Il cantiere, avviato nel febbraio 2024 e concluso a fine novembre 2025, ha rappresentato uno dei progetti più significativi della ricostruzione post-sisma nell’area etnea: un investimento di 2,38 milioni di euro, finanziato dal Commissario Straordinario per la Ricostruzione Area Etnea, con la Curia Diocesana di Acireale come committente, Sicef in qualità di progettista, Sincol come impresa esecutrice (Rosario Arcidiacono Rup e Gioele Farruggia alla direzione dei lavori).

Il sisma del 26 dicembre 2018 aveva colpito duramente l’edificio: crollo della torre campanaria, sfondamento di parte della copertura, lesioni diffuse sulle murature, danni al salone parrocchiale e alle volte decorate. Il progetto ha affrontato queste criticità con una strategia integrata: dal punto di vista strutturale, l’obiettivo è stato quello di migliorare la risposta sismica, riducendo le vulnerabilità storiche e garantendo una maggiore sicurezza per i fedeli, ripensando il sistema nel suo complesso alla luce delle più avanzate norme tecniche per il patrimonio culturale. Gli interventi di consolidamento hanno messo in sicurezza le parti decorate, le volte in canne e gesso, gli apparati plastici e pittorici che caratterizzano l’unica navata della chiesa, preservando gli elementi identitari dell’edificio. Il restauro ha riguardato la facciata in stile romanico con archi a tutto sesto, il pronao, il rosone centrale, gli stucchi, gli interni e gli apparati artistici che nei decenni hanno reso S. Maria del Carmelo un luogo riconoscibile per il territorio. «Uno degli aspetti più significativi dell’intervento – sottolinea l’ing. Salvo Sinatra della Sincol –  è la scelta di non limitarsi a “ricostruire com’era e dov’era”, ma di reinterpretare in chiave contemporanea le parti crollate, rendendo leggibile la memoria del sisma e del processo di rinascita». La reintegrazione volumetrica della torre campanaria e della sacrestia è stata progettata come un gesto di cura verso la memoria collettiva, utilizzando accanto ai materiali tradizionali anche acciaio e lamiera microforata: un linguaggio architettonico che distingue il nuovo dall’antico, mettendoli però in dialogo armonico. In questo modo, la chiesa diventa manifesto concreto della ricostruzione.

Santa Maria del Carmelo nasce nel 1897 dalla volontà della famiglia D’Agata e dalla richiesta profonda degli abitanti di Pennisi di avere un luogo di culto: una chiesa “di tutti”, che nel tempo è diventata anche centro di aggregazione. Nel corso del Novecento ha affrontato più volte prove difficili – dai terremoti degli anni ’80 agli interventi di messa in sicurezza degli anni ’90 – fino al sisma del 2018, che ne ha messo a rischio la stessa esistenza. La riapertura assume quindi un significato doppiamente simbolico: chiude il ciclo del cantiere e celebra i 125 anni dell’apertura al culto della chiesa, unendo nella stessa giornata memoria storica e futuro, devozione popolare e competenza tecnica, fede e responsabilità verso il patrimonio culturale.

La mostra si articola in due sezioni: nella sala centrale una selezione di dipinti allestiti secondo l’impostazione dell’antica quadreria seicentesca, rivisitata in chiave contemporanea; nella sala adiacente una ricca raccolta grafica, comprendente disegni, acqueforti, litografie e manifesti, molti dei quali corredati da firme, dediche e annotazioni originali degli artisti.

Pur nella sostanziale eterogeneità linguistica e formale, alcune delle opere esposte rivelano una comune componente ideologica e politica, rievocando la vivace temperie artistica e culturale dell’Italia degli anni Sessanta e Settanta. È proprio a partire da questo periodo – tanto florido quanto incerto per la cultura figurativa italiana – che critici, artisti, intellettuali e militanti di sinistra ricercarono nell’arte, e in particolare nella pittura, un mezzo privilegiato per approntare una propria lotta di impegno, conoscenza e interpretazione di una realtà inquieta ma in fermento, segnata da contraddizioni profonde. Nel tentativo di attuare una nuova conquista del reale, molti di questi artisti, con il sostegno critico di figure come Del Guercio, ampliarono i confini della propria ricerca, raggiungendo risultati espressivi di altissimo livello. Antonio Del Guercio (Parigi, 1923 – Roma, 2018), infatti, è stato professore universitario e figura chiave della critica italiana ed internazionale, riconosciuto come uno dei massimi esperti dell’Ottocento francese. 

