Diversi gli oggetti di Dominelli proposti al pubblico: piatti in ceramica – in una ideale conversazione con gli altri presenti nella collezione museale –, piccole sculture, disegni, paraventi e un tavolino da lavoro che accoglie dodici sculture in gesso, ciascuna evocativa di un mese dell’anno. 

Dominelli trae ispirazione dagli elementi del mondo che lo circonda per creare opere supporto di una geometria essenziale. Manufatti caratterizzati da forme e segni grafici che si intrecciano in contrasti tra il nero e vivaci cromie. L’uso dei colori primari conferisce alle opere una carica espressiva intensa, capace di catturare l’attenzione e coinvolgere emotivamente. Come ha spiegato la curatrice Giuseppina Di Monte: «La mostra di Dominelli negli spazi della Casa museo Boncompagni conferma il valore della decorazione non in quanto componente ornamentale, di superficie e quindi subordinata all’architettura e alla pittura, ma come indipendente e autonoma, niente affatto esornativa o accessoria. Sono lieta di ospitare una mostra il cui “refrain” sia attraverso gli oggetti esposti che nell’installazione presentata fa riverberare la preziosità e l’atmosfera romantica del contesto».

La Casa Museo Boncompagni Ludovisi, infatti, al numero 18 di Via Boncompagni, è un po’ un unicum nel panorama espositivo romano. Luogo un po’ magico, elegante, dalle ampie finestre affacciate su un bellissimo giardino, custodisce una collezione rara e coerente che racconta il gusto eclettico e aristocratico tra Ottocento e primo Novecento: arredi originali, dipinti, sculture, oggetti d’arte decorativa e una straordinaria raccolta di abiti e accessori femminili d’alta moda, affiancata da altri reperti storici e testimonianze della vita quotidiana dell’élite romana. Un patrimonio che restituisce, senza mediazioni, l’eleganza privata di una dimora nobiliare rimasta intatta nel tempo.

In questi spazi ricercati, Dominelli dissemina i suoi oggetti, lasciando che forme e colori creino una narrazione in sintonia con chi osserva, senza racconti precostituiti o precorsi prefissati. Le incrinature di alcune ceramiche, i pezzi mancanti di alcuni piatti, i paraventi per natura mobili a separare gli spazi eppure a moltiplicarli, sono tutti elementi che vanno volutamente a disturbare l’ordine dell’esposizione, tradendo il gesto umano imperfetto, ma libero, l’afflato creativo dell’artista.

Una mostra insolita, una “indagine poetica” – come viene descritta in uno dei pannelli curatoriali – “sull’armonia sottile tra precisione e deviazione, tra struttura e libertà, tra forma e imperfezione. Un percorso visivo che si muove lungo il confine tra l’ordine apparente e il gesto umano che lo sovverte“.

Salvatore Dominelli  – Profilo

Nasce a Serra San Bruno, in Calabria, nel 1954. Nel 1972 si trasferisce a Roma, dove nel 1977 consegue il diploma in Pittura presso l’Accademia di Belle Arti. Dagli anni Settanta in poi partecipa a numerose mostre personali e collettive, sia in Italia che all’estero, tra cui la XII Esposizione Nazionale Quadriennale d’Arte di Roma e la 54ª Biennale di Venezia. Le sue opere sono state esposte in Germania, Austria, Inghilterra, Olanda, Danimarca, Egitto, Estonia, Finlandia, Libano, Turchia, Siria, Spagna, Malta, Sud Africa, Slovenia e gli Stati Uniti.

Per l’edizione 2026 il Festival del Tempo sceglie il cinema come linguaggio privilegiato per indagare la natura del Tempo e della sua percezione, mettendo al centro l’esperienza fisica e sensibile della visione. Un cinema che non spiega il tempo, ma lo fa sentire, lo attraversa, lo rende esperienza condivisa.

Il Festival è aperto a filmmaker emergenti e affermati (dai 18 anni in su) e a case di produzione.
Le opere ammesse devono essere iscritte esclusivamente tramite la piattaforma FilmFreeway. https://filmfreeway.com/FestivaldelTempo L’iscrizione è gratuita. 

Categorie in concorso

• Short Film
• Animazione
• Documentario
• Film Sperimentale e Videoarte
• Video Musicale

Durata massima: 25 minuti

Categoria speciale

• Documentario Lungo
  Durata massima: 150 minuti

Il regolamento completo è disponibile su FilmFreeway.

Il Festival del Tempo si configura come uno spazio di incontro tra cinema, arti visive e ricerca contemporanea, dedicato a opere che interrogano il tempo come esperienza viva, fragile e in trasformazione.

L’immagine guida della settima edizione del Festival del Tempo è Costellazioni di Sara Ciuffetta per il Festival del Tempo 2024. 

Il Festival del Tempo è promosso dall’associazione culturale blowart, con la collaborazione di Movimento VulnerarTe APS e VulnerarTe Magazine. 

I reperti storici e artistici, le storie e le tradizioniterritoriali dalle confraternite di Sessa Aurunca, passando per l’inedito archivio fotografico della memoria di Cusano Mutri, fino al racconto di come il cavallo ha tessuto i rapporti tra l’uomo e la storia a Santa Maria Capua Vetere. Questi sono alcuni dei soggetti protagonisti del “Progetto Borghi – Building Opportunities for Rural Growth: Heritage and Innovation”, l’innovativa docu-web-serie prodotta dall’associazione Renovatio con la regia di Lorenzo Zeppa, e la supervisione scientifica della Professoressa Nadia Barrella dell’Università degli Studi della Campania Luigi Vanvitelli, che valorizza alcuni significativi territori come Sessa Aurunca (CE), Montesarchio (BN), Sant’Agata de Goti (BN), Cusano Mutri (BN), Aversa (CE), Maddaloni (CE) e Santa Maria Capua Vetere (CE).

