“L’ornamento non è più un delitto”: con questa affermazione, pronunciata da Renato Barilli in un testo del 2020 dedicato a Lily van der Stokker e ad Alessandro Moreschini, si apre il percorso della nuova mostra dell’artista al Museo Civico Medievale di Bologna. Una frase che, da dichiarazione critica, diventa oggi titolo e chiave di lettura di un progetto espositivo che rilegge la tradizione decorativa come gesto etico, come pratica di cura e di attenzione verso il mondo.

Da tempo Alessandro Moreschini (Castel San Pietro Terme, 1966) ha scelto una strada appartata e rigorosa, lontana dalle retoriche del minimalismo più severo e dalle promesse dell’ipertecnologia: una strada in cui l’ornamento non è aggiunta, ma pensiero; non maschera, ma rivelazione. Le sue superfici lavorate – trame meticolose, vegetali, iperdecorative – non rivestono gli oggetti: li trasformano. Sono presenze che respirano, microcosmi silenziosi capaci di insinuarsi negli interstizi del visibile e di restituire agli oggetti quotidiani una energia inattesa, una vibrazione interna.

Già alla fine degli anni ’90, Barilli aveva individuato in Moreschini una voce originale nel panorama italiano, inserendolo nella storica mostra collettiva Officina Italia e riconoscendo in quel giovane rigore decorativo una forza irradiante, “una preziosa limatura di ferro”. Oggi, quell’intuizione trova piena maturità in un lavoro che ha saputo svilupparsi con costanza, approfondendo la natura politica e sensibile dell’ornamento.
Perché l’ornamento, lungamente esiliato dal canone occidentale come elemento superfluo o sospetto, riemerge qui come linguaggio glocal: attento alle culture visive non egemoniche, aperto al desiderio, alla spiritualità, alla dimensione affettiva del guardare. È un’arte apparentemente “debole”, perché priva di monumentalismo, ma in realtà radicale nella sua prossimità, nel suo farsi presenza quotidiana, nel suo ritessere i nessi tra corpo, oggetto e mondo.

L’incontro con il Museo Civico Medievale offre a Moreschini un territorio ideale: uno spazio fatto di stratificazioni, memorie, oggetti votivi, preziosità minute, miniature, ori, che da secoli interrogano il nostro rapporto con il sacro, il simbolico, il potere evocativo delle superfici. Le opere contemporanee si insinuano tra i reperti storici senza competere con essi, ma stabilendo un dialogo osmotico, a tratti segreto, in cui la luce, il colore e il ritmo decorativo diventano ponti tra epoche e sensibilità differenti.

Il percorso espositivo – articolato in diversi ambienti del museo – accoglie interventi concepiti come presenze integrative, non invasive: opere che crescono come un’edera visiva sulle architetture e sugli oggetti del passato, stabilendo legami inattesi. L’artista non impone un nuovo museo: ne rivela uno interno, emotivo, fatto di sussurri decorativi, di brividi luminosi, di dettagli che invitano a rallentare, a guardare con attenzione, a riscoprire il tempo dell’osservazione.

“Ho concepito l’allestimento come un gesto di ascolto. Le opere di Alessandro Moreschini non dovevano imporsi sul Museo Medievale, né mimetizzarsi in esso: dovevano risuonare. Per questo ho scelto un percorso che permette ai lavori di insinuarsi tra gli oggetti storici come presenze vive, capaci di creare legami sottili, quasi segreti, senza interrompere la continuità del luogo. L’ornamento diventa così un ponte tra epoche, un atto di cura che restituisce al museo la sua dimensione di spazio abitato. Ho voluto che il visitatore percepisse l’incontro – non la sovrapposizione – tra passato e contemporaneo: un dialogo a bassa voce, fatto di dettagli, riflessi, vibrazioni. Un allestimento che non aggiunge, ma rivela”, spiega il curatore Raffaele Quattrone.

