Come dichiarano i due artisti, il progetto espositivo “parte da una serie disordinata di spunti di riflessione attorno alla musica e al suono, riferiti a epoche varie. Tali suggestioni sono state formalizzate, spesso con l’ausilio delle nuove tecnologie, e messe in scena in forma di opere”. Nell’affascinante contesto architettonico dello storico Palazzo Sanguinetti, sede del museo, si susseguono, infatti, una serie di nove opere sonore o legate al tema del suono (inteso in tutte le sue possibili articolazioni tecniche e semantiche) realizzate da Eva Marisaldi (Bologna, 1966) ed Enrico Serotti (Bologna, 1960) nel corso degli ultimi venti anni, alcune delle quali raramente fruibili o riattivate per l’occasione.

Poste in dialogo con le collezioni permanenti dell’istituzione museale bolognese, che conserva il ricco e variegato patrimonio di beni musicali posseduti e custoditi dal Comune di Bologna, queste creazioni sono introdotte dal titolo Per vari motivi – Parte II in riferimento ad una precedente esposizione della coppia di artisti realizzata nel 2022, incentrata su alcuni lavori plastico-sonori, vero leitmotiv della loro produzione. 

La rassegna bolognese si compone di tre installazioni acustiche: Panica (2024), un complesso di nove timpani azionati automaticamente che suonano l’ouverture della favola pastorale L’Orfeo di Claudio Monteverdi esposti nella Sala 1 (Introduzione al percorso museale), in quella “delizia di verdure” che vede protagoniste al centro della sala le due arpe cromatiche e i due cornetti protagonisti dell’opera, a richiamare il canto con cui Orfeo ammalia e induce al sonno Caronte; Tarlo malgascio (2016), allestita nella Sala 3 (Gli amici di padre Martini), che ricrea i rumori emessi da un tarlo all’interno di un armadio in Madagascar e Last flight (2025), che rievoca idealmente le note emesse da un antichissimo flauto neolitico, accostata alla collezione di flauti storici esposti nella Sala 5 (Libri per musica e strumenti secoli XVI e XVII).

Nella Sala 6, dedicata a Farinelli e all’opera del Settecento, trova ambientazione la macchina scenica Surround (2023), ispirata al vronteion greco, precursore del cosiddetto surround: il suono che emette è una specie di rombo di tuono, che veniva utilizzato per evocare l’ira degli Dei durante le rappresentazioni teatrali seicentesche. Nella Sala 9, che conclude il viaggio musicale del museo con due personalità fondamentali del Novecento musicale bolognese quali Giuseppe Martucci (1856-1909) e Ottorino Respighi (1879-1936), l’installazione audiovisiva Democratic psychedelia (2007), una specie di “juke-box eterno” che genera, senza mai ripetersi, una serie infinita di musiche ed immagini animate, dialoga con il radiogrammofono Fonoletta XI prodotto nel 1933 e appartenuto allo stesso Respighi.

A queste opere sonore si alternano tre lavori “muti” riferibili al concetto di assenza di suono e di intervallo/variazione di tempo. Nella Sala 4 (L’idea della musica), dedicata ai più importanti trattati dei teorici musicali che lavorarono fra Quattrocento e Seicento, è esposto il lavoro Molti anni (2015-2025), due palme giocattolo, una in plastica ed una in metallo, per ricordare fasi storiche e culturali distanti tra loro. Nella Sala 7 (Gioachino Rossini e l’Opera nell’Ottocento) si inserisce Un anno (2015-2025), un copricapo in piume esposto per un anno alla luce e poi, per dieci, chiuso al buio di un magazzino, mentre la Sala 8 (Libri per musica e strumenti secoli XVIII e XIX) viene abitata da Nove estati (2016-2026), frammenti tessili scoloriti dai raggi del sole e lo scorrere degli anni.