Al centro del progetto il posizionamento della figura del professionista culturale per la valorizzazione e la narrazione dei territori per giungere all’uso anche di internet e dei canali social per raccontare le eccellenze locali ed il patrimonio materiale e immateriale.

Il progetto nasce come un percorso di ricerca e sperimentazione volto a promuovere un rinnovato approccio alla divulgazione del patrimonio culturale, basato sull’ascolto dei territori e sul coinvolgimento attivo delle popolazioni.

Borghi utilizza le piattaforme digital e social come strumento di valorizzazione e ha previsto la creazione e la formazione di un gruppo di professionisti, i ricercatori della Vanvitelli, che uscendo dalla loro routine, si sono impiegati a questo progetto innovativo che auspica ad importanti risultati.

Ogni episodio è stato concepito per restituire l’identità specifica dei singoli borghi – attraverso paesaggi, memorie, pratiche e voci locali di associazioni, confraternite, artigiani, imprese familiari  – mantenendo una trama narrativa comune, che consente di “leggere” i diversi contesti come parti di un racconto corale.

I cinque capitoli tematici, sono brevi docu-film, delle durata media di 15 minuti cad. e sono disponibili parzialmente sulla pagina YouTube di Renovatioe su varie piattaforme. L’ultimo capitolo sarà online nelle prossime settimaneper completare la pubblicazione di tutti gli episodi entro il mese di gennaio.

I NUMERI:

Ad oggi la risposta del pubblico è certamente di grande interesse, con quasi due milioni di visualizzazioni sommando i risultati tra tutte le piattaforme social e con oltre 300 mila views solo su Instagram. L’obiettivo è quello che promuovere e valorizzazione scientificamente questi territori, ma di porre anche l’attenzione su un tema cruciale nell’ambito della divulgazione culturale, ovvero la creazione di contenuti che possano diventare anche intrattenimento culturale.

Il progetto, finanziato dalla Fondazione Changes nell’ambito dello Spoke 8 gestito da La Sapienza Università di Roma nell’ambito del PNRR, ha come partner: l’impresa Logos, l’Università degli Studi della Campania Luigi Vanvitelli e l’Associazione Renovatio. 

I nomi dei partecipanti: Responsabile Scientifica Prof.ssa Nadia Barrella. Responsabile di progetto Lorenzo Zeppa. Ricercatori: Stefania Del Re, Domenico Coppola, Fabio Nardiello, Mariantonia Galdiero, Nadia Clara Trigari, Nicola Urbino. Riprese video di Giuseppe Pesce. Foto di Fabio Bussalino. Editing MB Networkas.

Qui i primi capitoli fruibili gratuitamente: 

Mostre in corso fino al 1 marzo 2026

Franco Mazzucchelli_Blow Up

Franco Pinna_Sardegna a colori

Alfredo Casali_Isolitudine

Per la fine di un anno dedicato al tema delle isole, intese come dispositivo semantico, fonte di narrazioni, cosmologie, idealità e utopie, il MAN prosegue sino a primavera con i tre progetti monografici in corso: Franco Mazzucchelli – Blow Up, Franco Pinna – Sardegna a colori e Alfredo Casali – Isolitudine. Tre maestri per tre linguaggi differenti: l’installazione come arte pubblica, la fotografia di reportage e di documentazione etnografica, la “pittura-pittura” che affonda fra gli archetipi in una sintesi di elementi figurali. Tre mostre e un arcipelago di connessioni: partendo dal territorio, dal confine fisico dell’isola, si affonda in temi universali e si intrecciano l’identità del luogo, la memoria storica (nella fotografia straordinaria di Pinna), la trasfigurazione nella forma (di Casali) e la percezione dello spazio attraverso l’esperienza diretta dei sensi, del corpo, della partecipazione e del vivere la comunità oggi, così come ha presagito Mazzucchelli sin dai primi anni Sessanta del secolo scorso.

13 marzo – 14 giugno 2026

Pellizza e Ballero. La divina luce

a cura di Chiara Gatti, da un progetto di Rita Moro

con il contributo scientifico di Gabriella Belli e Antonello Cuccu

Una amicizia, un carteggio, una vocazione condivisa. Per il paesaggio, per la pittura, per la trascrizione dei moti della terra in palpiti di colore. Il progetto inedito, varato dal museo MAN, mira a ricostruire per la prima volta il lascito ideale che Giuseppe Pellizza da Volpedo (1868-1907), padre nobile del divisionismo italiano, consegnò ad Antonio Ballero (1864-1932), grande artista sardo che, a cavallo fra passato e progresso, traghettò una pittura intrisa ancora di istanze realiste verso i modi sperimentali del divisionismo, veicolando la cultura tardo romantica dominante nel panorama dell’isola in direzione di una ricerca scientifica sul colore sposata a una narrazione cangiante del percepito. Stringendo un legame affettuoso con Pellizza da Volpedo, interrotto dalla tragica morte di quest’ultimo, Antonio Ballero contribuì̀ fortemente ad aprire la Sardegna alle indagini su quel nuovo linguaggio della pittura e sulle teorie del colore “diviso”, protagonisti del dibattito acceso a livello nazionale e internazionale. Fu merito della lezione di Pellizza e dello scambio intellettuale che ne nacque, se Ballero giunse a ritagliarsi un ruolo da capofila nell’evoluzione della ricerca artistica sull’isola, entrata grazie a lui a pieno titolo nell’attualità̀ della querelle che si agitava in continente.

