Nella Sala del Pozzo si individuano scene di scacchi e scacchisti dove ogni mossa rappresenta le scelte e le conseguenze del proprio essere, il destino è nelle mani di noi stessi e delle nostre strategie, siamo noi a decidere sconfitte o vittorie.

La mostra proseguirà con un viaggio nell’Eden, attraverso una visione contemporanea dell’uomo in cui il vero istinto predomina, forza ed eleganza sono un sottoinsieme del regno della natura, un luogo dove l’uomo è elemento intrinseco che lo porta a sentire la natura stessa, perdendo così la sua identità specifica entrando a far parte della realtà immensa della natura, una perfetta fusione tra l’elemento naturale e quello dell’uomo.

Nei dipinti ad olio di Matteo Nannini c’è una ricerca che conduce l’osservatore dentro il regno animale-natura in tutte le sue sfumature.

Dopo il successo della prima personale, Matteo Nannini torna in esposizione negli eleganti e raffinati spazi dell’Art Hotel Commercianti.

Matteo Nannini – Note biografiche

Classe ’79, Matteo è un artista eclettico e da sempre vanta tecniche, soggetti e discipline apprezzate da collezionisti e Gallerie prestigiose Nazionali ed Internazionali.
Dal 2012 inoltre è fumettista con varie pubblicazioni e dal 2016 anche Editore (Nannini Editore e Smokeland press).
Laureato all’Accademia di Belle Arti di Bologna, è insegnante di disegno e pittura da oltre un ventennio.
Ha esposto in varie personali, collettive ed importanti fiere d’arte quali: Biennale, Art Basel, Art Dubai.

Il festival di arte contemporanea si inserisce nel percorso che lungo i viali della città per 8 chilometri collega una Porta all’altra dedicando a ciascuna di esse un progetto artistico che il pubblico scoprirà, tappa dopo tappa.
Presenti nel capoluogo emiliano dal 1300, le Porte erano in origine dodici; seguendo l’evoluzione urbanistica, negli anni hanno mutato le loro caratteristiche architettoniche divenendo silenti testimoni di importanti eventi cittadini, quali ingressi trionfali di eserciti, battaglie perse, cortei danzanti e lotte di resistenza antifascista e di conquista dei diritti civili.

In origine poste a difesa della città, le Porte sono diventate nell’immaginario comune dei riferimenti architettonici che, come bussole, forniscono un orientamento nello spazio. “Dentro Porta”, “Fuori Porta” sono solo due delle innumerevoli espressioni che quotidianamente cittadini e cittadine utilizzano per fissare un appuntamento con qualcuno, dare un’indicazione a un turista o semplicemente geolocalizzare uno spazio ancora da esplorare.

Fin dall’antichità le porte rappresentano, inoltre, valichi rituali, luoghi di transizione, zone di confine che collegano uno spazio esterno a uno interno. Sono ancora oggi la metafora di un passaggio geografico, di una migrazione, ma anche di un movimento verso nuove forme di esistenza e di futuri possibili da interpretare nello Special Program di ART CITY Bologna 2025 attraverso la lente dell’arte contemporanea.

Main Sponsor di questa edizione di ART CITY Bologna è Banca di Bologna che dal 2007 al 2009 ha promosso una campagna di restauro delle Porte cittadine.

“Banca di Bologna è da sempre impegnata a supporto di iniziative che valorizzano il patrimonio artistico e culturale del territorio e che promuovono l’arte in tutte le sue forme” – afferma Alberto Ferrari, Direttore Generale di Banca di Bologna – “L’impegno che lega la Banca alle Porte monumentali della città di Bologna viene da lontano. Risale al 2007 il primo progetto di intervento per il restauro e la valorizzazione di questi complessi monumentali. Durante il biennio 2007-2009 la Banca sostenne i costi di restauro portando le Porte al loro antico splendore. È quindi con particolare piacere e coinvolgimento che Banca di Bologna si appresta a sostenere un’iniziativa che mira a rendere nuovamente protagoniste le Porte, nel contesto di un progetto pensato per rinnovarne l’immagine e ridefinirne la storia d’uso, continuando la collaborazione con il MAMbo, come negli ultimi anni.”

L’identità visiva di ART CITY Bologna, a cura di Giulio Ferrarella (Al mare.Studio), fa eco alle Porte della città. L’ispirazione grafica, in linea con l’estetica dell’edizione 2024 di ART CITY Bologna, si basa sull’uso di forme essenziali, arricchite da effetti optical che creano un’immagine dinamica e in grado di catturare l’attenzione. La scelta del rosso, in una sua tonalità vibrante, evoca le atmosfere calde di Bologna e la vitalità che la contraddistingue.

