L’Orchestra Sinfonica di Matera presenta Orienti – Matera 2019 incontra GO!2025, un concerto fuori programma della Stagione Concertistica 2025, realizzato in collaborazione con il Fadiesis Accordion Festival e proposto a ingresso libero alla città di Matera. L’iniziativa arricchisce ulteriormente l’offerta musicale dell’Orchestra, confermando la sua vocazione alla cooperazione artistica e culturale con realtà nazionali di prestigio.

L’evento, in programma venerdì 12 dicembre alle ore 20.00 presso il Santuario San Francesco da Paola, rappresenta il secondo appuntamento di un progetto che quest’anno ha preso avvio a Gorizia con la prima esecuzione assoluta dell’intero programma.

L’8 dicembre, infatti, nel prestigioso Salone d’onore Carlo X del Grand Hotel Entourage – già Palazzo Strassoldo – si è registrato il tutto esaurito per il concerto inaugurale, accolto con grande favore dal pubblico friulano. Sul palco, Gianni Fassetta alla fisarmonica insieme al Quintetto d’Archi friulani e lucani, formazione nata dalla collaborazione artistica tra l’Orchestra Sinfonica di Matera e l’Ensemble d’Archi Fadiesis. Il successo dell’esecuzione goriziana ha confermato il valore del progetto e introduce il pubblico materano all’ultimo appuntamento del Fadiesis Accordion Festival 2025.

Orienti rinnova un percorso ormai consolidato: il concerto sancisce un incontro culturale e musicale tra due “Orienti”. Da un lato l’oriente romano-mitteleuropeo-balcanico del Friuli Venezia Giulia; dall’altro l’oriente greco-romano-bizantino della Basilicata. Il dialogo tra queste identità musicali rappresenta un ponte simbolico tra territori e tradizioni, in una collaborazione iniziata nel 2012 con il gemellaggio tra Pordenone e Matera promosso dal Fadiesis Accordion Festival e oggi ampliata a Gorizia e Nova Gorica.

L’evento riunisce così tre poli culturali: Matera Capitale Europea della Cultura 2019, Nova Gorica–Gorizia Capitale Europea della Cultura 2025 e Pordenone Capitale Italiana della Cultura 2027. Un intreccio che valorizza le potenzialità di cooperazione artistica a livello nazionale ed europeo.

Il programma della serata offre un percorso di brani originali composti per fisarmonica e archi, culminando nell’esecuzione del Divertimento mediterraneo op. 83 del Maestro Paolo Pessina, dedicato al Fadiesis Accordion Festival e presentato in prima assoluta proprio nell’edizione 2025.

Un progetto pensato non solo come esposizione artistica, ma come azione solidale concreta: l’intero ricavato sarà infatti destinato a sostenere una ONG siciliana che da quarant’anni opera in Palestina e continua oggi, in condizioni tutt’altro che facili, a restare accanto alla popolazione civile.

La mostra è resa possibile grazie al supporto di diverse realtà del territorio: Modicaltra, Bedda Ciao, Palestina Viva, Assemblea No Guerre e Collettivo Ocra, in collaborazione con Hemingway, che donerà parte del ricavato della serata alla CISS. La mostra apre il 13 dicembre e termina l’11 gennaio, verrà inoltre replicata anche in altre città, nel corso dei prossimi mesi, con lo stesso intento.

Un’esposizione collettiva per un messaggio comune

96 artisti hanno scelto di aderire al progetto, donando opere del proprio repertorio, alcune anche inedite e a tema, accettando un tetto massimo di vendita di 250 euro (anche nei casi in cui l’opera valga più di quella cifra), per rendere l’arte davvero accessibile e mettere al centro il valore dell’iniziativa.

La saletta dell’Hemingway, raccolta e intima, diventerà così un mosaico eterogeneo di linguaggi visivi: una pluralità di voci artistiche.
«Il messaggio è proprio questo – afferma Andrea Iran – unire le forze, essere insieme, trovare nell’insieme la potenza della presenza e dell’azione».