Utopia di futuro

“Le opere che sanno innalzare la dignità e la bellezza del lavoro semplice, e la vita del popolo, che le sanno santificare, e glorificare nei loro dolori e nelle loro gioie, sono quelle che precorrono la vera arte futura. Sorgeranno forse altre forme, ed altri geni dell’arte troveranno vie nuove e formule nuove per commuovere le masse, ma l’arte futura non sarà né mistica, né adulatrice, né volgarmente realista, essa conterrà l’umanità tutta intera, l’umanità che, ammaestrata dai dolori passati della vita, e glorificata dal lavoro libero e rimuneratore corre trionfante e vittoriosa nella grande via del progresso e della civiltà”. Lo slancio accalorato di Ballero in questa sua dichiarazione giovanile dovrà drammaticamente scontrarsi con le delusioni del mondo moderno e di un idealismo romantico affranto dalle logiche del potere e dello sfruttamento. Il disagio sociale che attraversò l’Italia a cavallo del secolo divenne allora lo stimolo per affrontare nuove rappresentazioni della vita quotidiana venate di iniquità, che le poetiche sociali dei maestri del divisionismo resero in immagini dal taglio impegnato e accusatorio, come nel caso dell’eccidio di Buggerru del 1904 avvenuto durante lo sciopero dei minatori e che, idealmente, si può̀ ricollegare al capolavoro di Pellizza, la marcia del Quarto Stato, manifesto di tutte le lotte per la conquista dei diritti all’alba della modernità̀.

13 marzo – maggio 2026

Project Room_Isola di MAN

Paolo Cavinato_Attraverso (working title)

Il progetto site-specific è un omaggio ideale a Pellizza da Volpedo, fra studi ottici e iconografie ricorrenti. L’artista mantovano inscena un “trapasso”,  l’attraversamento di uno spazio sinestetico, fatto di luci e suoni, di atmosfere che si modificano all’avanzare del fruitore nello spazio/tempo. Il fruitore percorre lentamente una sorta di corridoio, uno spazio altro, un diaframma fra visibile e invisibile.

Dapprima, scorge la propria immagine su una superficie specchiante, una sorta di soglia. Questa immagine svanisce gradualmente lasciando intravedere oltre una stanza luminosa, moltiplicata, giocata fra rifrazioni di specchi e riflessi d’acqua; onde e cerchi, giochi di luce avvolgono il corpo come se stesse attraversando una soluzione liquida. Dopo qualche secondo, anche questa stanza svanisce pacatamente, lasciando emergere, sempre più in là, un andito, un varco infinito.

Una sonorizzazione inedita completerà il viaggio nel vuoto, inteso quale luogo denso di significato, di tempo rappreso, di attesa e desiderio. Durante le varie metamorfosi, il suono accompagna e dilata le dissoluzioni e le apparizioni, prima del sé, poi degli spazi interni e pneumatici, mettendo in relazione la propria immagine con una parvenza impalpabile, immateriale.

24 aprile – 14 giugno 2026

Monica Biancardi_Il capitale che cresce

Il progetto è sostenuto dal PAC 2025 – Piano per l’Arte Contemporanea, promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura.

L’acquisizione da parte del MAN riguarda una serie di undici fotografie in bianco e nero che documentano, tra il 2009 e il 2023, la crescita delle gemelle beduine Sara e Sarah, incontrate da Monica Biancardi durante uno dei suoi numerosi viaggi in Palestina. Nel corso di diciassette anni, l’artista ha seguito con costanza, rispetto e sensibilità le giovani protagoniste, costruendo con loro un rapporto di fiducia silenziosa e presenza discreta. Le fotografie, tutte realizzate con macchine analogiche di medio formato, restituiscono con forza poetica e rigore documentario non solo la trasformazione fisica delle due gemelle, ma anche le metamorfosi più profonde: quelle legate all’identità, ai ruoli sociali imposti, alla perdita progressiva di libertà e prospettive. Ogni ritratto racchiude la tensione tra permanenza e cambiamento, intimità e collettività, raccontando la resilienza silenziosa delle due giovani donne. La mostra includerà anche una serie di lavori a corredo, con l’obiettivo di amplificare la portata semantica del progetto: sei mappe incise su plexiglass, che raccontano la progressiva frammentazione del territorio palestinese dal 1946 ad oggi, un video di viaggio girato da Gerusalemme est al villaggio di Hataleen e una selezione di disegni realizzati dai figli della famiglia beduina sul tema del mare, luogo vicino, ma irraggiungibile.

aprile – giugno 2026

RESIDENZA PER ARTISTI FRA SARDEGNA E CANTON TICINO

Luoghi di seconda origine

Dopo il successo della prima edizione, il MAN di Nuoro e la Fondazione Monte Verità di Ascona (Svizzera) rinnovano la loro collaborazione presentando nuovamente una call per un progetto di residenza artistica rivolto ad artisti sardi e svizzeri. Avviata nel 2022, la prima edizione ha coinvolto gli artisti sardi Elena Muresu, Giaime Meloni e Marco Useli e gli artisti svizzeri Tonatiuh Ambrosetti, Maya Hottarek e Lisa Lurati, dando vita a un intenso dialogo tra Monte Verità e la Sardegna. L’esperienza si è conclusa con la mostra Die Zauberberge / Le montagne incantate, che ha restituito al pubblico gli esiti di un confronto fondato sulla condivisione di pratiche, immaginari e visioni. La seconda edizione, intitolata Luoghi di Seconda Origine, ha registrato un’ampia partecipazione, con progetti caratterizzati da background differenti e da una pluralità di approcci e linguaggi. La selezione ha privilegiato proposte capaci di instaurare un nesso consapevole con i contesti della residenza, valorizzandone la dimensione storica, culturale e simbolica. Per questa edizione sono stati selezionati gli artisti sardi Giulia Camba, Roberto Casti e Chiara Cordeschi e gli artisti svizzeri Davide Barbieri, Massimiliano Rossetto e Miki Tallone. Nel maggio 2026 gli artisti sardi saranno in residenza a Monte Verità, mentre gli artisti svizzeri saranno accolti a Nuoro, dove svilupperanno progetti originali in relazione ai territori ospitanti, sotto la guida dei visiting professor Una Szeemann, Adrian Paci, Lorenzo Emanuele Metzler, Giovanni Ferrario, Luca Spano e Matteo Meschiari.

