L’ampia retrospettiva, che presenta oltre cento opere, ha rapidamente conquistato visitatori, addetti ai lavori e critica specializzata, grazie a un percorso espositivo capace di restituire tutta la forza poetica e l’originalità dello sguardo di Smith. Promossa dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo, in collaborazione con il Comune di Rovigo e l’Accademia dei Concordi, con il supporto di Intesa Sanpaolo e prodotta da Silvana Editoriale, la mostra – curata da Anne Morin – si è rivelata uno degli appuntamenti culturali più apprezzati della stagione espositiva.

Il pubblico italiano sta scoprendo un autore dalla cifra stilistica inconfondibile: fotografie eleganti e rigorose, percorse da un’ironia sottile e surreale, che ha spesso richiamato alla mente l’universo di René Magritte. Le iconiche immagini in bianco e nero di Smith, realizzate esclusivamente con pellicola e luce naturale, senza alcun intervento di postproduzione, colpiscono per la perfezione formale e la cura artigianale, restituendo mondi sospesi, visionari, ricchi di sorprese e contraddizioni.

Allievo di Walker Evans e influenzato da maestri come Ansel Adams, Henri Cartier-Bresson, Margaret Bourke-White e W. Eugene Smith, Rodney Smith ha avuto una carriera internazionale di primo piano, con lavori pubblicati su testate quali TIME, The New York Times, Wall Street Journal e Vanity Fair, oltre a importanti collaborazioni nel mondo della moda con brand come Ralph Lauren, Neiman Marcus e Bergdorf Goodman. Eppure, nonostante questo prestigioso percorso, il suo nome era rimasto ai margini del panorama espositivo italiano: una lacuna che Palazzo Roverella sta colmando con esiti sorprendenti.

La mostra è articolata in sei sezioni tematiche – La divina proporzione, Gravità, Spazi eterei, Attraverso lo specchio, Il tempo, la luce e la permanenza, Passaggi – e accompagna il visitatore in un viaggio immersivo nel pensiero e nella sensibilità di Smith. Un percorso che sta affascinando per la sua capacità di parlare a pubblici diversi, dagli appassionati di fotografia ai visitatori meno esperti, tutti accomunati da una risposta emotiva intensa e immediata.

Uomo colto, studioso di teologia e filosofia, Rodney Smith ha sempre concepito la fotografia come strumento di indagine esistenziale. Definendosi un “ansioso solitario”, trovava nell’atto fotografico un modo per “riconciliare il quotidiano con l’ideale”, trasformando l’osservazione del mondo in partecipazione attiva. Le sue immagini, cariche di humour, grazia e ottimismo, mettono ordine nel caos e invitano a uno sguardo più attento e gentile sulla realtà.

Come sottolinea la curatrice Anne Morin, ogni fotografia di Smith è “un tentativo sempre nuovo di ricreare un’armonia divina”, un’immagine eterea ed estatica capace di sedurre lo sguardo per la raffinatezza delle forme, la sobrietà narrativa e il silenzio che le attraversa. Un linguaggio visivo che trova sorprendenti affinità anche con il cinema, da Alfred Hitchcock a Wes Anderson, fino alle grandi figure del cinema muto come Buster Keaton e Charlie Chaplin.

Il successo di pubblico e di critica conferma così la forza universale dell’opera di Rodney Smith e la capacità della mostra di parlare a un pubblico ampio e trasversale. C’è tempo fino al 1° febbraio 2026 per visitare l’esposizione a Palazzo Roverella e lasciarsi affascinare dall’universo poetico di questo raffinato autore.

La personale SCULTURE si inserisce nel percorso di visita delle Collezioni Comunali d’Arte creando un dialogo diretto con il contesto del museo “ambientato” al secondo piano di Palazzo d’Accursio, che espone opere dal Medioevo al Novecento in sale storiche decorate con affreschi e arredi d’epoca, ricreando l’atmosfera delle antiche residenze cardinalizie.
Il titolo, essenziale e aperto, richiama l’ambito di ricerca espressiva che l’artista porta avanti da oltre un decennio con una pratica plastica tra figurazione e informale, che si inscrive consapevolmente all’interno di una tradizione scultorea ampia e stratificata, che va da Medardo Rosso ad Arturo Martini, da Auguste Rodin a Constantin Brâncuși, da Amedeo Modigliani a Lucio Fontana.

