A risultare vincitrici sono state Laura Capellini (Mariano Comense, 1994) con il progetto Anitya e Zeynep Çilek Çimen (Ankara, 1984) con Hatai – Impermanence Screen, che saranno in residenza presso la Tenuta Rasocolmo dal 20 febbraio al 1° marzo 2026.

Il bando, rivolto ad artiste e artisti italiani e internazionali attivi nell’ambito della scultura e delle installazioni site-specific, invita a sviluppare opere capaci di dialogare in modo critico e poetico con l’ambiente naturale, il vento e la luce, riflettendo sulle trasformazioni del territorio. Il tema della residenza 2026 è stato “Impermanence: Art and Migrations – Dislocazioni ecologiche e politiche del movimento”, un’indagine sulle dinamiche della transitorietà e sulle connessioni tra specie, natura e culture.

La giuria ha riconosciuto nei due progetti selezionati una particolare sensibilità nei confronti del luogo e una forte coerenza con la missione della Tenuta Rasocolmo, da anni impegnata nel coniugare la produzione vitivinicola – in particolare del Faro DOC, simbolo storico del territorio – con la tutela del paesaggio, la valorizzazione ambientale e la costruzione di un polo culturale aperto al dialogo tra arti visive, musica e letteratura.

Dal 21 al 28 febbraio le artiste lavoreranno presso la Tenuta accogliendo il pubblico, le scolaresche e tutti i visitatori interessati a seguire il processo creativo.
Domenica 1° marzo alle ore 11 si terrà la cerimonia di restituzione con l’inaugurazione delle opere che si aggiungeranno alle quattro già presenti.

Con il progetto Residenze d’artista, la Tenuta Rasocolmo promuove il dialogo tra arte contemporanea, natura e comunità. Ingresso libero

Laura Capellini – Biografia

Laura Capellini, 1994, è laureata in Scultura ed in Decorazione all’Accademia di Belle Arti di Brera. Professionalmente lavora come scultrice realizzando opere ed installazioni per artisti, scenografi, architetti e fotografi. Ha realizzato nel 2022 l’opera pubblica “Il Fornaciaio” per il comune di Briosco (MB), Borgo del Cotto Lombardo, scultura di due metri fatta a colombino in terracotta bianca e rossa ; nel 2016 ha realizzato, in un team di sei scultori selezionati, l’opera “Madonna della Luna” per il comune di Turbigo (MI), in marmo bianco di Carrara. Nel 2017 ha co-fondato CollectiveConcrete, un collettivo di ricerca fotografica ed artistica che mira ad indagare il senso odierno della fotografia, stampando in modo analogico immagini digitali su supporti tridimensionali. La sua ricerca artistica è incentrata sul tema del Paesaggio Interiore, per avvicinare l’osservatore al dialogo con sé stesso, all’analisi introspettiva ed all’inscindibile rapporto con gli elementi naturali. Dal 2015 partecipa a mostre collettive e personali, esponendo, tra gli altri, a “Il femminile nell’arte” curato da Ivan Quaroni (2025) , al 17th Photo Festival Milano (2022), alla III Biennale Internazione Donna- BID Trieste (2021), al Bau 17 curato dalla Fondazione Bonotto (2020). Ha inoltre partecipato al Simposio di Scultura “Tra pietra e seta” durante la Lake Como Creativity Week (2024), realizzando un’opera con il marmo di Musso.

