Radici Nigeriane, Cuore Italiano

Nato e cresciuto in Nigeria, Danny ha respirato fin da piccolo i profumi intensi e i sapori vibranti della cucina tradizionale africana. Ha osservato mani esperte all’opera, imparando i segreti delle ricette tramandate, la ricchezza dei prodotti autoctoni e l’arte di preparare piatti che nutrono non solo il corpo, ma anche lo spirito. Un’eredità culinaria intrisa di tradizione, calore familiare e identità: le solide fondamenta della sua passione.

Il suo arrivo in Italia ha segnato l’inizio di un nuovo capitolo, un’immersione in un’altra cultura gastronomica millenaria: quella italiana. Danny ne ha subito ammirato la semplicità degli ingredienti, la precisione delle tecniche e l’armonia naturale che caratterizza la cucina mediterranea. Ha studiato, sperimentato e assimilato ogni sfumatura, fondendo la sua innata creatività con la disciplina della cucina italiana.

La Nascita di una Visione: l’Afro-Italian Fusion

Col tempo è maturata una visione audace: non scegliere tra due mondi, ma unirli. Dare vita a una cucina che non fosse né soltanto africana né soltanto italiana, ma una celebrazione autentica e innovativa di entrambe. Così nasce l’idea di Good Food: Afro-Italian Fusion Cuisine: un luogo dove le materie prime africane incontrano l’eleganza della tradizione italiana; dove la robustezza di cereali e tuberi africani si intreccia con la delicatezza dei prodotti mediterranei; dove metodi di cottura ancestrali si fondono con tecniche contemporanee.

Più di un Menù: un Messaggio

Good Food non è soltanto un menù di oltre 32 piatti, inclusi proposte vegane e gluten-free: è la manifestazione della filosofia di Danny. Ogni pietanza testimonia il suo impegno verso ingredienti freschi, sostenibili e di qualità; un omaggio alla diversità e un invito a scoprire sapori inediti. Lo Chef Wahab crede profondamente nel potere del cibo di unire le persone, abbattere barriere e raccontare storie.

La sua cucina invita a sedersi e lasciarsi guidare in un viaggio sensoriale che sfugge alle definizioni tradizionali. Con Good Food, Danny non offre solo piatti deliziosi, ma un’esperienza che nutre l’anima, celebra la bellezza dell’incontro tra culture e sostiene attivamente le donne agricoltrici e commercianti africane, contribuendo a un impatto positivo e duraturo nelle comunità d’origine.

Good Food – Progetto Donna

All’interno del progetto prende forma anche Good Food – Progetto Donna, un’iniziativa dedicata alla valorizzazione e alla formazione di donne africane, con particolare attenzione a:

• Selezione e formazione di donne da inserire nell’avvio dell’attività
• Women in Wine – Sudafrica: un esempio virtuoso di leadership femminile e inclusione nel settore vinicolo
• Donne agricoltrici e commercianti africane, sostenute attraverso la scelta consapevole delle materie prime
• La nascita di una nuova visione culinaria: l’Afro-Italian Fusion, ponte gastronomico e culturale tra Africa e Italia

Una mostra in cui i miti vestono il presente

La poetica di Afran indaga la fragilità dell’essere umano, eternamente alla ricerca di oracoli a cui affidarsi: miti classici, divinità, ma anche moderne forme di culto come verità precostituite, fake news e social network.
Nelle sue opere, la “trama” del denim diviene metafora della trama esistenziale dell’uomo contemporaneo, cucita e ricucita nel tentativo di dare un senso alle proprie contraddizioni.

Attraverso oltre 20 opere, tra dipinti, sculture e installazioni, la mostra invita il visitatore a interrogarsi su quali siano oggi i nuovi miti e come questi influenzino identità, desideri e paure.

Opere principali

Tra le opere più significative presenti nel percorso espositivo:

Opere in denim

• Laocoonte rammendato – dipinto che trasforma il celebre gruppo scultoreo in un simbolo della nostra ansia di “riparare” la verità.
• Medusa rammendata – un’icona femminile che sfida il consumismo dell’immagine e la sua costante manipolazione.
• Street Imperator – scultura monumentale che fonde classicità e street culture.
• – Eva – una figura arcaica che torna a interrogare le origini della colpa e della libertà.
• Cavallo di Troia – dipinto che rilegge il mito come metafora della persuasione occulta contemporanea.
• Paesaggio da rammendare – una riflessione poetica sulla necessità di “riparare” il mondo.
• Gold Rush – dipinto che affronta il mito moderno della ricchezza come promessa salvifica.