Come ogni anno ART CITY Bologna avrà un vasto programma di mostre e iniziative che sarà pubblicato in prossimità della rassegna sul sito www.artcity.bologna.it.

All’interno del sito web della kermesse, i soggetti pubblici e privati che desiderano proporre il proprio progetto per essere inseriti nelle proposte ART CITY Bologna 2025 dovranno manifestare il loro interesse compilando sinteticamente un modulo on-line, già presente nella home del sito web di ART CITY Bologna, entro domenica 15 dicembre 2024.

TEFAF Showcase

Dal 2008, TEFAF sostiene i giovani talenti emergenti nel mercato dell’arte internazionale attraverso l’iniziativa Showcase. Nel 2025, questa sezione ospiterà dieci gallerie partecipanti la cui ampiezza di competenze rispecchia la portata di TEFAF Maastricht.

Sono state selezionate le seguenti gallerie: Amanita (NY, Stati Uniti e Italia); Desmet Fine Art (Belgio); FENG J Joaillerie d’Art (Cina); Galerie Nicolas Fournery (Francia); Galerie Raphael Durazzo (Francia); Lyndsey Ingram (Londra, Regno Unito); Montagut Gallery (Spagna); Objects With Narratives (Belgio); Poncelin de Raucourt Fine Arts (Francia); e VETA Galeria (Spagna).

Dominique Savelkoul, neo-direttrice generale della TEFAF, commenta: “Come fondazione, TEFAF ha giustamente considerato il sostegno ai giovani mercanti emergenti come un elemento centrale della sua missione. Sono lieta di vedere l’ampiezza e la varietà delle gallerie di quest’anno, dalle arti dell’Africa e dell’Oceania alle porcellane cinesi. Fin dall’inizio, nel 2008, Showcase è stata il punto di partenza per molti importanti mercanti internazionali. Spero che i partecipanti di quest’anno si ispirino alle generazioni di gallerie che li hanno preceduti”.

TEFAF Focus

TEFAF Focus è una nuova iniziativa nata nel 2024 per riunire sotto un’unica bandiera artisti pionieri di diversi mezzi e periodi, allineandosi così alla filosofia collezionistica generale di TEFAF. Questa sezione offre alle gallerie una piattaforma curatoriale unica per approfondire il lavoro di un singolo artista o concetto.

I partecipanti a TEFAF Focus 2025 sono Ketabi Bourdet (Francia), Ceysson & Bénétière (Francia), Galerie Pauline Pavec (Francia), Carolle Thibaut-Pomerantz (Francia) e Maria Wettergren (Francia) con cinque nuove gallerie che espongono quest’anno: Paul Coulon (Regno Unito), Anne Sophie Duval (Francia), Mariane Ibrahim (Francia), Alexis Lartigue Fine Art (Francia), Richard Saltoun Gallery (Regno Unito).

TEFAF Summit

Il TEFAF è orgoglioso di ospitare il secondo TEFAF Summit annuale presso il TEFAF Maastricht il 17 marzo in collaborazione con la Commissione olandese per l’UNESCO.  Questo evento speciale esplorerà le sfide legate alla mancanza di fondi per la cultura negli ultimi anni e il modo in cui la filantropia e l’investimento d’impatto potrebbero favorire le arti. Saranno presenti importanti leader di pensiero, esperti e stakeholder influenti dei settori artistico, finanziario, accademico, dei beni culturali e governativo. 

Il Summit TEFAF funge da piattaforma per discussioni e collaborazioni significative per aumentare la consapevolezza e promuovere soluzioni attuabili. Per maggiori informazioni, iscrivetevi alla newsletter TEFAF su TEFAF.com.

Il TEFAF Summit è gentilmente supportato dal Global Lead Partner del TEFAF Maastricht, AXA XL.

UNA COLLABORAZIONE DI LUNGA DATA CON LA COMUNITÀ ARTISTICA:
AXA XL espande il suo ruolo di capofila globale del TEFAF

Nel 2024, AXA XL ha festeggiato i suoi 20 anni come partner principale di TEFAF Maastricht. Nel 2025, AXA XL sosterrà il TEFAF a livello globale. Dall’inizio della collaborazione nel 2004, le due organizzazioni si sono unite nella convinzione che l’arte abbia il potere di trasformare e arricchire le nostre vite e di rafforzare le nostre comunità.

