La genesi dell’opera sarebbe quindi da ricercare in un doppio binario, che da un lato analizza la figura dell’uccello cardinale, in particolare modo nella sua valenza simbolica e cromatica, e dall’altro, attraverso l’utilizzo di un materiale come la cera, abbraccia una riflessione più ampia sul rapporto dell’uomo con le forze naturali. 

Gli uccelli rappresentano il rapporto fra la terra e il cielo, fra ciò che è terreno e ciò che è divino: una creatura capace di abitare entrambe queste sfere e di esserne perciò messaggero. Il rosso è invece il colore che allude alla passione e al sangue, colore vivo e vivificante, ma contemporaneamente foriero di una sfera sensibile profonda e umana. Anche l’ulivo, per cui l’istallazione è stata pensata, ha un significato che spazia dal mito alla tradizione cristiana: albero caro ad Atena che lo donò al popolo ateniese, ma anche il simbolo degli ultimi momenti prima della passione di Cristo. La cera, invece, materiale morbido e plasmabile, allude alla possibilità di mutamento, di trasformazione, in particolare, in questo senso, una trasformazione collegata ad agenti naturali. 

L’installazione inaugurerà la stagione estiva, contraddistinta in questi ultimi anni da temperature alte, siccità, o fenomeni atmosferici potenti e incontrollati: l’azione umana, che l’artista rappresenta attraverso la sua azione e creazione, sottostà inevitabilmente a quella della natura, che ha tentato in passato di plasmare, ma che, sempre più palesemente, lo consuma, pagando il dazio di maltrattamento perpetrato per secoli. 

Come scrive Chiara Guidoni nel testo di presentazione: «Francesco Petrone riflette su un cardine, un cardinale, che apparentemente non ha centro, ha anzi il potere di cucire la terra al cielo con il suo andamento. Un cardinale che, parafrasando Platone, con la forza della sua ala “tende per sua natura a portare in alto ciò che è pesante, sollevandolo dove abita la stirpe degli dei”. Cardinali appollaiati, che dalla loro solitudine sono tornati stormo, a riposo, a guidare la strada degli spettatori in un viale di alberi sacri a molti: pagani, profani e cristiani. L’artista sceglie quindi questa casa per le sue sculture, a fornire loro un’aura di pace e prosperità, ad augurar loro una vittoria che non cinga solo il loro capo di ulivo, ma il loro essere e i loro significati».

Francesco Petrone – Note biografiche

Francesco Petrone (Foggia, 1978) vive e lavora a Roma. Si laurea con lode presso l’Accademia di Belle Arti di Foggia; ha lavorato come scenografo per il teatro e il cinema ed è docente presso il Liceo Artistico Argan di Roma. La sua pratica è incentrata su un’analisi del contesto contemporaneo attraverso l’uso della scultura non come fine ma come mezzo di indagine. L’interesse si situa sul simbolo, che riporta attraverso l’uso di materiali industriali e freddi, quali cemento armato e ferro, ma anche quotidiani e caldi, quali legno, pane, ghiaccio, muffe e muschi. Artista votato alla circolarità, riconosce la coincidenza dei concetti di inizio e di fine, se ne fa messaggero, attraverso forme, idee e materiali. Il suo campo di indagine comprende anche una pratica più effimera, legata alla trasparenza e all’inafferrabilità, avvicinandosi al concetto di tempo, che egli riflette nel vetro, in un gesto che è lo specchio del suo processo di indagine artistica verso l’essenza. Fra le mostre si segnalano: Station to Station (Reggio Calabria, 2021), Biennale d’Arte di Viterbo (Celleno), Lazzaro Art doesn’t sleep (New York, Milano, Roma, Palermo, Istanbul), Ingombri/Altro altrove, MAAM – Macro Asilo(Roma), Atelier d’Artista – MACRO Asilo (Roma), Art Room 72 (Shangai), Apulia Land Art (Alberobello (BA)), Collezionisti&Collezioni, MARCA (Catanzaro), ARTSIDERS, Galleria Nazionale dell’Umbria (Perugia), Mosche nello stomaco, MAAM (Roma).

Meglio il volo dell’uccello che passa e non lascia traccia, del passaggio dell’animale, che resta segnato per terra.
L’uccello passa ed è dimenticato, e così dev’essere.
L’animale, dove non è più, e perciò non serve a niente, rivela di esserci stato, e ciò non serve a niente.
Il ricordo è un tradimento alla natura, perché la natura di ieri non è natura.
Ciò che è stato non è niente, e ricordare è non vedere.
Passa uccello, passa e insegnami a passare!