Il ciclo dei funghi allucinogeni

Opere tra pittura e scultura:

• Amanita – denuncia della proliferazione incontrollata delle fake news e dei nuovi culti digitali.

Dipinti su cartone

Una serie di lavori realizzati su cartoni da imballaggio, dove figure mitologiche e storiche emergono da materiali poveri, ribaltando con ironia e intelligenza le dinamiche del consumismo e della sacralizzazione dell’arte.

Un viaggio tra memoria, identità e critica sociale

“La trama del Mito” non è solo un’esposizione artistica, ma un vero e proprio percorso di riflessione:

• sui miti che ancora abitano il nostro immaginario;
• sul rapporto tra individuo e società;
• sulla materia stessa dell’arte, capace di trasformare oggetti quotidiani in narrazioni universali;
• sul bisogno di apparire nell’era dei social network.

Il denim, assume identità culturale e storica e diviene veicolo di critica sociale, mentre i funghi allucinogeni raccontano i pericoli della disinformazione digitale. I cartoni da imballaggio, infine, ricordano che anche il mito può essere “consumato”, riciclato, reinterpretato.

Un artista che parla al presente

Con la sua ricerca potente e raffinata, Afran propone un’arte che svela il presente attraverso i simboli del passato, invitando il pubblico a un confronto aperto con le proprie fragilità e convinzioni.

“La trama del Mito” è un’occasione unica per scoprire il lavoro di un artista capace di unire tecnica magistrale, profondità concettuale e uno sguardo lucido sulle contraddizioni del nostro tempo.

Le gallerie L2Arte di Pavia e HR Docks Gallery di Torino hanno il piacere di presentare Storie, la mostra personale dell’artista Silvestro Bonaventura, a cura di Rosanna Accordino, che inaugura venerdì 12 dicembre 2025 negli spazi della Galleria Marco Fraccaro presso il Collegio Fratelli Cairoli a Pavia, visitabile fino al 17 dicembre 2025.

Il titolo Storie che Silvestro Bonaventura ha scelto per il suo più recente progetto pittorico racchiude in sé l’essenza del proprio lavoro, il movente che determina la realizzazione di ciascuna opera, ovvero, raccontare storie, le proprie e quelle degli amici più cari, di chi lo circonda e condivide con l’artista gli spazi personali delle proprie abitazioni. Da ciò si evince una profonda capacità di immedesimazione, di ascolto e di interpretazione senza formalismi, attraverso prospettive inventate dall’autore e un linguaggio personalissimo.

L’artista vibonese ha costruito un immaginario iconografico unico nel panorama dell’arte contemporanea, capace di distinguersi e rendersi da subito riconoscibile. La sua identità pittorica è determinata dagli elementi chiave che caratterizzano le sue opere, dagli oggetti domestici protagonisti delle opere, dalle prospettive distorte, come se gli ambienti fossero immersi all’interno di un fluido, e i colori a contrasto. Vi è poi una componente magica e favolistica che amalgama il tutto rendendo l’opera un mondo alternativo, nel quale le fantasie del bambino diventano il punto di vista dell’artista che ha saputo coltivare l’innocenza e il gioco anche in età adulta.

Per l’occasione, la mostra verrà ospitata nei prestigiosi spazi della Galleria del Collegio Fratelli Cairoli fondata dal Prof. Marco Fraccaro, che sin dagli anni Settanta ospita eventi artistici distinguendosi per la grande attenzione rivolta all’arte contemporanea.

C’è un luogo, sul versante nord dell’Etna, in cui il fuoco del vulcano e la memoria delle comunità s’incontrano. È il Parco Sciarone, poco distante dal centro medievale di Randazzo: paesaggio di sciare, boschi e colate laviche che raccontano, strato dopo strato, la capacità della natura di rinascere e delle persone di ricostruire legami profondi con la propria terra. Lì dove i boschi di roverella si intrecciano con le ginestre dell’Etna, i sentieri naturali corrono tra rocce nere e radure attrezzate per l’accoglienza.