Per chi fosse interessato, le opere della collezione sono disponibili per la vendita. La mostra è curata da Pamina D’Alessandris, con la collaborazione di Alberto D’Amico_Studio Campo Boario. Presenta le opere Massimiliano Padovan Di Benedetto – Kou Gallery.

TRartHUB nasce da un’idea di trart, società cooperativa di servizi culturali attiva da oltre vent’anni nella promozione e valorizzazione dell’arte attraverso mostre, editoria e formazione, il progetto è reso possibile dal contributo della Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia, attraverso il bando “Contenitori culturali Creativi triennio 2025-2027” e troverà spazio in un palazzo storico del borgo Franceschino, al n. 33 di viale XX Settembre.

Arte, ricerca e sostenibilità sono le linee che guidano la programmazione di questo nuovo spazio situato negli ultimi due piani del palazzo storico per una superficie totale di oltre 400 metri quadrati, pensata come un salotto creativo dove la cultura diventa motore di sviluppo e coesione.

“Fondato su tre pilastri di sostenibilità integrata – ambientale, sociale ed economica -, TRartHUB si articola in due anime complementari, spiegano Federica Luser, Claudia Cervo, che ne sono ideatrici: TRartHUB. CREO dedicato alla formazione, alla progettazione e alla produzione artistica e TRartHUB. LIVE, dedicato all’ospitalità, alle residenze d’artista e al turismo culturale. Insieme, rappresentano le due dimensioni di un’unica visione: costruire un luogo dove l’arte non solo si espone, ma si vive, si condivide e si sperimenta”.

TRartHUB. CREO. Dove le idee prendono forma

TRartHUB. CREO è lo spazio destinato alla formazione e alla creazione artistica, un laboratorio permanente dove arti visive, fotografia, teatro e nuovi linguaggi digitali

dialogano in modo fluido. Distribuito su due livelli, ospita atelier d’artista modulari, una camera oscura per la fotografia analogica collegata a postazioni digitali e software AI, spazi per masterclass, conferenze e mostre, oltre a una biblioteca specializzata e a un archivio delle arti visive del XX e XXI secolo.

Ogni ambiente è progettato secondo principi di architettura sostenibile e flessibilità, con materiali naturali e tecnologia integrata. Lo spazio si propone come un punto d’incontro tra artisti, professionisti e cittadini, favorendo la sperimentazione e la crescita culturale condivisa.
Residenze d’artista, laboratori, call internazionali e simposi renderanno TRartHUB. CREO un riferimento per la cultura contemporanea del Friuli Venezia Giulia, con una particolare attenzione all’inclusione sociale e alla partecipazione attiva delle comunità.

TRartHUB. LIVE. L’ospitalità come esperienza culturale

Il quarto piano del palazzo ospita TRartHUB. LIVE, la sezione dedicata all’ospitalità e alle residenze artistiche.

Quattro appartamenti accoglienti e sostenibili, arredati con materiali naturali e dotati delle migliori tecnologie digitali, accolgono artisti in residenza, viaggiatori culturali e nomadi digitali.
Due volte l’anno, questi spazi diventano il cuore pulsante dei programmi di residenza, dove artisti, curatori e studiosi convivono e lavorano insieme, trasformando l’esperienza del soggiorno in un momento di scambio creativo e di confronto internazionale.

Nei periodi liberi, TRartHUB. LIVE apre invece al turismo culturale consapevole, offrendo la possibilità di partecipare ai laboratori, assistere ai processi creativi e vivere Trieste da protagonisti, in un ambiente che unisce comfort, responsabilità ambientale e senso di comunità.

Con la sua doppia anima, TRartHUB si propone come un laboratorio aperto sul futuro. Dichiarazione della Regione potrebbe implementare queste frasi “un ecosistema culturale dove l’arte incontra la vita quotidiana e la sostenibilità diventa pratica concreta. Un luogo dove Trieste dialoga con il mondo, e dove la cultura torna a essere — come un tempo — il cuore pulsante della comunità”.