Alberto Caeiro (eteronimo di Fernando Pessoa), Il guardiano di greggi, XLIII,1011-1912

Contaminazioni è un progetto nato dalla collaborazione tra l’Università degli Studi di Brescia e l’Accademia di Belle Arti di Brescia SantaGiulia nel 2023, in concomitanza con Bergamo e Brescia Capitale Italiana della Cultura 2023. Lo scambio di visioni tra scienze biologiche e discipline artistiche ha visto gli studenti di UNIBS lavorare su biomateriali utilizzando microrganismi come funghi e scarti organici agro-industriali e urbani forniti da A2A, promuovendo la sostenibilità e il recupero dei rifiuti urbani. Successivamente, gli studenti dell’Accademia SantaGiulia hanno utilizzato questi biomateriali per creare opere d’arte innovative. Il carattere multidisciplinare del progetto che si muove tra arte e scienza, intende sperimentare nuove metodologie artistiche rispondendo alle esigenze dell’economia circolare e della transizione ecologica.

Il progetto sarà accompagnato da una pubblicazione scientifica, redatta in collaborazione tra l’Università degli Studi di Brescia e l’Accademia di Belle Arti di Brescia SantaGiulia. Il gruppo di ricerca dell’Accademia SantaGiulia è coordinato dal Prof. Marco La Rosa, coadiuvato e supportato dai docenti Elena Rogna e Mario Branca, e da Anna Cancarini, Duccio Guarneri, Martina Oldani, Giovanni Rossi e Alessandra Viola, studenti ed ex studenti dell’Accademia.

Analogamente alla ricerca scientifica, la formula del Final Critics rappresenta un elemento essenziale per l’ente formativo bresciano. Giovedì 20 giugno, gli studenti del biennio di Arti Visive Contemporanee hanno avuto l’opportunità di incontrare e presentare a tre ospiti d’eccezione, selezionati dalla rete di contatti dell’Accademia nel mondo dell’economia dell’arte, una selezione delle opere più rappresentative del loro percorso. Gli illustri ospiti di questa edizione sono stati il gallerista Federico Rui, il collezionista Andrea Boghi e la curatrice Ilaria Bignotti, offrendo così ai giovani artisti una rara occasione di dialogo e confronto, essenziale per la crescita e maturazione del loro linguaggio artistico, e consentendo loro di ricevere un feedback immediato e costruttivo. A completare tutto, l’ospitalità e la collaborazione intrapresa con l’Associazione Culturale Carme, che dal 2017 lavora e ricerca artisti locali e internazionali, puntando a definire le nuove estetiche e tendenze nell’arte contemporanea attraverso diversi tipi di media, e che accoglierà nei suoi spazi i lavori degli studenti.

La mostra inaugurerà al pubblico venerdì 21 giugno 2024 dalle ore 18.00 alle ore 21.00 e sarà visitabile sabato 22 e domenica 23 giugno 2024 dalle ore 15.00 alle ore 22.00.

Scienza, tecnologia e comunicazione si incontrano per una riflessione sul presente e sul futuro del Vino italiano. La conferenza di domani vedrà un confronto a partire dai tre tre ambiti di competenza dei relatori: Gabriella De Lorenzis, professore associato in Arboricoltura generale e Coltivazioni Arboree presso il Dipartimento di Scienze Agrarie ed Ambientali dell’Università di Milano “Nuovi orizzonti per una difesa sostenibile della vite dalle malattie fungine“; Corrado Di Natale, professore ordinario di Elettronica presso l’Università di Roma Tor Vergata e direttore del Centro Indiperdimentale di Volatilomica ‘A. D’Amico’ “La volatilomica del vino: una metolodogia per l’analisi della qualità del vino“; Costantina Vocino, co-founder di VINO SAPIENS “L’assaggio consapevole: il vino è, prima di tutto, relazione“.

