L’esposizione propone un confronto inedito tra due grandi civiltà dell’Italia preromana, Etruschi e Veneti, indagando il ruolo fondativo dell’acqua nel mondo del sacro e nello sviluppo delle società del I millennio a.C. Mari, fiumi, sorgenti e acque termali emergono come luoghi di culto, guarigione, scambio e costruzione dell’identità collettiva.

In mostra reperti archeologici di straordinario valore, molti provenienti da scavi recenti, concessi in prestito da prestigiose istituzioni museali italiane.

Il percorso espositivo accompagna il pubblico dai grandi santuari etruschi costieri e termali – da Pyrgi a San Casciano dei Bagni – ai porti adriatici di Adria e Spina, fino ai principali luoghi sacri del Veneto antico, come Montegrotto, Lagole, Este e Altino, documentando pratiche votive, culti salutari e dinamiche di integrazione culturale. Un racconto che mette in luce il dialogo e gli scambi tra l’area etrusca e quella veneta, lungo l’area compresa tra il basso corso dell’Adige e l’antico corso del Po.

Il progetto si configura come un momento di sintesi avanzata della ricerca archeologica, capace di coniugare rigore scientifico, divulgazione e innovazione, concludendo con l’installazione We are bodies of water, realizzata da Fondazione Bonotto con la collaborazione scientifica del Museo di Storia Naturale di Venezia Giancarlo Ligabue, dedicata al fragile ecosistema lagunare veneziano.

Curata da Chiara Squarcina e Margherita Tirelli, la mostra è organizzata dalla Fondazione Musei Civici di Venezia, con il patrocinio del Ministero della Cultura, dell’Istituto Nazionale di Studi Etruschi e Italici e la collaborazione della Fondazione Luigi Rovati di Milano, che ospiterà una seconda tappa nell’autunno 2026.

L’iniziativa ha vinto un bando del Ministero dell’Università e della Ricerca, è finanziata dal PNRR con fondi europei NextGenerationEU ed è realizzata in collaborazione con il Conservatorio “L. Cherubini” di Firenze, il Conservatorio “Vecchi Tonelli” di Modena e Carpi, il Conservatorio “G. Nicolini” di Piacenza, il Conservatorio “G. Verdi” di Torino, il Politecnico delle Arti di Bergamo, NABA, Nuova Accademia di Belle Arti e l’Università degli Studi di Milano.

La tappa milanese rappresenta il cuore simbolico del progetto: proprio a Milano, infatti, si svolse la prima assoluta di Turandot diretta da Arturo Toscanini e proprio al Conservatorio “Giuseppe Verdi” si formò il giovane Giacomo Puccini.

Questa produzione si distingue inoltre per la scelta musicale di eseguire il finale di Luciano Berio, a differenza delle altre versioni presentate nelle sedi internazionali del progetto.

Samuele Chino dirigerà la recita del 28 febbraio, alle 19.00 sul podio dell’Orchestra Filarmonica Italiana e del Coro dell’Opera di Parma.

«Turandot è una di quelle opere che mi accompagnano fin dall’infanzia – racconta Samuele Chino – l’ho ascoltata, studiata, interiorizzata, sognando un giorno di dirigerla e offrirne una mia lettura. Quel giorno è arrivato: il 28 febbraio debutterò con l’Orchestra Filarmonica Italiana e il Coro dell’Opera di Parma. In questo centenario, dirigere Turandot nella città in cui Toscanini ne celebrò il battesimo musicale e nel Conservatorio dove studiò Puccini ha per me un valore simbolico fortissimo. La mia idea di teatro musicale nasce da una tradizione interpretativa di rigore e analisi del dramma: l’opera è suono che dà voce alle parole e parole che diventano melodia e sentimento.»

La selezione e il debutto in questo contesto internazionale segnano un passaggio di rilievo nel percorso artistico del direttore, inserendolo tra le giovani bacchette emergenti coinvolte in una delle iniziative più innovative dedicate all’opera pucciniana.