Le sette opere modellate in terracotta macchiata di pigmenti – forme umane o animali, teste, figure, autoritratti, presenze sospese tra introspezione e umanità –, tutte inedite e realizzate tra 2021 e 2025, sono collocate in sei sale, posizionate ognuna al centro dello spazio. Questa scelta allestitiva mette in risalto il rapporto tra scultura e ambiente, invitando i visitatori a osservare ogni lavoro come un incontro individuale, in cui il silenzio e la solitudine diventano parte integrante dell’esperienza di fruizione.
La relazione tra le sculture di Becheri e l’architettura del museo crea un percorso scandito da pause e confronti, in cui il passato delle collezioni e la contemporaneità dell’intervento artistico si riflettono reciprocamente. La mostra offre così una lettura essenziale e concentrata della pratica scultorea dell’artista, proponendo un attraversamento fatto di presenze discrete, forme in ascolto e inattese risonanze con il luogo che le accoglie.

Scrive il curatore Lorenzo Balbi nel testo critico che accompagna la mostra: “Le opere in mostra non si offrono come immagini compiute o come rappresentazioni stabilizzate. Al contrario, sembrano trattenere qualcosa, rimanere in uno stato di sospensione, come se fossero colte nel momento stesso della loro formazione. Solitudine, Stupefatto, Autoritratto, Figura: i titoli non descrivono, ma orientano lo sguardo verso una dimensione interiore, psichica, quasi emotiva, che non trova mai una traduzione letterale nella forma.”

Nella Galleria Vidoniana (Sala 4), spazio di rappresentanza del Cardinale Legato, unitamente alla Sala Urbana tra gli ambienti di maggior effetto per il visitatore, sono collocate le due sculture di più recente produzione Solitudine 02.06.2025 e Stupefatto (2025).
In Solitudine 02.06.2025 la testa allungata e orizzontale appare come un corpo disteso, quasi schiacciato dal proprio peso. Non è un ritratto, né una maschera: è una presenza che sembra farsi carico di una condizione, più che di un’identità. La materia conserva le tracce del gesto, le irregolarità, le tensioni interne, come se la forma fosse il risultato di una pressione continua, di un lavorio che non si è mai del tutto concluso.

Stupefatto è una scultura singola, che assume tuttavia una posizione centrale nella ricerca di Becheri. Non si tratta di una variazione seriale, ma di un autoritratto, inteso non come esercizio di riconoscimento fisionomico, bensì come spazio di riflessione sullo statuto stesso dell’immagine di sé. Il volto, colto in una condizione di sospensione e di apertura, non restituisce un’identità stabile, ma una soglia: uno stato di attenzione, di esposizione, di lieve spaesamento. In questa scultura l’autoritratto non funziona come affermazione, ma come interrogazione. Stupefatto rende visibile come, per Becheri, la scultura non sia mai il risultato di un modello da replicare, ma l’esito di un processo aperto, condotto direttamente nella materia.
Il topos, storicamente carico, del volto dell’artista viene svuotato di ogni intenzione celebrativa o narrativa anche nell’Autoritratto (2025) visibile nella Sala 7 (ala dei Primitivi). Ciò che emerge non è tanto un’immagine dell’artista, quanto una condizione mentale, un tempo interiore che si deposita nella materia.

Nelle restanti quattro opere, tutte intitolate Figura (2021, 2023, 2024, 2025), il corpo umano è ridotto all’essenziale, come se fosse il residuo di un processo di sottrazione. Non c’è descrizione anatomica, né volontà espressiva in senso tradizionale. Eppure, queste forme mantengono una forte carica di umanità, una presenza che si impone proprio attraverso la sua fragilità.