In occasione di ART CITY Bologna, sabato 7 (ore 10.00 – 22.00) e domenica 8 febbraio 2026 (ore 10.00 – 19.00) nella Sala Laboratorio 1, al piano terra del Museo della Musica, sono visibili in loop quattro opere video realizzate in epoche diverse, ma tutti, per vari motivi, connessi alla musica: Un ragazzo di Scaricalasino (2000), con la ripresa di una performance del violinista Melchiade Benni (1902 – 1992) poco prima della sua scomparsa; Musica per Camaleonti (2003), una “improvvisazione” armonica per camaleonti del Madagascar completata dal contrappunto di alcuni uccelli; Cornucopia (2003), una sorta di oscilloscopio che genera un’animazione astratta e Canti (2022), la documentazione di uno strumento musicale meccanico autogenerativo ideato per interagire col disturbo acustico di alcuni cantieri.

Le opere video saranno presentate dagli artisti Eva Marisaldi ed Enrico Serotti, in dialogo con il curatore Pier Paolo Pancotto, sabato 21 febbraio 2026 alle ore 17.30 per il finissage della mostra.

Eva Marisaldi – Profilo

Eva Marisaldi è nata nel 1966 a Bologna, dove vive e lavora.
Ha studiato all’Accademia di Belle Arti e al DAMS di Bologna, dove ha debuttato nel 1988 alla Biennale dei giovani artisti dell’Europa Mediterranea.
Il suo lavoro si focalizza sulle modalità della comunicazione e del linguaggio, e sulle regole che influenzano i nostri comportamenti. Utilizza diversi media come il disegno, la fotografia, la scultura, il video, le installazioni, l’arte cinetica e la performance per decodificare, in maniera quasi antropologica, cosa si nasconde dietro le convenzioni.
Nel 1998 inizia una lunga collaborazione con il musicista Enrico Serotti. Insieme realizzano diverse installazioni, video, animazioni, animatronics, presentati in manifestazioni nazionali e internazionali.
Ha presentato i suoi lavori in numerose mostre internazionali, tra cui: Esposizione Internazionale d’Arte di Venezia, Venezia (1993, 2001); Istanbul Biennal, Istanbul (1999); Sonsbeek 9, Arnhem (2001); Happiness, Mori Art Museum, Tokyo (2002); Lyon Biennale d’art contemporain (2003), Lione; Alexandria Biennale, Alessandria d’Egitto (2003); G3, Vira (2003), Sevilla Biennale (2004), Gwangju Biennale (2004), Quadriennale in Rome (2005), due progetti speciali per Art Basel (Basilea, 2001 e Miami, 2007); Italy 1980 – 2007, Hanoi (2007); It’s not over yet, New York (2008); Piazze di Roma, Museum of Contemporary Art Shanghai, Shanghai (2010); No Soul for Sale, Tate Modern, Londra (2011); dOCUMENTA (13), Kassel (2012); Think Twice, Whitechapel, Londra (2012); Do it, Prishtina (2014); Time is thirsty, Kunsthalle, Vienna (2019), International biennal of ceramic art, Jingdezhen (2022); Bienal de L’Habana, L’Avana (2024).
Ha realizzato mostre personali in Italia (Bologna, Milano, Firenze, Napoli, Roma, Trento, Torino, Palermo, Parma, Brescia) e all’estero (Londra, Monaco, New York, Bruxelles, Miami, Parigi, Ginevra, Montpellier, Annecy, Goteborg, Newcastle).