Annuale – a cadenza mensile

Project Room_ISOLA DI MAN

Showcase_Programma di mostre per artisti del territorio

I nuovi locali del MAN affacciati sul Corso Garibaldi e denominati Isola di MAN accoglieranno un programma di mostre dedicate alla collezione permanente del museo e, insieme, agli autori attivi sul territorio, selezionati dai curatori per esposizioni personali o collettive, a tema, che si susseguiranno nel corso dell’anno. Questo programma mira a valorizzare il patrimonio storico del museo oltre alle ricerche contemporanee in corso in Sardegna, dando l’opportunità ai maestri locali di presentare il proprio lavoro negli spazi dell’Isola, con una vetrina d’eccezione e una curatela scientifica.

3 luglio – 1 novembre 2026

FUTURAMA. NOSTALGIA DEL FUTURO

a cura di Tiziana Cipelletti ed Elisabetta Masala, con un contributo di Michela Gattermayer

FUTURAMA racconta un’epoca della nostra porzione di mondo che guardava al futuro con grande ottimismo: la corsa allo spazio, i primi calcolatori, i progressi scientifici generarono la convinzione che l’innovazione in atto avrebbe risolto molti problemi dell’umanità. Settimane lavorative più brevi, auto volanti, colonie fuori della Terra, organi sostituiti e robot al lavoro al posto nostro.

Una visione audace nata dal boom economico del secondo dopoguerra, quando Stati Uniti ed Europa conobbero una crescita senza precedenti, alimentò la certezza che il futuro sarebbe stato inevitabilmente migliore. L’esplorazione dello spazio e la convinzione che l’uomo potesse presto raggiungere altri mondi accesero la fantasia collettiva e nutrirono una nuova stagione della fantascienza: dall’arte alla moda, dal design all’architettura, fino al cinema e alla musica; l’idea di un domani migliore pervase ogni linguaggio creativo. Un’utopia immaginifica e seducente generò un’estetica futuribile, che si diffuse in tutti i campi della cultura e della società. In mostra: opere, ambienti e materiali filmici punteggiano un percorso visivo e sonoro, fra nomi che spaziano da Lucio Fontana a Andy Warhol, da Enrico Baj a Fabio Mauri, dalle pellicole di b-movies del secondo dopoguerra alla moda di Pierre Cardin.

14 novembre 2026 – marzo 2027

S-COLLEZIONARE LA COLLEZIONE

Capolavori. Omaggi. Acquisizioni.

a cura di Chiara Gatti, Rita Moro, Elisabetta Masala

Torna esposta la collezione permanente del MAN in un percorso teso a studiare la componente astratta e l’opera dei maestri sardi che, nel corso del Novecento, sono stati protagonisti dei movimenti d’avanguardia.

Una indagine che, per la prima volta, accosta gli artisti del territorio alle tendenze del dopoguerra, fra astrazione geometrica, arte concreta, arte optical e programmata. Il nucleo di opere della raccolta storica sarà arricchito da nuove donazioni, fra cui un tessile importante di Enrico Baj realizzato nel 1987 per il celebre progetto “TACCAS. Nuovi tappeti sardi” e una Disseminazione di Pino Pinelli, oltre a omaggi necessari al dialogo creativo fra Maria Lai e Guido Strazza e all’opera di nomi significativi come Zaza Calzia, Luigi Mazzarelli, Giampaolo Todde, Maria Crespellani e Graziano Salerno.

14 novembre 2026 – marzo 2027

UGO LA PIETRA – Abitare è essere ovunque a casa propria

a cura di Gaby Scardi

L’architetto, designer e artista Ugo La Pietra (Bussi sul Tirino, 1938) sarà protagonista della mostra di fine anno al MAN che, dopo la personale di Franco Mazzucchelli nel 2025, continua a riflettere su figure chiave nel panorama degli anni Sessanta e Settanta. Seguendo le linee di tendenza culturale e della corrente artistica segnata dall’arte per il sociale e del pensiero progettuale come Architettura radicale, La Pietra ha sviluppato intere mappature delle culture materiali e periferiche, sbocciate “fuori” delle città. Come nella serie fotografica LA SPIAGGIA DEL POETTO di Cagliari (1978), una catalogazione straordinaria di “ville” o meglio spazi abitativi minimi ma completi, che rappresentano un esempio unico di quella che l’artista ha battezzato “architettura spontanea”.

Anno Deleddiano

In occasione dell’anno deleddiano, organizzato per la celebrazione dei cento anni dal conferimento del Premio Nobel a Grazie Deledda, il MAN intende curare un programma di iniziative pubbliche in omaggio alla grande scrittrice nuorese, coordinate in rete con altri spazi culturali del territorio. Il MAN si impegnerà nella valorizzazione dell’opera Andando via, in memoria della Deledda realizzata da Maria Lai nello spazio antistante la Chiesa della Solitudine, dove sono custodite le sue spoglie. L’opera, che giace in uno stato di abbandono, sarà al centro di un piano di sensibilizzazione del pubblico che andrà di pari passo con l’impegno stesso di un restauro conservativo annunciato dal Comune di Nuoro. Il museo stenderà altresì un programma di incontri, talk e laboratori intitolati alla scrittrice, compreso un workshop per piccoli scrittori nell’ambito di una esposizione fotografia e un contest ispirato ai suoi luoghi.

