra allestita negli spazi suggestivi dell’Ex Chiesa Madonna di Loreto al Castello Malatestiano è stata inaugurata il giorno lunedì 8 dicembre alla presenza dell’artista, del direttore della Fondazione Flaminio Balestra e del Sindaco di Longiano

Il Presepe della Speranza (Speranza, con la “S” maiuscola, come una delle virtù teologali) di Paolo Di Capua, fa parte della rassegna nazionale Presepe d’Artista, grazie alla collaborazione con il Museo Internazionale del Presepio “Vanni Scheiwiller” di Castronuovo Sant’Andrea (PZ), che invita ogni anno un artista a reinterpretare in chiave contemporanea il tema della natività. Una collaborazione che conferisce alla rassegna un respiro nazionale e rappresenta una linfa vitale per la Fondazione, oggi riconosciuta tra i più autorevoli musei dell’Emilia-Romagna dedicati all’arte contemporanea e al Novecento.

Nel Presepe della Speranza, Di Capua propone una visione essenziale e universale della Natività. Su una superficie circolare inclinata, al posto della tradizionale capanna, è stato scavato uno spazio geometrico netto in cui si svolge la Scena dell’Evento: il Bambino, sospeso in una culla composta da forme quadrate e circolari sovrapposte, simboli della Terra e del Cielo, è circondato da figure che si muovono con timoroso rispetto, sotto lo sguardo di una stella che domina la scena. L’opera, realizzata in legno di tiglio, restituisce attraverso la sua materia calda e armoniosa un senso profondo di accoglienza e pace.

Oltre al presepe saranno esposti i bozzetti preparatori e una selezione di opere lignee in armonia con il tema dell’evento con un linguaggio informale, omogeneo e minimalista

“Un presepe oggi, più che mai, ha senso – afferma Di Capua– In un tempo dominato da conflitti e divisioni, ho voluto restituire un messaggio di speranza e fraternità. La superficie inclinata è anche simbolo del cammino difficile, ma necessario, verso la comprensione reciproca.”

Con questa mostra dedicata alla natività, la Fondazione Tito Balestra conferma la propria vocazione a promuovere l’incontro tra arte e spiritualità, offrendo al pubblico uno sguardo contemporaneo sulla tradizione capace di suscitare riflessione, emozione e meraviglia.

Breve biografia dell’artista

Paolo Di Capua è nato a Roma nel 1957. Dopo gli studi in Architettura e Storia dell’Arte all’Università “La Sapienza”, ha completato la formazione all’Accademia di Belle Arti di Roma nel 1985, sotto la guida di Lorenzo Guerrini e Lorenza Trucchi. Artista di respiro internazionale, ha esposto in Italia, Spagna, Germania, Corea del Sud, Stati Uniti e Cina, con opere presenti in collezioni pubbliche e private, tra cui il Museo Nazionale di Arte Moderna e Contemporanea di Seoul.
Negli anni Duemila ha vissuto a lungo in Corea del Sud, dove ha insegnato presso l’Università Han Yang e realizzato un’importante installazione permanente per la Facoltà di Ingegneria dell’ateneo.
Tra le sue mostre personali più recenti: Natura Umana (Museo Carlo Bilotti, Roma, 2024; Galleria La Nube di Oort, Roma, 2024; Palau Martorell, Barcellona, 2025).
Il suo lavoro, fondato su un linguaggio essenziale e materico, esplora il dialogo tra arte, natura e spiritualità.

Il presepe Speranza sarà visitabile fino all’11 gennaio 2026 ad ingresso gratuito negli orari di apertura del polo museale fondazione Tito Balestra dal martedì alla domenica ore 10-12 e ore 15-19.