L’iniziativa nasce infatti con un obiettivo preciso: non perdere l’attenzione sulla Palestina, mantenersi vigili e dare forza a quel movimento di partecipazione che nei mesi scorsi ha portato migliaia di persone nelle piazze, con il proprio corpo, prendendo posizione di chiara distanza dal genocidio ancora in corso.

Il sostegno al CISS: l’arte come denuncia e responsabilità civile

“Tenere alta l’attenzione sulla questione palestinese e sulla popolazione civile, ancora oggi in una condizione drammatica e disumana, è fondamentale – riflettono i referenti della ONG CISS – l’arte non è solo evasione, è strumento di denuncia, e in questo caso diventa il modo più potente per continuare la nostra lotta e dare voce al popolo palestinese.”

Il CISS, fin dai primi giorni dell’escalation in corso, ha attivato una complessa risposta umanitaria attraverso la campagna X Gaza Posso!, che ha permesso di inviare aiuti e beni di prima necessità, collaborando con organismi come AOI e CGIL.

Le attività sostenute dalla raccolta fondi includono il primo soccorso psicologico e supporto continuativo ai minori sfollati; la distribuzione di kit psicosociali per attività ricreative e terapeutiche; le iniziative di sensibilizzazione sui rischi legati ai dispositivi bellici inesplosi; la distribuzione di pasti caldi, beni essenziali e sostegno alimentare; la messa in sicurezza del patrimonio culturale, compresi i manoscritti mamelucchi recuperati dalle macerie a Gaza City;

l’allestimento di Temporary Learning Spaces, le tende scolastiche che permettono ai bambini di continuare a studiare; le attività dei Clown Doctor negli ospedali da campo.

“Con X Gaza Posso! abbiamo fatto tanto – proseguono i referenti della ONG – ma non è mai abbastanza. Restiamo al fianco della popolazione ogni giorno, grazie anche al contributo di iniziative come questa mostra.”

L’ingresso alla mostra è libero, gratuito e aperto a chiunque voglia visitarla e sostenerla.

È possibile farsi già un’idea delle opere esposte, con i dettagli sugli autori e sulle autrici, nonché sui futuri aggiornamenti, sulla pagina dedicata: www.theernestconnection.com

L’immaginario di Ferrigno, piemontese di origine e da anni residente a Palermo, torna a Torino con una serie di opere che mettono al centro assoluto la figura femminile. Le BadGirls sono donne tatuate, ribelli, autonome: figure che oltrepassano i confini del consentito per affermare la propria forza, la propria identità e il proprio diritto all’azione. Nei loro corpi segnati dal tatuaggio – simboli di libertà, resistenza e indipendenza – si concentrano narrazioni fatte di scelte, coraggio e trasformazione. Le tele esplodono in colori acidi, saturi, spesso discordanti, capaci di ipnotizzare e destabilizzare lo spettatore.

“Raccontare il percorso che porta alla realizzazione dei miei lavori è sempre motivo di confronto – dichiara Max Ferrigno – e quello intercorso nella serata di ieri è stato particolarmente stimolante, percepire il desiderio di conoscere ciò che è alla base della mia narrazione mi rende felice e mi permette di rendere ancora più limpido il mio messaggio”.

La mostra è non curata da Laura Milani, visionaria imprenditrice e manager culturale torinese. La sua scelta intende affermare che la cura non necessita di un titolo formale: è un gesto quotidiano di attenzione, responsabilità e vulnerabilità, un modo di stare nel mondo più che una funzione all’interno del sistema dell’arte.

Delle BadGirls, Milani afferma: “Le donne di Max Ferrigno hanno fatto riflettere il pubblico su come i momenti di svolta nella vita siano in realtà attimi in cui il coraggio si fa strada e riempie lo sguardo di una nuova luce. Un tema quantomai attuale che ricorda come gli ossimori coraggio – paura, forza – fragilità siano i veri nodi dell’esistenza di ognuno di noi e di come una scelta possa mutare il corso dell’esistenza”.