Le attività del 2026. Un anno di residenze, formazione e inclusione: atelier d’artista; laboratori di fotografia, incisione, pittura, tessili e teatrali; workshop e masterclass; dialoghi e conferenze; mostre pubblicazioni, archivi e digitalizzazione.

Fondata nel 1826, la Stamperia Pascucci di via Verdi è ancora oggi la stessa bottega che dalle origini non ha mai interrotto la sua attività. È guidata da Riccardo e Giuseppe Pascucci con i figli Matteo e Veronica, settima generazione della famiglia.

A consolidare il marchio è stata la civiltà contadina che, alla fine dell’Ottocento, durante fiere ed esposizioni, usava coprire il dorso dei buoi con coperte stampate a mano. Questo gesto conferiva solennità alle sfilate e metteva in risalto l’abilità artigianale locale. Anche le tende ombreggianti utilizzate sulle spiagge hanno contribuito, nel tempo, a esaltare il marchio della Romagna

Entrare nell’Antica Bottega di Gambettola significa varcare la soglia di un museo vivente: al centro domina l’antico mangano di legno del 1826, mentre sugli scaffali si conservano oltre seimila stampi incisi a mano, in tanti anni di storia, che già da soli sono autentiche opere d’arte, mentre maestri artigiani lavorano senza fretta creando opere uniche. Più che una bottega un atelier artistico.  

La tecnica è quella tradizionale della stampa xilografica: matrici di pero intagliate a mano (oggi da Giuseppe Pascucci), impregnate di pasta colorante a base di ossido di ferro, vengono battute con un mazzuolo su tessuti naturali come lino e canapa. Il celebre colore ruggine resta il marchio di fabbrica della Stamperia, oggi affiancato da nuove tonalità in dialogo con il gusto contemporaneo.

Il gesto dell’artigiano, però, è sempre lo stesso da due secoli: intingere lo stampo, batterlo sul tessuto, imprimere il motivo. Un rito antico che, ogni volta, genera l’emozione di un’opera nuova.

Nel 2026 la Stamperia Pascucci festeggerà i suoi 200 anni di attività, affermandosi come la più antica testimone dell’arte della stampa su tessuto. Da sette generazioni la famiglia custodisce e rinnova questo sapere artigiano, creando manufatti che spaziano dai tessili per la casa e l’arredamento alla biancheria, dalle coperte agli accessori per la moda: un grande sodalizio tra arte e artigianato. pezzi unici ed eccellenze del Made in Italy.

Arte e collaborazioni

Dagli anni Duemila, la Stamperia Pascucci ha intrapreso un percorso capace di colmare il divario tra artigianato e arte, invitando numerosi artisti e amici a donare i propri disegni da trasformare in opere tessili. Il primo è stato Tonino Guerra, che ha scelto la Bottega di Gambettola per valorizzare la sua poesia attraverso la stampa: le sue farfalle e le sue donnine sono diventate segni distintivi sia suoi che della produzione Pascucci. Tra i frequentatori illustri anche il premio Nobel Dario Fo, affascinato dalla carta macchiata di colore su cui realizzava i suoi schizzi; Tinin Mantegazza, giornalista e creatore del celebre pupazzo Dodò de L’Albero Azzurro, che ha affidato le sue inconfondibili illustrazioni di animali e aforismi, trasformati in cuscini, tovaglie e arazzi; il pedagogo cesenate Gianfranco Zavalloni, con le sue luminose e solari illustrazioni; e l’architetto Ilario Fioravanti, che più volte ha tratto ispirazione dagli stampati di Casa Pascucci. Grazie a queste collaborazioni, i manufatti della Stamperia si sono trasformati in preziosi arazzi, oggi richiesti e apprezzati in esposizioni in diverse città del mondo

Amici e personalità celebri

La storica Bottega di Via Verdi ha ospitato nel tempo tante figure di rilievo tra le quali il cantautore Lucio Dalla (che ha frequentato la bottega per 25 anni) che ordinava l tovaglie, tende, cuscini, per le sue case e la sua barca perché diceva che il segno della stamperia Pascucci era unico  e che condivideva il loro stile di essere artigiani; il premio Oscar Roberto Benigni, mentre proprio quest’anno nella visita ufficiale in Italia dei reali inglesi, sua Maestà la Regina Camilla ha ricevuto in dono (apprezzandolo) una tovaglia stampata a ruggine.