La scultura sacra fra mistero e infinito
Da “Lo spirituale nell’arte” di Kandinskij alla Transrealtà visionaria di Guadagnuolo

Introduzione

Il Giubileo del 2025 coincide con il trentesimo anniversario della nascita del Transrealismo italiano, teorizzato dallo storico e critico d’arte Antonio Gasbarrini nel 1995, in occasione della mostra al Castello Forte Spagnolo – Museo Nazionale d’Abruzzo a L’Aquila. Il movimento, riconosciuto tra le correnti più significative della fine del Novecento insieme al Nouveau Réalisme di Restany, all’Arte Povera di Celant e alla Transavanguardia di Bonito Oliva, trova in Francesco Guadagnuolo la sua espressione più compiuta. La sua arte si configura come medium di trascendenza, capace di tradurre in forme plastiche e pittoriche la tensione verso il mistero e l’infinito, in dialogo con la tradizione dell’arte sacra e con le sfide della contemporaneità.

Il retaggio spirituale di Kandinskij

Come già Kandinskij sosteneva in da Lo spirituale nell’arte (1910), l’opera deve rispondere a un’esigenza interiore e liberare l’anima dal materialismo. Guadagnuolo raccoglie questa eredità e la trasforma, collocando la sua ricerca nel solco di una spiritualità che si confronta con la modernità tecnologica e scientifica.

Guadagnuolo e la nascita della Transrealtà

La nozione di Transrealtà, elaborata da Guadagnuolo, si fonda su tre assi interpretativi:

• la realtà sensibile come soglia verso l’invisibile;
• il dialogo continuo tra finito e infinito;
• la sintesi di elementi sacri e dettagli contemporanei.

La sua scultura non si limita ad evocare simboli religiosi, ma li ricontestualizza in un linguaggio che accoglie frammenti di spazio cosmico e geometrie universali. Opere come “Rappresentazione dell’Infinito”, “Cosmo”, “Energie nell’Universo” o “Geometrie circolari” testimoniano la capacità dell’artista di coniugare sacralità e immensità, trasformando la scultura in arena di riflessione universale.

Scrive Antonio Gasbarrini: «…La ricerca di Guadagnuolo, a ben riflettere, è tutta protesa alla liberazione di energie: fisiche ed immaginifiche, concorrenziali all’inesauribile creatività in atto nell’universo, infinito che sia. In una prospettiva estetica già protesa al futuro, e perciò sotto l’egida dell’avanguardia, sarà il dialogico confronto tra gli enigmatici segni preimpressi negli abissi dei cieli (le leggi fisiche indagate con molto affanno e con esiti incerti dalla scienza) e quelli inventati dalla sua vulcanica fantasia, a favorire una più attendibile comprensione della verità ultima inscritta nel nostro destino. Del rinsaldato binomio Arte/Scienza ha saputo ben coniugare l’istanza razionale e tecnologica a quella neo-umanistica. Anche per quest’ultima ragione, forse, l’errabondo “poema visivo” di Guadagnuolo non potrà mai includere la parola fine: la vera arte e la vera poesia si fiutano dalla incompiutezza e dalla provvisorietà di uno statuto dell’opera tutto concentrato nell’instabile nucleo della sua potenziale energia avanguardista protesa ad irraggiarsi in un futuro estetico aperto più che mai».

La scultura come rito visivo

Il Transrealismo guadagnuoliano si articola come rituale visivo:

1. L’osservatore è introdotto in un sistema di segni e simboli astratti.
2. Lo spazio scultoreo si trasforma in un tempio mentale, dove forme reali e immaginarie si sovrappongono.
3. L’esperienza culmina in una sospensione temporale, che restituisce allo spettatore la percezione del mistero e dell’infinito.

Come osserva lo storico dell’arte Renato Mammucari, il Transrealismo italiano “ci spinge a guardare con maggiore attenzione e consapevolezza alle espressioni artistiche contemporanee”. La scultura diventa così liturgia estetica, in cui modernità e sacralità convivono.

