Sowing Hope Award

Opening di una nuova sezione della mostra “Seminare Speranza”

Lunedì 30 settembre, ore 17.30
Palazzo Querini – Calle Lunga San Barnaba, 2691, Venezia

HOPE AWARD MOSTRA COLLETTIVA 

La mostra “Seminare Speranza”, curata da Metra Lin e Laura Villani, è promossa dalla Crux Art Foundation ed è allestita a Palazzo Querini San Barnaba, Fondazione Ugo e Olga Levi, in occasione della 60° Esposizione internazionale d’Arte, La Biennale di Venezia 2024. Questa rappresenta, dopo la mostra di marzo all’Accademia Delle Arti del Disegno di Firenze – la più antica del mondo, fondata da Michelangelo – la seconda tappa dell’Italian Cen Long Tour. È, inoltre, la più ampia mostra mai realizzata in Italia e ospita, al suo interno, l’esposizione collettiva degli studenti dell’Accademia di Belle Arti di Lecce e di Venezia.

In occasione dell’inaugurazione verranno premiati i finalisti e il vincitore del SOWING HOPE AWARD.  

L’esposizione veneziana, che si sviluppa su due piani di Palazzo Querini San Barnaba mette in relazione l’arte dell’artista filosofo Cen Long con il tema della Speranza, tema che viene posto al  centro del SOWING HOPE AWARD così come l’artista lo pone al centro delle nostre esistenze quale espressione del potere assoluto dell’amore definito in narrazioni pittoriche metafisiche e concettuali.  

Cen Long rappresenta, secondo gli intellettuali cinesi per le sue implicazioni filosofiche, l’artista più prestigioso della Cina, il regno di mezzo Chung-kuo, e la sua mostra costituisce un’occasione di riflessione sempre protesa alla Speranza. La mostra si è proposta, proprio in virtù della profondità dei suoi significati, di innescare una serie di riflessioni di grande rilevanza su tematiche universali, in cui la Speranza – che Seneca definisce come l’unico bene comune a tutti gli uomini, anche a coloro che non possiedono più nulla – si erge a tema centrale, configurandosi come elemento di sincretismo e di connessione tra diverse religioni. La visione della vita di Cen Long contrappone alle prove e ai dolori a cui siamo sottoposti un cammino volto alla ricerca di un paradiso a cui accedere con Speranza e gratitudine per la bellezza del Creato e la bontà dell’umanità. Cen Long, particolarmente sensibile al tema del Creato, vede nell’uomo una delle sue più straordinarie creature e Venezia, città simbolo e centro dell’impegno per la sostenibilità del pianeta, risuona in modo particolare con questa sensibilità dell’artista. L’Oceano, soggetto di molti dipinti di Cen Long, rappresenta poi la più importante ed imprescindibile risorsa del pianeta, indispensabile per una transizione ambientale effettiva e consapevole.  

Nelle celebrazioni veneziane del 2024, Marco Polo, contemporaneo di Dante, non solo evoca il suo leggendario viaggio verso il Catai, avvenuto settecento anni fa, ma accoglie simbolicamente a Venezia, per la quinta volta, Cen Long, un artista dotato di un vasto bagaglio culturale che abbraccia sia l’Oriente che l’Occidente. Entrambi, Marco Polo e Cen Long, sono accomunati dal destino di vivere a lungo lontani dalla propria patria, sebbene Cen Long si trovi lontano in modo metafisico, a causa della sua decisione di vivere in totale solitudine, in uno spazio abitato soltanto dalle sue tele, dai suoi libri e dalla sua musica. Per Cen Long, il fatto che le sue opere dall’Oriente siano arrivate a Venezia in occasione del 7° centenario di Marco Polo rappresenta un grande onore con l’intento che possano ispirare a esplorare l’ignoto e nutrire Speranza. 

IL RUOLO DI CEN LONG NEL PANORAMA ARTISTICO CINESE 

Cen Long, intorno ai trent’anni, emerse in Cina grazie alle sue straordinarie capacità pittoriche. In  un’epoca in cui la pittura realista tradizionale dominava ancora in Cina, egli era già entrato nel mondo dell’espressionismo, creando uno stile di deformazione profondamente personale. Il suo approccio creativo unico scosse il mondo dell’arte, diventando un modello da seguire per molti  studenti. Tra questi, Zeng Fanzhi, uno degli artisti contemporanei cinesi più influenti e costosi, che attualmente tiene una mostra personale alla Scuola Grande della Misericordia a Venezia con l’allestimento di Tadao Ando. La sua famosa serie “Concordia Hospital” fu ispirata proprio da Cen  Long, dimostrando quanto profonda sia stata l’influenza e il contributo di Cen Long all’arte contemporanea cinese. 

Dopo essere stato così influente su gli artisti e gli studenti del vasto panorama cinese, Cen Long ha  preferito lasciare la carriera accademica e concentrarsi in un proprio mondo artistico ed intellettuale  evitando qualsiasi coinvolgimento nel mercato dell’arte cinese con l’obiettivo, anche per onorare le alte aspettative dei suoi genitori di continuare a ricercare un inesausto affinamento artistico ed  intellettuale. 