In un presente caratterizzato da consumo visivo rapido e da una crescente delega dell’immaginazione alle tecnologie dell’automazione, il progetto di Moreschini si pone come un atto di resistenza: un invito a ritornare alla manualità, al gesto, alla gestazione lenta delle superfici; a riconoscere nell’ornamento non una fuga, ma una responsabilità verso ciò che ci circonda.
Renato Barilli scrive: “Sono intervenuto più volte sul lavoro di Alessandro Moreschini, del tutto singolare, come conferma in questa mostra, dove si riscontrano due livelli, ci sono oggetti preziosi da collezionismo, ma se questo non bastasse scende su tutto una pioggia di raffinati frammenti che accrescono la preziosità del tutto.”

L’ornamento non è più un delitto diventa così un’affermazione poetica, politica e antropologica: il recupero di un linguaggio che sa essere intimo e universale, umile e complesso, antico e contemporaneo. Un linguaggio che abita, che cresce, che si fa luogo. Che si fa, appunto, museo segreto.

Durante il periodo di apertura sono previste tre visite guidate condotte dall’artista Alessandro Moreschini e dal curatore Raffaele Quattrone: sabato 7 febbraio 2026 alle ore 21.00 (in occasione di ART CITY White Night, ingresso gratuito dalle ore 18.00), sabato 21 febbraio 2026 ore 17.30 e sabato 21 marzo 2026 alle ore 17.30. Il costo di partecipazione è gratuito, con biglietto di ingresso al museo.

Alessandro Moreschini – Profilo

Nato a Castel San Pietro Terme (BO) nel 1966, Alessandro Moreschini vive e lavora a Bologna. Dopo la Laurea al D.A.M.S. in Storia dell’arte all’Università degli Studi di Bologna, a partire dagli anni Novanta viene invitato ad esporre in Italia e all’estero, presentando opere dove la superficie dipinta si traduce in texture ornamentali, evidenziando la perdita del canone estetico occidentale nel mondo globalizzato.
Del suo lavoro il critico e storico e storico dell’arte Renato Barilli ha scritto: “La sua pittura certosina e meditata, svolta nei tempi richiesti dalla meticolosità con cui viene eseguita su superfici inaspettate, egliamministra con sicurezza quello che si può considerare un passaggio epocale dei nostri tempi dall’hard al soft.”
Sue opere sono presenti in collezioni pubbliche e private: Collezione d’Arte della Fondazione San Patrignano, Museo della Città “Luigi Tonini” (Rimini), MAMbo – Museo Arte Moderna di Bologna, Fondazione Giacomo Lercaro,
Collezioni d’Arte e di Storia della Fondazione Cassa di Risparmio in Bologna.
Tra le mostre nazionali e internazionali si segnalano: Per la “Storia di Bologna”. Donazioni e acquisizioni d’arte della Fondazione Carisbo (2017-2025) (2025, Casa Saraceni, Bologna); La nostra casa è in fiamme (2024, Galleria ARTRA, Milano); Legami fragili (2024, Galleria Studio Cenacchi, Bologna); Il profumo dei fiori dipinti (2023, Assemblea legislativa della Regione Emilia-Romagna, Bologna); Collezione d’Arte della Fondazione San Patrignano (2021, PART Palazzi dell’Arte, Rimini); Beata Solitudo (2020, Fondazione Rocca di Vignola, Vignola), Architetture dell’immaginario (2019, Galleria Beatrice Burati Anderson, Venezia); NewFaustianWorld (2019, Galleria Beatrice Burati Anderson, Venezia); L’ultimo Espaliú e il contesto italiano (2019, Accademia di Spagna, Roma); Autoritratto (2019, MACRO Museo di Arte Contemporanea di Roma, Roma); Roberto Daolio, Vita e incontri di un critico d’arte attraverso le opere di una collezione non intenzionale (2017, MAMbo – Museo d’Arte Moderna di Bologna, Bologna); Bologna dopo Morandi 1945-2015 (2016, Palazzo Fava, Bologna); /seconds issue 09 Vanishing point (2008, The Wharf Road Project V22, Londra); Giovane Arte Europea (2003, Castello Visconteo, Pavia); Sharjah International Biennial 6th (2003, Sharjah Art Museum, Sharjah); Officina Italia (1997, Galleria d’Arte Moderna di Bologna, Bologna); Lab. 1.2-T.I.N.A. (There is no alternative) (1997, Viafarini, Milano).
www.alessandromoreschini.it