Cosa aspettarsi

Gabriella De Lorenzis, “la produttività della vite è fortemente influenzata, in termini sia quantitativi sia qualitativi, dall’incidenza di fitopatie causate da fitoplasmi, funghi, batteri e virus. Attualmente, il controllo di queste malattie dipende strettamente dall’impiego di prodotti fitosanitari ad attività fungicida, il cui utilizzo è regolamentato dalla Direttiva 2009/128/CE. La forte incidenza di queste malattie, le limitazioni sull’utilizzo dei prodotti fitosanitari e la resistenza ai fungicidi hanno spinto la comunità scientifica a ricercare soluzioni alternative e di supporto all’utilizzo di questi prodotti“. È probabile che la Professoressa relazionerà sulle possibili soluzioni alternative tra cui l’uso dei composti organici volatili (VOC) e l’utilizzo esogeno di double-stranded RNA (dsRNA) spiegandone i meccanismi. “L’adozione di queste pratiche alternative per il controllo delle malattie, ci proiettano verso una viticoltura sostenibile, più rispettosa dell’ambiente e dell’uomo. L’ottimizzazione delle molecole di dsRNA e l’identificazione di geni nuovi geni bersaglio sono alla base dei programmi di ricerca svolti dal Dipartimento di Scienze Agrarie ed Ambientali dell’Università degli Studi di Milano. Queste attività rientrano nei progetti di ricerca Grape4vine (Grape for vine: recycling grape wastes to protect grapevine from fungal pathogens) e SMARTBERRY (Smart Biotechnology for Sustainable Berry Cultivation).

Corrado Di Natale: “Poiché gli odori sono miscele di composti chimici, il riconoscimento avviene attraverso l‘attivazione di diverse combinazioni di recettori, connessi alla mucosa della narice attraverso una proteina transmembrana che blocca la molecola della sostanza volatile permettendo al recettore di scatenare il segnale che viene letto dal cervello come odore. Noi siamo quindi abituati a pensare agli odori in termini di sensazione fisica evocativa. Il naso artificiale invece considera gli odori strettamente dal punto di vista della struttura molecolare e delle proprietà chimiche». “Nel naso elettronico – anticipa il professore – le molecole odorose che si staccano dal «rumore di fondo» dell‘aria sono catturate da un sensore chimico che le aggancia, pesate su una microbilancia al quarzo piezoelettrico che trasforma la modificazione chimica della superficie segnale elettrico, raccolto e processato da un computer.  Il riconoscimento avviene per confronto con un database di odori noti”. Viene da chiedersi se le sue applicazioni preparino tempi duri per sommelier e mastri profumieri, Ma il Professore rassicura che “la raffinatezza dei nasi umani è per ora inarrivabile, anche perché non sono ancora chiari neppure i meccanismi dell‘olfatto, con il naso artificiale si simulano solo alcune funzioni, ma il naso elettronico può essere utilissimo in campo industriale e sanitario e per scopi investigativi o di identificazione personale”.

Costantina Vocino. “Se parliamo di comunicazione, dobbiamo tener presente che il vino non è solo una questione di prodotto, prima ancora esso è relazione. Poiché nasce in un territorio specifico, da un’annata unica e irripetibile, e attraverso la mano sapiente di uomini e donne che decidono di volta in volta gli interventi che ritengono più adatti in base alla loro personalissima sensibilità. Relazione che – ricorda Costantina Vocino – continua ancora dopo l’imbottigliamento, attraverso l’incontro fra le unicità psico-fisiche e  culturali del degustatore  e il calice, una relazione che progressivamente si fa sempre più profonda. Dagli elementi visivi come il colore, la consistenza, le tracce lasciate sulle pareti del calice, all’analisi olfattiva che svela molto del percorso evolutivo di un vino, a quella gustativa, epilogo di un racconto e che permette anche di verificare la narrazione veicolata dagli altri sensi“. 

L’intervento sarà completato dall’assaggio relazionale di tre etichette emblematiche dell’unione di tradizione e innovazione: “Trentesimo Pure Love”, [il coronamento di un sogno d’amore] spumante metodo charmat rosé da varietà resistenti, prodotto dall’azienda agricola Ca’ da Roman; “Limine”, [il tema del confine] vino bianco di grande struttura  da varietà resistenti, prodotto dalla azienda agricola Terre di Ger; “Pre British”, [il passato che sostiene il presente e rilancia il futuro] vino bianco in stile ossidativo da metodo Perpetuo, prodotto da Francesco Intorcia Heritage.