IL SOWING HOPE AWARD 

Con l’obiettivo di ispirare l’esplorazione dell’ignoto e coltivare la Speranza, è stato ideato un concorso artistico sul tema “Seminare Speranza”. Questo progetto, in collaborazione con le Accademie di Belle Arti di Venezia e di Lecce, intende offrire un’opportunità per valorizzare l’energia creativa degli studenti di queste prestigiose istituzioni, permettendo loro di dare un contributo significativo attraverso la propria arte. Si tratta di una collaborazione che ha portato alla realizzazione di una variegata proposta di quaranta espressioni artistiche che riflettono sul potere di trasformazione rappresentato dalla Speranza. In tempi di incertezza e cambiamento, la Speranza rappresenta infatti un faro di luce e un catalizzatore di resilienza e progettualità.

LA GIURIA E LA PRESIDENZA DEL SOWING HOPE AWARD 

La giuria, composta dalle curatrici del Cen Long Tour in Italy, Metra Lin e Laura Villani, insieme agli artisti Ferruccio Gard e Gianmaria Potenza, ha selezionato una rosa di candidati da sottoporre al giudizio del Presidente della Giuria, Cen Long, il quale ha scelto i finalisti e decretato il vincitore.

Con l’intento di promuovere il concorso e dare visibilità agli studenti e alle Istituzioni dell’Accademia di Belle Arti di Venezia e di Lecce, ai partecipanti del concorso Sowing Hope Award è stata offerta l’opportunità di esporre le proprie opere a Palazzo Querini, presso la Fondazione Ugo e Olga Levi, nell’ambito della mostra personale di Cen Long, organizzata in occasione della 60° Esposizione Internazionale d’Arte, La Biennale di Venezia 2024. Inoltre, le opere saranno incluse in un volume dedicato al Cen Long Italian Tour, di prossima pubblicazione.

Si tratta di una collaborazione che intende fornire visibilità a studenti e neolaureati di mostrare il proprio talento su un palcoscenico internazionale, creando preziose opportunità di networking e visibilità  all’estero offrendo agli artisti finalisti, ed in particolare all’artista vincitore del SOWING  HOPE AWARD, la possibilità di essere considerati da La Crux Art Foundation per dare loro l’opportunità di esporre in un Museo di Taiwan nel Novembre 2025. 

Crediamo che questa collaborazione possa rappresentare reciprocamente un’opportunità per valorizzare il potenziale creativo di studenti e laureati di talento. Il concorso artistico SOWING HOPE AWARD intende così non solo celebrare arte ma anche rappresentare un’esplorazione del potere duraturo della Speranza. 

Per dar vita a questa visione, desideriamo esprimere la nostra gratitudine all’Accademia di Belle Arti di Venezia, al Direttore Riccardo Caldura e al Prof. Stefano Mancini, e all’Accademia di Belle Arti di Lecce, nella persona del Prof. Gaetano Russo. Un ringraziamento speciale va inoltre ai membri della giuria, Ferruccio Gard e Gianmaria Potenza, a Metra Lin, Direttrice della Crux Art Foundation, e all’Arch. Laura Villani, Curatrice del Cen Long Tour in Italy, per il loro prezioso contributo.

Un successo la prima edizione nazionale di WE CAN BLU IT! 2024

Svolta dal 20 al 22 settembre 2024 in collaborazione con l’Ufficio in Italia del Parlamento Europeo, Rappresentanza in Italia della Commissione europea, la composita manifestazione si è avvalsa di numerose partnership a diverso titolo: il Patrocinio del MASE – Ministero  dell’Ambiente e della Sicurezza energetica, del CONI – Comitato  Olimpico Nazionale Italiano, del CIP – Comitato Italiano Paralimpico, di Roma Capitale – Assessorato all’Agricoltura, Ambiente e Ciclo di rifiuti, dell’Asvis  – Alleanza Italiana per lo Sviluppo Sostenibile, della FIC – Federazione Italiana Canottaggio / Canottaggio sociale, della FICK – Federazione italiana Canoa e Kayak, della FIDB, – Federazione Italiana Dragon Boat, del WWF e della FIDAS – Federazione Italiana Associazioni  Donatori di Sangue; la sponsorizzazione di Almaviva, Main Sponsor, di Six Senses Rome e di  Allianz, Euromed e Basiliotti, sponsor tecnici. Tra i partner anche Panasonic e poi Goumbook, EXPLORA-il Museo dei bambini di Roma, MareVivo ETS, Tevere Day, Plastic Pollution Coalition, GOT TO supported by IOC YOUNG Leaders.  

