Fino al 24 gennaio, questo spazio ospita “Corpus“, un’indagine visiva che riunisce Camilla Di Bella Vecchi, Marco Gualdoni, Lulù Withheld, Ettore Moni e Serafino, ciascuno con una visione distintiva, accomunati dalla capacità di esplorare le modalità con cui il corpo si fa specchio della nostra contemporaneità. Le loro traiettorie si intrecciano in una narrazione che offre mondi ideali, reale contatto e atti di resistenza nel buio oscurantista del presente.

NUDITÀ COME MISTERO E UTOPIA
Camilla Di Bella Vecchi & Marco Gualdoni

Ciò che viene offerto dai due artisti è un mondo utopico, immaginifico e pieno di mistero, che solo un mezzo come la fotografia può rendere credibile. Uno sguardo sul corpo privo di nostalgia, che si fa ponte di memoria verso il futuro. La visione fotografica di Camilla Di Bella Vecchi e Marco Gualdoni attinge all’immaginario della pittura fiamminga, in cui l’uso di una luce epidermica e analitica era simbolo di progresso, equità e sapere. Una luce che, scivolando su ogni più piccolo dettaglio del reale, eliminava gerarchie tra le cose e suscitava sete di conoscenza.

NUDITÀ COME RIAPPROPRIAZIONE DI SÉ, OLTRE LE BARRIERE DIGITALI
Lulù Withheld

La realtà e i nostri corpi sono ogni giorno esperiti attraverso uno schermo tecnologico che espone e dà visibilità, promette protezione e connessione, ma invece isola, filtra e crea visioni anestetizzate. In un pulviscolo di pixel, i corpi fotografati da Withheld recuperano la loro fisicità e materialità perduta, con l’intento di abbattere le barriere e ritrovare un reale contatto con sé stessi e gli altri.

NUDITÀ COME LEGAME COMUNITARIO E ATTO DI RESISTENZA
Ettore Moni

I ritratti fotografici realizzati da Ettore Moni trasformano l’osservazione in un’esperienza vissuta sulla propria pelle. Un’esplorazione di identità libere, outsider e non conformiste con cui ritrovare, attraverso la loro nudità, il coraggio di essere sé stessi e il senso profondo di una comune appartenenza. Ogni scatto permette di rispecchiarsi nell’altro, ampliare i nostri orizzonti e trovare legami condivisi.

NUDITÀ COME FIORITURA EMOTIVA
Serafino

Francesco Esposito, in arte Serafino, si ispira alla natura per ripensare le relazioni, l’amore e l’ordine sociale. Fotografa corpi, abbracci e connessioni umane, affiancandoli a scatti di elementi naturali. L’invito è a ridefinire i legami sentimentali ed affettivi non solo come una strada a senso unico, ma come una rete infinita di possibilità.

Alla Blue Gallery gli eventi non si programmano: accadono. Nascono da conversazioni leggere ma dense, dall’andirivieni quotidiano, nella vivace zona di Dorsoduro a Venezia, dall’ascolto fertile che maturano i progetti come semi. È in questo terreno, vivo e non artificiale, che Simone Meneghello incontra Borges. Non una citazione, non un omaggio illustrativo, ma uno scambio: un attraversamento.
Un incontro che avviene fisicamente nello spazio della galleria e poeticamente  nell’opera, come se la letteratura si fosse fermata qui, pronta a trasformarsi in materia, oggetto, corpo. Meneghello lavora da anni sul limite. Sul confine tra parola e silenzio, tra senso e opacità. Le sue opere non comunicano un contenuto: custodiscono una presenza. Sono libri riscritti, sovrapposti, saturati fino a diventare superfici compatte, nere, inaggirabili. Sono scatole che contengono nulla pur contenendo tutto, boccette che archiviano poesie frante come messaggi lanciati al mare; sono enciclopedie che hanno perso la possibilità della lettura ma hanno guadagnato densità, peso, esistenza.

 Il critico Dambruoso osserva che «le parole, frantumate o sovrascritte, perdono la loro funzione originaria mostrandosi solo per la loro nuda e scarna presenza». È Meneghello stesso a definire questa pratica come Presenza dell’assenza, e ancora:”Quando il linguaggio si compatta nelle mie opere, quando le lettere si sovrappongono e si perdono nella densità tipografica, accade qualcosa che va oltre la scrittura: il linguaggio mostra se stesso nel momento in cui non può più dire. Le opere sono il varco, la soglia dove la parola smette di essere discorso e diventa presenza».