Enrico Serotti – Profilo

Enrico Serotti è nato nel 1966 a Bologna, dove vive e lavora.
Dal 1977 al 1979 ha studiato presso l’Istituto Nazionale Studi sul Jazz (Parma). Nel 1985 si è laureato al DAMS (indirizzo musicale) dell’Università di Bologna.  
Musica alternativa
Oltre al Confusional Quartet, ha collaborato con diversi gruppi della new wave tra gli anni Settanta e Ottanta, tra cui Stupid Set, HiFi Bros, Neon, realizzando diversi dischi e molti concerti in Italia e all’estero.
Musica contemporanea
Ha realizzato la sonorizzazione per il Portico del Collegio (Modena 1983). Dal 1986 con l’ensemble “Marco Bertoni Enrico Serotti” ha pubblicato alcuni dischi e partecipato a rassegne in Italia e all’estero, tra cui Via Crucis (Repubblica di San Marino, 1991), AVE Festival (Arnhem, 1991) e Nuova Officina Bolognese (Galleria d’Arte Moderna di Bologna, Bologna, 1992).
L’ensemble ha composto le musiche per il balletto Quintetto Blu di Enzo Cosimi (1994).
Mainstream
Dal 1984 si è occupato anche di musica commerciale, producendo molti dischi di musica pop e dance. Assieme a Marco Bertoni ha collaborato come autore, arrangiatore e produttore artistico con Lucio Dalla, Mauro Malavasi, Gianni Morandi, Heather Parisi, Angela Baraldi (Premio della critica al Festival di Sanremo 1992), Gianna Nannini e altri. Ha composto inoltre musiche per radio, TV e colonne sonore per film, tra cui Le môme di Alain Corneau (1985), Pummarò di Michele Placido, (1986), Un bacio non uccide di Massimo Semprebene (1992), Bambola di Bigas Luna (1996).
Arte Contemporanea
Dal 1998 ha avviato una lunga collaborazione con l’artista Eva Marisaldi, insieme alla quale ha realizzato diverse installazioni, video, animazioni, animatronics, presentati in manifestazioni internazionali tra cui le Biennali di Istanbul, Venezia, Alessandria d’Egitto, Lione, Siviglia, Gwangju, L’Avana, Biennale de l’Image en Mouvement (Ginevra), Art Basel (Basilea e Miami), dOCUMENTA (Kassel), Sonsbeek festival (Arnhem), Festival internazionale del cinema di animazione (Annecy) e in molti musei e gallerie tra cui Mori Art Museum (Tokyo), Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea (Torino), P.S.1 (New York), Tate Modern (Londra), Estorick Collection (Londra), PAC Padiglione d’Arte Contemporanea (Milano), MAXXI – Museo nazionale delle arti del XXI secolo (Roma) e Metropolitan Museum of Art (New York).

Pier Paolo Pancotto – Profilo

Pier Paolo Pancotto è un curatore indipendente, vive e lavora a Roma.
Ha insegnato Storia dell’Arte contemporanea alle Università di Pisa e di Perugia, attualmente svolge attività didattica presso l’Università LUISS, Roma.
Dal 2016 è autore del programma espositivo Art Club per Académie de France à Rome presso Villa Medici a Roma.
Tra gli altri progetti, ha curato la serie di mostre Fortezzuola (Museo Pietro Canonica, Roma, 2016-18), una serie di mostre presso La Fondazione, Roma (2019-2021) e progetti espositivi presso Palais de Tokyo (Parigi); Mairie du 4ème (Parigi), Estorick Collection of Modern Italian Art (Londra), National Art Gallery (Tirana), Lateral Art Space (Cluj), Galleria Nazionale d’Arte Moderna (Roma), Museo HC Andersen (Roma), Museo Carlo Bilotti (Roma), Musei di Villa Torlonia (Roma), Salone Margherita (Roma), Casa Scatturin (Venezia), Palazzo Dolfin Manin (Venezia), Museo Correr (Venezia), Museo Fortuny (Venezia), Casa Goldoni (Venezia), Museo di Palazzo Mocenigo (Venezia); Museo di Villa Pignatelli (Napoli), Chiesa delle Scalze (Napoli).
Tra le sue pubblicazioni: Artiste a Roma nella prima metà del ‘900 (2006), Arte Contemporanea dal Minimalismo alle ultime tendenze (2010), Arte Contemporanea: il nuovo millennio (2013).
Collabora con Artforum e Il Messaggero.

Il Neapolis 2500 Tour degli Ars Nova Napoli prosegue il suo cammino internazionale all’insegna del successo e del riconoscimento istituzionale. Il 23 Gennaio il collettivo neo-folk calcherà il palco dello splendido e suggestivo scenario della Keizersgrachtkerk di Amsterdam, per un concerto pre annunciato sold out organizzato dall’Istituto Italiano di Cultura della città.