Negli anni anche collaborazioni con case di moda importanti come Fendi che ha realizzato delle borse con le stampe originali portando il nome della stamperia in tutto il mondo.

Queste le dichiarazioni della Famiglia Pascucci: «Per noi stampare a mano non è solo un mestiere, ma un gesto che abbiamo visto ripetersi in famiglia per generazioni, un modo per raccontare la Romagna a ogni colpo di mazzuolo. Festeggiare 200 anni non significa fermarsi: è solo una tappa di un viaggio che continua. Abbiamo deciso di vivere questo anniversario come un anno di festa, per condividere il nostro lavoro di artigiani- artisti, dove tradizione e cultura si incontrano, ma soprattutto per trasmettere il nostro modo di intendere il tempo e le relazioni umane.»

EVENTI NEL 2026

Un anno intero di iniziative dunque: incontri, laboratori, presentazioni di libri, visite guidate, spettacoli, nuovi lavori editoriali dedicato all’identità romagnola, veglie, sorprese culturali e tante mostre sia a Gambettola che in tutta l’Emilia-Romagna

Ogni incontro racconterà non solo la bellezza delle tele stampate, ma anche il valore di un mestiere antico che ha saputo dare forma e colore alla Romagna e che ne ha decorato artisticamente la vita quotidiana.

Le celebrazioni ufficiali, inizieranno a dicembre 2025 con una mostra diffusa a cielo aperto, un unicum nel panorama italiano, dove le porte d’ingresso delle case del centro storico di Gambettola saranno addobbate con tende stampate a mano a tema natalizio; un colpo d’occhio sorprendente, di grande bellezza cromatica e poetica. 

Le Mostre saranno il fil rouge dei festeggiamenti e dopo la mostra natalizia sarà la volta di quella preziosa e storica delle “Coperte da buoi”, inaugurazione il 17 gennaio – Sala Fellini a Gambettola- in occasione della Festa di Sant’Antonio, con materiale fotografico d’epoca, arazzi, coperte e attrezzi d’epoca per un tuffo nelle radici romagnole del mondo contadino. A maggio sempre a Gambettola “I colori che ridono” opere d’arte e dediche intitolate alla Stamperia. In estate le mostre saranno varie ed itineranti, una speciale mostra presso i locali della Regione Emilia-Romagna le famose Tende al mare a Cesenatico, un allestimento speciale per il festival musicale Borgo Sonoro nelle Terre del Rubicone, Una mostra a Riolo Terme mentre a Brisighella una suggestiva esposizione di madonne realizzate da artisti romagnoli sarà realizzato anche un allestimento nella prestigiosa Biblioteca Malatestiana di Cesena.

Oltre alle importanti mostre anche incontri, presentazioni, spettacoli, veglie. Gli appuntamenti saranno a cadenza mensile, e porteranno a Gambettola artisti studiosi scrittori e giornalisti per approfondire di volta in volta i valori e i temi legati alla secolare esperienza della Bottega Pascucci ad iniziare dall’attore e scrittore Roberto Mercadini, anch’esso amico della bottega che il 15 gennaio che presenterà il nuovo lavoro editoriale di Chiara Pascucci dedicato alla storia della bottega. Altri importanti protagonisti, lo storico dell’arte e pittore cesenate Massimo Pulini, il giornalista e scrittore Salvatore Giannella che a fine 2026 presenterà il suo ultimo libro sia descrittivo che fotografico sul valore sociale della stamperia. Inoltre, aperture straordinarie e visite guidate in collaborazione con il FAI, spettacoli teatrali e burattini, veglie e cantastorie.

Il primo agosto (data che riconduce al 1826) in collaborazione con l’amministrazione comunale di Gambettola e la Regione Emilia Romagna un grande evento culturale e ricreativo che raccoglierà il favore di grandi e piccini.  