L’energia cinematografica di Quentin Tarantino e Robert Rodriguez attraversa l’intero progetto espositivo: le eroine di Ferrigno sembrano emergere da un film pulp, sospese tra ironia e dramma, tra gioco e sfida. A questa dimensione si aggiunge, come matrice fondamentale, anche Nikita di Luc Besson, le cui atmosfere contribuiscono a definire il carattere determinato e al tempo stesso fragile delle protagoniste. Allo stesso tempo, le suggestioni sudamericane – maturate dall’artista in diversi viaggi – affiorano nel ciclo Sinibaldi, dove la rappresentazione sacra viene ribaltata in un sincretismo che richiama tanto la Santa Muerte quanto una nuova, combattiva reinterpretazione della donna botticelliana.

Con BadGirls, Ferrigno invita il pubblico a entrare in un universo dove fumetto, cinema e iconografie contemporanee convergono per restituire alle donne un ruolo di protagoniste assolute: forti, consapevoli, inarrestabili.

Significativa è stata anche la risposta del collezionismo torinese, da sempre colto e orientato alla ricerca, che ha accolto in modo straordinario una proposta artistica tanto intensa quanto impegnata.

Feat. House si conferma luogo di sperimentazione culturale e di incontro tra mondi diversi: un Social Business Club e la casa del Venture Building, dove creatività e impresa convivono per generare progetti nuovi e audaci. Feat. House opera in collaborazione con la Fondazione Compagnia di San Paolo, co-founding partner.

Il lavoro di Alessandro D’Aquila e di Matteo Mauro non presenta, in epidermide, punti di contatto. Assume una prospettiva fruttuosa se invece si fa riferimento al contesto di pensiero che genera entrambi: assumere un codice formale fortemente connotato, talmente consueto da aver perso in sé ogni possibilità significativa, e riabitarlo con interventi devianti, che schiudano invece forti possibilità di senso.

Nel caso di D’Aquila è una sorta di distillazione del puro vedere, del puro riconoscere tipico dell’oftalmoscopio, che qui viene abilitato a farsi luogo di frammenti poetici altri e alti, da Catullo a Emily Dickinson, per cui i suoi lightbox perdono le pur evidenti fattezze funzionali e si fanno irruzioni lievi ma potenti di un altro sentire, di una vista mentalmente acuminata.

Matteo Mauro lavora invece sulle strutture dinamiche del segno nel suo farsi forma decifrabile: è una soluzione, la sua, molto prossima al grado zero dell’immagine, che non solo pone in scacco l’aspettativa di riconoscimento dello spettatore ma si insinua svelando appena i suoi meccanismi sorgivi: i quali portano in se stessi, in realtà, il proprio destino tutto e chiedono a chi si faccia pubblico una consonanza tra concettuale e puramente emotiva.

Le opere di entrambi sono, in ogni caso, esperienze ben più complesse di quanto l’ovvietà del meccanismo messo in campo nell’enunciazione renda attive: qui è necessaria una partecipazione piena, consapevole, affilata da parte di chi si scelga il ruolo di colui che guarda.

ArtonWorld Magazine presenta con orgoglio il Numero 24, un’edizione che rinnova e rafforza la missione della rivista: valorizzare l’arte in tutte le sue forme, promuovere il dialogo tra culture e sostenere un ecosistema creativo sempre più aperto, inclusivo e internazionale. In un contesto in cui la comunicazione digitale evolve rapidamente, ArtonWorld continua a rappresentare un punto di riferimento per artisti, galleristi, istituzioni, fondazioni e appassionati. La nostra attività editoriale e multimediale si distingue per un approccio che coniuga ricerca, divulgazione e innovazione, offrendo ogni giorno contenuti che raggiungono un pubblico globale grazie a strategie di comunicazione mirate e sostenibili. Un ringraziamento ai nostri sostenitoriQuesto nuovo numero è anche l’occasione per esprimere la nostra profonda gratitudine a tutti coloro che rendono possibile il percorso di ArtonWorld. Un grazie speciale va:- ai donatori, che supportano la nostra crescita culturale ed editoriale;- agli abbonati, che credono nel nostro progetto e ne seguono con fedeltà ogni evoluzione;- ai galleristi e alle gallerie, che scelgono di accogliere ArtonWorld Magazine nelle proprie sale, condividendo il nostro impegno nel diffondere la conoscenza dell’arte contemporanea e delle sue molteplici espressioni;- alle fondazioni e alle istituzioni culturali, che collaborano con noi per costruire una narrazione dell’arte al tempo presente, rispettosa del passato e orientata al futuro. Un numero ricco di contenuti e nuove prospettiveIl n. 24 presenta approfondimenti, interviste, reportage internazionali e focus speciali dedicati alle tendenze artistiche emergenti. L’obiettivo è continuare a offrire una piattaforma autorevole che racconti l’arte non solo come espressione estetica, ma come strumento di pensiero, partecipazione e innovazione sociale. ArtonWorld: una comunità che cresceOgni pagina di questa edizione testimonia la forza della nostra rete e la vitalità del confronto creativo. ArtonWorld Magazine continua così a essere una voce indipendente, capace di promuovere l’arte in dialogo costante con la società, la tecnologia e l’economia culturale contemporanea. https://www.flipsnack.com/artonworld/artonworld-n24 