Il sito web è: https://lauracapellini.it/

Zeynep çilek çimen – Biografia

ZEYNEP ÇİLEK ÇİMEN 1984, Ankara Zeynep Cilek Cimen (1984, Ankara) concepisce l’arte come una forma di dialogo tradizionale, un modo di interagire con simboli ereditati e memoria collettiva. Il suo lavoro esplora le innumerevoli possibilità di forme e figure, creando composizioni ottiche che bilanciano astrazione e ripetizione. Sebbene il suo obiettivo principale sia lo studio delle connessioni tra le forme, la sua arte attinge anche alla risonanza simbolica di motivi ricorrenti. Le sue composizioni, spesso guidate da una semplicità sottile e ritmica, pongono al centro motivi nomadi. Questi motivi – a volte singolari, a volte moltiplicati, intrecciati o distorti – generano nuove connessioni semantiche. Attraverso questa interazione visiva, si evolvono in un linguaggio formale di identità culturale, che si rivela attraverso strati di simbolismo. Intrecciando elementi provenienti dalle tradizioni anatoliche, selgiuchidi e turche più ampie, l’artista costruisce una mitologia personale all’interno del vasto panorama delle identità culturali. Così facendo, trasforma il suo messaggio da locale a universale, consentendo alle sue forme nomadi di parlare un linguaggio che trascende i confini pur rimanendo profondamente radicato nella tradizione.

ZEYNEP ÇİLEK ÇİMEN 1984, Ankara Zeynep Cilek Cimen (1984, Ankara) conceives of art as a form of traditional dialogue — a way of engaging with inherited symbols and collective memory. Her work explores the myriad possibilities of shapes and forms, creating optical compositions that balance abstraction and repetition. Although her primary focus lies in the study of connections of forms, her art also draws upon the symbolic resonance of recurring motifs. Her compositions, often guided by a subtle and rhythmic simplicity, place nomadic patterns at their centre. These motifs — sometimes singular, sometimes multiplied, intertwined, or distorted — generate new semantic connections. Through this visual interplay, they evolve into a formal language of cultural identity, one that reveals itself through layers of symbolism. By weaving together elements from Anatolian, Seljuk, and broader Turkish traditions, the artist constructs a personal mythology within the vast landscape of cultural identities. In doing so, she transforms her message from the local to the universal — allowing her nomadic forms to speak a language that transcends borders while remaining deeply rooted in tradition.

Nella loro realizzazione Anna Onesti trae ispirazione da tipologie storiche di aquiloni del Giappone e della Corea, sviluppando una propria interpretazione contemporanea all’interno di questa arte tradizionale. Un ruolo centrale nel suo lavoro è svolto dalla carta artigianale ricavata dalla lavorazione delle fibre dell’albero di gelso, conosciuta come washi (和紙) in Giappone e hanji (한지) in Corea. Si tratta di una carta utilizzata tradizionalmente sia per la calligrafia e la stampa, sia per la realizzazione di oggetti d’uso quotidiano, grazie alla sua eccezionale resistenza e flessibilità.

Attraverso questa coincidenza la mostra Paper Clouds / Paper Kites invita il pubblico a scoprire le tradizioni della costruzione artigianale degli aquiloni attraverso uno sguardo artistico contemporaneo presentando la carta come un materiale capace di unire culture, tecniche e narrazioni.

BIOGRAFIA

Anna Onesti è un’artista visiva italiana, ha studiato presso le Accademie di Belle Arti di Roma, Urbino e Torino diplomandosi prima in Scenografia e poi in Decorazione, ha lavorato per molti anni come restauratore conservatore di disegni e stampe in importanti istituzioni museali italiane. Dal 1994, anno in cui ha compiuto il suo primo viaggio in Giappone, grazie ad una borsa di studio della Japan Foundation, conduce una ricerca approfondita sulle tecniche di produzione, tintura e decorazione della carta artigianale in Giappone, Corea, India e Indonesia. Dal 2005 realizza aquiloni basati su tipologie tradizionali orientali, esplorando la relazione tra carta, colore, struttura, leggerezza e movimento. Le sue opere sono state presentate a livello internazionale in musei e istituzioni culturali e fanno parte di collezioni pubbliche e private. Il suo lavoro si colloca in un ambito in cui il sapere tecnico, la materialità e la pratica artistica incontrano la memoria culturale e la ricerca artistica contemporanea.