Gli appuntamenti si svolgeranno nei teatri e nelle sale principali del Comune di Gambettola ma anche in tante Città e luoghi simbolo della Romagna come la prestigiosa Biblioteca Malatestiana di Cesena, Cesenatico, Casola Valsenio, Roncofreddo, Brisighella.
Il programma sarà pubblicato passo dopo passo sul sito e sui canali social della Stamperia.

Gli eventi sono sostenuti e patrocinati dall’Amministrazione Comunale di Gambettola, dalla Regione Emilia-Romagna e supportati dalle associazioni del territorio.

Dal 9 dicembre 2025 in piazza Pirro Marconi sono esposti stendardi monumentali che riproducono alcuni dei manifesti realizzati da graphic designer di tutto il mondo.
Ogni autore è stato invitato a interpretare la parola tolleranza nella propria lingua d’origine dando vita a un’esplorazione visiva e multilingue che declina, attraverso forme e colori, il significato profondo della coesistenza, dell’empatia e della dignità condivisa. Le creatività arrivano da Sud Africa, Gran Bretagna, Spagna, Stati Uniti, Francia, Serbia, Croazia, Brasile, Ucraina e altri paesi.

Il progetto, coordinato da Massimiliano Schiozzi e Vincenzo Luongo, mette in rete più realtà geograficamente distanti – Agrigento, Trieste, Lampedusa, Gorizia – ma accomunate da simili dinamiche di frontiera: luoghi in cui storia, cultura e migrazione si intrecciano e generano nuove forme di convivenza. La presentazione ufficiale al pubblico avverrà domenica 14 dicembre nell’ambito di una serie di eventi diffusi in città.

Il Tolerance Poster Show torna in Sicilia dopo l’anteprima lampedusana realizzata nell’estate 2025 e fortemente voluta e sostenuta dal Parco Archeologico e  Paesaggistico della Valle dei Templi di  Agrigento.
A Trieste, invece, nell’ambito della dodicesima edizione del festival Varcare la Frontiera organizzato da Cizerouno realizzato grazie al sostegno della Regione Autonoma del Friuli Venezia Giulia, il progetto si è sviluppato in coorganizzazione con il Comune di Trieste e nel cuore del quartiere più multietnico della città, Barriera Vecchia.

Infine, anche Gorizia è tappa del progetto, creando così una connessione culturale di ampio respiro tra GO! 2025 – Nova Gorica – Gorizia, capitale europea della cultura 2025 e Agrigento 2025 capitale italiana della cultura. Il Tolerance Poster Show in ogni luogo che lo ospita assume un aspetto diverso, dall’installazione diffusa a pubbliche affissioni, da bandiere a stendardi monumentali. Ad Agrigento fino al 31 dicembre 2025 saranno visibili 4 stendardi per un totale di 256 metri quadrati di creatività che celebrano la tolleranza.

Dopo il successo delle precedenti edizioni, che hanno visto alternarsi sul palco artiste del calibro di Nada, Cristina Donà, Amalia Grè, Rita Marcotulli, Lina Sastri, Patrizia Laquidara, Ebbanesis, Fatoumata Diawara, Wallis Bird, Andrea Motis e Marina Rei; “Racconti al Femminile” consolida la sua missione: dare voce a storie, emozioni e messaggi di resistenza e bellezza attraverso l’arte delle donne, intrecciando la potenza della parola con l’universalità della melodia. 

Sul palco quattro straordinarie artiste di caratura internazionale come l’inglese Beth Orton e il suo sound folk-tronico (26 dicembre), la cantante jazz romana Ada Montellanico (27 dicembre), la toscana Ginevra Di Marco già voce del Consorzio Suonatori Indipendenti (28 dicembre) e la jazzista newyorkese Indra Rios Moore (28 dicembre), che daranno vita a quattro serate di emozioni e storie attraverso il loro sound unico e originale.

Questa terza edizione non è solo un semplice cartellone concertistico, ma un vero e proprio percorso narrativo che esplora le geografie sonore contemporanee con uno sguardo femminile.