Per restituire valore e visibilità a questo patrimonio, sabato 20 dicembre 2025 – al Centro Polifunzionale “ex Cinema Moderno” di Randazzo (via Cairoli 51) – si terrà il meeting “La forza del vulcano, la vita della terra”, primo appuntamento del programma di eventi “Sciarone – Paesaggio di fuoco e di memoria” promosso dall’Assessorato dell’Agricoltura, dello Sviluppo Rurale e della Pesca Mediterranea della Regione Siciliana, dal Comune di Randazzo, dalla Delegazione FAI di Catania e dal Gruppo FAI Etna Nord, con il coinvolgimento di università, associazioni e operatori del territorio. La giornata si aprirà alle ore 9.00 con la proiezione del video di Mario Mattia, primo tecnologo INGV, “Questo tempo da fine del mondo… eruzioni vulcaniche e catastrofi climatiche”, seguiranno i saluti istituzionali e, dalle 10.00 alle 12.00, la sessione tematica dedicata a “La forza del vulcano, la vita della terra”.

Sul palco si alterneranno vulcanologi, geologi, botanici, archeologi, geografi dell’Università di Catania e forestali della Regione Siciliana, per raccontare lo Sciarone come laboratorio a cielo aperto di biodiversità, resilienza naturale e memoria collettiva.

Al centro del meeting ci sarà proprio il Parco: la sua storia “dall’abbandono alla rinascita”, le colate laviche trasformate in paesaggi da vivere, la cenere che da scarto può diventare risorsa a impatto zero, il rapporto tra il vulcano e le comunità dell’Alcantara e di Randazzo, la rinascita delle sciare come scrittura vivente della natura. Ogni intervento offrirà chiavi di lettura diverse – scientifiche, paesaggistiche, educative – per arrivare a una convinzione condivisa: valorizzare il paesaggio etneo significa prendersi cura del futuro della Sicilia. Un evento che vuole dar vita al percorso, che continuerà nel 2026 con incontri dedicati ai prodotti d’eccellenza dell’Etna e con le Giornate FAI di Primavera, che vedranno Randazzo e lo Sciarone protagonisti di un itinerario di scoperta sul paesaggio vulcanico. Obiettivo comune è trasformare il Parco in un luogo educativo, emozionale e generativo: un’aula all’aperto per le scuole, uno spazio di ricerca per l’università, un laboratorio creativo per artis: ti e comunità.

Il meeting del 20 dicembre è dunque un invito a guardare l’Etna non solo come scenario, ma come bene comune da conoscere, rispettare e custodire. Partecipare significa contribuire a una nuova cultura del paesaggio, che riconosce nello Sciarone il simbolo di una Sicilia capace di trasformare la bellezza in responsabilità condivisa.

Un “fil rouge” lega OPENBOX6 – ALBERO D’ARTISTA al precedente AVENTINOforFUTURE. Ambedue portano l’attenzione sul tema della sostenibilità, delle trasformazioni climatiche, con i relativi risvolti economici, politici e sociali. È risaputo che gli alberi sono elementi cruciali dell’ecologia, svolgendo un ruolo fondamentale nella purificazione dell’aria, nella protezione del suolo e nella regolazione del clima. La fotosintesi e la respirazione degli alberi assorbono anidride carbonica, mitigando il cambiamento climatico e producendo ossigeno. I boschi, in particolare, sono ecosistemi complessi che supportano la biodiversità, fornendo cibo e riparo a numerosi organismi, e influenzano il microclima locale. L’albero, simbolo assiale e universale, rappresenta la vita, la crescita, la forza e la connessione tra il mondo materiale e spirituale. Simboleggia la resilienza, la longevità, la stabilità e la fertilità. In molte culture, l’albero è associato all’albero della vita, all’albero cosmico, e rappresenta l’origine del mondo e la fonte della vita. 