BLU STREGATO riunisce un’ampia selezione di opere di Mattia Barbalaco, fornendo una panoramica del lavoro del giovane artista che va dal periodo più recente ai dipinti delle sue prime mostre.

Il linguaggio di Barbalaco è intenso ed enigmatico, ricco di simboli capaci di trasformare situazioni apparentemente ordinarie in scenari occulti e inquietanti. L’uso delle luci e dei colori, con una predominanza delle tinte fredde, e del blu in particolare, amplifica l’atmosfera quasi stregata che avvolge le figure, immerse in un’imperscrutabile solitudine.

Le opere, ricche di suggestioni teatrali, sono in parte influenzate dalla precedente attività di burattinaio dell’artista. È inoltre presente un forte legame con la psicoanalisi e con il mondo dell’inconscio, che crea interferenze costanti nelle scene rappresentate, materializzandosi in elementi surreali, i quali interrompono il filo logico delle raffigurazioni.

Le tele sono caratterizzate da un ricercato ed originale equilibrio compositivo, unito ad una rappresentazione realistica e armoniosa dei soggetti, che si scontra con scelte stilistiche contemporanee come le inquadrature ravvicinate e i toni antinaturalistici.

Le opere di Barbalaco sono espressione di un’indagine individuale e universale al tempo stesso, che mira a scardinare i confini tra inconscio e mondo visibile, dando vita ad una dimensione onirica e profondamente poetica.

Mattia Barbalaco – Profilo

Mattia Barbalaco nasce a Vibo Valentia nel 1999. Nel 2018 si trasferisce a Roma, dove frequenta l’Accademia di Belle Arti e consegue il diploma di Pittura. Nonostante la giovane età, Barbalaco vanta un’abilità tecnica e una capacità visionaria che ha già attirato l’attenzione di gallerie e collezionisti d’arte internazionali.

Alla Blue Gallery gli eventi non si programmano: accadono. Nascono da conversazioni leggere ma dense, dall’andirivieni quotidiano, nella vivace zona di Dorsoduro a Venezia, dall’ascolto fertile che maturano i progetti come semi. È in questo terreno, vivo e non artificiale, che Simone Meneghello incontra Borges. Non una citazione, non un omaggio illustrativo, ma uno scambio: un attraversamento.
Un incontro che avviene fisicamente nello spazio della galleria e poeticamente  nell’opera, come se la letteratura si fosse fermata qui, pronta a trasformarsi in materia, oggetto, corpo. Meneghello lavora da anni sul limite. Sul confine tra parola e silenzio, tra senso e opacità. Le sue opere non comunicano un contenuto: custodiscono una presenza. Sono libri riscritti, sovrapposti, saturati fino a diventare superfici compatte, nere, inaggirabili. Sono scatole che contengono nulla pur contenendo tutto, boccette che archiviano poesie frante come messaggi lanciati al mare; sono enciclopedie che hanno perso la possibilità della lettura ma hanno guadagnato densità, peso, esistenza.

 Il critico Dambruoso osserva che «le parole, frantumate o sovrascritte, perdono la loro funzione originaria mostrandosi solo per la loro nuda e scarna presenza». È Meneghello stesso a definire questa pratica come Presenza dell’assenza, e ancora:”Quando il linguaggio si compatta nelle mie opere, quando le lettere si sovrappongono e si perdono nella densità tipografica, accade qualcosa che va oltre la scrittura: il linguaggio mostra se stesso nel momento in cui non può più dire. Le opere sono il varco, la soglia dove la parola smette di essere discorso e diventa presenza».