Per partecipare: info@vinosapiens.it

Sul filo di questa evocazione, Kuśmirowski esplora la complessità del ricordo e dell’oblio attraverso grandi installazioni, ideate per la Sala delle Ciminiere del MAMbo, in cui si combinano elementi visivi, sonori e sensoriali. La serie di ambienti, di diversa natura e per la maggior parte inediti, dialogano tra loro creando un ponte tra passato e presente che genera nello spazio museale un’atmosfera sospesa ed enigmatica. 

Le installazioni sono state costruite manualmente dall’artista utilizzando elementi e arredi in parte provenienti dal suo archivio e in parte scelti presso Freak Andò Antiquariato Modernariato Design, partner tecnico della mostra.

Un lungo lavoro di ricerca ha preceduto la selezione degli oggetti, trasformati in simboli carichi di significato. Assemblati in situ in ambientazioni rammemoranti ed elusive, ricordano reticolati archivistici segreti nell’opera inedita Portier, un ufficio dell’aviazione civile tedesca degli anni Trenta in Luft Hansa, un antico cinematografo in DUSTribute o una scatola delle meraviglie nell’installazione Cosmorama, qui ripresentata dopo la sua prima esposizione italiana del 2010.

Visitando la mostra il pubblico penetra in un limbo senza tempo dove la fusione tra memoria collettiva e intima immaginazione porta a una sospensione spazio-temporale che si fa portavoce delle complesse dinamiche tra vita, storia, potere e verità.  

L’arte di Robert Kuśmirowski si distingue per la sua singolarità nell’esplorare il potenziale non completamente liberato o espresso degli oggetti che abitano le nostre vite, restituendo loro la possibilità di rilasciare quell’eccedenza di senso che l’assuefazione, l’incuria e la denutrizione intellettuale delle persone non ha del tutto sottratto loro. Si tratta di oggetti che hanno perduto la loro posizione nella storia, che sono scivolati in non-luoghi sfumati tra la dimenticanza e l’oblio, spesso relegati in soffitte, depositi, mangiati dalla polvere e dal tempo.

Sono cose che sembrano contare ormai poco o nulla nella scala valoriale di una società che predilige la novità e la compiacenza tecnica, se non fosse per il loro coefficiente di ricordo o perché emanano un effluvio di passato. Possono essere effetti della memoria collettiva e frammenti di storie personali come arredi domestici, libri, articoli professionali e strumenti di vario genere, componenti industriali prodotti in serie o pezzi unici, costruiti artigianalmente quando ancora il pensiero tecnico-scientifico non riduceva la comprensione della cosa. Scomparsi dalla nostra visuale, sono diventati oggetti ovvi, logorati dall’abitudine e dallo sguardo oggettivizzante. Dietro a questa apparente banalità si cela il reale con il suo vuoto di relazioni e il disegno storico delle forze produttive e sociali che hanno contribuito alla loro reificazione in prodotti con una data di scadenza. Ma è proprio questa loro ovvietà a diventare il soggetto di un processo culturale di riabilitazione, poiché il senso degli eventi importanti della vita rimane sempre attaccato alle cose. 

Robert Kuśmirowski lo sa bene, la sua storia umana e artistica è stata animata dal rapporto con gli oggetti: ha imparato a conoscerli da vicino, a studiarli, a costruirli e ricostruirli meticolosamente trasformando la sua energia fisica in grande sapienza manuale. Un’esperienza che si è tramutata artisticamente nella fabbricazione di ambienti e spazi che appaiono come repliche perfette di luoghi e oggetti del passato. Una fedeltà visiva tesa a ricontestualizzare la loro posizione nella memoria collettiva, liberandoli dal riduttivismo, e a riattivare la nostra coscienza della storia. Nella ricostruzione minuziosa di immagini e di luoghi esistiti in un lungo periodo storico particolarmente sentito nella Polonia (e nell’Europa) pre e postcomunista, lo spettatore può osservare se stesso riflesso in un racconto della storia in cui la presenza di qualche indizio fittizio tradisce volutamente la simulazione. Un’azione continua di costruzione, distruzione e ricostruzione che permette all’artista di creare delle soglie temporali.

Sfumando i confini tra verità e messa in scena, l’artista polacco ri-costruisce il presente attraverso l’impronta del passato impressa dagli eventi. Un’operazione di disvelamento dell’autenticità delle cose mediante la loro esperienza nello spazio e nel tempo dell’arte, la quale consente agli oggetti la libertà dell’immaginazione e la possibilità di esprimere l’eco di qualcosa che non è stato pienamente vissuto o che si è lasciato altrove.