AdA vuole porre l’attenzione su Riforestiamo Roma! un piano imponente per restituire alla città alberature e arbusti che mitigano la temperatura, migliorano la qualità dell’aria, riducono l’inquinamento atmosferico, contrastano il fenomeno delle isole di calore, permettono una migliore gestione delle acque piovane e riportano decoro e bellezza in città.

PIAZZA ALBINA
In mezzo al giardino, circondato da olmi, una unica installazione site-specific, un grande albero di Natale addobbato con le opere degli artisti: Fabio Maria ALECCI appende Cubi le scatole, Nina EATON Fruits e Susanne KESSLER la sua In golden cage. I Bersagli i pesci di Gianluca ESPOSITO si affacciano tra i rami insieme ai Adoratores, di Samuele VESUVIO mentre i Rami di pianeti Paul WIEDMER si confondano con quelli dell’abete, lasciando brillare i pianeti immaginari.

Il giardino di SANT’ALESSIO
Tra le sue mura protette sono installate le opere individuali: Fabio Maria ALECCI presenta I moscerini, appoggiati sui rami contorti di un ficus e realizzati con materiali di ricupero, che scimmiottano delle creature viventi grottesche e ridicolmente mostruose. Gianluca ESPOSITO con La fisica del mondo quando brucia, fiammiferi che bruciano in una gabbia-edicola, ci riporta a una Natura che ci illudiamo di conoscere, ma che per incuria abbiamo contribuito a modificare, e che ora ci confronta con fenomeni sempre più estremi nel mondo naturale soggetto al cambiamento climatico. Nina EATON con la Wallflower deposita nell’uso del colore una componente progettuale, scenografica e costruttiva che nulla toglie alla eterna sorpresa dell’ignoto. Samuele VESUVIO crea un boschetto abitato da VulcanoShùshén figure sospese tra mito e natura, messaggeri di resilienza e curiosità. La narrazione che li accompagna evoca migrazioni botaniche, adattamenti e contaminazioni culturali. Paul WIEDMER propone Ospiti, uno scambio reciproco di doni. Ospiti di alberi che sono a loro volta gli ospiti dell’arte e dell’uomo, “accogliere l’altro che viene farsi abitare dall’altro custodendolo persino nella sua eccentricità e stravaganza” (Jacques Derrida).

Calore, emozione e musica hanno avvolto il folto pubblico del Teatro Regio nella notte di Santa Lucia. Insieme, più di 900 persone si sono strette in una serata speciale per riscoprire la forza di una comunità coesa e solidale: il Natale Insieme di Fondazione Cariparma.

Dopo gli auguri del Presidente di Fondazione Cariparma Franco Magnani, l’ospite d’eccezione Fabrizio Bosso è salito sul palco per condurre il pubblico in un viaggio di note ed improvvisazioni. Accanto a lui About ten, l’ensemble che, sotto la direzione di Paolo Silvestri, curatore anche degli arrangiamenti, ha intrecciato i classici di grandi maestri come Ellington e Gillespie e ha regalato agli spettatori anche musica originale, raffinata, vivace, imprevedibile, ricca di colori e nuove sonorità.

Insieme all’inconfondibile tromba di Bosso, la line up formata dal pianoforte di Julian Oliver Mazzariello, dal contrabbasso di Jacopo Ferrazza e dalla batteria di Nicola Angelucci ha interpretato uno spirito jazz capace di abbattere distanze e diversità fino a creare un’unica, energetica, voce. Gli eleganti arrangiamenti, vivaci e pieni di swing, hanno preso vita anche grazie al sestetto di fiati, accuratamente selezionato tra i giovani talenti di tutta Italia.

Il lungo applauso e la commozione del pubblico sono stati la conferma della rinnovata forza del messaggio che Fondazione Cariparma, ogni anno, vuole trasmettere alla comunità. Natale Insieme è molto più di un semplice concerto, è un’occasione per riscoprirci uniti dallo spirito natalizio più autentico.

Come ogni anno, il museo Fondazione Tito Balestra Onlus partecipa alla manifestazione Longiano dei Presepi con una mostra che unisce tradizione e arte contemporanea.