Eredità e prospettive

A trent’anni dalla sua fondazione, il Transrealismo italiano si conferma come movimento capace di incidere nel dibattito critico e teorico. Guadagnuolo è considerato “l’unico esponente del Transrealismo in Italia” ed uno dei maggiori autori del rinnovamento dell’iconografia dell’arte sacra. Guardando al futuro, la sfida consiste nel mantenere vivo il dialogo tra arte e trascendenza, tra scienza e spiritualità, in un mondo sempre più dominato dalla tecnologia.

La scultura di Guadagnuolo si pone come testimonianza e profezia: testimonianza di un percorso che ha saputo coniugare tradizione e innovazione; profezia di un’arte che continuerà a esplorare le pieghe più nascoste dell’esistenza, restituendo all’uomo la consapevolezza del mistero e dell’infinito.

L’Orchestra Sinfonica di Matera presenta Orienti – Matera 2019 incontra GO!2025, un concerto fuori programma della Stagione Concertistica 2025, realizzato in collaborazione con il Fadiesis Accordion Festival e proposto a ingresso libero alla città di Matera. L’iniziativa arricchisce ulteriormente l’offerta musicale dell’Orchestra, confermando la sua vocazione alla cooperazione artistica e culturale con realtà nazionali di prestigio.

L’evento, in programma venerdì 12 dicembre alle ore 20.00 presso il Santuario San Francesco da Paola, rappresenta il secondo appuntamento di un progetto che quest’anno ha preso avvio a Gorizia con la prima esecuzione assoluta dell’intero programma.

L’8 dicembre, infatti, nel prestigioso Salone d’onore Carlo X del Grand Hotel Entourage – già Palazzo Strassoldo – si è registrato il tutto esaurito per il concerto inaugurale, accolto con grande favore dal pubblico friulano. Sul palco, Gianni Fassetta alla fisarmonica insieme al Quintetto d’Archi friulani e lucani, formazione nata dalla collaborazione artistica tra l’Orchestra Sinfonica di Matera e l’Ensemble d’Archi Fadiesis. Il successo dell’esecuzione goriziana ha confermato il valore del progetto e introduce il pubblico materano all’ultimo appuntamento del Fadiesis Accordion Festival 2025.

Orienti rinnova un percorso ormai consolidato: il concerto sancisce un incontro culturale e musicale tra due “Orienti”. Da un lato l’oriente romano-mitteleuropeo-balcanico del Friuli Venezia Giulia; dall’altro l’oriente greco-romano-bizantino della Basilicata. Il dialogo tra queste identità musicali rappresenta un ponte simbolico tra territori e tradizioni, in una collaborazione iniziata nel 2012 con il gemellaggio tra Pordenone e Matera promosso dal Fadiesis Accordion Festival e oggi ampliata a Gorizia e Nova Gorica.

L’evento riunisce così tre poli culturali: Matera Capitale Europea della Cultura 2019, Nova Gorica–Gorizia Capitale Europea della Cultura 2025 e Pordenone Capitale Italiana della Cultura 2027. Un intreccio che valorizza le potenzialità di cooperazione artistica a livello nazionale ed europeo.

Il programma della serata offre un percorso di brani originali composti per fisarmonica e archi, culminando nell’esecuzione del Divertimento mediterraneo op. 83 del Maestro Paolo Pessina, dedicato al Fadiesis Accordion Festival e presentato in prima assoluta proprio nell’edizione 2025.

Un progetto pensato non solo come esposizione artistica, ma come azione solidale concreta: l’intero ricavato sarà infatti destinato a sostenere una ONG siciliana che da quarant’anni opera in Palestina e continua oggi, in condizioni tutt’altro che facili, a restare accanto alla popolazione civile.

La mostra è resa possibile grazie al supporto di diverse realtà del territorio: Modicaltra, Bedda Ciao, Palestina Viva, Assemblea No Guerre e Collettivo Ocra, in collaborazione con Hemingway, che donerà parte del ricavato della serata alla CISS. La mostra apre il 13 dicembre e termina l’11 gennaio, verrà inoltre replicata anche in altre città, nel corso dei prossimi mesi, con lo stesso intento.