L’evento, inserito nel tour internazionale supportato dal Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale (MAECI), ha sancito ancora una volta la forza del “Manifesto Musicale del Mediterraneo Unito” portato avanti dalla band. Davanti a un pubblico internazionale e attento, gli Ars Nova Napoli trasformeranno la chiesa monumentale olandese in una piazza sonora con i ritmi del Sud Europa, ripercorrendo con fisarmonica, mandolino, chitarre battenti e voci la millenaria storia musicale di Napoli, intrisa di influenze greche, balcaniche e nord africane.

La tappa di Amsterdam non è un traguardo isolato, ma il preludio a un ulteriore, prestigioso riconoscimento per il progetto culturale degli Ars Nova Napoli. Il gruppo è stato infatti coinvolto a rappresentare la scena musicale del bacino mediterraneo alla prossima edizione di Babel Music XP – the Mediterranean hub for world music, in programma dal 19 al 21 Marzo 2026 a Marsiglia.

In questa piattaforma essenziale per la musica mondiale, gli Ars Nova Napoli saranno presenti con un proprio stand dedicato, curato in collaborazione con le istituzioni italiane, per presentare a professionisti, festival e promoter internazionali l’intero ecosistema del loro lavoro. Un progetto che va ben oltre il palco, includendo le innumerevoli attività di interscambio culturale – workshop, masterclass, laboratori in ambiti accademici e istituzionali – attraverso cui promuovono la cultura popolare napoletana come linguaggio vivo e contemporaneo di dialogo.

“Questo doppio risultato – il calore del pubblico ad Amsterdam e la partecipazione al Babel Music XP – è la conferma che la strada intrapresa è giusta,” commenta Marcello Squillante, frontman della band. “Portare il nostro suono, che è un suono di incontro, in una chiesa olandese e poi nel cuore del mercato musicale mediterraneo significa affermare che le radici non sono un confine, ma una piattaforma di lancio. Siamo onorati di rappresentare, a Marsiglia, la ricchezza e la complessità del patrimonio folklorico italiano e del suo dialogo costante con il Mare Nostrum.”

Il Neapolis 2500 Tour proseguirà verso altre tappe, consolidando il ruolo degli Ars Nova Napoli come uno dei progetti più originali e visionari nel panorama della world music contemporanea, ponte sonoro tra tradizione e innovazione, tra Napoli e il mondo.

La band è composta da Marcello Squillante (voce e fisarmonica), Michelangelo Nusco (violino, tromba e mandolino), Vincenzo Racioppi (mandolino e charango), Gianluca Fusco (chitarra, fisarmonica diatonica e gaita), Antonino Anastasia (tamburi a cornice) e Bruno Belardi (contrabbasso). Insieme danno vita a un sound unico e immediatamente riconoscibile come un viaggio audace e rispettoso attraverso le tradizioni musicali del Sud Italia.

Ars Nova Napoli – Profilo

Gli Ars Nova Napoli sono un collettivo musicale nato a Napoli, dedicato alla rilettura in chiave contemporanea del vasto repertorio della tradizione musicale napoletana e mediterranea. Con un sound che unisce folk, world music e ritmi balcanici, la band ha conquistato un pubblico trasversale grazie a live spettacolari ed energici, diventando un punto di riferimento della nuova scena folk italiana. E proprio nel loro paese che negli anni si sono esibiti nei più importanti festival e rassegne di musica world come Ariano Folk Festival, Sponz festival, Festival Ethnos, Napoli World, La Notte della Tammorra, Carpino folk e tanti altri. La band collabora e ha collaborato con Trio Mandili (ascolta), Bagarija Orkestar (ascolta), Simona Boo (99 Posse/Comoverão/Bimbi di Fumo), Irene Scarpato (Suonno d’Ajere), Daniele Sepe (ascolta) Lavinia Mancusi, i musicisti dell’ Isola di Evia, Carlo Faiello, Gianni Lamagna, Maria Mazzotta.
Ascoltali dal vivo a La Notte della Tammorra.