Il presepe della speranza e sculture lignee e carte, la mostra allestita negli spazi suggestivi dell’Ex Chiesa Madonna di Loreto al Castello Malatestiano è stata inaugurata il giorno lunedì 8 dicembre alla presenza dell’artista, del direttore della Fondazione Flaminio Balestra e del Sindaco di Longiano

Il Presepe della Speranza (Speranza, con la “S” maiuscola, come una delle virtù teologali) di Paolo Di Capua, fa parte della rassegna nazionale Presepe d’Artista, grazie alla collaborazione con il Museo Internazionale del Presepio “Vanni Scheiwiller” di Castronuovo Sant’Andrea (PZ), che invita ogni anno un artista a reinterpretare in chiave contemporanea il tema della natività. Una collaborazione che conferisce alla rassegna un respiro nazionale e rappresenta una linfa vitale per la Fondazione, oggi riconosciuta tra i più autorevoli musei dell’Emilia-Romagna dedicati all’arte contemporanea e al Novecento.

Nel Presepe della Speranza, Di Capua propone una visione essenziale e universale della Natività. Su una superficie circolare inclinata, al posto della tradizionale capanna, è stato scavato uno spazio geometrico netto in cui si svolge la Scena dell’Evento: il Bambino, sospeso in una culla composta da forme quadrate e circolari sovrapposte, simboli della Terra e del Cielo, è circondato da figure che si muovono con timoroso rispetto, sotto lo sguardo di una stella che domina la scena. L’opera, realizzata in legno di tiglio, restituisce attraverso la sua materia calda e armoniosa un senso profondo di accoglienza e pace.

Oltre al presepe saranno esposti i bozzetti preparatori e una selezione di opere lignee in armonia con il tema dell’evento con un linguaggio informale, omogeneo e minimalista

“Un presepe oggi, più che mai, ha senso – afferma Di Capua– In un tempo dominato da conflitti e divisioni, ho voluto restituire un messaggio di speranza e fraternità. La superficie inclinata è anche simbolo del cammino difficile, ma necessario, verso la comprensione reciproca.”

Con questa mostra dedicata alla natività, la Fondazione Tito Balestra conferma la propria vocazione a promuovere l’incontro tra arte e spiritualità, offrendo al pubblico uno sguardo contemporaneo sulla tradizione capace di suscitare riflessione, emozione e meraviglia.

Breve biografia dell’artista

Paolo Di Capua è nato a Roma nel 1957. Dopo gli studi in Architettura e Storia dell’Arte all’Università “La Sapienza”, ha completato la formazione all’Accademia di Belle Arti di Roma nel 1985, sotto la guida di Lorenzo Guerrini e Lorenza Trucchi. Artista di respiro internazionale, ha esposto in Italia, Spagna, Germania, Corea del Sud, Stati Uniti e Cina, con opere presenti in collezioni pubbliche e private, tra cui il Museo Nazionale di Arte Moderna e Contemporanea di Seoul.
Negli anni Duemila ha vissuto a lungo in Corea del Sud, dove ha insegnato presso l’Università Han Yang e realizzato un’importante installazione permanente per la Facoltà di Ingegneria dell’ateneo.
Tra le sue mostre personali più recenti: Natura Umana (Museo Carlo Bilotti, Roma, 2024; Galleria La Nube di Oort, Roma, 2024; Palau Martorell, Barcellona, 2025).
Il suo lavoro, fondato su un linguaggio essenziale e materico, esplora il dialogo tra arte, natura e spiritualità.

Il presepe Speranza sarà visitabile fino all’11 gennaio 2026 ad ingresso gratuito negli orari di apertura del polo museale fondazione Tito Balestra dal martedì alla domenica ore 10-12 e ore 15-19.

La scultura sacra fra mistero e infinito
Da “Lo spirituale nell’arte” di Kandinskij alla Transrealtà visionaria di Guadagnuolo

Introduzione

Il Giubileo del 2025 coincide con il trentesimo anniversario della nascita del Transrealismo italiano, teorizzato dallo storico e critico d’arte Antonio Gasbarrini nel 1995, in occasione della mostra al Castello Forte Spagnolo – Museo Nazionale d’Abruzzo a L’Aquila. Il movimento, riconosciuto tra le correnti più significative della fine del Novecento insieme al Nouveau Réalisme di Restany, all’Arte Povera di Celant e alla Transavanguardia di Bonito Oliva, trova in Francesco Guadagnuolo la sua espressione più compiuta. La sua arte si configura come medium di trascendenza, capace di tradurre in forme plastiche e pittoriche la tensione verso il mistero e l’infinito, in dialogo con la tradizione dell’arte sacra e con le sfide della contemporaneità.