Sylvie Gleises, Chief Executive Officer, Singapore ed Executive Sponsor – Fine Art, APAC & Europe, nonché membro del Global Advisory Board di TEFAF, commenta: “La stretta collaborazione tra AXA XL e TEFAF negli ultimi due decenni può essere riassunta in tre semplici parole: competenza, eleganza ed eccellenza. Condividiamo i valori del TEFAF e i suoi sforzi per sostenere i legami storici, consentendo al contempo nuovi percorsi di espressione creativa. TEFAF e AXA XL riconoscono e celebrano l’arte come continuazione del passato, ancorandoci al presente e guidandoci verso il futuro. Siamo entusiasti di espandere il nostro ruolo a livello globale”.

L’IMPEGNO DI AXA XL PER L’ARTE

Oltre alla partnership con il TEFAF, l’impegno di AXA XL per l’arte comprende il finanziamento della ricerca accademica, la protezione del patrimonio culturale, la conservazione e il restauro delle opere d’arte e l’organizzazione di un concorso, l’AXA Art Prize, per gli studenti d’arte negli Stati Uniti e nel Regno Unito.

PATRIMONIO CULTURALE

Fedele ai suoi valori di protezione e trasmissione del patrimonio culturale, AXA si è impegnata per molti anni nella conservazione di monumenti culturali francesi di portata internazionale, tra cui la Reggia di Versailles, Notre Dame e la ristrutturazione della Salle des États del Museo del Louvre. AXA ha sottoscritto il restauro e la ristrutturazione dell’Arco di Trionfo con il Centro Nazionale dei Monumenti francese (CMN).

La Blue Gallery di Venezia è lieta di presentare Christmas Party, una mostra personale di Andrea Tagliapietra, curata da Silvio Pasqualini. L’esposizione si configura come una narrazione visiva che, attraverso opere di grandi e medie dimensioni, esplora le dinamiche della natura umana e il senso di isolamento che spesso emerge nei momenti di celebrazione collettiva.

Quando si tratta di parlare dei meccanismi che danno origine al suo lavoro, Tagliapietra cita Joyce: “First we feel, then we fall” — prima percepiamo, poi cadiamo. Le sue opere nascono dall’osservazione e dall’indagine di persone e ambienti circostanti. È un processo che inizia con una percezione fugace, un dettaglio, una situazione o un’idea che accende il suo interesse, per poi immergersi completamente, “cadere” dentro e perdersi nell’atto creativo.

L’immaginario di Christmas Party mette in scena un’eterna dicotomia: l’entusiasmo dei bambini, sorpresi nell’atto ludico e mascherati, contrasta con adulti che, ritratti sulle loro “zattere di salvezza”, sembrano naufragare in una solitudine esistenziale. Questa tensione tra gioia e introspezione trova un simbolo potente ne La Zattera, ispirata alla celebre opera di Géricault, che Tagliapietra reinterpreta come metafora di una deriva emotiva.

Materia, Contrasti e Radici
La ricerca pittorica dell’artista si muove oltre le rigide anatomie del corpo e del consueto, guidata dalla necessità di perdersi nella densità della materia. Attraverso l’uso di olio, spray e materiali naturali, le sue opere rivelano un approccio in cui il gesto pittorico diventa veicolo per scovare il non detto, l’inespresso. Il contrasto e la disarmonia cromatica sono elementi essenziali della sua poetica, forse influenzato dall’isola dove ha scelto di vivere, Burano.

Un tributo a questa terra è reso ne Il Generale, unico volto presente in mostra, ispirato alla figura di un reduce di guerra che percorreva le strade dell’isola, dando ordini immaginari. La sua “follia” trova un posto appropriato in questo party, come simbolo di una ritualità sospesa tra celebrazione e alienazione.

Un Invito alla Riflessione
Attraverso una sapiente fusione di energia terrestre, marina e qualcosa di superiore, Tagliapietra accompagna lo spettatore in un viaggio meditativo. Come le correnti dell’Adriatico decorano la sabbia, così la mano dell’artista guida lo sguardo verso un’esperienza unica: un’esplorazione del contrasto tra autenticità e maschere sociali, tra introspezione e celebrazione.

Christmas Party è un invito a riflettere sulla natura umana, a cogliere ciò che si nasconde dietro le apparenze e a riscoprire il desiderio di autenticità che, silenzioso, accompagna ogni festa.