La mostra è arricchita da fotografie di aquiloni in volo, che trasportano il pubblico dallo spazio espositivo verso l’orizzonte aperto, collegando il lavoro di Onesti al cielo, al vento e al movimento. In questo modo, la narrazione si sviluppa tra statico e dinamico, tra oggetto e azione. Una selezione di materiali editoriali e documenti provenienti da precedenti mostre illumina ulteriormente il percorso e la pratica dell’artista.

La mostra temporanea Paper Clouds / Paper Kites dialoga e convive parallelamente con l’esposizione “La carta artigianale dall’Asia all’Europa”, spostando l’attenzione del visitatore dalla storia del materiale al suo uso artistico contemporaneo. È la prima mostra personale di un artista presentata dal Triton & Shell, nell’ambito delle sue attività dedicate alla valorizzazione della carta come mezzo artistico e culturale.

L’apertura della mostra, a poche settimane dal Lunedì di Quaresima “Clean Monday” (festa ortodossa di inizio Quaresima in Grecia), crea un collegamento sottile ma significativo tra un’antica tradizione asiatica e un’usanza profondamente radicata nella cultura greca quando nelle città e nei villaggi di tutto il paese bambini e adulti si ritrovano, in spazi aperti, per far volare i loro aquiloni chiamati “χαρταετοί” (chartaetói).

I dati confermano il rapido declino, in quest’ultimo decennio, dell’uso delle lingue regionali in Italia, anche di quella siciliana, seppure in misura minore. Infatti, dopo la Calabria, regione dove più si parla il “dialetto” in famiglia con il 64% (-4,6 punti rispetto al 2015), viene proprio la Sicilia con il 61,5% (-7,3 punti); quindi la Campania con il 61% (-14,2 punti), seguita dal Veneto con il 55,3% (-6,7 punti). Nell’uso del dialetto con gli amici, la Sicilia scivola, però, al terzo posto, dopo Campania e Calabria e nell’uso con gli estranei addirittura al quarto, dopo Campania, Calabria e Veneto: forse ci vergogniamo, più che altrove, di parlare la nostra lingua fuori dalle mura domestiche.

Secondo l’AUCLIS, i numeri pubblicati dall’Istituto nazionale di statistica rappresentano «un vero e proprio segnale d’allarme per l’insieme delle lingue locali italiane». L’associazione sottolinea che «tutte le lingue regionali – compresa la lingua siciliana – sono ormai a rischio di estinzione nel giro di alcuni decenni se non si interviene con politiche serie e strutturali».

L’AUCLIS richiama l’attenzione sul fatto che l’Italia, pur essendo «una nazione con un patrimonio linguistico tra i più ricchi d’Europa», rischia di «perdere tanta ricchezza culturale a causa del pressoché totale immobilismo istituzionale in materia di politiche linguistiche volte alla rivitalizzazione delle lingue regionali».

Il comunicato evidenzia inoltre come il quadro normativo nazionale sia gravemente insufficiente: molte lingue regionali, tra cui il siciliano, non godono di alcun riconoscimento giuridico perché non incluse nella legge 482/1999. A ciò si aggiunge il fatto che «l’Italia è una delle pochissime nazioni che non ha ancora attuato la Carta Europea delle Lingue Regionali o Minoritarie», lo strumento del Consiglio d’Europa che definisce gli standard minimi per la tutela e la promozione delle lingue storiche non maggioritarie.

Per l’AUCLIS, i dati ISTAT non devono essere interpretati come una semplice fotografia sociolinguistica, ma come un indicatore del tempo che resta per intervenire. «Con questi dati allarmanti non si può più aspettare: occorre una nuova legge che, innanzitutto, riconosca tutte le lingue regionali e che dia possibilità di tutelarle e promuoverle secondo le indicazioni della Carta Europea delle Lingue Regionali o Minoritarie, che andrebbe, grazie a tale nuova legge, finalmente attuata».

L’associazione conclude ribadendo che la tutela delle lingue regionali non è una battaglia identitaria o localistica, ma una questione di civiltà culturale e di responsabilità verso le generazioni future.