La realizzazione delle opere di Robert Kuśmirowski è stata possibile anche grazie alla collaborazione con il Settore Biblioteche e Welfare culturale del Comune di Bologna. Le biblioteche Salaborsa, Jorge Luis Borges, Casa di Khaoula, Corticella – Luigi Fabbri, Orlando Pezzoli, Scandellara – Mirella Bartolotti e Luigi Spina hanno infatti messo a disposizione oltre duemila libri destinati allo scarto (definitivamente deteriorati e non recuperabili, obsoleti, superati, di cui almeno una copia sia comunque presente e disponibile in deposito). 

Robert Kuśmirowski – Biografia dell’artista

Robert Kuśmirowski è nato nel 1973 a Łódź, in Polonia; vive e lavora a Lublino. 

Dal 1998 al 2003 studia presso l’Istituto di Belle Arti dell’Università Marie Curie-Skłodowska di Lublino dove si diploma nello studio di scultura di Sławomir Andrzej Mieleszka. Dopo aver vinto una borsa di studio, tra il 2002 e il 2003 studia presso l’Università Rennes II, Haute Bretagne, in Francia. Dal 2007 inizia a insegnare presso il Dipartimento di Arte dell’Università Marie Curie-Skłodowska di Lublino; tra il 2013 e il 2014 insegna presso l’Accademia Internazionale Estiva di Belle Arti di Salisburgo.

Kuśmirowski ha tenuto la sua prima mostra personale mentre era ancora studente, alla Galeria Biała di Lublino nel 2002, dove ha costruito una replica della vecchia stazione ferroviaria, che è poi stata presentata in varie versioni in occasione di diverse mostre. 

Ha partecipato a mostre personali e collettive in numerosi musei e istituzioni pubbliche e private tra cui: Kunstraum, Dornbirn (2022); ŻAK | BRANICKA, Berlino (2017); Kunzhaus, Troy Hill Art Houses, Pittsburgh (2016); Manifesta 9, Genk (2012); Biennale de Lyon, Lione (2011); Galleria Civica di Trento, Trento (2010); Fondazione Morra Greco, Napoli (2010); Nottingham Contemporary, Nottingham (2010); Palais de Tokyo, Parigi (2009); Hamburger Bahnof, Berlino (2009); Barbican Centre, Londra (2009); New Museum, New York (2008); 4° Berlin Biennale, Berlino (2006); Hamburger Kunstverein, Amburgo (2006); Migros Museum für Gegenwartskunst, Zurigo (2006); Van Abbemuseum, Eindhoven (2005); Zachęta National Gallery of Art, Varsavia (2005); Centre of Contemporary Art, Varsavia (2004). 

Le sue opere sono state incluse in collezioni private e museali come Fondazione Collezione Sandretto Re Rebaudengo, Torino; Zachęta National Gallery of Art, Varsavia; Migros Museum für Gegenwartskunst, Zurigo.

Il suo atteggiamento positivo e il suo carisma naturale lo hanno reso una forza enorme sui social media, con milioni di follower. Collaborando con Spinnin’ Records, la più grande etichetta di musica dance del mondo, ha rilasciato “Trump-It” e “Viento”, mostrando grande capacità nello scegliere i collaboratori giusti e nel creare brani memorabili. Il suo talento emerge già nei primi due singoli, l’incarnazione musicale della sua personalità.
La sua residenza estiva al prestigioso Amnesia di Ibiza nel 2018 lo ha reso parte dell’illustre storia dell’isola: con spettacoli dal vivo, gli eventi erano ricchi di produzioni spettacolari, ballerini, momenti pirotecnici e altro ancora. La sua carriera da dj si è poi sviluppata rapidamente, con eventi ovunque, dall’Amsterdam Dance Event a Dubai, e tour in Sud America e in Europa.
Al Base Club Experience proporrà una performance energica e il suo carisma unico (dj set dalle 23.00 alle 04.00, per prenotazione: Fabio 335 128 7724).

La presentazione ufficiale è prevista per le ore 10.00 presso l’accesso al mare di Via Tissi; seguirà alle 10.15 la performance musicale di Riccardo Viscardi che eseguirà estratti dalle 6 suite per violoncello solo di J. S. Bach.