Andrea Tagliapietra – Note biografiche

Andrea Tagliapietra nasce a Venezia nel 1976 e vive e lavora a Burano. L’isola veneziana, eletta a dimora, offre una moltitudine di stimoli e suggestioni utili alla ricerca personale dell’artista a detta del quale “il caos si trova ovunque mentre la poesia di questo luogo è unica”.

Attualmente le forme di espressione convocate dall’artista variano dalla pittura alla scultura, con soventi incursioni nel campo della performance e della video arte.

Artista di origini ceche, Alphonse Mucha (Ivancice, 1860 – Praga, 1939) raggiunse fama internazionale nella Parigi fin de siècle. Sebbene sia noto in tutto il mondo per i manifesti degli spettacoli della celebre attrice Sarah Bernhardt, Mucha fu poliedrico e versatile: oltre che pittore, disegnatore e illustratore, fu anche fotografo, scenografo, progettista d’interni creatore di gioielli e packaging designer. Le sue opere divennero presto emblematiche della nascente Art Nouveau, alla cui affermazione contribuì elaborando uno stile inconfondibile e seducente (detto appunto “Le style Mucha”), come dimostrano Gismonda (1894), la serie de Le stagioni (1896), Job (1896), Fantasticheria (1897), Médée (1898). Quando nel 1904 visitò per la prima volta gli Stati Uniti la stampa lo celebrò come «il più grande artista decorativo del mondo».

La grande mostra monografica, organizzata da Arthemisia e Fondazione Ferrara Arte in collaborazione con la Mucha Foundation e curata da Sarah e John Mucha, racconta la biografia, il percorso artistico e i molteplici aspetti della produzione di Mucha, il quale era fermamente convinto che la bellezza e la forza ispiratrice dell’arte potessero favorire il progresso dell’umanità e garantire la pace e l’unione dei popoli.

Donne aggraziate ed eleganti furono indiscusse protagoniste non solo delle opere di Alphonse Mucha, ma anche di quelle di Giovanni Boldini (Ferrara, 1842 – Parigi, 1931) che, come l’artista ceco, risiedette stabilmente a Parigi, dove si affermò come ritrattista mondano, ricercatissimo da una facoltosa clientela internazionale. Le sale dell’ala Tisi di Palazzo dei Diamanti ospiteranno una significativa selezione di dipinti, disegni e incisioni dedicati al tema del ritratto e della figura femminile provenienti dal Museo Giovanni Boldini, la più importante raccolta pubblica di opere del grande maestro ferrarese, che riaprirà nel rinnovato complesso ferrarese di Palazzo Massari nel 2026. Accanto a capolavori come La signora in rosa (1916) e Fuoco d‘artificio (c. 1890) saranno presentati studi di donne a figura intera e di singoli volti femminili che documentano il rapporto iperattivo dell’artista con la realtà circostante, nonché la sua abilità e prontezza nel registrare pose e attitudini che gli sarebbero poi serviti per conferire vitalità e dinamismo alle protagoniste dei suoi dipinti, contraddistinti da quella peculiare scrittura rapidissima e insieme controllata che rende inconfondibile, e unico, il suo stile.

Tra i partner del progetto anche l’Antico Forno del Borgo di San Vito Romano, l’Azienda Agricola Damigelli di Palestrina, le Cantine “Il Moro” di San Vito Romano che proporranno nell’ambito degli eventi assaggi e degustazioni dei loro prodotti tipici, eccellenze del territorio a sud di Roma con lavorazioni artigianali che pongono attenzione alla qualità delle materie prime impiegate.

Sull’onda del successo ottenuto negli scorsi anni, “Luci nel buio” è cresciuta e oggi -con il sottotitolo “Save the Peace”- guarda anche ai temi di scottante attualità, chiedendo agli artisti partecipanti di misurarsi anche su questo terreno complesso e stratificato di emozioni contrastanti.

Se lo sguardo si fa più attuale e vicino al periodo che viviamo, l’obiettivo si potenzia nel portare l’arte contemporanea in luoghi diversi, due a Capranica Prenestina, da poco eletta “Uno dei Borghi più Belli d’Italia”, e uno nella città eterna, Roma, nel suo cuore pulsante, vicino al Vaticano. Ciascun artista esporrà un’opera nel Tempio della Maddalena a Capranica Prenestina, nel Palazzo Baronale, noto anche come Palazzo Barberini oggi sede del Municipio di Capranica Prenestina, e nella “Borgo Pio Art Gallery” di Roma.