La scelta della location, il Complesso Monumentale di Santa Maria La Nova (Piazza S. Maria La Nova, 44 Napoli), non è casuale. Le sue sale cariche di storia e arte dialogano idealmente con le voci delle artiste, creando un connubio unico tra patrimonio storico e creatività contemporanea.
In un periodo di forte afflusso turistico, la rassegna si propone come un faro di alta qualità culturale, offrendo sia ai napoletani che ai visitatori un’alternativa raffinata e profondamente legata all’identità cittadina, nota in tutto il mondo per la sua vivacità artistica e la sua capacità di accoglienza.

Il palcoscenico di Santa Maria La Nova accoglierà quattro eccezionali artiste di caratura internazionale, ognuna con la sua storia e il suo sound unico, per un viaggio emozionante tra jazz, folk, world music e canzone d’autore. Questa edizione sottolinea l’internazionalità della ricerca artistica femminile, unendo voci dall’Inghilterra, dagli USA e dall’Italia, a testimonianza di un network creativo senza confini.

“Racconti al Femminile” si conferma quindi come un omaggio alla creatività e all’universo artistico femminile, sottolineando l’importanza del ruolo della donna nella musica e nell’arte contemporanea. Ogni performance diventa così un momento di condivisione, empatia e dialogo, che valorizza non solo il patrimonio artistico individuale delle interpreti, ma anche quello collettivo e culturale di Napoli, da sempre crocevia di contaminazioni e rinascita artistica. In un momento storico in cui le istanze di parità sono più che mai centrali, la rassegna offre una testimonianza concreta e vibrante del contributo femminile alla cultura globale.

Per partecipare:
​​Le prenotazioni su Eventbrite saranno disponibili 7 giorni prima di ogni singolo evento. Le prenotazioni sono valide fino alle ore 18,45 dopodichè – rispettando la fila – il pubblico potrà entrare fino ad esaurimento posti. Gli spettacoli inizieranno alle ore 19 con apertura porte ore 18.

Prodotti da Marco D’Agostini e Marta Pascolini, i due documentati narrano la “La Passione del Venerdì Santo a Erto” e, in “Lis cidulis“, il lancio notturno delle cidulis da parte dei giovani di Cercivento nell’estate 2024.

Ne “La Passione del Venerdì Santo a Erto” la troupe segue le fasi di allestimento e costruzione dei set che, in un anfiteatro naturale, fanno da sfondo alla narrazione delle ultime ore di Gesù. Le testimonianze degli abitanti accompagnano il processo creativo, svelando il lavoro, le competenze e l’impegno necessari a dar vita a una messa in scena coinvolgente e realistica. Non mancano i momenti dedicati alle prove di recitazione e alla descrizione di un’organizzazione complessa che coinvolge l’intero paese.
l racconto prosegue con la documentazione della processione lungo le vie storiche di Erto: i soldati romani con lance, fiaccole, scudi ed elmi; Gesù con la croce; i due ladroni; numerosi popolani e quindici tamburi che avanzano tra due ali di folla. Nella parte finale si assiste al momento culminante del rito: la scena della crocifissione, ambientata nella zona più alta dell’anfiteatro naturale. La rappresentazione si conclude con l’illuminazione dei crocifissi da una luce rossa, accompagnata dal rullo profondo dei tamburi.

“Lis cidulis” documenta la preparazione e il lancio notturno delle rotelle di legno infuocate da parte dei giovani di Cercivento nell’estate 2024. Ispirandosi al filmato di Olivia Pellis del 1973, è stato seguito il rito insieme ai ragazzi del paese, raccogliendo le loro testimonianze sulla tradizione e sulla vita comunitaria. Su un pianoro sopra l’abitato, viene acceso il grande fuoco per la preparazione delle rotelle. Il racconto culmina nel momento del rito, quando viene pronunciata la formula dedicata al primo lancio a San Giovanni. La cidule  viene colpita con una mazza e sfreccia nel cielo in un arco luminoso. Il secondo lancio è dedicato alle autorità religiose, il terzo ai giovani della compagnia; quelli successivi vengono offerti simbolicamente alle coppie del paese. Queste rotelle infuocate disegnano traiettorie simili a stelle cadenti, mentre i ragazzi si alternano nel rito chiamando a gran voce il nome delle giovani e augurando prosperità alle coppie.