Conclude Lorenzo Balbi: “La scultura, per Becheri, non è mai il luogo di una forma compiuta, ma il risultato sempre provvisorio di una serie di decisioni prese nel tempo, sotto la pressione della materia e del gesto. In questo senso, ogni opera conserva qualcosa di non risolto, di trattenuto, come se restasse aperta alla possibilità di un’altra direzione. È una scultura che non pretende di affermare, ma di sostare; che non occupa lo spazio, ma lo ascolta. […] Le forme che abitano questa mostra non chiedono di essere interpretate, ma incontrate. Non offrono un’immagine da decifrare, ma un tempo da condividere. Nelle sale delle Collezioni Comunali d’Arte, queste sculture non si limitano a dialogare con il passato: lo mettono in vibrazione. Tra la densità della materia e la fragilità del gesto, tra la solitudine della forma e l’ascolto dello spazio, il lavoro di Emanuele Becheri restituisce alla scultura una possibilità rara e necessaria: quella di essere, oggi, un luogo di attenzione, di esitazione e di presenza.”

Emanuele Becheri – Profilo

Nato a Prato nel 1973, Emanuele Becheri si è diplomato all’Accademia di Belle Arti di Firenze nel 1995.
La sua pratica incorpora scultura, disegno e video.

Emanuele Becheri ha esposto frequentemente in Italia e all’estero, tra cui si ricordano le personali: Sculture (MEF – Museo Ettore Fico, Torino, 2025); Opere (CAR Gallery, Bologna, 2024); Sculptures (Galerie Bernard Bouche, Parigi, 2024); Sculture e disegni (Museo Novecento, Firenze, 2020); Bildhauer in der sinne (GIG, Monaco di Baviera, 2020); Stati d’animo (Fuoricampo Gallery e Santa Maria della Scala, Siena, 2019).

Tra le mostre collettive si ricordano: East and West (GNAMC – Galleria Nazionale Arte Moderna e Contemporanea, Roma, 2025); Teste (ChorAsis – Villa Rospigliosi, Prato, 2025); Controluce (Museo d’Inverno, Siena, 2024); Panorama XIX (GNAMC – Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, Roma, 2023; Ragione e Sentimento (Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, Roma, 2019); Video from the Collection of the Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea (EMST – National Museum of Contemporary Art, Atene, 2018); De scultura (Casa Masaccio Centro per l’Arte Contemporanea, San Giovanni Valdarno, 2018).

Guadagnuolo, fedele alla sua ricerca transrealista, non dipinge non solo un ritratto né un ricordo. Dipinge un sogno. Un sogno fatto di luce morbida, di tessuti che si liberano dalla materia, di forme che fluttuano come anime gentili. Gli abiti immaginati da Valentino non hanno più bisogno di un corpo: vivono di vita propria, diventano presenze, spiriti tessili che ascendono verso un’aureola dorata, custode dell’essenza del loro creatore. La scena è un palcoscenico sospeso tra cielo e memoria, dove la luce non illumina ma accarezza, e le ombre non nascondono ma proteggono. È un teatro dell’anima.

E proprio in questo teatro sospeso si apre un dialogo inatteso ma naturale con l’opera teatrale Tra vestiti che ballano (del 1927) di Pier Maria Rosso di San Secondo. Non è un accostamento forzato: è una risonanza. Entrambi gli autori Rosso di San Secondo (1887/1956) e Guadagnuolo, nati a Caltanissetta, condividono una sensibilità che trasforma il reale in simbolo, l’oggetto in presenza, il vestito in personaggio. Nel dramma di Rosso, gli abiti sono entità vive, specchi dell’inconscio. Nell’opera di Guadagnuolo, gli abiti di Valentino assumono la stessa autonomia poetica: non rappresentano, ma raccontano; non decorano, ma custodiscono; non imitano, ma continuano a vivere.

È come se, a distanza di un secolo, due artisti nisseni s’incontrassero in un altrove onirico, un cielo che somiglia a un set fotografico e a un paradiso della memoria. Un luogo dove Rosso riconosce negli abiti fluttuanti ciò che aveva intuito nel suo teatro, e Guadagnuolo raccoglie quell’eredità simbolista per tradurla nella pittura contemporanea. Un incontro ideale, sentimentale, quasi necessario.

In questo spazio sospeso, gli abiti di Valentino non sono ricordi: sono figli fedeli che gli girano intorno, lo sfiorano, lo salutano. Ogni piega, ogni ricamo, ogni vibrazione di rosso sembra dire: non sei andato via. Il rosso, poi, è il cuore pulsante del dipinto. Non domina la scena, la anima.

Vibra come un ricordo che non vuole svanire, come un battito che continua oltre la vita. È il rosso che Valentino ha consegnato al mondo, trasformandolo in emozione, architettura, identità.