Guarda il mini docu del  live alla Royal Opera House Mumbai
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Diversi gli oggetti di Dominelli proposti al pubblico: piatti in ceramica – in una ideale conversazione con gli altri presenti nella collezione museale –, piccole sculture, disegni, paraventi e un tavolino da lavoro che accoglie dodici sculture in gesso, ciascuna evocativa di un mese dell’anno. 

Dominelli trae ispirazione dagli elementi del mondo che lo circonda per creare opere supporto di una geometria essenziale. Manufatti caratterizzati da forme e segni grafici che si intrecciano in contrasti tra il nero e vivaci cromie. L’uso dei colori primari conferisce alle opere una carica espressiva intensa, capace di catturare l’attenzione e coinvolgere emotivamente. Come ha spiegato la curatrice Giuseppina Di Monte: «La mostra di Dominelli negli spazi della Casa museo Boncompagni conferma il valore della decorazione non in quanto componente ornamentale, di superficie e quindi subordinata all’architettura e alla pittura, ma come indipendente e autonoma, niente affatto esornativa o accessoria. Sono lieta di ospitare una mostra il cui “refrain” sia attraverso gli oggetti esposti che nell’installazione presentata fa riverberare la preziosità e l’atmosfera romantica del contesto».

La Casa Museo Boncompagni Ludovisi, infatti, al numero 18 di Via Boncompagni, è un po’ un unicum nel panorama espositivo romano. Luogo un po’ magico, elegante, dalle ampie finestre affacciate su un bellissimo giardino, custodisce una collezione rara e coerente che racconta il gusto eclettico e aristocratico tra Ottocento e primo Novecento: arredi originali, dipinti, sculture, oggetti d’arte decorativa e una straordinaria raccolta di abiti e accessori femminili d’alta moda, affiancata da altri reperti storici e testimonianze della vita quotidiana dell’élite romana. Un patrimonio che restituisce, senza mediazioni, l’eleganza privata di una dimora nobiliare rimasta intatta nel tempo.

In questi spazi ricercati, Dominelli dissemina i suoi oggetti, lasciando che forme e colori creino una narrazione in sintonia con chi osserva, senza racconti precostituiti o precorsi prefissati. Le incrinature di alcune ceramiche, i pezzi mancanti di alcuni piatti, i paraventi per natura mobili a separare gli spazi eppure a moltiplicarli, sono tutti elementi che vanno volutamente a disturbare l’ordine dell’esposizione, tradendo il gesto umano imperfetto, ma libero, l’afflato creativo dell’artista.

Una mostra insolita, una “indagine poetica” – come viene descritta in uno dei pannelli curatoriali – “sull’armonia sottile tra precisione e deviazione, tra struttura e libertà, tra forma e imperfezione. Un percorso visivo che si muove lungo il confine tra l’ordine apparente e il gesto umano che lo sovverte“.

Salvatore Dominelli  – Profilo

Nasce a Serra San Bruno, in Calabria, nel 1954. Nel 1972 si trasferisce a Roma, dove nel 1977 consegue il diploma in Pittura presso l’Accademia di Belle Arti. Dagli anni Settanta in poi partecipa a numerose mostre personali e collettive, sia in Italia che all’estero, tra cui la XII Esposizione Nazionale Quadriennale d’Arte di Roma e la 54ª Biennale di Venezia. Le sue opere sono state esposte in Germania, Austria, Inghilterra, Olanda, Danimarca, Egitto, Estonia, Finlandia, Libano, Turchia, Siria, Spagna, Malta, Sud Africa, Slovenia e gli Stati Uniti.