PUBLIC PROGRAM
a cura di Alessandro Moni

ARIA N.3. Performance a cura di FuoriMargine. Mercoledì 4 febbraio.
Corso di arte contemporanea per adulti. Quarta edizione. Mesi di marzo e aprile.
BIBLIOMANIA – Piccolo festival dei libri d’autore al museo. Quarta edizione. A partire dal mese di ottobre.
Workshop di fotografia. Obiettivo Permanente.
Attività collaterali del bando Strategia Fotografia – vinto con il progetto editoriale di Valeria Cherchi (ISOLA).
Attività collaterali del bando Italian Council – vinto con il progetto di Sergio Racanati (ISOLA).

Per la prima volta in Italia una mostra dedicata all’artista cinese Mao Xuhui, una delle figure più influenti dell’avanguardia artistica cinese contemporanea. “Mao Xuhui: Emergence of the Patriarch”, a cura di Lü Peng, Li Guohua e Carlotta Scarpa, è organizzata da L-ART GALLERY con Manuela Schiavano e ospitata dal Museo di Palazzo Grimani – parte dei Musei archeologici nazionali di Venezia e della Laguna. L’esposizione presenta una selezione di 43 opere che ripercorrono cinquant’anni di ricerca pittorica, offrendo una lettura complessa e stratificata del lavoro dell’artista.

Considerato uno dei protagonisti più significativi della sua generazione, Mao Xuhui (nato nel 1956 nella provincia del Sichuan) è oggi presente nelle collezioni dei più importanti musei e gallerie internazionali. Formatosi all’Università delle Arti dello Yunnan – dove attualmente insegna presso il College di Scienze Umane – la sua carriera si intreccia con la nascita dell’arte contemporanea in Cina, in particolare grazie al suo ruolo di cofondatore del Southwestern Art Research Group di Kunming e alla partecipazione al movimento ‘85 New Wave, che segnò una svolta decisiva nella scena artistica del Paese.

In quegli anni di grandi trasformazioni, Mao elabora una pratica pittorica che definisce “life painting”: un linguaggio denso di tensione emotiva, capace di riflettere in modo diretto la realtà sociale e culturale della Cina sudoccidentale. Pur ispirandosi alla tradizione della natura morta, ne rinnova radicalmente la struttura, trasformandola in una riflessione esistenziale e concettuale. L’oggetto ricorrente delle forbici – elemento semplice e quotidiano – assume per l’artista un valore simbolico e ambiguo, legato a temi di controllo, potere, vulnerabilità e volontà. Questo motivo attraversa la sua produzione per oltre un decennio, culminando nel celebre ciclo Will / Scissors, tra i vertici della sua ricerca.

Come afferma il critico e storico dell’arte Lü Peng, “Dal 1978 ai primi decenni del XXI secolo la società cinese ha attraversato trasformazioni profonde e complesse, che hanno coinvolto ogni ambito della vita collettiva. In questo contesto, l’arte di Mao Xuhui rappresenta una chiave privilegiata per comprendere tali mutamenti: un ponte tra realismo socialista, espressionismo e modernità, capace di raccontare la transizione culturale e spirituale della Cina contemporanea.”

Allestita nelle sale del secondo piano del Museo di Palazzo Grimani a Venezia, l’esposizione presenta una selezione di opere emblematiche che restituiscono una visione ampia e articolata della sua ricerca artistica. Inserita nel ciclo di approfondimenti dedicati agli artisti cinesi delle generazioni antecedente e successiva al 1985, la mostra pone la figura di Mao in ideale contrappunto con quella del giovane Zhang Zhaoying, protagonista della precedente mostra Lifelong Beauty. La scelta di Palazzo Grimani come sede espositiva amplifica questo dialogo: l’antica dimora rinascimentale, con le sue decorazioni di Giovanni da Udine, Francesco Salviati e Federico Zuccari e la celebre collezione di statue classiche voluta da Giovanni Grimani, diventa lo scenario in cui la ricerca di Mao Xuhui – sospesa tra memoria, autorità e tradizione – trova un confronto diretto con la storia e con il patrimonio culturale del passato.

Il percorso espositivo, concepito in chiave retrospettiva, propone una lettura profonda del suo linguaggio visivo, mettendo in luce l’evoluzione tematica e formale che attraversa tutta la sua produzione. Come suggerisce il titolo della mostra, al centro del suo linguaggio visivo emerge il tema del patriarcato inteso come riflessione sull’autorità e sul potere, sia nella sfera familiare sia in quella politica. Nelle serie Patriarch, Mao trasforma la figura del padre in una presenza simbolica, emblema delle strutture di controllo e della tradizione. Attraverso forme geometriche, toni cupi e composizioni severe, l’artista esprime la complessità del rapporto con l’autorità — sospeso tra rispetto, paura e ribellione — trasformando la dimensione privata in una meditazione universale sulle gerarchie sociali e sul peso della memoria culturale cinese.

In questa occasione, sarà inoltre presentata per la prima volta in Italia la biografia illustrata dell’artista, edita da Skira e curata dallo stesso Prof. Lü Peng. Il libro ripercorre l’evoluzione ideologica e creativa dell’artista, ricostruita attraverso documenti e materiali personali, tra cui diari, lettere, dipinti, appunti di lettura e trascrizioni. Il risultato è un ritratto profondo e autentico, che racconta la vera storia e gli anni illustri di una generazione straordinaria in Cina. Emergence of the Patriarch testimonia ancor più l’impegno di Lü Peng nel preservare e illuminare le diverse narrazioni dell’arte cinese contemporanea.