Così, nell’opera di Guadagnuolo, la pittura diventa scena, la moda diventa racconto, il teatro diventa immagine, e l’immagine diventa un modo per non dire addio. L’omaggio non chiude, ma apre. Non celebra, ma interpreta. Non guarda indietro, ma in avanti, dove il rosso di Valentino continua a risplendere come una promessa che non smette di chiamare.

Perché ricordare Valentino significa accettare che certi sogni non finiscono. Cambiano forma. Si trasformano. Continuano a brillare.

E in quel cielo dove gli abiti danzano, dove gli artisti si riconoscono senza essersi mai incontrati, dove la bellezza non muore ma cambia forma, Valentino è ancora lì. È ovunque. È nel rosso che non smette di vivere.

Marco Simoncelli, artista, armonicista e cantante tra i più autorevoli del panorama musicale italiano, pubblica ‘Prima di Morire’, disponibile su tutte le piattaforme digitali e in formato fisico. 

L’album segna una svolta significativa nel suo percorso artistico, è un lavoro interamente in italiano, fortemente cantautorale e per le tematiche che vengono trattate, può essere inteso come una sorta di concept album. 

Nove brani in cui emergono in modo netto la cifra artistica di Marco Simoncelli, il pensiero critico e il dissenso verso situazioni, storie e opinioni standardizzate.

PRIMA DI MORIRE’, IL NUOVO ALBUM

L’album che dichiara le proprie intenzioni fin dalla copertina, impreziosita dallo scatto di Renzo Chiesa (autore di scatti tra i più iconici e storici della musica in Italia, i più noti quelli a soggetto Lucio Dalla), si apre con ‘Il Circo’, manifesto programmatico jazz-prog controcorrente che invita alla riflessione. 

‘Ma non mi dire’ unisce reggae e jazz con un dialogo serrato tra voci e tromba; ‘Di Amore e di Politica’ è un lento jazzato, intimo e sussurrato, sorretto dal pianoforte.

‘Il Cantautore Lucio’, in rotazione nelle radio italiane in queste settimane, prende a prestito alcune frasi celebri da ‘Disperato Erotico Stomp’ per rendere omaggio al cantautorato, così come, attraverso un assolo virtuoso di armonica, al compianto Toots Thielemans.

Tra i brani più incisivi, ‘Carolina’ affronta il tema dell’anoressia con un groove funky, ‘Natale Triste’, scritto a quattro mani con Stefano Berto, veste di gospel un testo di feroce critica politica, mentre ‘Pollo al BBQ’ riflette sul tema del suicidio.

‘Fra’ Martino’, filastrocca amara e ironica, si configura come il vero manifesto del disco, mentre ‘Come sarebbe bello’ chiude con un soul orchestrato dai fiati, dall’armonica e da un testo pungente sui falsi rapporti umani.

In ‘Prima di Morire’ convivono una musica elegante e multiforme – che attraversa pop, jazz, soul, rock, reggae e gospel – e testi densi, ironici e profondamente critici.

I riferimenti ideali di Simoncelli si ritrovano nelle sonorità di Lucio Dalla, nei testi di Francesco Guccini e nell’interpretazione di Sergio Caputo. 

Un disco raffinato e intenso, dalla produzione sontuosa a cura di Antonio ‘Aki’ Chindano per Auditoria Records, capace di entrare nella mente e pulsare nel cuore, confermando Marco Simoncelli come una voce originale e necessaria della musica italiana contemporanea.

ECCO LE PRIME DATE DI PRESENTAZIONE DI ‘PRIMA DI MORIRE’

16 gennaio – Spazio Materia, Varese (VA)
17 gennaio – Carù Libri & Dischi, Gallarate (VA)
19 febbraio – Corte dei Miracoli, Milano (MI)
20 febbraio – Black Inside, Lonate Ceppino (VA)

CHI È MARCO SIMONCELLI

Marco Simoncelli è un musicista e cantautore italiano nato a Legnano (MI) l’8 dicembre 1972. Inizia lo studio del pianoforte nel 1980 e, tra la fine degli anni Ottanta e i primi Novanta, si afferma come tastierista in diverse band, affiancando all’attività live esperienze professionali in ambito discografico.