Dopo Pasolini e Pavese, ora il dialogo si apre con Borges. Il confronto con l’opera letteraria del grande scrittore e poeta argentino, nasce soprattutto intorno al concetto di simultaneità. E’ ancora Meneghello a definire questo punto affermando che: “Nelle mie opere il testo si sottrae alla sequenza lineare e viene restituito come densità simultanea” (In alcune opere la sovrapposizione si sviluppa anche in un solo punto. Un intero testo è presente, stratificato, sovrapposto in un unico punto, come ad esempio nell’opera dal titolo “L’Aleph”). 

Meneghello ha impostato la sua ricerca su questi concetti, declinandola però su un piano visivo: i suoi libri non si leggono ma contengono tutto. Attraversandole non si entra nel significato ma in quello spazio in cui significato e materia coincidono. 

La mostra si compone di due nuclei espositivi, due forme di passaggio:

I. Le opere a parete

Cinque lavori murali — Cosmogonia, Finzioni, L’Aleph, Trittico L’altro, La biblioteca di Babele, Funes, Il giardino dai sentieri che si biforcano.Oggetti che non trasmettono significato, ma lo trattengono.

Sono opere-soglia: blocchi compattati di testo, superfici che non si lasciano leggere ma custodiscono la totalità dei libri da cui provengono. Ogni opera è un frammento di un tutto simultaneo, un punto di densità che nega la sequenza e invita a sostare nel limite del linguaggio. Non tutte le opere sono sovrascritte, alcune sono compattate, destrutturate o velate; tutte, in ogni caso, non possono essere decodificate. 

II. Labirinto di Borges — Sentiero della conoscenza

Il secondo nucleo comprende l’installazione “Labirinto di Borges – Sentiero della conoscenza”; quindici volumi enciclopedici, privi di copertine e monocromi, formano un sentiero che parte dalla parete, attraversa il pavimento e supera la soglia della galleria per continuare idealmente e materialmente sulla strada (oltre il vetro/velo della vetrina). È un gesto che porta l’enciclopedia – simbolo del sapere ordinato e totale – oltre il proprio linguaggio: un attraversamento, un oltrepassamento del limite. «Il vuoto compreso tra un volume e l’altro è un vuoto che è tutto: lo spazio stesso della simultaneità, dove presenza e assenza coincidono», scrive Dambruoso.

Anche nella sua struttura, il sentiero si offre come figura paradossale: sembra un sentiero che conduce, ma pur conducendo, non porta da nessuna parte. Non vi è inizio né fine, né sopra né sotto, né dentro né fuori, né pieno né vuoto: tutto è contemporaneamente presente.

Un percorso che conduce e non conduce: la meta non è l’arrivo, ma il cammino.

Non c’è inizio né fine. Non c’è dualità che resista. Il percorso è luogo di tempo indiviso.

Dambruoso riconosce nella ricerca di Meneghello «una tappa ulteriore verso la dimostrazione della verità dell’opera», in cui l’opera esiste al di là del significato.
Non per dire: per essere. L’artista stesso ribadisce:“L’arte, per come la vivo io, e il mio lavoro non sono mai comunicazione. Attraversare la soglia significa accettare che ogni senso sia già ecceduto, che il linguaggio – nel momento in cui si arresta – riveli la sua appartenenza all’Uno”.

MENEGHELLO INCONTRA BORGES non è una mostra che si guarda. È una mostra che si attraversa.

Simone Meneghello – Profilo

Simone Meneghello nasce a Milano il 3 Settembre 1973.
Frequenta il liceo artistico I di Brera e si dedica allo studio della scenografia presso l’Accademia di Belle Arti di Brera.
Fin dagli anni novanta le sue opere trovano espressione attraverso varie forme dell’arte visiva alle quali, da sempre, affianca la composizione e la produzione musicale. Vive e lavora a Padova 

WEBSITE www.simonemeneghello 
INSTAGRAM @simonemeneghelloart