A Roma, tre giornate di impegno collettivo. A partire da una Tavola rotonda, il 20 settembre, “La forza dell’impegno condiviso per un futuro sostenibile”, ospitata dal Centro di Preparazione Olimpica “Giulio Onesti”, che ha offerto una panoramica dello stato dell’arte dell’inquinamento da plastiche e microplastiche nei corsi d’acqua in Italia e nel mondo: ogni anno oltre 8 milioni di tonnellate di plastica finiscono negli oceani, contribuendo al degrado dell’88% della superficie marina globale. In Italia si stimano più di 30.000 tonnellate di plastica disperse ogni anno nell’ambiente con un impatto devastante su fiumi e mari. Per quanto riguarda poi le microplastiche: l’80% dei pesci del Mar Mediterraneo presenta in corpo delle microplastiche (fonte: ourworldindata.org; unep.org) e sono allo studio gli effetti sul corpo umano. Dall’incontro sono emerse proposte per azioni collettive e misure di contrasto e sensibilizzazione verso le future generazioni, tra cui la collaborazione con il mondo dello sport sostegno dell’ambiente e della sostenibilità, presto disponibili sul sito di piùblu.  Il 21 settembre Museo dei Bambini Explora ha offerto lezioni di coscienza ambientale e laboratori per i bambini, invitati anche, con il “Kit Clean-Up piùblu”, a partecipare il giorno seguente alla giornata dedicata alla pulizia del Tevere, come “Youth ambassador piùblu”.

Un Clean-up Nazionale ha caratterizzato la giornata di domenica domenica 22 settembre: in  occasione del World rivers day:  azioni collettive di pulizia dei corsi d’acqua da plastiche e microplastiche in 7 città d’Italia e cioè Roma, Torino, Firenze, Genova, Napoli, Bari, Messina. Gruppi di volontari ben attrezzati hanno ripulito dai rifiuti le sponde dei fiumi e dei laghi, mentre altri a bordo di canoe, sup, barchini, imbarcazioni da canottaggio e gommoni da rafting hanno raccolto i rifiuti galleggianti: in 4 ore 1250 volontari piùblu hanno raccolto circa 30 m3 di rifiuti. La centrale operativa romana di piùblu al circolo Ondina dove circa 300 volontari esterni ai Circoli hanno provveduto alla pulizia di un tratto del fiume TEVERE compreso tra Ponte Risorgimento al Ponte dell’Olimpica.  Per gli iscritti ai 16 circoli che hanno aderito all’attività di Clean – Up appuntamento invece presso le proprie sedi, con la partecipazione di altri circa 250 volontari operativi presso i seguenti Circoli: Circolo Canottieri 3 Ponti, Canottieri Aniene, Canottieri Roma, Canottieri Lazio, Deportivo, Centro Remiero Baja, Reale Circolo Canottieri Tevere Remo, ASD Canottieri Navalia, Canottieri Tirrenia Todaro, Centro Sportivo Rai, Esteri, Effe, Tiber, Salvo D’Acquisto, Ponte Milvio. Con un ottimo risultato: circa 10 m3 i rifiuti raccolti dai volontari piùblu sul Tevere.

Una regata “a chiudere” | Una prima edizione anche per la “Almaviva BLU RACE”, in collaborazione con la Federazione Italiana Canottaggio, Canottaggio sociale e il Comitato regionale Lazio di canottaggio. Una gara ad eliminazione diretta fino alle finali su otto jole, presso il Circolo Canottieri Aniene dove vogatori di ogni età hanno remato insieme uniti per l’ambiente. Una festa animata dai suoi numerosi partecipanti, in acqua e non, e da Domitilla Baffigo, Vicepresidente di piùblu. Tra gli ospiti, posto d’onore per l’atleta paralimpico Giacomo Perini, che con il Presidente di Almaviva, Gruppo italiano di innovazione digitale e main sponsor di We Can Blu It! Alberto Tripi, ha premiato i vincitori. A vincere l’amichevole competizione sono stati infatti per il 1° posto il CC Aniene e per il 2° e 3° posto l’Ondina, ma a vincere è stata soprattutto l’accoppiata sport-ambiente che continua a dimostrarsi capace di grande coinvolgimento e quindi di educare, sensibilizzare e muovere efficacemente all’azione sulle tematiche ambientali, della tutela della salute e sociali.

Buona la prima! | L’associazione piùblu ha lanciato un appello, contro l’inquinamento da plastica e sulla necessità di unire le forze per contrastarlo e creare un futuro più pulito e migliore. E questa edizione 2024 di WE CAN BLU IT!  ha rivelato come molti, moltissimi, siano più che disposti a raccoglierlo.

#wecanbluit #piublu

Il 28 settembre apre al pubblico a Palazzo Corsini la 33esima edizione della Biennale internazionale dell’Antiquariato di Firenze con la cerimonia ufficiale del taglio del nastro della Sindaca Sara Funaro insieme al Segretario Generale BIAF Fabrizio Moretti. Un appuntamento che rappresenta dal 1959 un punto di riferimento imperdibile per il collezionismo internazionale e per tutti gli appassionati d’arte, una occasione unica per ammirare da vicino opere rare e preziose, degne di stare in un museo, selezionate dalle oltre 80 gallerie invitate provenienti da tutto il mondo, di cui 14 nuove partecipazioni.