Raffaele Quattrone – Profilo

Nato a Foggia nel 1974, Raffaele Quattrone vive e lavora tra Bologna e Roma. Sociologo e curatore d’arte contemporanea, è direttore del Master universitario in curatela di mostre ed eventi artistici e culturali organizzato da eCampus.
È editor-in-chief delle riviste del gruppo americano VIVA (Archlove magazine, Viva magazine, ecc.), collabora con Meer (già Wall Street International Magazine) ed è ambasciatore del progetto Terzo Paradiso creato da
Michelangelo Pistoletto. È stato presidente del Dipartimento Emilia Romagna dell’Associazione Nazionale Sociologi e fondatore e direttore della rivista Startup.
È autore dei libri Modernità e campo dell’arte. Per una sociologia critica dell’arte contemporanea italiana (Lampi di Stampa, 2010) e IN ITINERE. Arte contemporanea in trasformazione (EQUIPèCO, 2014).
Quattrone ha scritto centinaia di articoli, numerosi testi per cataloghi di mostre e interviste ad artisti internazionali quali: Mario Airò, Renato Barilli, Bertozzi & Casoni, Ergin Cavusoglu, Alberto Di Fabio, Stan Douglas, Nicola Formichetti, Gonkar Gyatso, Paul Gladston e Yu Youhan, Kepa Garraza, Anthony Gormley, Kimsooja, Jeff Koons, Mona Hatoum, Sabrina Mezzaqui, Nasr Moataz, Shirin Neshat, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Zimoun.
Un suo recente progetto è NewFaustianWorld, che ha compreso un libro (in italiano/inglese edito da 24 ORE Cultura), un docu-film diretto da Piero Passaro e prodotto da Theater 7/2 Productions (tradotto in inglese, francese, spagnolo, indi e greco) e due mostre (Augeo Art Space, Rimini e Beatrice Burati Anderson, Venezia) ha ricevuto numerosi riconoscimenti internazionali.
Collabora con la Real Academia de Espana en Roma.
www.raffaelequattrone.com

Un incubatore di valori etici, morali, professionali e di memoria: il premio CarlottaX giunge alla sua sesta edizione e, anche quest’anno, si pone l’obiettivo di valorizzare i progetti dell’architettura contemporanea e i professionisti che, attraverso etica e innovazione, hanno contribuito a trasformare, promuovere, diffondere e salvaguardare la cultura del territorio.

Infatti, il riconoscimento, nato nel 2021 su iniziativa dell’Ordine e della Fondazione degli Architetti, Pianificatori, Paesaggisti e Conservatori della provincia di Catania in ricordo dell’architetto Carlotta Reitano – già presidente della Fondazione e scomparsa prematuramente nel 2020 – verrà assegnato al professionista o allo studio che abbia saputo rispondere al meglio alle sfide dell’architettura contemporanea.

Quattro le categorie: opere di architettura, opere di restauro o recupero, opere di interni e/o design, progetti giovani architetti under 35. Potrà partecipare chiunque abbia realizzato progetti in Italia o all’estero e iscritto all’Albo professionale o a un’Associazione equivalente, fatta eccezione per gli under 35, che dovranno essere iscritti a un Ordine degli Architetti, Pianificatori, Paesaggisti e Conservatori italiano (sezione A).

A esaminare i lavori una qualificata giuria, composta dal presidente Paolo Colonna (RPBW), Elisabetta Gabrielli (ARCHIGROUND), Tiziana Campus (consigliere nazionale CNAPPC), Veronica Leone (vicepresidente Ordine APPC Catania), Melania Guarrera (presidente Fondazione Ordine APPC Catania) e Cristian Rocchi (presidente Ordine APPC Roma). Oltre ad assegnare il premio per ogni singola categoria, selezioneranno dei progetti che concorreranno per due menzioni d’onore, per il premio “Città di Catania” e per quello “Città di Roma”.