Dal 1994 si avvicina al blues e all’armonica a bocca, approfondendo in seguito anche l’armonica cromatica grazie agli insegnamenti di Max De Aloe e perfezionando le sue competenze con Luciano Zadro. Nel corso degli anni sviluppa un linguaggio personale che attraversa blues, jazz, rock, country e reggae.

Nel 2008 pubblica il primo album solista ‘Tuttology‘. Dal 2010 al 2014 guida la band The Magnetoscopics, con cui realizza ‘Heart Attack‘ (2012). Tra il 2014 e il 2017 suona stabilmente in Europa con la band svizzera Marco Marchi & The Mojo Workers, partecipando a importanti festival blues e jazz.

Ha inoltre collaborato ad altri numerosi progetti musicali con artisti quali Anita Camarella e Davide Facchini, Veronica Vismara, Lizhard, Laura Federe, Skill in Veins, Iva Zanicchi e Sugar Ray Dogs.

Tra il 2018 e il 2020 vive a Bruxelles, dove nasce ‘Breejo‘, pubblicato nel 2022 da Abeat Records. Le sue performance, intense e versatili, lo hanno portato a esibirsi sui palchi di tutta Europa e a collaborare con numerosi artisti della scena blues e jazz italiana ed europea. Nel 2025 pubblica il nuovo album ‘Prima di Morire‘.

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Definito “il corsaro della pittura”, Concetto Pozzati (Vo’, 1935 – Bologna, 2017) ha tracciato un ponte dialogante tra le diverse correnti culturali del dopoguerra, dal Surrealismo all’Informale e alla Pop Art. Le sue opere mantengono uno stretto rapporto con il segno, traccia distintiva del suo stile anche quando, dopo un iniziale periodo informale, si confronta con l’arte di Magritte e De Chirico, da lui definiti i suoi maestri ideali, e quando diventa uno dei più importanti rappresentanti della Pop Art italiana. In questa fase porta avanti una ricerca che non intende illustrare o glorificare il processo o le merci del consumo, ma che indaga il rapporto arte-merce, fino a spostare l’attenzione “alla critica del guardare e dell’occhio”. Produzione di differenze, turbamento, contaminazione, ginnastica delle mani e degli occhi, spaesamento, ambiguità, ironia, arte come interrogazione, divisione tra sperimentazione e tradizione, arte come fare, arte e responsabilità politica: questi alcuni dei concetti ricorrenti nella sua lunga e intensa vita artistica e intellettuale. Stimato professore, attento studioso e conoscitore dell’arte, amava molto parlare del lavoro degli altri e, curioso di dialogare con i suoi studenti, condivideva con loro conoscenze e passioni.

Concetto Pozzati ha scritto su Giorgio Morandi alcuni testi fondamentali, tra cui la presentazione della mostra Morandi e il suo tempo (1985-1986), allestita alla Galleria d’Arte Moderna di Bologna, intitolata Il tempo “autre” di Morandi, e il ritratto di Morandi inserito nel proprio diario di pittore, pubblicato da Corraini nel 2007, dal titolo Concetto Pozzati. Parola d’artista in cui emerge il rapporto conflittuale avuto con il grande maestro bolognese (amico del padre Mario e dello zio Severo Pozzati), un “uomo scomodo, che non ho amato e che non amo a differenza dello spessore di quel microcosmo irraggiungibile che era la sua pittura”.