Un’esposizione collettiva per un messaggio comune

96 artisti hanno scelto di aderire al progetto, donando opere del proprio repertorio, alcune anche inedite e a tema, accettando un tetto massimo di vendita di 250 euro (anche nei casi in cui l’opera valga più di quella cifra), per rendere l’arte davvero accessibile e mettere al centro il valore dell’iniziativa.

La saletta dell’Hemingway, raccolta e intima, diventerà così un mosaico eterogeneo di linguaggi visivi: una pluralità di voci artistiche.
«Il messaggio è proprio questo – afferma Andrea Iran – unire le forze, essere insieme, trovare nell’insieme la potenza della presenza e dell’azione».

L’iniziativa nasce infatti con un obiettivo preciso: non perdere l’attenzione sulla Palestina, mantenersi vigili e dare forza a quel movimento di partecipazione che nei mesi scorsi ha portato migliaia di persone nelle piazze, con il proprio corpo, prendendo posizione di chiara distanza dal genocidio ancora in corso.

Il sostegno al CISS: l’arte come denuncia e responsabilità civile

“Tenere alta l’attenzione sulla questione palestinese e sulla popolazione civile, ancora oggi in una condizione drammatica e disumana, è fondamentale – riflettono i referenti della ONG CISS – l’arte non è solo evasione, è strumento di denuncia, e in questo caso diventa il modo più potente per continuare la nostra lotta e dare voce al popolo palestinese.”

Il CISS, fin dai primi giorni dell’escalation in corso, ha attivato una complessa risposta umanitaria attraverso la campagna X Gaza Posso!, che ha permesso di inviare aiuti e beni di prima necessità, collaborando con organismi come AOI e CGIL.

Le attività sostenute dalla raccolta fondi includono il primo soccorso psicologico e supporto continuativo ai minori sfollati; la distribuzione di kit psicosociali per attività ricreative e terapeutiche; le iniziative di sensibilizzazione sui rischi legati ai dispositivi bellici inesplosi; la distribuzione di pasti caldi, beni essenziali e sostegno alimentare; la messa in sicurezza del patrimonio culturale, compresi i manoscritti mamelucchi recuperati dalle macerie a Gaza City;

l’allestimento di Temporary Learning Spaces, le tende scolastiche che permettono ai bambini di continuare a studiare; le attività dei Clown Doctor negli ospedali da campo.

“Con X Gaza Posso! abbiamo fatto tanto – proseguono i referenti della ONG – ma non è mai abbastanza. Restiamo al fianco della popolazione ogni giorno, grazie anche al contributo di iniziative come questa mostra.”

L’ingresso alla mostra è libero, gratuito e aperto a chiunque voglia visitarla e sostenerla.

È possibile farsi già un’idea delle opere esposte, con i dettagli sugli autori e sulle autrici, nonché sui futuri aggiornamenti, sulla pagina dedicata: www.theernestconnection.com

L’immaginario di Ferrigno, piemontese di origine e da anni residente a Palermo, torna a Torino con una serie di opere che mettono al centro assoluto la figura femminile. Le BadGirls sono donne tatuate, ribelli, autonome: figure che oltrepassano i confini del consentito per affermare la propria forza, la propria identità e il proprio diritto all’azione. Nei loro corpi segnati dal tatuaggio – simboli di libertà, resistenza e indipendenza – si concentrano narrazioni fatte di scelte, coraggio e trasformazione. Le tele esplodono in colori acidi, saturi, spesso discordanti, capaci di ipnotizzare e destabilizzare lo spettatore.

“Raccontare il percorso che porta alla realizzazione dei miei lavori è sempre motivo di confronto – dichiara Max Ferrigno – e quello intercorso nella serata di ieri è stato particolarmente stimolante, percepire il desiderio di conoscere ciò che è alla base della mia narrazione mi rende felice e mi permette di rendere ancora più limpido il mio messaggio”.