Le gallerie che espongono e che hanno esposto in tutti questi anni hanno contributo a formare il gusto dei collezionisti internazionali e hanno venduto – e tuttora vendono – capolavori ai musei e alle collezioni più importanti al mondo. Dietro a ogni pezzo esposto vi sono, quasi sempre, anni di nuovi studi e ricerche, restauri ed expertise per offrire al mercato opere inedite, rare e nelle condizioni ottimali di conservazione, criterio fondamentale soprattutto nel settore dell’antico.

Su tutte, sia che trattino l’antico che il contemporaneo, vigila un prestigioso Comitato di Vetting composto quest’anno da 55 esperti dei vari settori (dipinti, sculture, ceramiche, arredi, disegni, argenti), un pool di studiosi chiamato a verificare ogni singolo oggetto prima che le porte di Palazzo Corsini aprano ufficialmente. 

Oltre 800 saranno gli ospiti invitati dagli antiquari per l’esclusiva cena di Gala del 26 settembre a Palazzo Corsini, tra cui molti direttori di musei nazionali e internazionali. Tra questi Thomas Clement Salamon, Direttore  delle Gallerie Nazionali di Arte Antica di Palazzo Barberini, Davide Gasparotto, curatore del Getty Museum di Los Angeles, Anne-Lise Desmas, esperta di scultura moderna del Getty Museum di Santa Monica,  i capo curatori della National Gallery di Londra, Eike  Schmidt che torna a Firenze nella veste di Direttore Generale del Museo e Real Bosco di Capodimonte, Keith Christiansen, storico dell’arte già direttore del Department of European Paintings al Metropolitan Museum of Art di New York, J. Patrice Marandel, già  capo curatore della pittura e della scultura europea del Los Angeles County Museum of Art (LACMA). Attesi anche ospiti del mondo culturale internazionale e autorità cittadine e nazionali.

La”regia” della serata è affidata a Gucci Osteria da Massimo Bottura.

Main sponsor di BIAF 2024 è GUCCI.

Molto atteso anche l’evento charity che si terrà nel Salone dei Cinquecento di Palazzo Vecchio il 27 settembre a favore della Fondazione voluta nel 2011 dal Maestro Bocelli e dalla sua famiglia per aiutare le persone in difficoltà a causa di malattie e emarginazione sociale.  La serata, condotta da Elisabetta Gregoraci alla presenza di Andrea Bocelli e della moglie Veronica e di molti volti noti del mondo della moda e dello spettacolo, sarà allietata da performance musicali e dall’asta di beneficenza in cui saranno battuti lotti esperienziali da Simon de Pury e Fabrizio Moretti. Main sponsor dell’evento una delle case di moda francesi più famose al mondo, e tra i partner a supporto la Maison Cartier, Maison Chopard, e Progenia. Giovanni Raspini ha realizzato 40 centritavola per i 40 tavoli della cena.

Molti gli appuntamenti di incontri e presentazioni che si terranno nel Salone del Trono fino al 5 ottobre tra cui segnaliamo il 2 ottobre alle 12 la consegna Premi BIAF2024 per il più bel dipinto, la più bella scultura e l’oggetto di arte decorativa più bello esposti in Mostra.   A seguire consegna del “Lorenzo d’Oro”.

Alcune novità per l’allestimento curato da Matteo Corvino: in collaborazione con la Comunità di San Patrignano, che ha realizzato con i suoi artigiani un’installazione di alcuni elementi di natura metafisica, creando un’illusione di profondità sugli obelischi posizionati sul giardino pensile. Negli stand al piano terra, i portali hanno preso molta più forza, grazie al cambiamento di colore, passato dal negativo al positivo con effetto bronzo antico. Minotti, considerata una delle eccellenze “Made in Italy” nel settore dell’arredo contemporaneo, si occuperà dell’allestimento del Salone del Trono, rendendolo accogliente e intimo per una sosta conviviale per parlare delle belle opere presenti in mostra.

Dopo Benvenuta Monumenta, l’esposizione di sei sculture monumentali provenienti da importanti collezioni private e pubbliche italiane presso la Cittadella della Cultura di Bari (dal 22 luglio al 13 settembre 2024), prende il via la mostra diffusa che ne prevede il loro spostamento: Jannis Kounellis con l’opera Senza titolo (2010) resta permanente a valorizzare i cantieri di restauro alla Cittadella della Cultura di Bari; Luciano Minguzzi con Sei personaggi n. 2 (1959) dialoga a Bari con i cantieri della Cattedrale di San Sabino e della Chiesa di San Giacomo; Giò Pomodoro con la scultura Colloquio col figlio (1974) affianca il cantiere del Teatro Margherita; Venanzo Crocetti con il simbolico Giovane cavaliere della Pace (1987) in relazione con il cantiere di restauro della Cattedrale di San Sabino a Canosa di Puglia; Costantino Nivola con la scultura Donna (1995) con il cantiere di restauro del Santuario del Ss. Crocifisso della Pietà di Galatone; infine Mauro Staccioli con la sua Senza titolo (Ellisse verticale) (2013) dialoga con il cantiere di restauro del Castello Imperiale di Sant’Agata di Puglia.

Il Segretariato regionale del MiC per la Puglia costituisce inoltre il centro nevralgico del progetto. La sede, come è noto, si trova in posizione strategica in Bari Vecchia, la parte della città più visitata dai turisti. In due sale prospicienti la Strada Boccapianola è allestita un’esposizione illustrativa dell’intero progetto che prevede la proiezione di un documentario che entra nel dettaglio di ogni installazione e dell’intorno che la accoglie, oltre al focus su ogni artista, per fornire così al visitatore un quadro complessivo della mostra diffusa e incentivarlo a spingersi a visitarne ogni sede.

Guardare al cantiere come un’opportunità di rigenerazione urbana è necessario più che mai in un momento storico, dove preservare l’identità culturale dei luoghi è diventata un’urgenza. Il Segretariato regionale del MiC per la Puglia è Stazione Appaltante di circa 180 interventi disseminati su tutto il territorio pugliese, per un ammontare complessivo di oltre 100 milioni di euro tra finanziamenti nazionali ed europei. Un complesso lavoro che va dalla programmazione dei fondi alla progettazione degli interventi, dalla predisposizione degli atti di gara alla esecuzione dei lavori.

Monumenta. Arte in cantiere nasce dalla volontà di coinvolgere i grandi Maestri della scultura del Novecento per porre l’attenzione sia sulla molto articolata e capillare attività di restauro e valorizzazione del ricchissimo patrimonio culturale della Puglia, sia sull’eccezionalità di ciascun restauro, che restituisce i monumenti alla comunità e garantisce il loro godimento alle generazioni che verranno. Così Monumenti pugliesi e Maestri scultori, attraverso due linguaggi artistici differenti, si uniscono in un comune obiettivo e si intrecciano in una dimensione olistica della città come spazio condiviso e creativo. I monumenti architettonici, la loro conservazione attraverso il restauro e le sculture monumentali urbane che dialogano per dare forma e consapevolezza dell’identità e del valore culturale dei luoghi.

E nel dettaglio

L’attuale patrimonio, oggi denominato “Cittadella della Cultura”, costituiva la Cittadella Annonaria di Bari, polo industriale del 1920-30, a nord-ovest della città. L’intervento in programmazione è parte integrante di un sistema di lavori che intendono incrementare qualità e quantità dei servizi offerti alla cittadinanza dalla Cittadella della Cultura. Quest’ultima ospita oggi la Biblioteca Nazionale e l’Archivio di Stato di Bari (rispettivamente l’ex Frigorifero e l’ex Macello), che necessitano di interventi sugli apparati impiantistici e per risolvere localizzate problematiche edili.  Pochi luoghi potevano risultare più congeniali di questo per accogliere la scultura di Jannis Kounellis, realizzata per la mostra che l’artista allestì al Teatro Margherita nel 2010, e donata successivamente alla città di Bari. Il carbone è associato alla rivoluzione industriale e alla storia personale dell’artista, figlio di un ingegnere navale. La presenza del carbone in un parallelepipedo regolare vuole sottolineare la contraddizione tra le geometrie composte del contenitore, e la naturalità sporca e scomposta del contenuto.

La Chiesa di San Giacomo di Bari rappresenta uno dei rari esempi rimasti nella città in cui il Romanico si coniuga sapientemente con il Barocco. Dal 2019 è gestita come sede ausiliare dell’adiacente Cattedrale di San Sabino che s’innalza sul succorpo della più antica basilica di età tardo antica (V-VI sec.). L’intervento previsto per la chiesa di San Giacomo riguarda la messa in sicurezza e il restauro del prospetto laterale destro, il restauro delle strutture, dell’apparato decorativo interno e del pavimento in maioliche policrome, interessate da umidità di risalita. Mentre i lavori sulla Cattedrale di San Sabino sono il prosieguo del precedente intervento concluso nel 2022, che ha previsto una campagna di indagini strutturali e la verifica di vulnerabilità sismica. All’interno della torre campanaria è stato montato un apprestamento stabile di sicurezza che consente l’accesso alle parti alte senza percorrere la scala in cemento armato realizzata negli anni ’40-50, che presenta gravi fenomeni di degrado. I lavori proseguiranno con il restauro dei paramenti lapidei interni al campanile, la demolizione della suddetta scala e la realizzazione di una nuova in legno. Questa scultura, tra le poche opere astratte di Luciano Minguzzi, nasce dall’esigenza di uno spazio di “libertà assoluta” da parte dell’artista, che in quegli anni stava lavorando alla realizzazione della porta del Duomo di Milano. Nelle figure stilizzate è restituito il dramma della vita, che calandosi nella forma ne rimane quasi sempre prigioniera. Con il linguaggio narrativo di questo grande artista che ha lavorato per le chiese più importanti del mondo, non solo si vuole rievocare la tradizione monastica del monumento, ma anche riprendere il motivo delle sei arcate, che si ripete sul fianco della Cattedrale.

La rinascita del Teatro Margherita di Bari, emblematico edificio liberty, è iniziata nel 2011, quando fu presentato un progetto di riconversione museale dei suoi spazi e approvato un protocollo d’intesa tra istituzioni per la costituzione del Polo delle arti contemporanee. L’intervento prevede il completamento dei lavori che renderanno gli spazi più versatili e adattabili a differenti attività culturali. In particolare è prevista l’ultimazione delle finiture interne, la rifunzionalizzazione di servizi, impianti e delle vie di fuga esterne, oltre alla realizzazione degli impianti scenotecnici e di un caffè letterario. Colloquio col figlio si fa metafora del rapporto osmotico tra Bari e questo edificio, che si è andato trasformando nel tempo adattandosi alle esigenze della città. La fascinazione delle geometrie che riportano a figure archetipe, ritorna nelle due forme antropologiche dei parallelepipedi di bronzo che si fronteggiano dialogando tra loro nella tensione delle superfici. Questa perfetta sintesi di volumi, nella sua metamorfosi spaziale, è un invito a osservare l’architettura da tutte le sue angolazioni.

Progettato con il contributo di Giuseppe Zimbalo, il Santuario del Ss. Crocifisso della Pietà a Galatone rappresenta uno dei più noti esempi di architettura religiosa barocca salentina. L’apparato decorativo interno, estremamente ricco, comprende decorazioni, elementi scultorei, altari policromi e affreschi, tra cui Il trionfo di Sant’Elena dei fratelli Prayer del 1944, che decora la cupola sopra il transetto. L’intervento in programmazione prevede il completamento dei lavori di restauro sulle superfici decorate interne, in esecuzione in fasi successive da oltre venti anni. In particolare sarà eseguito il restauro delle superfici decorate costituenti la porzione absidale in cui campeggia l’altare maggiore. Oltre che per la forma archetipa, chiaro riferimento alla dea madre nuragica, la scultura realizzata da Costantino Nivola nel nobile marmo di Carrara dialoga qui con il Santuario per l’appartenenza sia dello scultore sia di Sant’Elena alla medesima terra d’origine. La leggenda vuole che Elena Augusta, madre dell’imperatore Costantino, fosse nata in Sardegna dove nel XVII sec. si annoveravano 260 chiese intitolate alla Santa. L’ampio mantello che definisce la forma femminile, dandole maestosità, rimanda alle rappresentazioni più arcaiche della Vergine che nel suo abbraccio accoglieva sotto le ali protettive i Padri della Chiesa.

La Cattedrale di S. Sabino di Canosa di Puglia è un raro esempio basilicale per complessità e articolazione che continua ancora oggi ad alimentare un dibattito in ambito archeologico e artistico. L’intento di rendere possibile un’attività di prevenzione, con riguardo particolare al rischio sismico, è alla base del concetto di miglioramento strutturale. A tal fine l’attività progettuale prende avvio dalla valutazione degli aspetti strutturali e dalla conseguente verifica sismica, intesa come processo costruttivo e di conoscenza dell’antica fabbrica dove la storia e la materia si condizionano a vicenda.L’originale bronzo fu realizzato verso la fine della carriera dell’artista per essere inviato in giro per il mondo come ambasciatore di pace. Giunge ora a Canosa per rendere omaggio a S. Sabino, il primo Santo pugliese della storia. La scultura, nella sua eleganza formale, si pone in dialogo con il ruolo diplomatico e di difesa della Chiesa ricoperto dal Santo.  Il giovane cavaliere senza armi con una semplice corona di alloro, simbolo di saggezza, rinnova il suo messaggio di speranza in un mondo ancora afflitto da tante incomprensibili guerre.

Il Castello Imperiale di Sant’Agata di Puglia fu costruito nel luogo in cui sorgeva un tempio romano, in seguito divenne avamposto longobardo. Per la sua posizione privilegiata da dove è possibile ammirare tutta la valle del Calaggio, i confini dell’Irpinia, della Lucania e della Daunia, fu una delle residenze preferite di Federico II di Svevia. L’intervento prevede l’analisi di vulnerabilità sismica allo scopo di definirne la resistenza in caso di sisma e di mettere in luce eventuali criticità, a cui il progetto dovrà porre rimedio per mezzo di un intervento di consolidamento. La scultura di Staccioli funge da finestra di acciaio sul panorama mozzafiato che caratterizza il sito. La prima volta che l’artista ha segnato un luogo con questa forma, è stata in occasione della mostra tenutasi a Volterra nel 2009. L’ellisse inclinata lateralmente, quasi sottolinea l’assoluta instabilità e precarietà sulla terra di tutto quello che può rotolare da un momento all’altro. Da una parte esalta quel senso di vertigine che si prova quando si è in cima al mondo, e dall’altra rivela la caduca natura delle cose.

L’auspicio di questo originale progetto è anche di sviluppare un atteggiamento più tollerante nei confronti dei disagi che i cantieri normalmente comportano nei centri urbani, grazie alla consapevolezza che il Restauro costituisce una grande opportunità di crescita culturale ed economica indistintamente in tutte le realtà, anche in quelle città meno conosciute e fuori dai classici itinerari turistici.

Da venerdì 27 settembre è disponibile in rotazione radiofonica e in tutti i digital stores ‘Come Una Rockstar’, il nuovo singolo del cantautore veneto Matteo Borin.

Un brano rock italiano, immediato e diretto, denso di chitarre elettriche, amplificatori valvolari incandescenti e gin tonic rovesciati, adatto a stati d’animo euforici e piacevolmente fuori controllo.

IL NUOVO SINGOLO ‘COME UNA ROCKSTAR’

La sensazione di essere come una rockstar la si può provare quando, mentre si guida, viene trasmessa dalla radio proprio quella canzone che ti mette una buona dose di energia e buon umore, e al diavolo limiti di velocità!

Il titolo del nuovo singolo parla da sé: ‘Come Una Rockstar‘, appunto, regala un’immagine di personaggi eccentrici, pieni di energia che vivono vite al limite, circondate da eccessi. 

Poeti folli e autodistruttivi. La verità è che dentro ognuno di noi vive una rockstar!

Matteo Borin a proposito del nuovo singolo dichiara: «‘Come Una Rockstar’ rappresenta per me l’essenza, l’attitudine ribelle dello spirito rock, dell’anticonformismo e allo stesso tempo dell’energia e dell’entusiasmo che ti può dare questo genere musicale.».

CHI È MATTEO BORIN

Nato a Rovigo, classe 1997, fin da giovanissimo viene rapito dal fascino del folk, rock e blues americano. 
Ad undici imbraccia la chitarra ed inizia ad esibirsi nei pub della sua provincia.
Oggi Matteo Borin scrive canzoni ispirandosi a leggende come Rolling Stones, Aerosmith, AC/DC e ai più vicini Vasco e Ligabue. 
A partire dalla primavera del 2022 pubblica cinque brani inediti in italiano accompagnati da videoclip. 
Dal vivo nei club, pub, birrerie e festival si esibisce regolarmente accompagnato dalla Trip Audio Band o in set acustico. 
Nel 2023 il brano ‘Ed è Come Dire No‘ si posiziona nella Top 100 della Classifica Indie Musica Like del MEI.

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Una serata unica, alla quale sono stati presenti Andrea Bocelli e la moglie Veronica, allietata da performance musicali imperdibili ed un’esclusiva asta di beneficenza in cui saranno battuti lotti esperienziali da Simon de Pury e Fabrizio Moretti.

Alla serata, presentata da Elisabetta Gregoraci, hanno partecipato la Sindaca Sara Funaro,  l’europarlamentare Dario Nardella, alcuni volti noti del mondo della moda tra cui Massimiliano Giorgetti, direttore Polimoda, Filippo e Niccolò Ricci, Ermanno e Toni Scervino e dello spettacolo quali  Caterina Balivo con il marito lo scrittore Guido Brera e Ivonne Sciò.

Main sponsor dell’evento una delle case di moda francesi più famose al mondo, e tra i partner a supporto dell’evento la Maison Cartier, Maison Chopard, e Progenia.

Giovanni Raspini ha realizzato 40 centritavola per i 40 tavoli della cena.

Con la raccolta fondi della serata sarà finanziato l’ABF “Maria Manetti Shrem” Educational Center, un progetto pilota che mira alla promozione dei linguaggi dell’arte, della musica e delle nuove tecnologie per i giovani pazienti accolti all’Ospedale Pediatrico Meyer di Firenze. Questo progetto permette ai bambini e ai ragazzi dai 3 ai 18 anni di avere uno spazio adeguato che valorizza la loro educazione e li supporta nello sviluppare le proprie inclinazioni personali e a scoprire quelle parti di sé che non avrebbero alcuna possibilità di emergere in un contesto come quello ospedaliero. La nuova area ospita tre laboratori: quello di arte e scienze, quello di musica e l’area digitale per permettere ai bambini e ai ragazzi di mantenere rapporti con insegnanti e compagni di classe.

Chopard è una Maison di gioielleria e orologeria svizzera. Da quando è stata fondata nel 1860, Chopard realizza creazioni che conquistano per il loro design contemporaneo, tramandando un ricco retaggio di tradizioni e di savoir-faire artigianali. Con il suo sguardo positivo sul mondo, la Maison accompagna i momenti preziosi delle donne e degli uomini che celebrano la Joie de Vivre e indossano gli orologi e i gioielli come fossero talismani.

Chopard Italia, branch italiana della Maison ginevrina, è da anni sostenitore della Fondazione Andrea Bocelli e partner di essa in molti progetti che mirano ad assicurare e migliorare l’educazione dei bambini e dei ragazzi. Dalla ricostruzione della scuola di Muccia, nelle Marche, distrutta dal tremendo terremoto del 2016, alle progettualità digitali durante gli anni della pandemia come il Teach Bus fino al giardino didattico ideato per l’Ospedale Pediatrico Meyer di Firenze. Educazione, inclusione, creatività i pilastri fondanti che accomunano Chopard e ABF e che rendono salda questa “amicizia”

Cartier, un  riferimento nel mondo del lusso il cui nome è sinonimo di larghezza di vedute e curiosità, si distingue con le sue creazioni e rivela la bellezza ovunque si possa trovare.

Gioielleria, orologeria e profumi, pelletteria e accessori: le creazioni di Cartier simboleggiano la convergenza tra un artigianato eccezionale e una firma senza tempo. Oggi la Maison, che fa parte del gruppo Richemont, è presente in tutto il mondo attraverso le sue Boutique, rivenditori autorizzati e online.

La maison Cartier partecipa alla cena di beneficenza a favore  della Fondazione Andrea Bocelli , volendo contribuire alla  realizzazione di questo nuovo prestigioso progetto  per l’Ospedale Pediatrico Mayer.

Maestro e capostipite dei Fauves – le belve, i selvaggi – e perciò posto in mostra e in dialogo con artisti con i quali condivise vicende biografiche e rivoluzioni artistiche; pittore della gioia di vivere, delle emozioni profonde, tradotte in colori forti, vivaci, innaturali. E, soprattutto, interprete della luce: centro della ricerca di Matisse, come di quegli artisti che miravano a catturare l’abbagliante bellezza del Mar Mediterraneo, del Midi, il Mezzogiorno francese, luogo fisico e della creazione artistica, il vero protagonista del colore liberato dall’Espressionismo selvaggio.

Luce e colore sono quindi il fulcro della rassegna, insieme all’importanza, quasi un’ossessione, del disegno per Matisse. In mostra oltre cinquanta opere, partendo dalle preziose raccolte di grafica della Galleria Internazionale d’Arte Moderna – che annoverano tre importanti litografie dell’artista francese datate agli anni Venti e due disegni appartenenti alla sua produzione del 1947 – poste accanto ai capolavori del maestro provenienti dal Philadelphia Museum of Art, dalla Národní Galerie di Praga, dal Musée des Beaux-Arts di Bordeaux, dal Musée des Beaux-Arts di Nancy, dal Centre Pompidou di Parigi, dal Musée Albert-André di Bagnols-sur-Cèze, dal Museo del Novecento di Milano. Sette le sezioni per indagare La modernità viene dal mare, La Luce del Mediterraneo, L’età dell’oro, Il Mediterraneo, un paradiso unico, a cui si affiancano le riflessioni sul decorativo e l’ornamento, il fascino delle linee moresche, le languide figure femminili in veste di odalische in Arabesco e decorazione fino alla sintesi perfetta di Lusso, calma e voluttà e del “disegno del piacere”, di cui scrive il filosofo Jean-Luc Nancy. Nasce così spontaneamente il dialogo con diversi autori che hanno lavorato sulle qualità interiori della pittura, inseguendo la poetica: Henri Manguin, André Derain, Albert Marquet, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy e Pierre Bonnard. Ricerche e produzioni distinte creano tuttavia un racconto corale: dall’amicizia tra Derain e Matisse, in viaggio sulla costa mediterranea della Francia nell’estate del 1905, alla centralità di alcuni luoghi, come Nizza, Arles, Saint-Tropez, quest’ultima divenuta icona dell’arte e della cultura del Novecento.

L’esposizione si chiude con l’ultima rivoluzionaria fase creativa di Matisse. Dal colore alla forma prende avvio dalla produzione dei papiers découpés, fogli di carta colorata ritagliati e incollati nei quali il Maestro francese porta al massimo la sintesi dell’espressione. Dagli epigoni di area veneziana, come Renato Borsato o Saverio Barbaro, alle figurine di Chris Ofili e fino alle composizioni di Marinella Senatore, la dignità del decorativo, dell’ornamento, del disegno e della stilizzazione della figura emerge nell’ultima sezione della mostra come il lascito forse più importante che Matisse fa all’età contemporanea. 

Per Luigi Brugnaro, Sindaco del Comune di Venezia «questa mostra, così come l’arte e la cultura in generale, rappresenta apertura, integrazione e luce, una possibilità per tutti noi. Mi auguro verranno in tanti a visitarla!»

«La mostra dedicata a Matisse – ha dichiarato Mariacristina Gribaudi, Presidente Fondazione Musei Civici – è un ulteriore passo nel percorso che stiamo portando avanti a Mestre, con la proposta di eventi culturali di alta qualità che valorizzino le collezioni civiche di arte moderna e contemporanea»

Parte del percorso espositivo è anche il progetto Come Matisse, l’opera collettiva realizzata dai ragazzi del Summer Camp Musei in gioco, una speciale installazione creata con la tecnica del papier découpé inventata da Matisse. Durante il campo estivo i partecipanti hanno “disegnato con le forbici” le proprie forme, ispirate alle sagome colorate che il maestro francese inventa nella sua maturità; elementi vivaci, dinamici, che invadono lo spazio circostante, impadronendosi delle pareti, ricoprendole di colore. Un progetto partecipativo ideato e realizzato da Muve Education per coinvolgere in modo attivo e divertente, per “scoprire facendo” l’opera di Matisse, per ispirare e sperimentare, per vivere la mostra insieme.