Attraversando cinquant’anni di storia dell’arte cinese, la mostra intende restituire al pubblico il senso profondo del legame tra individuo, identità culturale e memoria collettiva, proponendo una riflessione intensa e attuale su temi cruciali come il potere, la famiglia, la volontà e la trasformazione del soggetto nella società globalizzata. Un’occasione unica per il pubblico nazionale e internazionale di scoprire, o riscoprire, l’opera di un artista fondamentale, la cui ricerca espressiva continua, ancora oggi, a interrogare con lucidità il nostro tempo.

MAO XUHUI – Profilo

MAO XUHUI è nato a Kunming dal 1956 e si è laureato presso la Yunnan Art Academy nel 1982. È considerato una figura iconica nella storia dell’arte contemporanea cinese. Inserito nella lista China Art Power 100, è stato uno dei protagonisti della scena artistica d’avanguardia della Cina sudoccidentale negli anni Ottanta.

Tra il 1985 e il 1989 ha riunito numerosi giovani artisti, principalmente provenienti dallo Yunnan e dal Sichuan, sotto l’etichetta di “New Figurative”, dando vita al Southwest Art Research Group. I membri del gruppo hanno espresso nelle loro opere una consapevolezza esistenziale intensa, tipica delle regioni sud occidentali della Cina, tanto da diventare una componente fondamentale dell’“’85 New Wave”, il movimento d’avanguardia dell’arte contemporanea cinese. Questi risultati gli hanno assicurato un ruolo di primo piano nella storia dell’arte contemporanea del Paese.

Mao Xuhui ha esposto ampiamente nelle principali città dell’area euro-pan-asiatica, tra cui Shanghai, Pechino, Hong Kong, Singapore, New York, San Francisco, Barcellona, Bologna, Parigi e Londra. Le sue opere sono state incluse in numerose mostre di rilievo, tra cui la mostra fondamentale nella storia dell’arte contemporanea cinese Inside Out: New Chinese Art (1998), co-organizzata dall’Asia Society di New York, dal Museum of Modern Art di San Francisco e dall’Hong Kong Museum of Art. Le sue opere sono state acquisite da importanti gallerie e musei nazionali e internazionali, diffuse dai media di tutto il mondo e pubblicate in libri di storia dell’arte e riviste accademiche.

LÜ PENG  – Profilo

Lü Peng, è un curatore, critico e storico dell’arte cinese.È nato a Chongqing, nel Sichuan, nel 1956 e si è laureato in Studi Politici alla Sichuan Normal University nel 1982. Nel 1992 è stato direttore artistico della prima biennale d’arte cinese: Guangzhou Biennial Art Fair.

Tra i suoi successi curatoriali:

Global Painting. La Nuova pittura cinese al Mart di Rovereto, una restituzione composita dell’arte contemporanea cinese che traccia un importante passaggio storico (2024);

Passage to History: 20 Years of La Biennale di Venezia and Chinese Contemporary Art, co-curata con Achille Bonito Oliva alla 55. Biennale d’Arte (2013);

la Biennale di An’ren del 2011;

Pure Views: New Painting from China (Asia Art Museum, San Francisco, 2011);

Pure Views: New Painting from China (Louise Blouin Foundation, Frieze, London, 2010);

Reshaping History (Pechino, 2010), una mostra su larga scala che presentava più di mille opere di quasi duecento tra gli artisti cinesi più innovativi del primo decennio del 21° secolo;

A Gift to Marco Polo, un evento collaterale per la Biennale di Venezia del 2009 che ha messo in mostra otto dei più importanti artisti contemporanei cinesi.

Lü è attualmente direttore del Museo di arte contemporanea di Chengdu, direttore di CHINART, agenzia di gestione delle istituzioni d’arte cinesi, ed è professore associato delDipa rtimento di Storia e Teoria dell’Arte presso l’Accademia di Belle Arti di Hangzhou, Zhejiang. Dal 2017 è Presidente della L-Art University e Professore del Sichuan Fine Arts Institute e Xi’an Academy of Fine Arts.

A Gennaio 2024 ha pubblicato con Rizzoli, “Storia dell’arte cinese del XX al XXI secolo” già edito incinese nel 2006 da Peking University Press ed inglese nel 2010 dalla casa editrice Charta.

Con questa pubblicazione storica, Lü Peng analizza in modo incisivo ed appassionato gli sviluppi dell’arte cinese dalla fine della dinastia Qing fino agli anni di apertura del XXI secolo tracciando abilmente questa evoluzione, non solo nella Cina continentale, Taiwan e Hong Kong, ma anche in centri importanti come Parigi e Tokyo. Questa narrazione completa è un punto di riferimento per conoscere la storia dell’arte cinese del XX e XXI secolo.

“L’ornamento non è più un delitto”: con questa affermazione, pronunciata da Renato Barilli in un testo del 2020 dedicato a Lily van der Stokker e ad Alessandro Moreschini, si apre il percorso della nuova mostra dell’artista al Museo Civico Medievale di Bologna. Una frase che, da dichiarazione critica, diventa oggi titolo e chiave di lettura di un progetto espositivo che rilegge la tradizione decorativa come gesto etico, come pratica di cura e di attenzione verso il mondo.

Da tempo Alessandro Moreschini (Castel San Pietro Terme, 1966) ha scelto una strada appartata e rigorosa, lontana dalle retoriche del minimalismo più severo e dalle promesse dell’ipertecnologia: una strada in cui l’ornamento non è aggiunta, ma pensiero; non maschera, ma rivelazione. Le sue superfici lavorate – trame meticolose, vegetali, iperdecorative – non rivestono gli oggetti: li trasformano. Sono presenze che respirano, microcosmi silenziosi capaci di insinuarsi negli interstizi del visibile e di restituire agli oggetti quotidiani una energia inattesa, una vibrazione interna.