La mostra è non curata da Laura Milani, visionaria imprenditrice e manager culturale torinese. La sua scelta intende affermare che la cura non necessita di un titolo formale: è un gesto quotidiano di attenzione, responsabilità e vulnerabilità, un modo di stare nel mondo più che una funzione all’interno del sistema dell’arte.

Delle BadGirls, Milani afferma: “Le donne di Max Ferrigno hanno fatto riflettere il pubblico su come i momenti di svolta nella vita siano in realtà attimi in cui il coraggio si fa strada e riempie lo sguardo di una nuova luce. Un tema quantomai attuale che ricorda come gli ossimori coraggio – paura, forza – fragilità siano i veri nodi dell’esistenza di ognuno di noi e di come una scelta possa mutare il corso dell’esistenza”.

L’energia cinematografica di Quentin Tarantino e Robert Rodriguez attraversa l’intero progetto espositivo: le eroine di Ferrigno sembrano emergere da un film pulp, sospese tra ironia e dramma, tra gioco e sfida. A questa dimensione si aggiunge, come matrice fondamentale, anche Nikita di Luc Besson, le cui atmosfere contribuiscono a definire il carattere determinato e al tempo stesso fragile delle protagoniste. Allo stesso tempo, le suggestioni sudamericane – maturate dall’artista in diversi viaggi – affiorano nel ciclo Sinibaldi, dove la rappresentazione sacra viene ribaltata in un sincretismo che richiama tanto la Santa Muerte quanto una nuova, combattiva reinterpretazione della donna botticelliana.

Con BadGirls, Ferrigno invita il pubblico a entrare in un universo dove fumetto, cinema e iconografie contemporanee convergono per restituire alle donne un ruolo di protagoniste assolute: forti, consapevoli, inarrestabili.

Significativa è stata anche la risposta del collezionismo torinese, da sempre colto e orientato alla ricerca, che ha accolto in modo straordinario una proposta artistica tanto intensa quanto impegnata.

Feat. House si conferma luogo di sperimentazione culturale e di incontro tra mondi diversi: un Social Business Club e la casa del Venture Building, dove creatività e impresa convivono per generare progetti nuovi e audaci. Feat. House opera in collaborazione con la Fondazione Compagnia di San Paolo, co-founding partner.

Il lavoro di Alessandro D’Aquila e di Matteo Mauro non presenta, in epidermide, punti di contatto. Assume una prospettiva fruttuosa se invece si fa riferimento al contesto di pensiero che genera entrambi: assumere un codice formale fortemente connotato, talmente consueto da aver perso in sé ogni possibilità significativa, e riabitarlo con interventi devianti, che schiudano invece forti possibilità di senso.

Nel caso di D’Aquila è una sorta di distillazione del puro vedere, del puro riconoscere tipico dell’oftalmoscopio, che qui viene abilitato a farsi luogo di frammenti poetici altri e alti, da Catullo a Emily Dickinson, per cui i suoi lightbox perdono le pur evidenti fattezze funzionali e si fanno irruzioni lievi ma potenti di un altro sentire, di una vista mentalmente acuminata.

Matteo Mauro lavora invece sulle strutture dinamiche del segno nel suo farsi forma decifrabile: è una soluzione, la sua, molto prossima al grado zero dell’immagine, che non solo pone in scacco l’aspettativa di riconoscimento dello spettatore ma si insinua svelando appena i suoi meccanismi sorgivi: i quali portano in se stessi, in realtà, il proprio destino tutto e chiedono a chi si faccia pubblico una consonanza tra concettuale e puramente emotiva.

Le opere di entrambi sono, in ogni caso, esperienze ben più complesse di quanto l’ovvietà del meccanismo messo in campo nell’enunciazione renda attive: qui è necessaria una partecipazione piena, consapevole, affilata da parte di chi si scelga il ruolo di colui che guarda.