Dalle ore 10.30 fino alle 13.30 si continuerà con il Flash mob – Realizzazione di un’opera collettiva “Per un mondo di genti e non di nazioni, per una terra senza confini“, a cura di Felice Del Brocco con la collaborazione di Maurizio Gaudenzi, Thomas Spielmann e del Laboratorio Fotografico di Passoscuro. Durante il flash mob I musici Vagantes (Mimmo Gusman, Mimmo Trimboli), insieme a Sara Corbò Full proporranno diverse esibizioni musicali, mentre una selezione di musica preregistrata sarà a cura di Roberto Biasco. 

Dalle ore 10.00 alle ore 21.00 il tratto di strada dal n° 108 al n° 170 di via Ghilarza del Borghetto dei Pescatori sarà il teatro della Mostra Per un mondo di genti e non di nazioni, per una terra senza confini a cura di Valentina Fabi e Felice Del Brocco con la collaborazione di Gabriella Gentile e che vedrà la presenza di numerosi artisti che lavorano con diversi media, dalla pittura alla scultura alla fotografia alla ceramica. Alla fine della giornata la giuria tecnica e la giuria popolare sceglieranno l’opera che abbia colto e rappresentato meglio il tema della mostra: al vincitore sarà offerta la possibilità di una personale, nel locale dell’associazione, per una settimana. Gli artisti: Abdurzakova Fatima, Abdurzakova Dalia, Adamo Lucilla, Bonifazi Aurelio, Carpentieri Daniela, Cavino Corinna, Colò Piero, Fabi Valentina (solo flash mob) Fagioli Luisa, Ferreri Rosaria, Gabrielli Gloria, Gaudenzi Maurizio, Medda Nadia (solo flash mob), Laboratorio Fotografico Passoscuro, (Bernassola Martina, Capra Rachele, Del Brocco Felice, Di Fiore Loredana, Farina Angela), Lupino Manuela, Paniccia Graziella, Perletta Alessandra, Portmann Susanne, Sartori Lorenzo, Spielmann Thomas, Testa Laura, Tozzi Quinto, Zubcich Rosalba. 

Inoltre, grazie al progetto di Laura Testa, nel corso del festival e in particolare durante il flash mob ci sarà uno scambio culturale con il Festival artistico dei bambini delle Cicladi – SyrosKIDZ! – The Cyclades Kids Festival – che si tiene ormai da dieci anni nell’isola di Syros grazie all’impegno costante di Christianna Papitsi – Assessore al Turismo del Comune di Syros – Ermoupolis – che sarà presente alla Mostra e alla tavola rotonda su street Art e territorio, portando con sé una serie di opere pittoriche realizzate dai bambini greci delle Cicladi, simbolo di unione tra le genti del Mediterraneo. Sempre nello spazio del flash mob ci sarà l’esposizione dei lavori del laboratorio di disegno per bambini della scuola popolare d’arte di Passoscuro, curato dall’artista Alessandra Cirella. La scuola popolare d’arte è un’iniziativa dell’associazione “l’isola delle correnti – APS”.

Durante la giornata saranno realizzate anche opere dal vivo dagli artisti Devid Biscontini – materiali plastici, Angelo Montesi – metalli vari, Pino Roscigno (GreenPino) – Scritture artistiche murali, Giuliano Salaro – materiali vari. Alle ore 17,00 il Reading Poesie contro la guerra con Cesare Cesarini, attore e cantante. 

Alle ore 18.30 si svolgerà la Tavola rotonda Mi dipingevo le mani e la faccia di blu, Street art e trasformazione urbana a cura di Giuliano Salaro, Fiammetta Nante e Corrado Landi. Interverranno: Livia Chianese, Corrado Landi – Architetti, Christianna Papitsi, assessore al turismo del comune di Syros – Ermoupolis, Giuliano Salaro – Artista restauratore. Lo street artist Pino Roscigno (GreenPino), oltre che intervenire alla tavola rotonda, realizzerà anche un murales nella piazzetta del Borghetto dei Pescatori.

Alle ore 20.15 il Concerto del Quadracoro diretto dal maestro Francesco Giannelli. A chiusura del festival, alle ore 21.30, ballo e Tavolata collettiva come momento d’incontro conviviale a cura di Valentina Fabi e Gabriella Gentile. 