La documentazione potrà essere inoltrata entro il prossimo 16 febbraio attraverso il sito dei concorsi nazionale (https://premi.concorsiawn.it/carlottaxarchitettura-2026). La premiazione, invece, si terrà il prossimo 17 marzo nella capitale, dove – nella sede dell’Ordine APPC di Roma – verrà esposta una galleria con tutte le opere partecipanti.

Dopo gli annunci che hanno già elettrizzato il pubblico – l’omaggio a Miles Davis con Marcus Miller, Mike Stern e Bill Evans (22 luglio), ai doppi sold out dei Marillion (25 e 26 luglio), passando per la potenza dei Savatage (27 luglio), il progressive degli Opeth (10 luglio – sold out), il rock evoluto dei BEAT (ex King Crimson) (2 luglio), l’indie-folk degli islandesi Of Monsters and Men (24 giugno), l’indie rap di Coez (11 luglio), Riccardo Cocciante (4 luglio) per una data speciale nell’anno del suo 80esimo compleanno, Hauser star mondiale del violoncello in esclusiva nazionale (31 luglio), Riccardo Muti (18 luglio) con un concerto che porta fuori dai teatri il grande repertorio sinfonico-operistico italiano, e il chitarrista che sfida i generi Pat Metheny (6 luglio) – B.O.P. 2026 accoglie un alfiere del pop-soul moderno: Charlie Puth.

Il 24 luglio B.O.P. 2026 ospiterà, in esclusiva per il Sud Italia, il grandissimo hitmaker da 35 miliardi di stream globali, autore di nove singoli multi-platino. Porterà sul palco le sue hits planetarie, tra cui le famosissime “Attention”, “We Don’t Talk Anymore” e l’indimenticabile “See You Again” con Wiz Khalifa, colonna sonora di Fast and Furious 7, per una serata di puro pop intelligente e melodioso all’interno dello scenario unico degli scavi.
L’artista statunitense ha annunciato il world tour che supporterà il suo quarto album, Whatever’s Clever!, in uscita il 6 marzo 2026 su etichetta Atlantic Records. Intanto Puth ha anche rivelato che il secondo singolo dal suo nuovo album uscirà venerdì 16 gennaio ed è intitolato “Beat Yourself Up”, il brano precede la sua attesissima esibizione al Super Bowl di San Francisco l’8 febbraio.

La vendita dei biglietti sarà aperta a partire dalle ore 10:00 di venerdì 16 gennaio su www.ticketmaster.it, www.ticketone.it e www.vivaticket.com.

Con questo dodicesimo annuncio, B.O.P. consolida la sua reputazione di festival “cross-genere” d’eccellenza, capace di ospitare, nello stesso cartellone, icone del progressive, del metal, del jazz, del folk, grandi artisti della musica italiana e star della classica contemporanea e del pop internazionale. Unisce l’appeal dei grandi nomi alla maestosità di uno dei contesti più iconici al mondo, proponendo un’esperienza di intrattenimento di altissimo livello, a metà strada tra cultura, spettacolo e turismo musicale. In tal senso, Beats of Pompeii si conferma un potentissimo driver turistico, offrendo al pubblico l’opportunità unica di vivere concerti indimenticabili, distinguendosi così nel panorama festivaliero internazionale.

B.O.P. – Beats of Pompeii è una rassegna che dal 2024 fonde musica contemporanea con il patrimonio storico e archeologico di Pompei, creando esperienze live irripetibili in un sito UNESCO di valore inestimabile. La missione è celebrare la continuità della creatività umana, dall’arte antica alle espressioni sonore moderne, in un dialogo senza tempo.

B.O.P. è promosso dal Ministero della Cultura e dal Parco Archeologico di Pompei, realizzato in collaborazione con il Comune di Pompei e la Regione Campania.