Come scrive la curatrice, «In un momento storico inimmaginabile, come questo in cui ora viviamo, ci domandiamo a cosa serva l’arte. Io me lo chiedo ogni giorno, ogni momento in cui l’arte è il motivo fondante che muove i miei passi, le mie azioni, essendo l’oggetto e il soggetto del mio lavoro e della mia vita. Di fronte alle tragedie internazionali a cui, inermi, assistiamo sperimentando solo un profondo senso di impotenza, e inettitudine, l’arte arriva e si mostra per quello che è: realtà viva, pulsante, attiva, un reale che non profetizza, non idealizza, non costruisce immagini alternative. L’arte è invece lo strumento della “soglia”, per rispondere alla liquidità del tempo, per riparare le ferite, per guardare nel fondo di noi, quello più oscuro ma per questo anche quello più luminoso, per offrire un piccolo seme. 

In un momento storico inimmaginabile sappiamo a cosa serve l’arte. Lo sappiamo tutte le volte in cui decidiamo di proporre un qualsiasi progetto culturale e donarlo fuori di noi, unico modo perché esso prenda sostanza, unico modo per non sentire le nostre mani vuote e inutili. Alice Ruggieri torna all’arte dopo un lungo percorso di vita personale e lavorativa e torna non solo per una necessità intima e introspettiva. Alice conosce la potenza immaginifica della creazione e come essa possa costituire quel seme che costruisce il bene collettivo. Conosce il potere del guardare verso e attraverso. Come scrive il filosofo Federico Ferrari, guardare, avere uno sguardo, significa realizzare il reale, dargli esistenza ogni volta di nuovo. Lo sguardo di Alice è dentro le cose, nella materia che plasma con mani e strumenti, e le immagini che realizza rivelano un oltre corporeo che supera l’orizzonte del visibile. I gesti, i segni tracciati sulla tela, nello stesso istante in cui danno presenza alla realtà, la traghettano verso un significante immerso nella vita e nel pensiero. 

Alice Ruggieri solleva lo sguardo dentro e su di sé e lo tramuta in superficie, in corposità della forma, in squarcio di paste e colori: è una mutua relazione, tra l’artista e la creazione, che amplifica e moltiplica. Non nega gli andamenti dello spirito, non annulla il ciclo di un’esistenza in divenire, non appiana i tormenti e i desideri, non pacifica i processi inevitabili di dolore e amore ma li rende “raccontabili”, li trasforma in narrazioni di anime. In ogni lavoro, Alice infonde un’energia dialettica che modifica e rinnova: espone le diverse figurazioni alla vista dell’altro, desiderando che si attivi quel contatto tra fruitore ed opera che chiude il procedimento iniziato con il guardare dentro e sotto le pieghe: e così l’opera, al contatto con l’occhio che la osserva, si auto-afferma, mentre l’osservatore completa l’opera stessa e lo “sguardo dell’opera” definisce chi la guarda.

È un viaggio, un percorso di riconciliazione fiduciosa che si espande tra linee in rilievo, sferzate di magma e distese campiture. È una “poetica dello sguardo” che permette molteplici punti di intersezione, per ri-connettere le azioni reciproche, ri-contestualizzare le tracce sommerse e singolari, esterne e collettive, in una dimensione che rende più precisi i contorni dell’invisibile.

Dipingere è necessità, liberazione, catarsi. Assecondo gli impulsi del mio profondo, scorgo bagliori di luce nel buio che mi acceca. Il colore, mezzo liberatorio terapeutico. Il tumulto delle note affiora dalla materia danzando tra forza e dramma. Il segno, espressione concreta di ciò che mi abita. Istinto, passione, dolore, tutto emerge dalla materia. Indago disperatamente nei miei abissi per trovare un senso. Affogo nello smeraldo, tocco il fondo, torno al grembo, rinasco.»

Alice Ruggieri – Profilo

Alice Ruggieri nasce nel 1980 a Teramo, dove vive e opera. Nel 20004 si diploma all’Accademia di Belle Arti de L’Aquila con una tesi sperimentale in Tecniche dell’incisione. Lavora da molti anni come graphic designer. Durante il periodo accademico a L’Aquila, anni di studi sul gesto e il segno da esso lasciato l’hanno portata a diverse sperimentazioni, dalle incisioni, alla pittura, al materico. Tra le ultime esposizioni: 2024, Partecipazione a FABEREXTE Festival Internazionale di Pittura – Extemporamnia 2024; 2025, Partecipazione a MUSIKEXTE Festival Internazionale di Pittura – Extemporamnia 2025; 2025 Mostra personale a Ripattoni Arte – Ripattoni (TE); 2025 Esposizione Villa Comunale – Roseto degli Abruzzi (TE); 2025 Presentazione opera “Riflessi spezzati” – Biblioteca M. Delfico (TE) per la Giornata Internazionale per l’eliminazione della violenza contro le donne; 2025, Proiezione videoclip ed esposizione dell’opera Riflessi spezzati in occasione dell’incontro Violenza domestica e Orfani di femminicidio – Smeraldo Cinema (TE). 

L’iniziativa ha rappresentato il momento conclusivo delle attività del Pillar Cultural Heritage dell’ecosistema Samothrace, confermandone la visione: sviluppare materiali, dispositivi e protocolli scientifici ad alta precisione per la conservazione, il monitoraggio, la fruizione e l’accessibilità del patrimonio culturale, secondo un approccio interdisciplinare e orientato al trasferimento tecnologico. L’evento ha evidenziato come l’innovazione scientifica e tecnologica rappresenti oggi un elemento imprescindibile per la tutela, la conoscenza e la valorizzazione del patrimonio. Le attività presentate hanno affrontato temi chiave quali la diagnostica non invasiva, la digitalizzazione e ricostruzione 3D, la sensoristica per il monitoraggio microclimatico e strutturale, l’intelligenza artificiale e le tecnologie immersive per una fruizione più accessibile e inclusiva. Particolare rilievo assume lo sviluppo di procedure scientificamente validate, potenzialmente applicabili a certificazioni di autenticità e protocolli di intervento, in grado di supportare le istituzioni nella gestione del patrimonio. 

Per i saluti istituzionali sono intervenuti Francesco Italia (sindaco di Siracusa), Salvatore Baglio (presidente Fondazione Samothrace), Fausto Carmelo Nigrelli (presidente Struttura Didattica Speciale di Architettura e Patrimonio Culturale di Siracusa), Anna Maria Gueli (Università degli Studi di Catania) e Delia Chillura Martino (Università degli Studi di Palermo).

«Siracusa, con i suoi oltre 2750 anni di storia, vive compiutamente e quotidianamente questo rapporto tra conservazione, tutela e valorizzazione, tra tradizione e innovazione – ha dichiarato il sindaco aretuseo – L’idea che un gruppo così ampio di ricercatori, di studiosi, di stakeholders stia insieme e produca un risultato al termine di questo lungo percorso è per la città da un lato motivo d’orgoglio e dall’altro motivo di curioso interesse verso dei risultati che, sicuramente, contribuiranno ulteriormente ad arricchire il bagaglio delle nostre conoscenze, proprio nella chiave di valorizzare lo straordinario patrimonio di cui disponiamo». «Il patrimonio culturale rappresenta un sistema complesso che richiede oggi strumenti scientifici affidabili, tecnologie avanzate e una visione condivisa tra ricerca, istituzioni e imprese – ha dichiarato Salvatore Baglio – Con il Pillar Cultural Heritage abbiamo dimostrato come l’integrazione tra scienze umane e tecnologie possa generare soluzioni concrete, capaci di migliorare la conoscenza, la tutela e la fruizione del patrimonio, creando al contempo nuove opportunità di sviluppo e innovazione per i territori». 

Nel corso delle due giornate sono stati presentati risultati di ricerca e soluzioni applicative che spaziano dalla ricostruzione e digitalizzazione 3D alla realtà virtuale e aumentata, dall’intelligenza artificiale alla sensoristica per il monitoraggio microclimatico e strutturale, fino a metodologie avanzate di diagnostica non invasiva e a strumenti per una fruizione inclusiva. Le sessioni di pitch, le presentazioni orali e le demo hanno evidenziato un elevato livello di maturità tecnologica e un concreto potenziale di adozione da parte di istituzioni e operatori del settore culturale e turistico. «La tappa di Siracusa è fondamentale per il progetto – hanno dichiarato Anna Maria Gueli e Delia Chillura Martino – In questo contesto, che ha dato importanza all’applicazione delle tecnologie, delle procedure, dei dispositivi nel campo dei beni culturali, non potevamo non venire qui a Siracusa a restituire al territorio tutto quello che abbiamo sviluppato e realizzato nel progetto, pronti ad applicarlo anche in altri siti, partendo da Siracusa».

Un ruolo centrale è stato svolto dalle due tavole rotonde istituzionali, che hanno favorito un confronto diretto tra decisori pubblici, operatori culturali ed esperti. La tavola rotonda “Technology and Heritage for a Sustainable Future” ha approfondito il contributo della tecnologia alla sostenibilità e all’accessibilità del patrimonio, mentre “Institutions at the Crossroads of Tradition and Technology” ha messo in evidenza il ruolo delle istituzioni nel governare la trasformazione digitale, bilanciando tutela, valorizzazione e innovazione. 

«La tutela e la valorizzazione del patrimonio culturale sommerso è determinante. Oggi siamo nella fase in cui è necessario iniziare a immaginare e quindi progettare quelle che possono essere tutte le procedure di tutela materica, cioè tutte quelle tecniche che possono consentirci la tutela del reperto direttamente in sito – ha dichiarato Roberto La Rocca, Soprintendenza del Mare – Non dimentichiamo che la Convenzione Unesco del 2001 ha deciso che tutto il patrimonio culturale sommerso, per quanto possibile, deve rimanere in acqua». «Dobbiamo affidarci alla tecnologia affinché che questo immenso patrimonio venga trasmesso alle generazioni future – ha affermato Antonino Lutri, Soprintendente BB. CC. Siracusa – Il tema è importante perché le tecnologie possono aiutarci sia dal punto di vista della tutela che della valorizzazione». «Siamo interessati alle nuove tecnologie applicate ai beni culturali perché le nostre collezioni e credo tutto il patrimonio culturale italiano hanno bisogno di continue attenzioni per la tutela e per la valorizzazione – ha dichiarato Fabrizio Sudano, direttore del Museo Archeologico Nazionale di Reggio Calabria – Le scansioni 3D e la digitalizzazione sono ormai delle tappe fondamentali per valorizzare e tutelare ancora di più il nostro patrimonio culturale. L’idea di avere una gestione controllata e moderna ci fa essere molto attenti alle nuove tecnologie». 

«Lavoro, lavoro, lavoro. Ora tutto ruota intorno al portare lavoro al sud» Con questa dichiarazione di Mario Bologna, si concludeva un lungo articolo pubblicato dal The Wall Street Journal (12.06.1998) dedicato a Napoli, dal titolo Busy Hands: A `Miracle’ in Naples Could Rain Blessings On Southern Italy. Morto improvvisamente a 76 anni, il comunicatore istituzionale Mario Bologna è stato lo storico portavoce di Antonio Bassolino, sia da sindaco di Napoli sia poi quale presidente della giunta regionale della Campania.  Da giornalista, Bologna aveva incominciato a muovere i primi passi al quotidiano L’Unità, come corrispondente da Caserta, città dove viveva e dove negli anni ’70 aveva ripreso da direttore le pubblicazioni della Gazzetta di Caserta, storico foglio locale votato al dibattito pubblico e alla riflessione critica. La perdita prematura del suo unico figlio Raffaele e poi di sua moglie, Giovanna Abbate, figura di spicco delle battaglie sindacali in Campania, lo hanno segnato profondamente, minando l’energia con cui era solito combattere le sue intelligenti battaglie di civiltà, senza tuttavia rinunciarvi, ma con un approccio più discreto. Attraverso il suo operato, Mario Bologna ha dimostrato come la comunicazione sia un elemento centrale di servizio alle Istituzioni e di responsabilità verso la collettività, affiancando alla precisione nella ricostruzione dei fatti una prospettiva critica volta a stimolare una riflessione sugli eventi più ampia e consapevole.

Il Premio “Comunicare le Istituzioni”, promosso da FERPI e da FERPI Triveneto insieme alla famiglia di Mario Bologna nell’ambito della XII edizione di InspiringPR-Festival delle Relazioni Pubbliche, che sì terrà a Venezia, sabato 16 maggio, è stato istituito con molteplici obiettivi. Il primo, naturalmente, ricordare la figura di Mario Bologna, valorizzando il ruolo strategico della comunicazione istituzionale, trasmettendo alle nuove generazioni i valori di professionalità e competenza che hanno contraddistinto la sua carriera. Poi, per sensibilizzare le nuove generazioni sull’importanza di affrontare questa professione con serietà e responsabilità, strumenti culturali, competenze tecniche adeguate e capacità di interpretare il cambiamento, cogliendo le sfide della contemporaneità. Infine, ma non per importanza, per valorizzare i percorsi formativi universitari che concorrono a formare giovani professionisti in un ambito di importanza strategica per le Istituzioni. Qui il link al bando e sotto le informazioni principali:

InspiringPR | “Comunicare le Istituzioni” in memoria di Mario Bologna

A chi è rivolto
Il Premio è rivolto a neolaureate e neolaureati che abbiano concluso un percorso di laurea magistrale o di master post lauream ed è dedicato a un’innovativa tesi di laurea o a un project work con particolare riferimento alla comunicazione pubblica, discussi dal 1° maggio 2025 al 1° aprile 2026.

La Giuria del premio

La Giuria è formata dal Presidente di FERPI Filippo Nani, dalla Delegata di FERPI Triveneto Ada Sinigalia, dal Direttore scientifico del FERPILab Vincenzo Manfredi, dal Presidente del Comitato Scientifico di InspiringPR Massimo Bustreo, dalla Consigliera nazionale FERPI con Delega alla comunicazione Federica Zar, e da Olga Bologna, nipote di Mario Bologna.

Il premio
Il lavoro premiato si aggiudicherà un premio di 2.000,00 euro dalla famiglia di Mario Bologna e un riconoscimento da FERPI e FERPI Triveneto.

La premiazione

La premiazione avrà luogo durante la XII edizione di InspiringPR, che si terrà a Venezia alla Scuola Grande di San Giovanni Evangelista, sabato 16 maggio 2026.

Come partecipare
Per partecipare al premio è necessario inviare seguente materiale:
• una copia digitale (pdf) della tesi
• un breve abstract (1 cartella di testo)
• voto conseguito
• riferimenti completi di contatto
entro e non oltre il 16 aprile 2026 all’indirizzo e-mail: premiostudio@inspiringpr.it

Dal 7 febbraio al 1 marzo 2026 il Museo del Patrimonio Industriale del Settore Musei Civici del Comune di Bologna è lieto di presentare la mostra Intelligenza Artificiale Intelligenza Creativa. Trenta giovani artiste in dialogo con latecnologia, a cura di Virginia Farina e Simone Martinetto, nata da una collaborazione con il Liceo Artistico “Francesco Arcangeli”di Bologna.
Il progetto è nato attorno ad un interrogativo: “che cosa resta del processo creativo e della capacità tutta umana di immaginare e reinventare la realtà di fronte alla potenza generativa dell’Intelligenza Artificiale?”.

La mostra, aperta da sabato 7 febbraio 2026 alle ore 14.00, rientra nel programma istituzionale di ART CITY Bologna 2026, il palinsesto di mostre, eventi e iniziative promosso dal Comune di Bologna con il sostegno di BolognaFiere in occasione di Arte Fiera. 

Il progetto trae origine da un innovativo percorso didattico e artistico che ha visto trenta studentesse del Liceo Artistico “Francesco Arcangeli” di Bologna confrontarsi con le potenzialità e i limiti delle nuove tecnologie. Coordinate dal fotografo Simone Martinetto, le giovani autrici hanno esplorato le collezioni del Museo del Patrimonio Industriale per indagare la complessa relazione che intercorre tra l’automatismo dell’algoritmo e la profondità del gesto creativo umano.
In un’epoca dominata da sintesi digitali generate tramite semplici prompt – spesso indistinguibili dal lavoro dell’uomo – il confine tra realtà e finzione si fa sempre più sottile e ambiguo. Le giovani artiste hanno accettato la sfida di instaurare un dialogo con la macchina, reinterpretando le collezioni museali in chiave inedita.

L’approccio è stato sperimentale: le studentesse hanno tradotto i temi cardine del Museo – dal patrimonio industriale alla tecnologia, dal lavoro all’innovazione – in parole chiave per il software Midjourney, programma di intelligenza artificiale che crea immagini a partire da descrizioni testuali. Questi output digitali non costituiscono però il traguardo finale, bensì un “contrappunto” visivo: è da questo confronto dialettico che sono scaturite le opere fotografiche e artistiche presenti in mostra, capaci di riappropriarsi della centralità del gesto creativo attraverso l’esperienza e l’intuizione umana.
Il risultato è un dialogo visivo che supera la pura sensazione estetica per interrogarsi sul significato insostituibile della creatività. Se da un lato l’Intelligenza Artificiale eccelle nell’analisi sistematica e nella rapidità, dall’altro manca di intuizione e costruzione di senso, spesso generando stereotipi basati su modelli statistici. La mostra evidenzia come la creatività umana – fatta di esperienza, cultura, empatia e imperfezione – rimanga unica. L’IA viene qui riletta non come antagonista, ma come uno strumento che, se gestito con consapevolezza, può supportare l’immaginazione.

Il progetto sottolinea anche l’importanza di educare alla creatività in un mondo tecnologico. Il percorso evidenzia che la creatività non è solo intuizione o esclusiva prerogativa dell’ambito artistico, ma è una competenza che richiede impegno, gestione dell’errore e confronto critico. Le studentesse si sono messe in gioco con passione, trasformando idee ed emozioni in immagini, in un’operazione che pone in dialogo scuola e museo, arte e scienza, manualità e tecnica.

Sono esposte in museo le trenta fotografie scattate e rielaborate dalle giovani artiste in risposta alle immagini realizzate dall’IA, insieme ai loro appunti e agli schizzi realizzati durante la visita alle collezioni. Vengono proiettati, inoltre, i loro lavori atema tecnologia e un filmato che racconta la sperimentazione e il processo didattico-creativo di questo progetto.

Sabato 7 e 14 febbraio 2026 dalle ore 14.00 alle 18.00 sono previste attività di mediazione culturale. Gli operatori del Museo del Patrimonio Industriale – riconoscibili dalla spilletta con il simbolo “Chiedimi” – accolgono i visitatori negli spazi della mostra Intelligenza Artificiale Intelligenza Creativa. Trenta giovani artiste in dialogo con la tecnologia. L’attività prevede la visione del filmato di backstage e delle fotografie realizzate dalle giovani artiste, spesso accompagnate tra brevi testi che restituiscono la loro visione sul tema. Così si sviluppa una riflessione originale sulla relazione uomo-macchina e sul ruolo della creatività come elemento fondante non solo della cultura artistica o umanistica, ma anche di quella tecnico-scientifica.