Samuele Chino – Profilo

Nato nel 1999, Samuele Chino si forma al Conservatorio “C. Pollini” di Padova, dove studia pianoforte, organo e clavicembalo, avviandosi parallelamente allo studio della composizione. Nel 2020 vince il Primo premio e una borsa di studio al Concorso Internazionale di Composizione “Andrea Mascagni” e consegue il Diploma Accademico di Primo livello in Composizione con il massimo dei voti e la lode. Si perfeziona quindi nello stesso Conservatorio come maestro collaboratore, conseguendo nel 2022 il Diploma Accademico di Secondo livello con la lode e la menzione d’onore, svolgendo nel frattempo un’intensa attività come pianista accompagnatore in concerti e concorsi e frequentando masterclass con musicisti tra cui Vincenzo Scalera e Marco Boemi. Dal 2015 intraprende lo studio della direzione d’orchestra e frequenta l’Italian Opera Academy del M° Riccardo Muti, approfondendo vari titoli del repertorio operistico italiano. Ammesso al Triennio di Direzione d’orchestra presso il Conservatorio “Giuseppe Verdi” di Milano, si diploma nel giugno 2025 nella classe del M° Daniele Agiman; nello stesso anno viene selezionato dal M° Fabio Luisi per frequentare la sua masterclass sulla Quarta Sinfonia di Bruckner. Parallelamente frequenta numerose ulteriori masterclass di direzione d’orchestra con maestri tra i quali Donato Renzetti, Marco Angius ed Ekhart Wycik. Nel 2024 ottiene il secondo posto al Concorso di Direzione d’orchestra “Tiziano Forcolin” e nel febbraio 2025 vince il concorso internazionale T4T, che gli vale la direzione di una produzione completa di Turandot. Dal 2022 è impegnato come direttore d’orchestra, assistente e maestro collaboratore in diverse produzioni operistiche, tra cui Don Giovanni, Gianni Schicchi, Suor Angelica e Lo scoiattolo in gamba. Accanto all’attività direttoriale svolge un’intensa attività musicologica e divulgativa: è relatore a convegni, tra cui Busoni100 a Palazzo Moroni di Padova, ed è protagonista, come relatore e pianista, di numerose lezioni-concerto.

Lunedì 23 febbraio – a partire dalle 9.30 – al Monastero dei Benedettini, si svolgerà la giornata conclusiva del progetto KM3NeT4RR – Kilometer Cube Neutrino Telescope for Recovery and Resilience, iniziativa di ricerca finanziata con fondi del PNRR (Missione 4 – Istruzione e Ricerca) e parte integrante di una delle più grandi infrastrutture scientifiche europee dedicate allo studio dell’universo attraverso i neutrini.

Promosso dall’Istituto Nazionale di Fisica Nucleare (INFN) e realizzato con otto partner italiani – Unict, INAF, UniVanvitelli, UniSA, UniNA, UniSapienza, UniGE e PoliBA – il progetto ha portato all’ampliamento dei laboratori e del sito di Capo Passero, al largo delle coste siciliane, dove sorge il rivelatore sottomarino ARCA (Astroparticle Research with Cosmics in the Abyss), parte del telescopio profondo KM3NeT.L’infrastruttura KM3NeT è considerata prioritaria nelle roadmap scientifiche europee, si sviluppa sul fondale del Mar Mediterraneo per catturare i neutrini cosmici, particelle elusive provenienti da eventi cataclismatici nel cosmo. La Sicilia diventa così un ponte tra il profondo mare e le stelle, tra l’osservazione dell’universo e l’avanguardia tecnologica, grazie a una rete di sensori e moduli ottici profondamente integrati con la ricerca internazionale.

L’evento riunirà scienziati, istituzioni e stakeholder per presentare i principali risultati delle attività svolte negli ultimi anni e discutere le prospettive della ricerca multimessaggera e delle tecnologie sviluppate grazie a KM3NeT4RR. I contributi sottolineeranno il valore dell’interdisciplinarità: dalla fisica delle particelle all’ingegneria, dall’analisi dei dati all’impatto socio-economico sul territorio siciliano. «È un orgoglio per tutta la comunità scientifica italiana e siciliana – ha commenta Giacomo Cuttone, principal investigator – vedere come un progetto di questa portata possa coniugare eccellenza scientifica e valore territoriale, aprendo nuove strade per la conoscenza e per l’innovazione».

«Quadra è innanzitutto un rimando alla forma geometrica, al suo perimetro e allo spazio contenuto al suo interno.», spiega nel suo testo di presentazione Rosanna Rago. «Allo stesso tempo, il termine richiama il quadro come oggetto e la tela come luogo della pittura, introducendo un ulteriore livello di lettura legato al linguaggio comune: mi quadra / non mi quadra. Un’espressione che apre a una dimensione di interrogazione critica rispetto a ciò che vediamo e a ciò che riconosciamo come coerente o ammissibile. In questo senso, QUADRA non è soltanto una forma né un titolo, ma un criterio di lettura. Ciò che “quadra” coincide con ciò che tiene, che convince, che trova una propria necessità interna; allo stesso tempo, ciò che appare formalmente risolto può generare inquietudine o resistenza. 

Nelle opere di D’Amico, la pittura non aspira a far quadrare le immagini secondo un ordine rassicurante, ma espone apertamente le incongruenze e le tensioni che abitano lo spazio pittorico. È proprio in questa soluzione che il lavoro trova la propria forza e la propria coerenza critica, oltre a una bellezza estetica raffinata e rara. Il non quadrare apparente, diventa così una condizione generativa, un meccanismo di interrogazione che investe tanto la percezione quanto l’identità, chiamando lo spettatore a misurarsi con ciò che comprende e con ciò che gli sfugge, con ciò che accetta e con ciò che mette in discussione. 

Riflessioni spontanee nascono dall’osservazione delle opere: cosa accade dentro lo spazio pittorico? Distanze prossemiche determinano percezioni visive sorprendenti; lo spazio che intercorre tra opera e spettatore è decisivo affinché le opere si manifestino agli occhi di chi osserva. […] L’alternanza tra opere in cui macchie in tinte scure occupano l’intera superficie – come i volti e la mano, simboli di riconoscimento e identità – e lavori nei quali, al contrario, lo spazio si apre a vuoti e sospensioni, rafforza la riflessione sul concetto di prossemica come condizione ambivalente: saturazione e compressione da un lato, distanza e isolamento dall’altro.»

Scrive invece Alberto Dambruoso nel testo Leonardo D’Amico. La vita nella pittura: «Protagonista assoluto delle sue opere è il segno. Un segno che assume differenti valenze a seconda della forma che intende rappresentare. A volte si fa archetipo come la sedia, la testa o la silhouette umane, o ancora la città, tutti elementi appena accennati ma in grado di favorire una riconoscibilità immediata della cosa rappresentata. In altre opere il segno diventa pura astrazione, una sorta di sismografo che registra sul supporto utilizzato i battiti della natura. Il segno funge anche come linea di contorno, decisamente marcata, come nell’uso tipico espressionista. A volte il segno si presenta tremulo, incerto, a significare la fragilità della cosa o del momento rappresentato o vissuto. Il segno si fa anche parola, scritta, si impone come affermazione personale o storica ma allo stesso tempo diventa negazione stessa, cancellazione. Questo collocarsi a metà strada tra la rappresentazione e la sua negazione, tra astratto e figurativo costituisce l’elemento principe per comprendere appieno tutta la ricerca. […] L’aspetto della sua pittura, tendente verso l’evanescenza del reale, appare riflettere l’odierna società in cui viviamo dove sembra essere tutto provvisorio ed incerto. L’instabilità della forma nelle sue opere diventa allora la metafora esistenziale di tante persone che vivono costantemente la precarietà del quotidiano. La cancellazione che ricorre spesso nelle sue opere si può leggere anche come il tentativo messo in opera dall’artista di eliminare il superfluo dalla vita di tutti i giorni al fine di trattenere ciò che ha più rilevanza.»

Leonardo D’Amico – Biografia

Leonardo D’Amico (Cosenza, 1967). Fin dagli esordi, il suo lavoro si caratterizza per un’attenzione costante alla dimensione formale e segnica sviluppata attraverso una pratica pittorica coerente e in continua evoluzione. La sua prima mostra personale risale al 1998 presso l’Università della Calabria. Negli anni successivi seguono mostre personali e collettive in Italia e all’estero, esponendo in contesti nazionali e internazionali tra cui Amburgo, Londra, Firenze e Roma. Tra i progetti più significativi si annoverano importanti collaborazioni con istituzioni culturali italiane e internazionali, tra cui la mostra I Luoghi della Pittura, progetto promosso dall’Istituzione Biblioteche di Roma e la personale del 2010 Dekompozim al Museo Nazionale di Tirana, che rappresenta un momento di particolare rilievo nel suo percorso. Seguono una serie di mostre personali in sedi di prestigio, tra cui il MACK (Museo d’Arte Contemporanea di Crotone), il Centro di Documentazione della Ricerca Artistica Contemporanea Luigi Di Sarro a Roma, Azimut (Roma), Palazzo Lucarini Contemporary a Trevi e la Fondazione Museo Umberto Mastroianni di Arpino. Queste esperienze contribuiscono a delineare un percorso artistico maturo, riconosciuto per la coerenza stilistica e la ricerca continua della sintesi. Vive e lavora a Roma.

Pompei è una città sottratta al tempo e restituita alla visione. Un corpo sepolto, una memoria intatta. Un luogo dove la fine non ha cancellato la forma.

Qui, sotto il cielo aperto dell’Anfiteatro, all’interno della rassegna BOP – Beats of Pompei, Ovunque Proteggi suonerà nuovamente e verrà attraversato integralmente. Non una celebrazione, ma una convocazione.

Abbiamo deciso di eseguire “Ovunque Proteggi” a venti anni dalla sua pubblicazione, in una data speciale. Aggiunge Capossela. Non si tratta di una operazione museale, ma di un intervento a cuore aperto. Tante, profonde e rumorose sono le ragioni per le quali queste canzoni sono vive e sanguinano. La sede scelta per questa convocazione di prodigi è l’anfiteatro romano dell’area archeologica di Pompei. La scelta è dovuta più alla colata lavica terminale che all’emulazione dei Pink Floyd.

È un disco nato dall’antichità, e nelle rovine trova il suo eco naturale. Pompei ci ricorda la grandezza e la finitezza del genere umano. La quotidianità che ci occupa la vita, nel momento in cui viene travolta dalla fine, è proiettata in un’immobile eternità: una condizione alla quale siamo costantemente esposti. Pompei è il luogo in cui l’havel havalim…il vanitas vanitatum, il fumo di fumi del Qohelet, tradotto e articolato dalla voce di Guido Ceronetti può risuonare.

Per sempre. Nel sacro Niente del vuoto eterno.

Sesto album dell’artista, pubblicato nel 2006 e vincitore della Targa Tenco come Miglior Album in Assoluto, Ovunque Proteggi è una pietra miliare del cantautorato in Italia e della discografia di Capossela e uno dei suoi lavori più apprezzati da pubblico e critica, nazionale e internazionale. Un disco “dal linguaggio biblico e visionario, che raccoglie e scaglia parole di pietra, di carne, dolore e sangue” (Marco Mangiarotti, QN ), in cui Capossela “canta come Tom Waits e scrive come Ovidio (Sunday Times): “un album che  ha rappresentato un passaggio fondamentale per la musica italiana del nuovo millennio, indicando la strada a una generazione di cantautori. Un album arrivato a sorpresa al primo posto in classifica in un’epoca in cui non c’era Spotify e i dischi si vendevano ancora per davvero” (Giovanni Ansaldo, “La strada di Vinicio Capossela” Nottetempo, 2026). 

Un’opera nata in viaggio, inseguendo le canzoni come si inseguono i segni, affidandosi all’intuizione, al pellegrinaggio, all’incontro. Un disco che si muove con libertà e lucidità tra i mondi sonori più vari, registrato in modo nomade, dentro grotte e chiese, che scava nelle Sacre Scritture e nella mitologia pagana, nell’antropologia e negli archetipi umani.

Un disco di luoghi e di visioni, che non smette mai di interrogare il rapporto tra ciò che è sacro e ciò che è mortale. 

Vent’anni dopo, Ovunque Proteggi non torna per essere ricordato. Torna per essere abitato. 

Perché alcune invocazioni non invecchiano, restano sospese e continuano a proteggere, ovunque.

L’evento nasce da una sinergia tra territorio locale e istituzioni internazionali, a testimonianza dell’importanza del dialogo tra cultura e pensiero etico. Co-organizzata dal Comune di Fabriano in collaborazione con il Club per l’UNESCO di Firenze, la mostra gode del prestigioso patrocinio della Regione Marche e della Provincia di Ancona. Sotto la direzione artistica di Annalisa Di Maria, studiosa ed esperta di Leonardo da Vinci di fama internazionale, il percorso curatoriale trasforma lo spazio espositivo in un’area di meditazione attiva, dove luce e silenzio guidano il visitatore verso una nuova consapevolezza interiore.

Andrea da Montefeltro lavora la pietra con una delicatezza che sfida la densità del materiale. Attraverso la lucidatura e la foratura, l’artista ne estrae leggerezza e ariosità, trasformando la materia inerte in “materia-simbolo”. Ogni opera rappresenta una lezione interdisciplinare che invita a un’osservazione lenta e profonda. Come nelle grandi opere del Rinascimento, la prospettiva nasconde significati stratificati; di fronte a queste sculture emerge un vasto patrimonio culturale, fatto di simbologie universali, radici bibliche intese come eredità storica e il kratos della filosofia ellenica.
Elemento distintivo del progetto è il gesto simbolico di donare piccole pietre scolpite a tutti i visitatori dell’inaugurazione. Non si tratta di un semplice souvenir, ma della consegna di un frammento tangibile dell’esperienza vissuta. Questo dono rappresenta il desiderio dell’artista di trasmettere un’impronta etica permanente, trasformando il visitatore in un testimone di bellezza e conoscenza.

Tema centrale è l’ammirazione per il Creato, inteso come ecosistema universale da preservare per le generazioni future. In occasione dell’ottavo centenario della morte di San Francesco d’Assisi, figura qui celebrata per il suo messaggio universale di armonia tra uomo e natura, la mostra indaga il legame primordiale con l’ambiente. Il riferimento ai frutti della terra è emblematico: nell’arte di Andrea, ogni elemento ha una storia metafisica, un richiamo a nutrire non solo il corpo ma la coscienza collettiva.

Questo progetto persegue la missione di utilizzare l’arte come strumento di elevazione culturale. Attraverso un simbolismo arcaico, “ARCANA” si pone come un ponte necessario tra l’ingegno antico e il futuro.

Un’accelerazione senza meta

C’è qualcosa di volutamente stonato – e per questo lucidissimo – nell’immagine dell’“automobilista invertebrato”. È la metafora scelta dai Black Ball Boogie per raccontare una quotidianità urbana che procede per inerzia, senza una direzione consapevole. Il nuovo singolo della band, disponibile da venerdì 13 febbraio in radio e nei digital store , prende forma come un boogie incalzante che unisce ironia tagliente e osservazione sociale.

Il titolo è già una dichiarazione di poetica. L’automobilista non è solo chi guida: è l’uomo contemporaneo intrappolato in una corsa continua, in un traffico esistenziale dove il movimento è compulsivo e circolare. Senza colonna vertebrale – dunque senza struttura morale o visione – si attraversa la città come una giungla, reagendo più che scegliendo.

Groove vintage, critica attuale

La cifra stilistica dei Black Ball Boogie resta quella di sempre: un rock’n’roll intriso di boogie woogie, sostenuto da un groove serrato che amplifica il senso di moto perpetuo evocato dal testo. Ma dietro l’energia ritmica si avverte una riflessione più sottile. La band utilizza un linguaggio volutamente surreale per raccontare una società frenetica, caotica, incapace di fermarsi e interrogarsi.

Il risultato è un brano che diverte e inquieta allo stesso tempo. La leggerezza del boogie diventa un veicolo critico: sotto la superficie ballabile affiora una domanda implicita sul senso del percorso, sull’abitudine che sostituisce la scelta, sul movimento che non coincide più con il progresso.

“L’Automobilista Invertebrato” anticipa l’album in uscita in primavera per Pretty Cat’s Records – Borgatti Edizioni, con il supporto di PB Produzioni e l’ufficio stampa A-Z Press. Un tassello che prefigura un lavoro coerente con l’identità del gruppo: musicale ma anche visiva, narrativa, quasi cinematografica.

Una band tra passato e presente

Nati nel 2016, i Black Ball Boogie si muovono lungo la linea che congiunge la tradizione del rock’n’roll anni Quaranta e Cinquanta con una sensibilità contemporanea. I loro live sono veri e propri spettacoli d’immagine: outfit d’epoca, arrangiamenti energici, armonizzazioni vocali a quattro voci, un immaginario ironico che sembra uscire da un film in bianco e nero ma parla al presente.

La formazione – Virginia Piccichè (voce), Manuel Goretti (pianoforte e voce), Luciano Sibona (contrabbasso e voce) e Filippo Lambertucci (batteria e voce) – ha costruito negli anni una reputazione solida grazie a una presenza scenica travolgente e a una costante attività live in Italia e all’estero. Non mancano collaborazioni significative, come quella con Bobby Solo , che testimoniano un dialogo aperto con diverse generazioni della musica italiana.

Ironia come strumento critico

In un panorama musicale spesso diviso tra nostalgia sterile e attualità gridata, i Black Ball Boogie scelgono una terza via: recuperare un linguaggio musicale del passato per raccontare il presente. Non si tratta di revival, ma di riattivazione di un’estetica. Il boogie diventa così una lente deformante – ironica, teatrale, volutamente eccessiva – attraverso cui osservare le contraddizioni della modernità.

La giungla urbana evocata nel singolo non è soltanto il traffico cittadino. È un ecosistema emotivo dove si corre per restare fermi, si accumulano impegni senza orientamento, si procede per abitudine. L’automobilista invertebrato è una figura paradossale: si muove molto, ma non decide. È veloce, ma non consapevole.

Ed è proprio in questa ambiguità che il brano trova la sua forza: ballabile e insieme riflessivo, ironico ma non superficiale.

Dove ascoltarlo

“L’Automobilista Invertebrato” è disponibile sulle principali piattaforme digitali e nelle radio dal 13 febbraio . La band è attiva sui principali canali social e streaming, tra cui Spotify, Facebook, Instagram e YouTube .

Note essenziali
Titolo: L’Automobilista Invertebrato
Artista: Black Ball Boogie
Disponibile: dal 13 febbraio in radio e digital store
Album: in uscita in primavera (Pretty Cat’s Records – Borgatti Edizioni)
Formazione: Virginia Piccichè, Manuel Goretti, Luciano Sibona, Filippo Lambertucci

LINK UTILI

Facebook: www.facebook.com/blackballboogie
Instagram: www.instagram.com/blackballboogie
YouTube: www.youtube.com/@blackballboogie1514
Spotify: https://open.spotify.com/intl-it/artist/3b8MY6xfzCQtLuo8ogV2Dv
Sito Web: www.blackballboogie.com

Gli autori
L’idea di creare “Si raccunta” nasce a Miriam Mangiarotti e Dario Castiglione – due giovani artisti nati dietro le quinte del teatro e appassionati di tradizioni popolari siciliane – durante un viaggio in van in Grecia. «La strada scorreva e in sottofondo un podcast di mitologia ci accompagnava tra le storie di antiche divinità» dice Miriam. «E’ così che nasce il desiderio di dare voce con un podcast alle fiabe raccolta dal Pitrè – ci racconta Dario – che nel 1875 attraversava la Sicilia col suo calesse ‘camperizzato’ per custodire la memoria orale dell’isola».

Un successo crescente
Con 10 episodi già disponibili sulle principali piattaforme audio, “Si raccunta” qualche settimana fa ha superato il primo targuardo, quello dei 1.000 ascolti; un risultato significativo per un progetto culturale indipendente che punta sulla qualità narrativa e sulla valorizzazione delle radici popolari dell’Isola. Da gennaio 2026, il podcast è approdato anche su YouTube, ampliando ulteriormente il proprio pubblico e raggiungendo ascoltatori che prediligono la fruizione video o desiderano un accesso più immediato ai contenuti.

Un ponte tra memoria e contemporaneità
L’obiettivo dichiarato degli autori è chiaro: preservare e diffondere il patrimonio narrativo siciliano, riportando all’ascolto storie che rischiavano di perdersi nel tempo. Fiabe, leggende, racconti di magia e di quotidianità che per generazioni sono stati affidati alla voce dei narratori popolari e che oggi trovano nuova vita grazie al podcasting. «Il progetto, molto ben realizzato, ha una importantissima valenza culturale – afferma Fonso Genchi, Presidente dell’Accademia della Lingua Siciliana, ente che ha apprezzato e rilanciato dai propri canali social questa iniziativa – perché i libri del Pitrè, purtroppo, non vengono quasi mai letti e studiati a scuola, nonostante rappresentino un patrimonio fondamentale della nostra cultura. “Si raccunta” è, potenzialmente, uno strumento didattico anche per la lingua siciliana, dato che una parte dei testi è narrata in siciliano».

Un invito alla comunità
Gli autori di “Si raccunta” e l’Accademia della Lingua Siciliana invitano il pubblico ad ascoltare, condividere e supportare il progetto, contribuendo alla tutela di un patrimonio culturale che appartiene a tutta la Sicilia. Un gesto semplice che aiuta a mantenere vive storie antiche, contribuendo a trasmetterle alle nuove generazioni.