22 gennaio – Casa degli Artisti, ore 19.00
Talk, presentazione del vinile e concerto
Insieme all’artista partecipano:
Matteo Pavesi, Direttore Cineteca Milano
Lorenzo Vatalaro, Coordinatore del Progetto
Michele Rocco, Coproduttore

Giovedì 22 gennaio, a partire dalle ore 19.00, al piano terra della Casa degli Artisti, si conclude la residenza artistica di Gino Lucente con la presentazione di La Follia e le montagne di, nuovo album pubblicato in vinile picture disc a tiratura limitata e numerata, concepito come multiplo artistico.

Il progetto nasce nell’ottobre 2024 all’interno dell’atelier musicale della Casa degli Artisti, trasformato per l’occasione in uno studio di registrazione, e si sviluppa come un lavoro corale che coinvolge musicisti di diversa estrazione e provenienza. Tra i collaboratori figurano, tra gli altri, Michele Rocco (coproduzione), Roberto Cacciapaglia, Luigi Gungui, Luca Grazioli e Alessandro Gabini.

Pensato come concept album, La Follia e le montagne di attraversa territori sonori che spaziano dall’elettronica al post-jazz, con suggestioni krautrock e architetture sonore di forte impronta sperimentale, accostando riferimenti colti che rimandano tanto alla Follia – antico tema musicale di origine portoghese – quanto a Le montagne della follia di H.P. Lovecraft.

Elemento centrale del progetto è anche la sua dimensione visiva: il vinile è un picture disc la cui immagine è realizzata in collaborazione con Barnaba Fornasetti mentre l’artista tedesco Eckehard Fuchs ha curato la stampa xilografica della copertina in entrambi i lati, rafforzando la natura dell’opera come oggetto artistico totale, in cui suono e immagine dialogano in modo inscindibile.

La serata del 22 gennaio si apre con un talk di chiusura della residenza e presentazione del disco, alla presenza di Gino Lucente e di alcune delle figure che hanno affiancato e contribuito al progetto, e si conclude con un concerto dal vivo.

La post-produzione dell’album, curata dallo stesso Lucente, è stata finalizzata nello studio abruzzese dell’ingegnere del suono Andrea Di Gianbattista. Il disco si compone di nove tracce e restituisce un lavoro di rara intensità, capace di fondere ricerca sonora e visione artistica in un’esperienza coerente e immersiva.

23 gennaio – cinema Cineteca Milano Arlecchino, ore 21.00
Cineconcerto: La sposa della tempesta (1927)

Venerdì 23 gennaio alle ore 21.00, presso il cinema Cineteca Milano Arlecchino, Gino Lucente firma l’accompagnamento musicale dal vivo di La sposa della tempesta (The Wreck of the Hesperus), film muto del 1927 diretto da Elmer Clifton.

La collaborazione tra Lucente e Cineteca Milano – e con il suo direttore Matteo Pavesi – è ormai di lunga data e rappresenta un percorso consolidato di dialogo tra cinema muto e musica contemporanea. La sposa della tempesta è un caso cinematografico di eccezionale valore storico: l’unica copia superstite del film è conservata negli archivi di Cineteca Milano.

Come sottolinea Matteo Pavesi: «La sposa della tempesta di Elmer Clifton è un film incredibile per tanti aspetti e il fatto che l’unica copia superstite sia nell’archivio di Cineteca Milano è un piccolo miracolo. La sua proiezione al San Francisco Silent Film Festival di quest’anno è stata un grandissimo successo, e di questo siamo molto contenti e orgogliosi. Siamo di fronte a un grande film, il cui livello qualitativo – anche grazie alla presenza tra i produttori della DeMille Pictures Corporation – è decisamente molto alto, con effetti speciali spettacolari per l’epoca. Il film, realizzato nel 1927, non racconta solo un naufragio ma soprattutto il rapporto difficile tra un padre e la figlia; anche per questo La sposa della tempesta è ricco di sottotesti psicoanalitici molto chiari».