“Mima Semec, conosciuta anche come cuoca” – anticipa Eva Comuzzi – “si è nutrita e ci ha nutrito soprattutto di fiori. E continua a farlo con amore e costanza, dal momento che anche la sua trattoria e la sua casa sono stati trasformati in un giardino. Un giardino selvaggio dove specie diverse si avvinghiano, si mescolano, si espandono libere, nel tentativo di ridare bellezza e purificazione alla terra. Il suo è un contatto inscindibile con le radici e la memoria. Con quel profondo e quel genuino che hanno a che fare con l’infanzia, con il naïf, con lo stupore. È proprio lì che cerca, così come faceva Ana Mendieta con le sue Siluetas, quel legame sradicato con la Madre Terra”.

“Spesso sul retro di questi dipinti” – spiega la curatrice – “Mima annota dei pensieri. Pensieri in libertà dove non si cura della forma con cui essi vengono espressi, ma punta alla sostanza. Sono riflessioni che hanno a che fare con lo sfruttamento, le guerre, l’extraterrestre, ovvero con quel qualcosa o qualcuno che non appartiene più a questo mondo, che ha perso umanità e compassione. E allora lei con nuovi passi cerca di delineare nuovi territori, di mapparli, come si vede nei suoi ultimi lavori che, a loro volta richiamano l’intervento di tracciamento della pavimentazione di casa. E dove il colore, simbolo di gioia, bellezza, passione, energia è protagonista indiscusso”.

Il momento culturale, che trae origine da un’intuizione progettuale del Dott. Giovanni Albano, è stato propugnato dall’Associazione Nazionale del Fante, Sezione di Messina, dall’Associazione Musicale “Vincenzo Bellini” di Messina e dall’Associazione “AvantGarde Music School”, e si aprirà con i Saluti Istituzionali e l’Introduzione della Direttrice, Avv. Tommasa Siragusa che fungerà poi da Coordinatrice. Seguiranno i Saluti del Prof. Domenico Venuti, Presidente Assofante, Sezione Messina; interverranno, quindi, gli esperti Relatori: la Prof.ssa Gabriella Bertuccini, Docente di Scienze umane e Filosofia presso il Liceo “Emilio Ainis” di Messina, il Dott. Giovanni Albano, Primario del Pronto Soccorso di Lipari(Messina), il Prof. Giuseppe Ramires, Docente e Presidente dell’Associazione Musicale “Vincenzo Bellini” di Messina, e la Dott.ssa Rosalba Lazzarotto, Psicoterapeuta, Musicista e Presidente dell’ “AvantGarde”.

L’iniziativa si innesta nell’ambito della “Festa della Musica”, la “Giornata mondiale della Musica” che, ideata nel 1982 dal Ministero della Cultura francese e accolta dall’Unione Europea nel 1985, si celebra ogni anno il 21 giugno e, in particolare in Italia sotto l’egida del Ministero dei Beni Culturali. In questa data si svolgono manifestazioni che abbracciano tutti i generi musicali, coinvolgendo, a vari livelli, non solamente i Paesi europei, ma tutti gli angoli del Pianeta.

“Il potere unico della musica di migliorare l’umore e alleviare lo stress, illuminando la fantasia e fornendo così l’occasione di esprimere emotivamente i propri sentimenti”, sarà dunque oggetto di approfondimento nel momento convegnistico organizzato dalla Biblioteca per coinvolgere gli utenti abituali e occasionali. Il viaggio emozionale nel mondo terapeutico dell’ “Arte dei Suoni” alla ricerca del benessere psicofisico che la Musica riesce a trasmettere, ad ampio spettro, ad ogni essere vivente, e all’uomo in particolare, sarà così esaminato da diverse angolazioni (filosofico, medico, psicanalitico). I paradigmi della scienza e della filosofia saranno “binari guida” per giungere ad un’interpretazione non riduttiva della musica come esclusiva esperienza emozionale, ma costruzione di una via di conoscenza raziocinante imprescindibile per l’essere umano, per “incontrare” e “ritrovare” se stessi,anche nella dimensione ontologica, con focus sull’aspetto della cura che il praticare e l’ascoltare suoni e melodie è capace di ingenerare.

Nell’approntare il materiale promo pubblicitario è stata scelta un’immagine significativa della tematica oggetto di trattazione. È stato raffigurato un quadro realizzato dalla Prof.ssa Bertuccini, intitolato “Il sentire”, che rappresenta uno spaccato della società contemporanea nella quale la musica è percepita come corredo alla convivialità.

(a cura di Maria Rita Morgana)