Da e per Morandi è il titolo scelto da Concetto Pozzati per una serie di lavori che testimoniano un dialogo durato oltre quarant’anni con l’opera di Giorgio Morandi. Un confronto costante, espresso sia attraverso dipinti a lui dedicati sia mediante testi e riflessioni scritte sul suo metodo pittorico. Per questa occasione espositiva, Casa Morandi presenta alcune tra le opere più rappresentative dell’artista proponendo come lavoro di apertura Da e per Giorgio Morandi del 1964, anno della partecipazione di Pozzati alla XXXII Esposizione Internazionale d’Arte di Venezia e a documenta III di Kassel. Nella tela ad emergere chiaramente è la fase di transizione dall’informale organico a una pittura più oggettuale, vicina alla sensibilità pop.
Il percorso espositivo prosegue con due lavori del ciclo Restaurazione (1973). Qui la rosa e la natura morta dipinte da Pozzati si sovrappongono a un’incisione ingrandita del maestro bolognese, come se immagini appartenenti a epoche diverse si riconoscessero parte dello stesso processo creativo, “da e per”.
Nei lavori dedicati a Morandi del 1974 Quattro più quattro. Per Morandi e Dal dizionario della restaurazione: bottiglie confezionate da e per Morandi la ricerca di Pozzati si fa ancora più audace: l’artista inserisce nelle opere reperti oggettuali, fotografie, inserti di scrittura, elementi eterogenei che convivono in un linguaggio pittorico nuovo, ironico e spregiudicato. Nell’anno di realizzazione dei due lavori, Pozzati scriveva: «Sfogliamo pagine sparse ricevute. Ampliamo un dizionario già dato, già vissuto. Repertorio-glossario rivisitato e ri-costruito. Appropriazione-citazione-sovrapposizione-organizzazione. Investigazione sul passato. Uso del Passato. Usare è fare. Fare è vivere».
A chiudere la mostra, alcune carte della serie A casa mia (2007-2008): un nucleo intimo e malinconico in cui gli oggetti domestici diventano presenze affettive, quasi icone della quotidianità familiare.

Concetto Pozzati – Profilo

Concetto Pozzati (Vo’, 1935 – Bologna, 2017) è attivo dal 1949 a Bologna, dove frequenta l’Istituto d’Arte inizialmente interessandosi di architettura e di grafica pubblicitaria. Nel 1955 è a Parigi per perfezionarsi nello studio della pubblicità con lo zio Sepo (Severo Pozzati), celebre cartellonista, con il quale fonda a Bologna la Scuola d’Arte Pubblicitaria dedicata a suo padre, l’artista Mario Pozzati. Nel 1962 e nel 1964 realizza alcune scenografie per i teatri stabili. Dal 1967 insegna all’Accademia di Belle Arti di Urbino, che poi dirigerà; in seguito ha insegnato nelle Accademie di Firenze, Venezia e Bologna. Assessore alla Cultura del Comune di Bologna dal 1993 al 1996, nel 1998 è direttore artistico della Casa del Mantegna di Mantova. Membro dell’Accademia Nazionale di San Luca dal 1995 e Consigliere Accademico dal 2005, accanto a un’inesauribile ricerca artistica segnata da importanti riconoscimenti, tra cui il Sigillo d’Ateneo dell’Università di Bologna (2005), e da esposizioni nel mondo, conduce una sensibile attività di curatore di mostre, manifestazioni culturali e pubblicazioni, mostrando un interesse privilegiato per i problemi di critica e teoria dell’arte visti dalla parte degli artisti.

Ha partecipato alle principali rassegne internazionali tra cui la Quadriennale di Roma (1959, 1965, 1973, 1974, 1986), l’Esposizione Internazionale d’Arte di Venezia (1964, 1972, 1982, 2007, 2009, 2013, le Biennali di San Paolo in Brasile (1963), di Tokio (1963) e di Parigi (1969), documenta di Kassel (1964). Ha presentato mostre personali e antologiche nei più importanti musei e gallerie in Italia e all’estero, tra cui Palazzo della Pilotta, Parma (1968, 2002); Palazzo Grassi, Venezia (1974); Palazzo delle Esposizioni, Roma; Padiglione d’Arte Contemporanea, Ferrara (1976); Museu de Arte de São Paulo, in Brasile (1987); International Centre of Graphic Arts e Cankariev Dom, Lubiana (1993); Vente Museum, Tokio (1993); A.A.M. Architettura Arte Moderna, Roma (1998); Museo del Sale, Cervia (2006); Museo Morandi, Bologna (2007); Chiesa di San Stae, Venezia; Sala dei Battuti, Conegliano (2008); Museo Civico Archeologico, Bologna (2008); MAR – Museo d’Arte della Città di Ravenna, Ravenna (2010); CAMeC – Centro Arte Moderna e Contemporanea, La Spezia (2012); Villa Contarini Venier, Vo’ (2012); Museo San Domenico, Imola (2013); Palazzo Fava, Bologna (2023-2024) dove è stata realizzata la più grande mostra antologica dell’artista realizzata dopo la sua scomparsa intitolata Concetto Pozzati XXL.

Concetto Pozzati muore a Bologna nella propria casa l’1°agosto del 2017.