Dopo Pasolini e Pavese, ora il dialogo si apre con Borges. Il confronto con l’opera letteraria del grande scrittore e poeta argentino, nasce soprattutto intorno al concetto di simultaneità. E’ ancora Meneghello a definire questo punto affermando che: “Nelle mie opere il testo si sottrae alla sequenza lineare e viene restituito come densità simultanea” (In alcune opere la sovrapposizione si sviluppa anche in un solo punto. Un intero testo è presente, stratificato, sovrapposto in un unico punto, come ad esempio nell’opera dal titolo “L’Aleph”). 

Meneghello ha impostato la sua ricerca su questi concetti, declinandola però su un piano visivo: i suoi libri non si leggono ma contengono tutto. Attraversandole non si entra nel significato ma in quello spazio in cui significato e materia coincidono. 

La mostra si compone di due nuclei espositivi, due forme di passaggio:

I. Le opere a parete

Cinque lavori murali — Cosmogonia, Finzioni, L’Aleph, Trittico L’altro, La biblioteca di Babele, Funes, Il giardino dai sentieri che si biforcano.Oggetti che non trasmettono significato, ma lo trattengono.

Sono opere-soglia: blocchi compattati di testo, superfici che non si lasciano leggere ma custodiscono la totalità dei libri da cui provengono. Ogni opera è un frammento di un tutto simultaneo, un punto di densità che nega la sequenza e invita a sostare nel limite del linguaggio. Non tutte le opere sono sovrascritte, alcune sono compattate, destrutturate o velate; tutte, in ogni caso, non possono essere decodificate. 

II. Labirinto di Borges — Sentiero della conoscenza

Il secondo nucleo comprende l’installazione “Labirinto di Borges – Sentiero della conoscenza”; quindici volumi enciclopedici, privi di copertine e monocromi, formano un sentiero che parte dalla parete, attraversa il pavimento e supera la soglia della galleria per continuare idealmente e materialmente sulla strada (oltre il vetro/velo della vetrina). È un gesto che porta l’enciclopedia – simbolo del sapere ordinato e totale – oltre il proprio linguaggio: un attraversamento, un oltrepassamento del limite. «Il vuoto compreso tra un volume e l’altro è un vuoto che è tutto: lo spazio stesso della simultaneità, dove presenza e assenza coincidono», scrive Dambruoso.

Anche nella sua struttura, il sentiero si offre come figura paradossale: sembra un sentiero che conduce, ma pur conducendo, non porta da nessuna parte. Non vi è inizio né fine, né sopra né sotto, né dentro né fuori, né pieno né vuoto: tutto è contemporaneamente presente.

Un percorso che conduce e non conduce: la meta non è l’arrivo, ma il cammino.

Non c’è inizio né fine. Non c’è dualità che resista. Il percorso è luogo di tempo indiviso.

Dambruoso riconosce nella ricerca di Meneghello «una tappa ulteriore verso la dimostrazione della verità dell’opera», in cui l’opera esiste al di là del significato.
Non per dire: per essere. L’artista stesso ribadisce:“L’arte, per come la vivo io, e il mio lavoro non sono mai comunicazione. Attraversare la soglia significa accettare che ogni senso sia già ecceduto, che il linguaggio – nel momento in cui si arresta – riveli la sua appartenenza all’Uno”.

MENEGHELLO INCONTRA BORGES non è una mostra che si guarda. È una mostra che si attraversa.

Simone Meneghello – Profilo

Simone Meneghello nasce a Milano il 3 Settembre 1973.
Frequenta il liceo artistico I di Brera e si dedica allo studio della scenografia presso l’Accademia di Belle Arti di Brera.
Fin dagli anni novanta le sue opere trovano espressione attraverso varie forme dell’arte visiva alle quali, da sempre, affianca la composizione e la produzione musicale. Vive e lavora a Padova 

WEBSITE www.simonemeneghello 
INSTAGRAM @simonemeneghelloart

Il Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea presenta il programma espositivo per l’anno 2026. Il calendario dell’istituzione intreccia commissioni, ricerca storica e pratiche contemporanee, riaffermando il ruolo del Museo come luogo di produzione di pensiero e rilettura critica del presente. Il programma comprende la seconda edizione di Inserzioni, progetto di commissioni che innesta nuove opere nel percorso della Collezione, e due importati esposizioni dedicate a Cecilia Vicuña e Marisa Merz, artiste che, con linguaggi e traiettorie differenti, hanno ridefinito il rapporto tra arte, tempo, materia e dimensione politica dell’esperienza e la seconda versione del progetto per i non-adulti Il castello incantato.
 