In questa mostra alla Galleria Vik Milano, tuttavia, Damioli presenta un nucleo di opere che segna uno scarto deciso rispetto alla sua produzione più nota. Al centro non vi è più il paesaggio, ma la figura umana, protagonista di una serie di scene sospese ed enigmatiche che costituiscono il cuore della mostra “Le grand Jeu. La magia del quotidiano”. I personaggi dipinti da Damioli sono colti in azioni lontane da ogni idea produttiva o funzionale del fare. Si tratta di gesti che rimandano a una dimensione simbolica, ludica, sensoriale: la divinazione, il gioco, l’attenzione ai sensi, la contemplazione, l’abilità fine a sé stessa, il gesto del dono. Attività marginali, apparentemente inutili, che sembrano appartenere a un tempo indefinito e che alludono a un sapere laterale, non razionale, sottratto alle logiche dell’efficienza. Nel loro insieme, queste opere delineano una galleria di figure sospese in un tempo altro, che sembrano guardare con discreta nostalgia a un aspetto irrazionale e ludico della realtà.

“Acrobati, maghe, giocolieri, cartomanti, illusionisti, distillatrici di profumi, donne in attesa forse, come antiche principesse vittime d’un incantesimo, del dono di un ammiratore lontano e sconosciuto che possa restituire loro una felicità perduta e vagheggiata”, scrive il curatore Alessandro Riva. “Sono questi i personaggi che Aldo Damioli ci imbandisce in questa sua serie di quadri insieme limpidi ed enigmatici, figure che abitano una zona laterale del reale, dove il gesto si sottrae alla funzione e l’azione perde scopo, caricandosi di una densità simbolica che ha a che fare con l’attesa, con il rito, con una sospensione del tempo ordinario. Lo stesso titolo della mostra, Le grand Jeu, rimanda alla rivista omonima fondata tra il 1927 e il 1928 da un gruppo di liceali francesi, poco più che adolescenti, tra cui Roger Gilbert-Lecomte e René Daumal, per i quali il ‘gioco’ non era evasione ma un banco di prova conoscitivo, capace di incrinare le forme stabilite del pensiero e della percezione. È in questa stessa linea che si colloca oggi la pittura di Damioli: non come racconto del mondo, ma come esposizione delle sue tensioni più segrete, dove anche l’arte, col suo potere metamorfico e misterioso, si colloca tra i grandi artifici simbolici capaci di incidere, se non direttamente sulle sorti del mondo, certo sulle coscienze, sugli stimoli, sulla percezione, sui confini stessi dell’immaginario di chi la ama, la colleziona e la vive nel proprio quotidiano”.

In un presente segnato da conflitti, paure planetarie e accelerazione continua, la pittura di Damioli suggerisce dunque la possibilità di un diverso rapporto con il reale, fondato sull’esperienza, sull’attesa e sull’enigma. Un “grande gioco”, appunto, in cui il quotidiano si carica di una magia sottile, silenziosa, mai spettacolare, ma profondamente necessaria.

Aldo Damioli – Profilo

Aldo Damioli è nato a Milano nel 1952, dove vive e lavora. Ha partecipato a numerose mostre in Italia e all’estero, tra cui la Biennale di Venezia e la Quadriennale di Roma. Le sue opere sono state esposte in importanti istituzioni pubbliche, tra cui Palazzo Reale e il
PAC di Milano, il Rupertinum Museum di Salisburgo, la Galleria d’Arte Moderna di Budapest, e le Gallerie d’Arte Moderna di Genova e Bologna.

Per l’edizione 2026 il Festival del Tempo sceglie il cinema come linguaggio privilegiato per indagare la natura del Tempo e della sua percezione, mettendo al centro l’esperienza fisica e sensibile della visione. Un cinema che non spiega il tempo, ma lo fa sentire, lo attraversa, lo rende esperienza condivisa.

Il Festival è aperto a filmmaker emergenti e affermati (dai 18 anni in su) e a case di produzione.
Le opere ammesse devono essere iscritte esclusivamente tramite la piattaforma FilmFreeway. https://filmfreeway.com/FestivaldelTempo L’iscrizione è gratuita. 

Categorie in concorso

• Short Film
• Animazione
• Documentario
• Film Sperimentale e Videoarte
• Video Musicale

Durata massima: 25 minuti

Categoria speciale

• Documentario Lungo
  Durata massima: 150 minuti

Il regolamento completo è disponibile su FilmFreeway.