Il retaggio spirituale di Kandinskij

Come già Kandinskij sosteneva in da Lo spirituale nell’arte (1910), l’opera deve rispondere a un’esigenza interiore e liberare l’anima dal materialismo. Guadagnuolo raccoglie questa eredità e la trasforma, collocando la sua ricerca nel solco di una spiritualità che si confronta con la modernità tecnologica e scientifica.

Guadagnuolo e la nascita della Transrealtà

La nozione di Transrealtà, elaborata da Guadagnuolo, si fonda su tre assi interpretativi:

• la realtà sensibile come soglia verso l’invisibile;
• il dialogo continuo tra finito e infinito;
• la sintesi di elementi sacri e dettagli contemporanei.

La sua scultura non si limita ad evocare simboli religiosi, ma li ricontestualizza in un linguaggio che accoglie frammenti di spazio cosmico e geometrie universali. Opere come “Rappresentazione dell’Infinito”, “Cosmo”, “Energie nell’Universo” o “Geometrie circolari” testimoniano la capacità dell’artista di coniugare sacralità e immensità, trasformando la scultura in arena di riflessione universale.

Scrive Antonio Gasbarrini: «…La ricerca di Guadagnuolo, a ben riflettere, è tutta protesa alla liberazione di energie: fisiche ed immaginifiche, concorrenziali all’inesauribile creatività in atto nell’universo, infinito che sia. In una prospettiva estetica già protesa al futuro, e perciò sotto l’egida dell’avanguardia, sarà il dialogico confronto tra gli enigmatici segni preimpressi negli abissi dei cieli (le leggi fisiche indagate con molto affanno e con esiti incerti dalla scienza) e quelli inventati dalla sua vulcanica fantasia, a favorire una più attendibile comprensione della verità ultima inscritta nel nostro destino. Del rinsaldato binomio Arte/Scienza ha saputo ben coniugare l’istanza razionale e tecnologica a quella neo-umanistica. Anche per quest’ultima ragione, forse, l’errabondo “poema visivo” di Guadagnuolo non potrà mai includere la parola fine: la vera arte e la vera poesia si fiutano dalla incompiutezza e dalla provvisorietà di uno statuto dell’opera tutto concentrato nell’instabile nucleo della sua potenziale energia avanguardista protesa ad irraggiarsi in un futuro estetico aperto più che mai».

La scultura come rito visivo

Il Transrealismo guadagnuoliano si articola come rituale visivo:

1. L’osservatore è introdotto in un sistema di segni e simboli astratti.
2. Lo spazio scultoreo si trasforma in un tempio mentale, dove forme reali e immaginarie si sovrappongono.
3. L’esperienza culmina in una sospensione temporale, che restituisce allo spettatore la percezione del mistero e dell’infinito.

Come osserva lo storico dell’arte Renato Mammucari, il Transrealismo italiano “ci spinge a guardare con maggiore attenzione e consapevolezza alle espressioni artistiche contemporanee”. La scultura diventa così liturgia estetica, in cui modernità e sacralità convivono.

Eredità e prospettive

A trent’anni dalla sua fondazione, il Transrealismo italiano si conferma come movimento capace di incidere nel dibattito critico e teorico. Guadagnuolo è considerato “l’unico esponente del Transrealismo in Italia” ed uno dei maggiori autori del rinnovamento dell’iconografia dell’arte sacra. Guardando al futuro, la sfida consiste nel mantenere vivo il dialogo tra arte e trascendenza, tra scienza e spiritualità, in un mondo sempre più dominato dalla tecnologia.

La scultura di Guadagnuolo si pone come testimonianza e profezia: testimonianza di un percorso che ha saputo coniugare tradizione e innovazione; profezia di un’arte che continuerà a esplorare le pieghe più nascoste dell’esistenza, restituendo all’uomo la consapevolezza del mistero e dell’infinito.