Inserzioni
A cura di Francesco Manacorda
26 marzo – agosto 2026                           
Edificio Castello, I e II piano
 
Inserzioni è il programma di commissioni semestrale che introduce opere site-specific nel tessuto delle sale dedicate alla Collezione permanente, trasformandole in una mostra collettiva in costante mutamento. Dal 26 marzo all’agosto 2026, la seconda edizione del progetto coinvolge Gabriel Chaile (Argentina, 1985), Lonnie Holley (Stati Uniti, 1950) e Huda Takriti (Siria, 1990), il cui intervento è curato da Linda Fossati. Inserzioni invita ogni artista a concepire un’opera per una sala aulica del Castello, in dialogo con l’architettura incompiuta e con la narrazione storica dell’arte proposta dal Museo. Il progetto consente di accogliere nuove voci e, al contempo, di reintrodurre figure, movimenti e aree geografiche sinora non pienamente rappresentate nella Collezione. Da settembre 2026 a febbraio 2027 è prevista la terza edizione di Inserzioni.
 
Cecilia Vicuña – El glaciar ido (Il ghiacciaio scomparso)
A cura di Marcella Beccaria
30 aprile – settembre 2026                         
Manica Lunga, Terzo piano
 
Cecilia Vicuña – El glaciar ido (Il ghiacciaio scomparso) è la prima mostra personale dell’artista in un museo italiano. Nata a Santiago del Cile nel 1948 e oggi residente a New York, Cecilia Vicuña è artista, poetessa e attivista. Femminista ed ecologico, il suo pensiero si focalizza su tematiche legate alla difesa della democrazia, alla libertà d’espressione e a pratiche decoloniali tese alla tutela dell’eredità culturale delle popolazioni indigene. Performance, poesia disegno, pittura, video, installazioni minime o di scala monumentale compongono il suo universo artistico. Il concetto di precarietà informa l’arte di Vicuña che, dagli esordi negli anni sessanta, conia la definizione di “Arte Precario”. Favorendo una terminologia e una pratica priva di retaggi coloniali, la pratica dell’artista include lavori effimeri e partecipativi, spesso fatti con piccoli detriti e materiali trovati, in dialogo creativo con i luoghi e le comunità incontrate. La mostra al Castello consiste in una nuova commissione ideata da Vicuña per la Manica Lunga ispirandosi alla storia umana e geologica del territorio. La mostra includerà un focus sulla produzione poetica dell’artista e opere video, portando nel progetto immagini, sonorità e canti che dagli esordi sono parte integrante della sua pratica.
 
Marisa Merz – La danza delle ore
La mostra è parte del progetto espositivo Marisa Merz – La danza delle ore organizzato con Fondazione Merz, Torino e GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea, Torino
A cura di Francesco Manacorda con Marianna Vecellio, Chiara Bertola con Chiara Parisi e Beatrice Merz con Sébastien Delot
29 ottobre 2026 – 4 aprile 2027                 
Manica Lunga, Terzo piano
 
In occasione delle celebrazioni per il centenario dalla nascita di Marisa Merz, tre importanti istituzioni organizzano insieme una mostra dedicata all’artista concepita in tre atti a cura di un team curatoriale per ciascuna sede espositiva. Marisa Merz, unica protagonista femminile del movimento dell’Arte Povera, ha utilizzato molteplici linguaggi espressivi: pittura, scultura, disegno, video e installazione. I tre capitoli intendono dare vita a un ritratto corale e molteplice che rispecchi la profondità del suo contributo all’evoluzione dell’arte italiana e globale. La mostra presso il Castello di Rivoli, partirà dalla ricostruzione di “E il naufragar m’è dolce in questo mare“, importante progetto espositivo che l’artista tenne nel 1980 presso la galleria torinese Tucci Russo e che poi replicò in occasione della Biennale d’Arte di Venezia lo stesso anno. In linea con la pratica dell’artista, l’installazione costituirà il fulcro espositivo da cui dirameranno temi e ricerca. La mostra si completerà grazie alla partecipazione di artisti contemporanei che si ispirano formalmente o concettualmente a Marisa Merz o che ne continuano l’opera innovativa e proceduralmente centrata sulla trasfigurazione e il continuo ritocco aggiuntivo.

Il castello incantato 2.0
Con la collaborazione curatoriale di Marcella Beccaria, Francesco Manacorda e Paola Zanini
Primavera 2026
 
Nel 2026 il Castello di Rivoli rafforza il proprio impegno nei confronti dei pubblici più giovani attraverso Il castello incantato 2.0, evoluzione del progetto partecipato dedicato ai non adulti, avviato in occasione del quarantennale del Museo. Il nuovo progetto espositivo include opere di artisti con interventi appositamente concepiti per il pubblico dei giovani e dei giovanissimi. Tra questi, Rivane Neuenschwander, autrice di una speciale opera collaborativa sviluppata con bambini del territorio e le creature che danno forma ai loro sogni e incubi. Continuando inoltre il dialogo con gli artisti della Collezione, il percorso di mostra include opere e installazioni di John Baldessari, William Kentridge, Eduardo Navarro, Paola Pivi e Remo Salvadori. A partire dalla primavera, il progetto si intreccia con La Scuola della Curiosità, nuova iniziativa del Dipartimento Educazione che concepisce il Museo come luogo di attivazione del pensiero e di generazione di domande. I programmi per scuole, famiglie e adulti saranno focalizzate sull’attivazione della curiosità del pubblico per ciò che ancora non sa e che gli artisti invitano a scoprire.
 
 Il progetto di Huda Takriti è prodotto in collaborazione con Phileas – The Austrian Office for Contemporary Art

Dopo l’ennesimo successo televisivo nell’edizione “Zelig On” in prima serata su Italia 1, che lo conferma unico comico napoletano nel cast dell’olimpo delle comedy show nazionali, Vincenzo Comunale torna a calcare i palcoscenici con un nuovo spettacolo, scritto e diretto dallo stesso Comunale, che si intitola “PRIMA PAGINA” e sarà in tour a partire da Gennaio 2026 con debutto a Napoli presso il Teatro Acacia dall’8 all’11 gennaio. Nelle ultime ore è stato aggiunto un quinto appuntamento per sabato 10 gennaio che avrà un doppio spettacolo: il primo alle ore 18 e il secondo alle ore 21.

Inizio ore 21. Biglietti: Platea euro 25+d.p. Galleria euro 20+d.p. Prevendita attiva al seguente link

Classe ’96, inserito da Forbes tra i 100 italiani under 30 che stanno cambiando il mondo, vincitore di premi prestigiosi come il “Troisi” e il “Charlot”, Comunale si è imposto come una delle voci più interessanti, originali e generazionali della stand up comedy italiana.
Dopo lo show a Piazza Plebiscito del 2023, con oltre cinquemila persone, esattamente a un anno di distanza dai trionfali spettacoli di “A Ruota Libera Show” al Teatro Palapartenope e dal tour nazionale ed europeo di “Ant3prima”, l’artista presenta un monologo nuovo, intimo e al contempo universale.

Il nuovo spettacolo parla delle pagine più difficili da scrivere: quelle bianche, ovvero gli inizi. Dalla “prima pagina” della nostra vita, il giorno della nascita, alla prima di un nuovo amore, cioè il primo appuntamento, Comunale arriva a raccontare in maniera metanarrativa la scrittura stessa dello spettacolo. Si parla di uscire dalla comfort zone, di paure, sogni e possibilità. Perché non c’è nulla che racchiuda più speranza e potenziale di un foglio bianco, tutto da scrivere.

Come suo stile, Comunale ribalta la realtà, ne evidenzia le contraddizioni e propone punti di vista alternativi e spiazzanti. Da voce alla sua generazione, a metà tra Millennials e Gen Z, e alla sua città, Napoli, che racconta ironizzando sugli stereotipi ma rifuggendo ogni retorica. Lo spettatore è parte attiva dello show: le risposte del pubblico, grazie a frequenti momenti di improvvisazione, diventano il motore narrativo dello spettacolo. L’attualità e le prime pagine dei giornali vengono integrate nella performance, rendendo ogni replica unica e irripetibile.

Dopo le tappe napoletano “Prima Pagina” volerà all’estero, in Svizzera, al Theatre de la Grenette di Vevey (13, 14, 15 Marzo) per rientrare in Italia con appuntamento a Milano, Teatro Elfo Puccini (23 Marzo); un doppio spettacolo a Torino, Teatro Q77 (27 e 28 Marzo), Roma presso Teatro Sala Umberto (11 Aprile). Infine altre due prestigiose tappe europee chiuderanno questa prima tranche del tour: Bruxelles, presso l’Aloft Brussels Schuman (24 Aprile) e Barcellona al Golem’s Theatre (22 maggio).

Il tour è prodotto da Full Heads Comedy in collaborazione con BeComedy UK per Barcellona e Bruxells, Barley Arts per Milano, Altrascena Art Management per Roma e Vertigo Live Club per Torino.

Vincenzo Comunale – Profilo

Napoletano classe ’96, Vincenzo Comunale è un comico ed autore, tra le più interessanti voci della stand up comedy italiana.
Nel 2025 viene inserito dalla rivista Forbes nella lista dei 100 italiani under 30 che stanno cambiando il mondo.
Ha vinto diversi premi nazionali, come il “Premio Massimo Troisi” e il “Premio Charlot”, ed ha partecipato a diversi programmi televisivi come “Battute?” (in seconda serata su Rai 2), “Le Iene” (Italia 1), vari format su Comedy Central, “Mad in Italy” e “Audiscion” (in prima serata su Rai 2), ma soprattutto dal 2016 è nel cast fisso di “Zelig“, condotto da Claudio Bisio e Vanessa Incontrata in prima serata su canale 5 ed anche del nuovo “ZeligOn“, condotto da Paolo Ruffini e Lodovica Comello, in prima serata su Italia 1.
Comunale è autore ed interprete di vari one man show, con i quali ha calcato i palchi delle principali città italiane ma anche estere (ha fatto spettacolo per Italiani a Londra, Parigi, Lisbona e Amsterdam). Nel 2023 si esibisce con uno speciale “Vincenzo Comunale show” a Piazza del Plebiscito (Napoli) davanti a circa 6.000 persone.
Molto attivo sui social, Comunale diventa virale con video di sue esibizioni dal vivo ma anche con contenuti creati ad hoc che raggiungono milioni di views.
È ideatore e conduttore del format “Inoltrato Molte Volte” (prodotto dal Teatro San Carlo), un late show che parla di social, nel quale intervista ospiti sottoponendoli a rubriche e sketch, ma anche momenti di improvvisazione.
Il tour 2025 si è aperto con un doppio sold out a Palapartenope – “Casa della musica” di Napoli, con lo spettacolo “A ruota libera show” (in cui un’enorme ruota, girando, decide la scaletta dello spettacolo e l’ingresso di ospiti e momenti di improvvisazione).

Due grandi città d’arte unite da un unico filo conduttore: Marc Chagall. La Fondazione Ferrara Arte e il MAR – Museo d’Arte della città di Ravenna hanno siglato una convenzione per promuovere in sinergia le mostre che, nell’autunno 2025, rendono omaggio al genio poetico e visionario del maestro russo.

Al Palazzo dei Diamanti di Ferrara, fino all’8 febbraio 2026, “Chagall, testimone del suo tempo” racconta in maniera esemplare – attraverso 200 opere – come l’artista, straordinario narratore sospeso tra il reale e il fiabesco, sia stato capace di trasformare l’esperienza personale in una profonda riflessione condivisa e di farsi cantore della bellezza e della gioia di vivere.

Al MAR di Ravenna, dal 18 ottobre 2025 al 18 gennaio 2026, è in scena “Marc Chagall in mosaico. Dal progetto all’opera”, una mostra che esplora il legame tra la poetica dell’artista e l’arte musiva, con una selezione di opere, bozzetti e studi che raccontano l’incontro tra colore, materia e spiritualità.

Grazie alla convenzione, i visitatori potranno usufruire di agevolazioni reciproche: presentando il biglietto della mostra “Marc Chagall in mosaico. Dal progetto all’opera” alla biglietteria di Palazzo dei Diamanti, si avrà diritto all’ingresso ridotto a 14 euro per la mostra “Chagall, testimone del suo tempo”. Viceversa, chi presenterà il biglietto della mostra ferrarese al MAR potrà accedere alla mostra ravennate con biglietto ridotto speciale a 5 euro (anziché 8).

La collaborazione tra i due istituti museali intende valorizzare le eccellenze culturali del territorio e offrire al pubblico un itinerario artistico unico, che dal cuore del Rinascimento estense conduce alla città del mosaico, nel nome di uno degli artisti più amati del Novecento.