Il Festival del Tempo si configura come uno spazio di incontro tra cinema, arti visive e ricerca contemporanea, dedicato a opere che interrogano il tempo come esperienza viva, fragile e in trasformazione.

L’immagine guida della settima edizione del Festival del Tempo è Costellazioni di Sara Ciuffetta per il Festival del Tempo 2024. 

Il Festival del Tempo è promosso dall’associazione culturale blowart, con la collaborazione di Movimento VulnerarTe APS e VulnerarTe Magazine. 

I reperti storici e artistici, le storie e le tradizioniterritoriali dalle confraternite di Sessa Aurunca, passando per l’inedito archivio fotografico della memoria di Cusano Mutri, fino al racconto di come il cavallo ha tessuto i rapporti tra l’uomo e la storia a Santa Maria Capua Vetere. Questi sono alcuni dei soggetti protagonisti del “Progetto Borghi – Building Opportunities for Rural Growth: Heritage and Innovation”, l’innovativa docu-web-serie prodotta dall’associazione Renovatio con la regia di Lorenzo Zeppa, e la supervisione scientifica della Professoressa Nadia Barrella dell’Università degli Studi della Campania Luigi Vanvitelli, che valorizza alcuni significativi territori come Sessa Aurunca (CE), Montesarchio (BN), Sant’Agata de Goti (BN), Cusano Mutri (BN), Aversa (CE), Maddaloni (CE) e Santa Maria Capua Vetere (CE).

Al centro del progetto il posizionamento della figura del professionista culturale per la valorizzazione e la narrazione dei territori per giungere all’uso anche di internet e dei canali social per raccontare le eccellenze locali ed il patrimonio materiale e immateriale.

Il progetto nasce come un percorso di ricerca e sperimentazione volto a promuovere un rinnovato approccio alla divulgazione del patrimonio culturale, basato sull’ascolto dei territori e sul coinvolgimento attivo delle popolazioni.

Borghi utilizza le piattaforme digital e social come strumento di valorizzazione e ha previsto la creazione e la formazione di un gruppo di professionisti, i ricercatori della Vanvitelli, che uscendo dalla loro routine, si sono impiegati a questo progetto innovativo che auspica ad importanti risultati.

Ogni episodio è stato concepito per restituire l’identità specifica dei singoli borghi – attraverso paesaggi, memorie, pratiche e voci locali di associazioni, confraternite, artigiani, imprese familiari  – mantenendo una trama narrativa comune, che consente di “leggere” i diversi contesti come parti di un racconto corale.

I cinque capitoli tematici, sono brevi docu-film, delle durata media di 15 minuti cad. e sono disponibili parzialmente sulla pagina YouTube di Renovatioe su varie piattaforme. L’ultimo capitolo sarà online nelle prossime settimaneper completare la pubblicazione di tutti gli episodi entro il mese di gennaio.

I NUMERI:

Ad oggi la risposta del pubblico è certamente di grande interesse, con quasi due milioni di visualizzazioni sommando i risultati tra tutte le piattaforme social e con oltre 300 mila views solo su Instagram. L’obiettivo è quello che promuovere e valorizzazione scientificamente questi territori, ma di porre anche l’attenzione su un tema cruciale nell’ambito della divulgazione culturale, ovvero la creazione di contenuti che possano diventare anche intrattenimento culturale.

Il progetto, finanziato dalla Fondazione Changes nell’ambito dello Spoke 8 gestito da La Sapienza Università di Roma nell’ambito del PNRR, ha come partner: l’impresa Logos, l’Università degli Studi della Campania Luigi Vanvitelli e l’Associazione Renovatio. 

I nomi dei partecipanti: Responsabile Scientifica Prof.ssa Nadia Barrella. Responsabile di progetto Lorenzo Zeppa. Ricercatori: Stefania Del Re, Domenico Coppola, Fabio Nardiello, Mariantonia Galdiero, Nadia Clara Trigari, Nicola Urbino. Riprese video di Giuseppe Pesce. Foto di Fabio Bussalino. Editing MB Networkas.

Qui i primi capitoli fruibili gratuitamente: