Giovedì 2 ottobre 2025, dalle ore 18.30, Associazione Culturale Studio Tiepolo38 inaugura la personale di Isabella Nurigiani. La mostra, un omaggio all’artista prematuramente scomparsa nel febbraio 2025, presenta una serie di sculture e monotipi.

Ammirando le sculture di Nurigiani, come scrive Tiziana Musi nel testo critico, ci sorprendiamo a “immaginare una materia addensata che levita verso l’alto, una materia che si avvita su stessa con spirali sottili, quasi impalpabili […] un desiderio di leggerezza, che rimanda ai versi di una poetessa di grande sensibilità come Antonia Pozzi. Una leggerezza che non è superficialità, come sottolinea Italo Calvino nelle sue “Lezioni americane”.

Le stesse parole di Isabella Nurigiani stabiliscono un ponte con il passato e ci consentono di approfondire lo spirito della sua poetica: “Ho intrapreso un viaggio che mi ha condotto in un luogo dove l’immaginazione mi slega dallo spazio e dal tempo presente per un altrove che mi spinge oltre i limiti”. Nurigiani vive l’invenzione artistica come possibilità di trasgredire i valori del tempo e dello spazio, quali coordinate dello stare al mondo.

Le opere in mostra testimoniano un percorso armonico, nel quale la pesantezza fisica della materia utilizzata, a partire dalle prime opere in ferro a quelle in bronzo fino a quelle realizzate in marmi pregiati, è emblematico di una consapevolezza del fare artistico che si fa via via più complesso, più impegnativo e anche più prezioso. L’opera “Interpretazione spaziale” del 2004, in ferro e travertino, costituisce un interessante quanto notevole punto di riferimento per tutta la produzione successiva. La sottile lamina in ferro si apre verso l’alto in spirali e si radica sulla colonna di travertino, non solo base di appoggio, ma parte integrante della scultura.

Un’opera che si stacca completamente dalle altre è la grande installazione “Diversi” del 2009, realizzata per la mostra “Altri Muri” nello Studio Tiepolo38, in occasione del ventennale della caduta del muro di Berlino. È un’opera decisamente politica, perché svela un aspetto della ricerca di Isabella Nurigiani più nascosto, mai come oggi di grande attualità. Ancora una volta sono importanti le parole della stessa artista: “L’arte per me è fonte di vita, di energia che mi suggerisce sempre una diversa percezione del luogo fisico, dello spazio sociale, dell’ambiente culturale con la volontà di intervenire. La passione dell’arte ha modificato il mio mondo. Un mondo migliorato, armonioso, senza guerre.”

L’Ensemble, specializzato nell’esecuzione filologica su strumenti antichi e impegnato da oltre trent’anni in un’intensa attività musicologica, concertistica e discografica, eseguirà musiche di Giovanni Gabrieli, Henry Purcell, Marini, Johann Pachelbel, Domenico Gallo e, in chiusura, Le Quattro Stagioni di Antonio Vivaldi, offrendo l’occasione di ritrovare i numerosi spunti e le intense emozioni che l’opera del Prete Rosso risveglia ad ogni nuovo ascolto.

Con Federico Guglielmo, sul palco Giampiero Zanocco, Alessia Pazzaglia, violini, Mario Paladin, viola, Francesco Galligioni, violoncello, Paolo Zuccheri, violone, Diego Cantalupi, tiorba e chitarra barocca e Roberto Loreggian al cembalo.

La serata sarà inaugurata con gli effetti in canone ed in eco della Sonata XXI con tre violini di Giovanni Gabrieli, seguita dalla Chaconne e dalla Fantazia di Henry Purcell. Tra le gemme del programma spicca il Passacaglio da Per ogni sorte di stromenti op. 22 di Biagio Marini, un brano intimo e intenso al tempo stesso, tutto giocato sulle sue continue tensioni che si stemperano giusto il tempo necessario per riproporsi modificate ed amplificate.

L’intenso viaggio musicale continua con il celeberrimo Canone di Johann Pachelbel eseguito come originariamente pensato e composto insieme alla Giga in re maggiore per tre violini e continuo. Segue La Follia di Domenico Gallo, compositore e violinista veneziano pienamente attivo nella seconda metà del XVIII, esecuzione che consente di riscoprire un autore poco conosciuto ma di grande valore e di apprezzare la sua genialità. Questa pagina musicale richiama da vicino quella composta molti anni prima da Antonio Vivaldi, offrendo quindi un collegamento “naturale” ideale a Le Quattro Stagioni che completano il programma del concerto.

La X Stagione dei Concerti 2025 è organizzata con il sostegno del Ministero della Cultura, dalla Regione Veneto e da Bellussi Spumanti, CentroMarca Banca, Hausbrandt, Massignani & C., Zanta pianoforti. 

Profili

FEDERICO GUGLIELMO

Federico Guglielmo è considerato ad oggi uno degli interpreti più versatili: a suo agio come violinista, violinista barocco e direttore d’orchestra. Il suo vasto repertorio concertistico si riverbera in una discografia di oltre 300 CD, spaziando dal primo Barocco alla musica del XX secolo. Nato a Padova nel 1968 da genitori violinisti, Guglielmo ha “respirato musica” sin dall’infanzia. Dall’età di vent’anni è stato primo violino ospite in molte delle principali orchestre italiane sotto direttori quali Abbado, Inbal, Maag, Mehta. Nel 1995 fonda L’Arte dell’Arco, ensemble di strumenti d’epoca specializzato nella musica strumentale veneziana da Gabrieli a Galuppi. Riconosciuto come uno dei più autorevoli studiosi di Giuseppe Tartini, ha pubblicato come solista con lo stesso ensemble la prima registrazione completa in 33 CD dei 135 suoi concerti per violino. Primo violino de I Solisti Filarmonici Italiani, è attualmente docente di Musica da Camera per Archi al Conservatorio “Francesco Venezze” di Rovigo e professore di Violino Barocco. Suona un violino di Francesco Gobetti (Venezia, 1721) e un violino barocco di Bernardus Calcanius (Genova, 1710) entrambi di proprietà e già suonati dai suoi genitori.

L’ARTE DELL’ARCO

Fondato nel 1994 da Giovanni e Federico Guglielmo, l’ensemble annovera tra le sue fila alcuni dei più stimati musicisti italiani specializzatisi nell’esecuzione filologica su strumenti antichi. Nella sua pluriennale attività concertistica e discografica il complesso ha collaborato con celebri interpreti quali Christopher Hogwood (direttore ospite sin dal 1997), Gustav Leonhardt, Michala Petri, Pieter Wispelwey, Sigiswald Kuijken e Bob van Asperen, segnalandosi in particolare per la stupefacente prolificità in sala di registrazione: più di 150 cd per Deutsche Harmonia Mundi, Sony Bmg, Chandos, Cpo, Brilliant, Stradivarius, Asv Gaudeamus, Dynamic, Rai Trade. Prodotti maggiori sono stati l’integrale dei Concerti di Tartini, completata nel 2012, e l’incisione delle opere a stampa edite da Vivaldi per conto della Brilliant Classics. Gratificata a più riprese dai riconoscimenti tributatele dalla critica musicologica e dalle riviste di settore, la compagine si dedica alla riscoperta e rivalutazione del variegato repertorio barocco interpretato attraverso un organico variabile per dimensioni e spessore timbrico che esplora con attenzione precipua la produzione veneziana e il melodramma del primo Settecento.

L’ARTE DELL’ARCO
Federico Guglielmo, violino principale
Giampiero Zanocco, Alessia Pazzaglia, violini
Mario Paladin, viola
Francesco Galligioni, violoncello
Paolo Zuccheri, violone
Diego Cantalupi, tiorba e chitarra barocca
Roberto Loreggian, clavicembalo

Musiche di Giovanni Gabrieli, Henry Purcell, Biagio Marini, Johann Pachelbel, Domenico Gallo, Antonio Vivaldi. 

Il progetto espositivo si concentra su uno degli aspetti più intimi e fondanti della pittura di Davanzo: il ritorno alla memoria dell’infanzia e dell’adolescenza come radice creativa, fonte di ispirazione e, al tempo stesso, terreno condiviso con lo spettatore. In questo senso, la mostra si propone come un viaggio emozionale e universale che intreccia biografia personale e archetipi collettivi, invitando il pubblico a ritrovare in sé la stessa memoria primitiva che l’artista fa rivivere sulla tela.

Saverio Simi De Burgis sottolinea come Davanzo non si limiti a un recupero nostalgico, ma restituisca alla memoria infantile una funzione vitale e terapeutica: «Ogni dipinto – scrive il curatore – è una traccia che rievoca un mondo lontano ma ancora presente, che appartiene tanto all’artista quanto a ciascuno di noi. È in questo spazio della condivisione che la sua pittura trova il suo senso più profondo».

Le opere esposte, molte delle quali ispirate a vecchie fotografie scolastiche, si muovono tra realismo e lirismo, alternando malinconia e ironia. Non sono semplici ricordi privati, ma immagini che si trasformano in una sorta di “album collettivo”, in cui ogni visitatore può riconoscere frammenti della propria esperienza. Il linguaggio pittorico di Davanzo, nato inizialmente da un approccio fotografico, conserva una forte impronta compositiva e realistica, pur aprendosi a suggestioni che rimandano all’Espressionismo, al Surrealismo e a riferimenti a grandi maestri come Francis Bacon, Gerhard Richter, Marlene Dumas e Carmelo Zotti.

L’artista stesso riconosce nella memoria dell’infanzia un patrimonio universale, capace di intrecciare radici personali e dimensione collettiva, e di restituire un senso di continuità tra passato, presente e futuro.

Seppur non si tratti di un’antologica, Sulle tracce dell’infanzia rappresenta una tappa significativa nel percorso di Davanzo, un’occasione per soffermarsi sulla sua capacità di trasformare frammenti autobiografici in materia pittorica viva, densa di riferimenti culturali e profondamente comunicativa.

Walter Davanzo è un artista affermato, le cui opere arricchiscono prestigiose collezioni pubbliche e private. Autodidatta, ha trovato un punto di svolta nell’incontro con Carmelo Zotti, che lo ha spinto a una dedizione esclusiva alla pittura. Le sue esperienze professionali, i viaggi in Sud America, Africa (con una particolare predilezione per il Marocco) ed Europa, e la lunga permanenza a Berlino negli anni ’90 hanno contribuito ad ampliare la sua sensibilità e a nutrire il suo immaginario, intrecciando influenze culturali e artistiche eterogenee. In tutta la sua produzione, la pittura resta per lui un linguaggio di contenuti, non solo di forma: uno strumento per esprimere esperienze vitali ed esistenziali, e per mantenere vivo il legame con le proprie origini.

Walter Davanzo – Biografia

Walter Davanzo (Treviso, 1952) è pittore, fotografo, designer e art director. Dopo gli esordi negli anni ’70, ha sviluppato una ricerca pittorica che intreccia memoria personale, grafismi infantili e suggestioni espressioniste, dando vita a immagini oniriche e grottesche, sospese tra sogno e realtà.

I suoi viaggi in Europa e in Africa hanno rafforzato l’interesse per i segni primitivi, mentre l’influenza di artisti come Bacon, Munch e Matisse ha alimentato la sua figurazione intensa e cromaticamente decisa. 

Dopo un esordio astratto-informale, Davanzo sviluppa una figurazione libera e onirica, dai colori intensi e dal segno primitivo. Tra i suoi temi ricorrenti compaiono figure, animali, paesaggi urbani e memorie scolastiche, spesso intrecciati al recupero di vecchie fotografie, mappe e spartiti in un dialogo costante con l’infanzia perduta e ritrovata.

Ha esposto in Italia e all’estero, tra cui la personale del 2008 all’Istituto Italiano di Cultura di Madrid, e le sue opere sono presenti in collezioni pubbliche e private, la documentazione della sua attività è conservata all’ASAC della Biennale di Venezia e al Ludwig Forum für Internationale Kunst di Aachen ed è incluso nella collana La Pittura nel Veneto. Il Novecento (Electa, Milano

 Vive e lavora a Treviso.

SPAZIO THETIS 
Spazio Thetis rappresenta la parte culturale e artistica di Thetis spa una società di ingegneria che ha sviluppato negli anni specifiche esperienze nel campo dello sviluppo sostenibile e della ingegneria ambientale. www.thetis.it

L’evento è in collaborazione con l’Associazione culturale Paolo Rizzi ETS di Venezia

L’associazione Angelo Azzurro Onlus, è lieta di presentare il talk CERVELLO.Essere plastico durante l’evento di restituzione del progetto di ricerca The boundaries are eminently porous di Flaminia Celata, di cui Angelo Azzurro è partner culturale italiano insieme alla Fondazione Santa Lucia e all’Università di Ferrara.

Flaminia Celata, artista visiva e vincitrice dell’avviso pubblico Strategia Fotografia 2024, illustrerà il progetto di ricerca The boundaries are eminently porous, che esplora il complesso rapporto tra Arte e Neuroscienza. Concentrandosi sulla neuroplasticità e la questione di genere, Celata indaga la capacità del cervello di modificarsi nel corso dell’intera vita dell’individuo, a seconda dei vari stimoli che riceve dall’esterno, inclusi fattori sociali, culturali ed esperienziali. L’artista esporrà i risultati dell’esperienza di ricerca artistica, svolta durante la residenza a Folkestone, in Inghilterra lo scorso giugno, con la performance di Christopher Kelly.

Dopo i saluti istituzionali del Direttore dell’ICR, Arch. Luigi Oliva, si terrà il talk CERVELLO.Essere Plastico, in cui esperti del settore dialogheranno sulle ricerche neuroscientifiche legate alla neuroplasticità. A rappresentare Angelo Azzurro Onlus interverranno la Dott.ssa Stefania Calapai e il Dott. Francesco Cro, mentre per la Fondazione Santa Lucia parteciperanno il Prof. Giacomo Koch e la Dott.ssa Lucia Mencarelli.

Modererà l’incontro il Dott. Giuseppe Capparelli, storico dell’arte.

Angelo Azzurro Onlus conferma così il proprio impegno nel promuovere iniziative che uniscono arte, ricerca scientifica e sensibilizzazione sui temi della salute mentale, facendo dialogare creatività, innovazione e comunità.

Il progetto di ricerca è sostenuto da Strategia Fotografia 2024, promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura.

Inserzioni introduce nuove commissioni nel tessuto della Collezione del Castello di Rivoli, invitando una selezione di artisti particolarmente rilevanti oggi a intervenire ciascuno in una sala del Museo per relazionarsi con l’architettura aulica, la storia espositiva del Museo e le altre opere attualmente allestite. Il format, della durata di sei mesi e rinnovato due volte l’anno, trasforma sale tradizionalmente dedicate alla Collezione in una mostra collettiva in continua evoluzione, portando le nuove voci a cui normalmente i musei dedicano una sala a parte al centro della narrazione istituzionale. Questo permette di arricchire l’offerta culturale degli allestimenti della Collezione con artisti, movimenti e aree geografiche finora non pienamente rappresentati nella storia espositiva e nel patrimonio artistico del Museo.
 
Ispirandosi alla formula inaugurata dal primo direttore Rudi Fuchs per la prima mostra Ouverture del 1984, ogni artista è invitato a creare un’opera specificamente concepita per una delle sale auliche del Castello, quasi a collaborare con esse, attraverso il tempo storico. Come per la prima mostra, gli artisti vengono messi al centro del progetto, sottolineando il valore delle ricerche individuali di ciascuno di loro. Il Museo intende mantenere la sua caratteristica apertura alle voci degli artisti come momento chiave nella scrittura della storia dell’arte. Questo modus operandi incorpora oggi principi di grande urgenza come quelli di inclusione, apertura ad altre culture e approcci e partecipazione sociale e culturale.
 
Una delle particolarità del Castello di Rivoli è il suo carattere di luogo non finito. Questa sua caratteristica lo trasforma in un “contenitore” che gli artisti possono letteralmente o metaforicamente completare inserendosi, così da far nascere esperienze e allestimenti unici. Spesso le opere sono arricchite dal dialogo con le sale in cui vengono allestite e, viceversa, le sale a volte diventano più forti grazie agli interventi artistici in esse contenuti.
 
Inserzioni apre al pubblico da venerdì 26 settembre 2025 sino a febbraio 2026.
Il progetto è sostenuto da Radical Commissioning Group, un gruppo ristretto di benefattori che crede, come il Museo, nella necessità di dare carta bianca agli artisti per creare opere visionarie, dando allo stesso tempo la possibilità all’istituzione di espandere la propria voce.

Il 4 ottobre 2025, dalle 15.30 alle 17.30, in occasione della ventunesima Giornata del Contemporaneo promossa da AMACI – Associazione dei Musei d’Arte Contemporanea Italiani – Piano Terra el’associazione Villam presentano L’astronave in piazza. Una comunità in orbita la prima tappa del progetto Future Creat(o)ure (FC) con la partecipazione dell’artista Sabrina Casadei.

Future Creat(o)ure è un format educativo e culturale che nasce con l’obiettivo di mettere al centro le nuove generazioni, rendendole protagoniste creative e progettuali della vita del territorio. Attraverso linguaggi artistici, strumenti innovativi e laboratori partecipativi, il progetto stimola immaginazione, cittadinanza attiva e capacità di collaborazione, offrendo ai giovani e alle famiglie la possibilità di contribuire con le proprie visioni a un futuro condiviso.

Per la sua prima tappa, il progetto invita bambini, ragazzi, famiglie a partecipare a un grande laboratorio collettivo all’aperto: insieme, con gessetti colorati, realizzeranno sul pavimento di Piazza Grecia, nel cuore del Villaggio Olimpico e di fronte alla sede di Piano Terra, una grande navicella spaziale. Quest’opera effimera e partecipata sarà il simbolo poetico di un atterraggio che porta con sé i sogni, le idee e le aspirazioni di una comunità, trasformando lo spazio urbano in un luogo di incontro, creatività e condivisione.

L’iniziativa, gratuita e aperta a tutti, si arricchirà della guida di Sabrina Casadei, artista che da anni affianca alla sua pratica pittorica anche un’intensa attività didattica e laboratoriale, capace di stimolare l’immaginazione collettiva e la creatività dei più giovani attraverso diversi linguaggi espressivi.

Il progetto intende innanzitutto coinvolgere la comunità in un’esperienza che non sia soltanto artistica, ma anche profondamente partecipativa e condivisa, in cui ciascuno possa sentirsi parte attiva di un processo creativo comune.

Future Creat(o)ure non è soltanto un laboratorio artistico, ma un vero e proprio percorso di sperimentazione culturale: un’occasione per mettere in dialogo comunità, arte e formazione, e per contribuire alla creazione di un tessuto sociale più consapevole e collaborativo. L’obiettivo è quello di promuovere valori di inclusione, sostenibilità e innovazione culturale, e rafforzare il legame con il territorio, trasformandolo in uno spazio vivo, aperto e in continua evoluzione. L’esperienza del 4 ottobre sarà soltanto l’inizio: il progetto continuerà infatti ogni sabato, nello spazio di Piano Terra, con nuovi interventi e attività dedicate ai bambini e alle famiglie, con laboratori differenziati per età, per rendere la creatività un appuntamento costante e condiviso.

Sabato 4 ottobre, dalle 15,00 alle 18,00, in occasione della 21° giornata AMACI del Contemporaneo, il Mu.R.c. aprirà le sue porte in un open day dedicato all’arte contemporanea siciliana.

Si tratta di una realtà dalla progettualità dinamica che intende crescere e  varcare i confini non solo allargando i propri spazi ma creando sodalizi culturali con prestigiosi contenitori storico-artistici del Contemporaneo a partire dalla provincia di Messina dando corpo, ad esempio, ad una Rete di Residenze d’artista.

Le opere

Le opere che il visitatore potrà esperire si articolano su un doppio binario. La prima sezione spazia dalla grafica, all’illustrazione, dall’acquerello alla pittura, alla fotografia e rappresenta uno spaccato significativo dei linguaggi visivi prevalentemente siciliani a partire dal primo decennio del’900 con un forte accento sulla ricerca del primo ventennio del nuovo millennio.

Questa prima sezione è suddivisa in due settori netti: uno rappresentato dal Fondo Bonanno; l’altro, frutto di acquisizioni recenti e delle donazioni di artisti che, a partire dal 2019, hanno preso parte alle Mostre personali e collettive promosse dalla Tenuta sotto la curatela della critica e storica dell’arte contemporanea Mariateresa Zagone.

Gli artisti presenti sono:
• Letterio Bonanno (Messina, 1891-Messina, 1964)
• Carmelo Bonanno (Messina, 1905-Messina, Messina, 1994)
• Antonio Freiles (Messina, 1943- Messina, 2021)
• Vincenzo Fiumara 
• Aldo Riso (Santa Maria di Leuca, LE, 1927-Roma 2008)
• Demetrio Scopelliti (Reggio Calabria, 1954)
• Santo Previtera (Neuchatel, Svizzera, 1966)
• Simone Caliò (Messina, 1975)
• Pupi Fuschi (Palermo, 1970)
• Lily Romano, Monreau (Messina, 1976)
• Alba La Mantia (Acquedolci, ME, 1958)
• Lorenzo Maria Ciulla (Caltanissetta, 1986)
• Simone Geraci (Palermo, 1985)
• Filippa Augusta Santangelo (Siracusa, 1980)
• Roberta Guarnera (Messina, 1988)
• Ilde Barone (Modica, 1980)

La seconda sezione è invece costituita da 4 importanti sculture site specific, restituzioni della doppia Residenza d’Artista annuale che dal 2024 ha luogo presso la Tenuta e con la quale la stessa candida la propria azienda, in una illuminata ed illuminante visione di turismo culturale che leghi territorio, linguaggi del contemporaneo ospitalità ed enogastronomia, a Parco Internazionale di Scultura Contemporanea.

Gli artisti e le opere frutto di Residenza sono:
• Giovanni Lo Verso (Palermo, 1972), Talhat
• Flavio Parra Ortiz (Santiago del Chile, 1977), Eolo
• Leonardo Magnani (Firenze, 1981), Spirale
• Federica Zianni (Roma, 1993), L’oro della terra

Teatri del suono® è un festival transdisciplinare di musica e culture contemporanee, che esplora le molteplici relazioni della musica – colta, d’arte e di ricerca, in tutte le forme ibridate ed eclettiche della contemporaneità – con le arti e il pensiero, attraverso proposte originali, di alto profilo artistico, dal format innovativo e inclusivo, aperte al dialogo generazionale con progetti pensati per un pubblico nuovo con il coinvolgimento di giovani artisti.

La nuova edizione del festival sceglie come motto la parola Aperture, di cui declina molto liberamente le molteplici sfumature e le possibili interpretazioni, attraverso il consueto caleidoscopico alternarsi di concerti, performance, installazioni, visioni, incontri con il pubblico.

Dopo una prima parte del festival, ospitata a giugno nel borgo storico di Contovello, la seconda parte – il festival in città –  è dedicata agli spazi cittadini e propone una programmazione come sempre sorprendente, preziosa e coinvolgente, con musicisti e ospiti internazionali, tra suoni, visioni, voci, che apriranno nuovi spazi di ascolto, conoscenza e condivisione.

Il festival è reso possibile grazie al contributo della Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia e della Fondazione K.F. Casali / Le Fondazioni Casali. Con il sostegno di ZKB Trieste e Gorizia; Forum di cultura austriaco – Milano. In collaborazione con il Comune di Trieste – Assessorato alle politiche della cultura e del turismo, rassegna “Una luce sempre accesa”. In partenariato con Conservatorio Tartini – Trieste; ETIS – Francia; La Cappella Underground; Philosophy Kitchen.

Sabato 4 ottobre 2025, dalle ore 18.00, Alea Contemporary Art inaugurano la personale di Frank Martinangeli. In mostra una serie di sculture e incisioni presentate da un testo di Nicola Baldoni.

Le opere di Martinangeli, incisore e scultore, aprono varchi verso città che non esistono eppure ci appartengono. Metropoli immaginarie, costruite con il rigore del segno inciso e la forza del metallo, città di architetture fredde e solenni, ma che si ergono come organismi viventi e obbligano lo spettatore a confrontarsi con lo smarrimento delle strade e delle piazze che ogni giorno attraversiamo, senza viverle. Sono paesaggi di un’inquietante familiarità, spezzati da non-luoghi che non sappiamo riconoscere, e così sanno parlare del nostro abitare, delle fughe e delle assenze di una vita urbana che ci disegna senza che ne conserviamo coscienza. Le grafiche, con le loro prospettive taglienti, e le sculture, metalli incisi che si accendono di luce, diventano presenze silenziose e abbaglianti: corpi muti che custodiscono un segreto, testimoni di un degrado che ci piace pensare solo al di fuori di noi, come se negassimo alla città l’osmosi che ci plasma. Così si rivela il fragile equilibrio tra paesaggio urbano e paesaggio interiore. L’occhio si perde tra linee e riflessi, la città, organismo inquieto, ci trascina nelle sue metamorfosi, ci guida a reinventare lo sguardo, l’identità, la memoria e allora, lentamente, nella tensione silenziosa delle forme, si anima. Ogni opera diviene specchio di questo continuo processo, restituendoci l’immagine della nostra stessa precarietà: parte di un organismo grande e possente, ma non meno fragile della nostra identità.Metamorfosi Urbane è un viaggio dentro questi spazi sospesi, dove il confine tra reale e immaginario si dissolve, e la città diventa simbolo della condizione umana: fragile, mutevole, inquietante e allo stesso tempo – non dimentichiamolo – luminosa.