Già alla fine degli anni ’90, Barilli aveva individuato in Moreschini una voce originale nel panorama italiano, inserendolo nella storica mostra collettiva Officina Italia e riconoscendo in quel giovane rigore decorativo una forza irradiante, “una preziosa limatura di ferro”. Oggi, quell’intuizione trova piena maturità in un lavoro che ha saputo svilupparsi con costanza, approfondendo la natura politica e sensibile dell’ornamento.
Perché l’ornamento, lungamente esiliato dal canone occidentale come elemento superfluo o sospetto, riemerge qui come linguaggio glocal: attento alle culture visive non egemoniche, aperto al desiderio, alla spiritualità, alla dimensione affettiva del guardare. È un’arte apparentemente “debole”, perché priva di monumentalismo, ma in realtà radicale nella sua prossimità, nel suo farsi presenza quotidiana, nel suo ritessere i nessi tra corpo, oggetto e mondo.

L’incontro con il Museo Civico Medievale offre a Moreschini un territorio ideale: uno spazio fatto di stratificazioni, memorie, oggetti votivi, preziosità minute, miniature, ori, che da secoli interrogano il nostro rapporto con il sacro, il simbolico, il potere evocativo delle superfici. Le opere contemporanee si insinuano tra i reperti storici senza competere con essi, ma stabilendo un dialogo osmotico, a tratti segreto, in cui la luce, il colore e il ritmo decorativo diventano ponti tra epoche e sensibilità differenti.

Il percorso espositivo – articolato in diversi ambienti del museo – accoglie interventi concepiti come presenze integrative, non invasive: opere che crescono come un’edera visiva sulle architetture e sugli oggetti del passato, stabilendo legami inattesi. L’artista non impone un nuovo museo: ne rivela uno interno, emotivo, fatto di sussurri decorativi, di brividi luminosi, di dettagli che invitano a rallentare, a guardare con attenzione, a riscoprire il tempo dell’osservazione.

“Ho concepito l’allestimento come un gesto di ascolto. Le opere di Alessandro Moreschini non dovevano imporsi sul Museo Medievale, né mimetizzarsi in esso: dovevano risuonare. Per questo ho scelto un percorso che permette ai lavori di insinuarsi tra gli oggetti storici come presenze vive, capaci di creare legami sottili, quasi segreti, senza interrompere la continuità del luogo. L’ornamento diventa così un ponte tra epoche, un atto di cura che restituisce al museo la sua dimensione di spazio abitato. Ho voluto che il visitatore percepisse l’incontro – non la sovrapposizione – tra passato e contemporaneo: un dialogo a bassa voce, fatto di dettagli, riflessi, vibrazioni. Un allestimento che non aggiunge, ma rivela”, spiega il curatore Raffaele Quattrone.

In un presente caratterizzato da consumo visivo rapido e da una crescente delega dell’immaginazione alle tecnologie dell’automazione, il progetto di Moreschini si pone come un atto di resistenza: un invito a ritornare alla manualità, al gesto, alla gestazione lenta delle superfici; a riconoscere nell’ornamento non una fuga, ma una responsabilità verso ciò che ci circonda.
Renato Barilli scrive: “Sono intervenuto più volte sul lavoro di Alessandro Moreschini, del tutto singolare, come conferma in questa mostra, dove si riscontrano due livelli, ci sono oggetti preziosi da collezionismo, ma se questo non bastasse scende su tutto una pioggia di raffinati frammenti che accrescono la preziosità del tutto.”

L’ornamento non è più un delitto diventa così un’affermazione poetica, politica e antropologica: il recupero di un linguaggio che sa essere intimo e universale, umile e complesso, antico e contemporaneo. Un linguaggio che abita, che cresce, che si fa luogo. Che si fa, appunto, museo segreto.

Durante il periodo di apertura sono previste tre visite guidate condotte dall’artista Alessandro Moreschini e dal curatore Raffaele Quattrone: sabato 7 febbraio 2026 alle ore 21.00 (in occasione di ART CITY White Night, ingresso gratuito dalle ore 18.00), sabato 21 febbraio 2026 ore 17.30 e sabato 21 marzo 2026 alle ore 17.30. Il costo di partecipazione è gratuito, con biglietto di ingresso al museo.