Con la sua nuova partitura, Lucente accompagna e reinterpreta il film, restituendone la forza drammatica e i livelli simbolici attraverso un intervento musicale che dialoga con le immagini senza sovrastarle, in continuità con la sua ricerca sul rapporto tra suono, immagine e narrazione.

Gino Lucente – Profilo

Gino Lucente (Torre De’ Passeri, 1970) è artista visivo e musicista sperimentale che esplora da sempre il dialogo fra suono, immagine e gesto performativo, muovendosi con naturalezza tra linguaggi e media diversi. Fondatore del gruppo art/rock King Tongue, sviluppa una ricerca che intreccia arte contemporanea e scena musicale. Nel 2024/2025 è artista in residenza alla Casa degli Artisti di Milano. Vive e lavora a Milano.

La collaborazione tra Cineteca Milano e Casa degli Artisti con Gino Lucente, coordinata da Lorenzo Vatalaro, ha già dato vita, nel corso dell’ultimo anno, a un percorso condiviso di ricerca: dopo l’esperienza di Sagra, il film collage che unisce le capacità visive e musicali di Lucente in una visione estremamente lucida e tagliente, su invito del direttore Matteo Pavesi l’artista ha quindi composto e interpretato dal vivo le colonne sonore originali per due proiezioni speciali – Il carretto fantasma di Victor Sjöström e The Lodger: A Story of the London Fog di Alfred Hitchcock (nell’ambito della rassegna collegata alla mostra Marcello Dudovich Unfinished-Cinema 1915-1933 al MIC – Museo Interattivo del Cinema) e ha curato l’accompagnamento musicale del film Aelita di Jakov Aleksandrovic Protazanov. A fine novembre ha presentato DUéL, un progetto audiovisivo, immersivo e autonomo con il quale Lucente chiude idealmente il cerchio tra cinema, arte visiva e performance sonora.

Negli ultimi anni Yugo Logo ha fatto tappa in Croazia, Macedonia del Nord, Bosnia ed Erzegovina e Montenegro, con la volontà di celebrare la memoria e recuperare questo patrimonio – una volta comune – di design, innovazione e creatività spesso con altissimi standard.

Per questa tappa a Trieste, curata da Cizerouno, la prima fuori dai territori dell’ex Repubblica Federativa, oltre a una selezione dei più iconici marchi “made in Yu” per il Cavò sono stati pensati anche tre focus. Il primo sul turismo con marchi di alberghi, agenzie turistiche e il riconoscibile marchio JAT della compagnia aerea jugoslava. Il secondo sul mondo del teatro e del cinema dove compaiono anche alcuni marchi di case di produzione e studi cinematografici che sono stati spesso presenti con i loro film nei vari programmi del Trieste Film Festival. Il terzo focus raccoglie esempi grafici e creativi di alcune designer jugoslave. Al Cavò sarà possibile vedere anche un montaggio di alcuni spot televisivi che vennero trasmessi tra gli anni 60 e 80.

Dopo Ponterosso Memorie e Dive Divne Divine, anche con Yugo Logo Cizerouno ricrea in questo particolare allestimento al Cavò “un dispositivo per la memoria” che coinvolgerà diversi pubblici. Dagli appassionati di grafica e design, a chi è cresciuto circondato da questi loghi a chi magari ne ha memoria avendoli visti durante le vacanze o in occasione di qualche “salto in Jugo” magari alla domenica.

L’inaugurazione della mostra, realizzata in occasione della 37esima edizione del Trieste Film Festival, avverrà mercoledì 14 gennaio alle ore 18.30 al Cavò di Via San Rocco 1a e rimarrà visitabile fino al 21 febbraio 2026 da giovedì a sabato dalle 17.30 alle 19.30.
La mostra sarà aperta anche tutti i giorni del festival dalle 17.30 alle 19.30 tranne la domenica.