Il programma si apre con l’Andante festivo di Jean Sibelius, pagina di intensa spiritualità e solenne cantabilità, capace di evocare atmosfere nordiche sospese tra lirismo e contemplazione. Segue il Divertimento concertante per contrabbasso e orchestra di Nino Rota, rarità del repertorio novecentesco che mette in luce, con eleganza e ironia, le potenzialità virtuosistiche ed espressive del contrabbasso, strumento solista non convenzionale ma di grande fascino timbrico.

Protagonista di questa pagina è Ermanno Calzolari, interprete raffinato e musicista di straordinaria esperienza, che ha ricoperto per oltre vent’anni il ruolo di Primo Contrabbasso al Teatro San Carlo di Napoli e collaborato con alcune delle più prestigiose orchestre e solisti del panorama internazionale. Premiato nel 2022 con il riconoscimento alla carriera “Oltre l’orizzonte”, Calzolari affianca all’attività concertistica un intenso impegno didattico presso il Conservatorio “San Pietro a Majella” di Napoli.

La seconda parte del concerto è dedicata alla Sinfonia in Do maggiore di Georges Bizet, composizione giovanile di sorprendente freschezza e brillantezza, nella quale si riconoscono già la vitalità melodica e l’energia ritmica che renderanno celebre il compositore francese. Un capolavoro di equilibrio formale e slancio espressivo, che conclude la serata con un finale di travolgente vitalità.

Sul podio, Pietro Mianiti, direttore di solida esperienza internazionale, già alla guida di importanti istituzioni orchestrali e teatrali in Europa e nelle Americhe, e collaboratore di lunga data dell’Orchestra Sinfonica di Matera. La sua direzione unisce rigore interpretativo e sensibilità teatrale, qualità che rendono ogni esecuzione viva e comunicativa.

Nata nel 2022, la Fondazione Orchestra Sinfonica di Matera rappresenta una delle realtà più dinamiche del panorama musicale italiano recente. Sostenuta dagli enti del territorio e riconosciuta dal Ministero della Cultura tra le nuove Istituzioni Concertistiche Orchestrali, l’orchestra si distingue per una programmazione attenta al grande repertorio sinfonico, con particolare attenzione alla musica del Novecento, e per la collaborazione con solisti e direttori di primo piano accanto a giovani talenti emergenti.

Gioielli Sinfonici si preannuncia dunque come una serata di grande musica, capace di coniugare rarità, capolavori e interpreti d’eccezione, confermando il ruolo dell’Orchestra Sinfonica di Matera come punto di riferimento culturale per la città e il territorio.
I concerti si svolgono all’Auditorium “Raffaele Gervasio”, con ingresso alle ore 20:00 e inizio alle ore 20:30.

Ermanno Calzolari – contrabbasso

Diplomato con il massimo dei voti al Conservatorio “Domenico Cimarosa” di Avellino, si è perfezionato con Franco Petracchi presso la Scuola di Musica di Fiesole e l’Accademia “Walter Stauffer” di Cremona. Ha svolto un’intensa attività concertistica in ambito cameristico e solistico, collaborando con musicisti di fama internazionale. È stato Primo Contrabbasso di prestigiose istituzioni orchestrali, tra cui il Teatro San Carlo di Napoli, incarico ricoperto per oltre vent’anni. Attualmente è Primo Contrabbasso dell’Orchestra da Camera Italiana. Docente di Contrabbasso presso il Conservatorio “San Pietro a Majella” di Napoli, nel 2022 ha ricevuto il premio alla carriera “Oltre l’orizzonte”.

Pietro Mianiti – direttore

Nato a Parma, ha compiuto gli studi di viola, composizione e direzione d’orchestra. Ha ricoperto incarichi di rilievo in Italia e all’estero, collaborando con importanti teatri, orchestre e istituzioni musicali. È stato Direttore musicale dell’Associazione Prolirica del Perù e ha diretto numerose produzioni operistiche e sinfoniche. Ha collaborato con l’Orchestra Sinfonica Nazionale della RAI, l’Accademia del Teatro alla Scala di Milano e partecipato a festival di rilievo internazionale. È docente presso il Conservatorio “Giuseppe Verdi” di Milano ed è regolarmente invitato a dirigere orchestre in Italia e all’estero.