Alessandro Moreschini – Profilo

Nato a Castel San Pietro Terme (BO) nel 1966, Alessandro Moreschini vive e lavora a Bologna. Dopo la Laurea al D.A.M.S. in Storia dell’arte all’Università degli Studi di Bologna, a partire dagli anni Novanta viene invitato ad esporre in Italia e all’estero, presentando opere dove la superficie dipinta si traduce in texture ornamentali, evidenziando la perdita del canone estetico occidentale nel mondo globalizzato.
Del suo lavoro il critico e storico e storico dell’arte Renato Barilli ha scritto: “La sua pittura certosina e meditata, svolta nei tempi richiesti dalla meticolosità con cui viene eseguita su superfici inaspettate, egliamministra con sicurezza quello che si può considerare un passaggio epocale dei nostri tempi dall’hard al soft.”
Sue opere sono presenti in collezioni pubbliche e private: Collezione d’Arte della Fondazione San Patrignano, Museo della Città “Luigi Tonini” (Rimini), MAMbo – Museo Arte Moderna di Bologna, Fondazione Giacomo Lercaro,
Collezioni d’Arte e di Storia della Fondazione Cassa di Risparmio in Bologna.
Tra le mostre nazionali e internazionali si segnalano: Per la “Storia di Bologna”. Donazioni e acquisizioni d’arte della Fondazione Carisbo (2017-2025) (2025, Casa Saraceni, Bologna); La nostra casa è in fiamme (2024, Galleria ARTRA, Milano); Legami fragili (2024, Galleria Studio Cenacchi, Bologna); Il profumo dei fiori dipinti (2023, Assemblea legislativa della Regione Emilia-Romagna, Bologna); Collezione d’Arte della Fondazione San Patrignano (2021, PART Palazzi dell’Arte, Rimini); Beata Solitudo (2020, Fondazione Rocca di Vignola, Vignola), Architetture dell’immaginario (2019, Galleria Beatrice Burati Anderson, Venezia); NewFaustianWorld (2019, Galleria Beatrice Burati Anderson, Venezia); L’ultimo Espaliú e il contesto italiano (2019, Accademia di Spagna, Roma); Autoritratto (2019, MACRO Museo di Arte Contemporanea di Roma, Roma); Roberto Daolio, Vita e incontri di un critico d’arte attraverso le opere di una collezione non intenzionale (2017, MAMbo – Museo d’Arte Moderna di Bologna, Bologna); Bologna dopo Morandi 1945-2015 (2016, Palazzo Fava, Bologna); /seconds issue 09 Vanishing point (2008, The Wharf Road Project V22, Londra); Giovane Arte Europea (2003, Castello Visconteo, Pavia); Sharjah International Biennial 6th (2003, Sharjah Art Museum, Sharjah); Officina Italia (1997, Galleria d’Arte Moderna di Bologna, Bologna); Lab. 1.2-T.I.N.A. (There is no alternative) (1997, Viafarini, Milano).
www.alessandromoreschini.it

Raffaele Quattrone – Profilo

Nato a Foggia nel 1974, Raffaele Quattrone vive e lavora tra Bologna e Roma. Sociologo e curatore d’arte contemporanea, è direttore del Master universitario in curatela di mostre ed eventi artistici e culturali organizzato da eCampus.
È editor-in-chief delle riviste del gruppo americano VIVA (Archlove magazine, Viva magazine, ecc.), collabora con Meer (già Wall Street International Magazine) ed è ambasciatore del progetto Terzo Paradiso creato da
Michelangelo Pistoletto. È stato presidente del Dipartimento Emilia Romagna dell’Associazione Nazionale Sociologi e fondatore e direttore della rivista Startup.
È autore dei libri Modernità e campo dell’arte. Per una sociologia critica dell’arte contemporanea italiana (Lampi di Stampa, 2010) e IN ITINERE. Arte contemporanea in trasformazione (EQUIPèCO, 2014).
Quattrone ha scritto centinaia di articoli, numerosi testi per cataloghi di mostre e interviste ad artisti internazionali quali: Mario Airò, Renato Barilli, Bertozzi & Casoni, Ergin Cavusoglu, Alberto Di Fabio, Stan Douglas, Nicola Formichetti, Gonkar Gyatso, Paul Gladston e Yu Youhan, Kepa Garraza, Anthony Gormley, Kimsooja, Jeff Koons, Mona Hatoum, Sabrina Mezzaqui, Nasr Moataz, Shirin Neshat, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Zimoun.
Un suo recente progetto è NewFaustianWorld, che ha compreso un libro (in italiano/inglese edito da 24 ORE Cultura), un docu-film diretto da Piero Passaro e prodotto da Theater 7/2 Productions (tradotto in inglese, francese, spagnolo, indi e greco) e due mostre (Augeo Art Space, Rimini e Beatrice Burati Anderson, Venezia) ha ricevuto numerosi riconoscimenti internazionali.
Collabora con la Real Academia de Espana en Roma.
www.raffaelequattrone.com

Un incubatore di valori etici, morali, professionali e di memoria: il premio CarlottaX giunge alla sua sesta edizione e, anche quest’anno, si pone l’obiettivo di valorizzare i progetti dell’architettura contemporanea e i professionisti che, attraverso etica e innovazione, hanno contribuito a trasformare, promuovere, diffondere e salvaguardare la cultura del territorio.

Infatti, il riconoscimento, nato nel 2021 su iniziativa dell’Ordine e della Fondazione degli Architetti, Pianificatori, Paesaggisti e Conservatori della provincia di Catania in ricordo dell’architetto Carlotta Reitano – già presidente della Fondazione e scomparsa prematuramente nel 2020 – verrà assegnato al professionista o allo studio che abbia saputo rispondere al meglio alle sfide dell’architettura contemporanea.

Quattro le categorie: opere di architettura, opere di restauro o recupero, opere di interni e/o design, progetti giovani architetti under 35. Potrà partecipare chiunque abbia realizzato progetti in Italia o all’estero e iscritto all’Albo professionale o a un’Associazione equivalente, fatta eccezione per gli under 35, che dovranno essere iscritti a un Ordine degli Architetti, Pianificatori, Paesaggisti e Conservatori italiano (sezione A).

A esaminare i lavori una qualificata giuria, composta dal presidente Paolo Colonna (RPBW), Elisabetta Gabrielli (ARCHIGROUND), Tiziana Campus (consigliere nazionale CNAPPC), Veronica Leone (vicepresidente Ordine APPC Catania), Melania Guarrera (presidente Fondazione Ordine APPC Catania) e Cristian Rocchi (presidente Ordine APPC Roma). Oltre ad assegnare il premio per ogni singola categoria, selezioneranno dei progetti che concorreranno per due menzioni d’onore, per il premio “Città di Catania” e per quello “Città di Roma”.

La documentazione potrà essere inoltrata entro il prossimo 16 febbraio attraverso il sito dei concorsi nazionale (https://premi.concorsiawn.it/carlottaxarchitettura-2026). La premiazione, invece, si terrà il prossimo 17 marzo nella capitale, dove – nella sede dell’Ordine APPC di Roma – verrà esposta una galleria con tutte le opere partecipanti.