Sabato 17 gennaio 2026 alle ore 17 il Knulp in via Madonna del Mare ospiterà Conversation on Yugo Logo. Saranno presenti i creatori del progetto Ognjen Ranković e Antonio Karača che dialogheranno con Nuša Hauser, ricercatrice e curatrice e Massimiliano Schiozzi, presidente di Cizerouno, sulla nascita e l’evoluzione di Yugo Logo tra curiosità, difficoltà e scoperte fatte negli ultimi anni di ricerche. Una conversazione a più voci tra design, memoria e cultura immateriale. Seguirà una visita guidata alla mostra al Cavò.

Per informazioni si consiglia di scrivere a: eventi@cizerouno.it

La mostra nasce dall’incontro tra A-HEAD Project e Galileo Editore, sviluppatosi a partire da un dialogo condiviso su tematiche sociali e personali di forte rilevanza contemporanea. In particolare, alcune pubblicazioni del catalogo di Galileo Editore si sono rivelate strumenti sensibili ed efficaci per affrontare, attraverso il linguaggio dell’illustrazione e della narrazione visiva, questioni legate alla salute mentale e all’esperienza individuale, come la depressione, la diversità, la dislessia e altre forme di fragilità emotiva e cognitiva.

All’interno di questo percorso comune, Peripezia rappresenta l’avvio di un ciclo di mostre che accompagneranno le presentazioni dei libri nati da questa collaborazione, dando vita a un dialogo continuo tra spazio espositivo, editoria illustrata e riflessione sociale. Le mostre diventano così un’estensione visiva del libro: luoghi di approfondimento, confronto e incontro tra pubblico, autori e tematiche.

L’esposizione presenta una selezione di illustrazioni realizzate da Maria Soria per l’albo illustrato Peripezia, proposte in formato ampliato rispetto alla pubblicazione editoriale. Le opere, stampate su carta fine art, saranno disponibili per l’acquisto durante il periodo della mostra in tiratura limitata, rivolgendosi direttamente alla Sacripante Art Gallery.

L’inaugurazione si terrà sabato 7 febbraio 2026. Nel corso della serata è prevista anche la presentazione del libro Peripezia, con un dialogo tra Stefania Calapai, presidente di A-HEAD Project, e l’autrice e illustratrice Maria Soria, che aprirà ufficialmente il percorso espositivo. Percorso che sarà itinerante e vedrà l’ingresso in diverse scuole ed in centri di salute mentale per adolescenti.

Da sempre Angelo Azzurro Onlus con il Progetto A-Head mette insieme arte e psichiatria, in una sinergia che porta a sensibilizzare l’opinione pubblica sul tema della salute mentale, combattendo così lo stigma che ancora oggi ne deriva.

Inoltre i percorsi avviati fino ad oggi hanno visto concretamente l’ingresso dell’arte e degli artisti nei luoghi della cura, quindi non solo una sensibilizzazione sociale, ma un vero e proprio approccio concreto alla dinamica della salute mentale.

Maria Soria – Profilo

Maria Soria nasce a Paola (CS) nel 1997. Sin da piccola coltiva una profonda passione per il disegno e l’arte. Dopo il Liceo Classico, durante il quale sviluppa un forte interesse per la storia dell’arte, intraprende un percorso creativo da autodidatta, traducendo in chiave pittorica e illustrativa suggestioni e riflessioni personali. Successivamente si iscrive all’Accademia di Belle Arti, frequentando il corso di Illustrazione. In breve tempo partecipa a mostre e residenze artistiche e conduce laboratori creativi rivolti a bambini e adolescenti. Dal 2022 collabora con la casa editrice Galileo Editore.

La storia multiculturale e il ricco patrimonio umano di Trieste tra tradizioni, trasformazioni e storie di integrazione danno vita al tour Barriera Stories, domenica 18 gennaio 2026 alle ore 11.00, un percorso urbano ideato da Cizerouno e guidato da  Francesca Pitacco per raccontare le storie e l’identità del quartiere di Barriera Vecchia, in un edizione speciale in occasione del 37esimo 
Trieste Film Festival (durata di circa 80 minuti, costo di 15€ a persona ed è richiesta la prenotazione inviando una mail a eventi@cizerouno.it).