L’esposizione, nel suo percorso diffuso, raccoglie la cangiante poetica interpretativa di tutti gli artisti partecipanti con una combinazione visiva che accosta elementi narrativi emotivamente molto espressivi e carichi di contenuti ma anche tonalità tenui e soffuse per affrontare il grande ed universale tema del confronto tra la luce ed il buio. Ne scaturisce un viaggio affascinante che coinvolge lo spettatore in un’ampia ricchezza di sfumature artistiche dando vita ad una mostra esteticamente unica e al contempo poliedrica. Ed è proprio percorrendone i vari itinerari e visitando, di volta in volta, i tre luoghi che il visitatore potrà compiere, nel caleidoscopio di stimoli offerti dall’assortimento delle opere esposte, la propria personalissima esperienza, in un tour che diventa immersione in realtà quasi sospese, fonti di stimoli a riflettere sulle “luci” che sanno stagliarsi “nel buio”, interpretando il tratto artistico che interagisce con i vari contesti dove sono fisicamente collocate le opere. Un’occasione unica per ammirare opere che, attraverso diversi registri espressivi e tecniche anche distanti tra loro, riflettono sull’attualità e sull’importanza della bellezza come mezzo per la pace, nel contesto di una delle tradizioni artistiche più antiche e affascinanti ovvero quello evocato dal titolo stesso: quell’eterno scontro tra la luce e l’oscurità che accompagna ogni espressione della vita.

Capranica Prenestina, piccolo borgo medievale arroccato sui Monti Prenestini a 900 metri di altezza, distante circa 50 km dalla capitale, è un luogo dove la natura, l’architettura e la storia si fondono armoniosamente. Il gioiello montano, recentemente insignito del prestigioso riconoscimento che lo ha eletto “Uno dei Borghi più Belli d’Italia”, accoglierà il pubblico dei visitatori in un’atmosfera unica, con panorami mozzafiato e la magia del Natale che avvolgerà il paesaggio. Non solo arte, ma anche storia, in questo comune dove sorge il Santuario della Mentorella, nella frazione di Guadagnolo, uno dei più antichi (risale al IV secolo) luoghi di culto mariani di tutta l’Europa, tanto caro a Papa Giovanni Paolo II che amava recarvisi in pellegrinaggio.

A Capranica Prenestina le location selezionate per la mostra sono: il Tempio della Maddalena che, con la sua cupola progettata da Donato Bramante, custodisce anche il Leone porta-stemma attribuito a Michelangelo Buonarroti; il Palazzo Barberini, palazzo baronale che oggi ospita il Municipio e che accoglierà alcune delle opere più emozionanti dell’esposizione.

Infine, a Roma, la “Borgo Pio Art Gallery”, la galleria d’arte giovane ma già affermata, situata a due passi dal Vaticano, che ha organizzato l’edizione 2024 della Mostra, si farà promotrice di una riflessione sull’attualità con la sua programmazione di eventi culturali che accompagneranno l’esposizione della mostra stessa.

Con il sottotitolo Save the Peace, la mostra ha invitato gli artisti, e dunque anche i visitatori, a riflettere sul valore universale della pace attraverso le loro opere e il gesto artistico stesso. Ogni artista ha aderito con tre opere, una per ciascuna delle location, in un percorso che mira a esplorare la bellezza come strumento di speranza e cambiamento. La frase di Dostoevskij, “La bellezza salverà il mondo”, diventa così il faro ispiratore di questa edizione, unendo le diverse espressioni artistiche in un messaggio di speranza e solidarietà.

Le inaugurazioni si svolgeranno secondo il seguente calendario: sabato 7 dicembre 2024, ore 17:00, a Capranica Prenestina, presso il Tempio della Maddalena e a seguire presso il Palazzo Barberini; mercoledì 18 dicembre 2024, ore 17:00, presso la Borgo Pio Art Gallery di Roma, nel cuore del rione Borgo, a pochi passi dal Vaticano.

Alle inaugurazioni, a cui è invitato a partecipare (gratuitamente) tutto il pubblico, interverranno autorità e figure di spicco. A qualificare i vernissage (a Capranica Prenestina e a Roma) interverrà in qualità di relatrice esperta la Dott.ssa Silvia Baroni, Storica dell’arte e Assessore alla Cultura del Comune di Cave, gli organizzatori, ovvero i galleristi della “Borgo Pio Art Gallery” di Roma, Don Davide Martinelli, parroco del Tempio della Maddalena, e il Sindaco di Capranica Prenestina, Dott. Francesco Colagrossi. A condurre le iniziative interverrà la dott.ssa Alessandra Battaglia, giornalista e Direttore dei giornali Monolite Notizie e Roma Sud. Sarà un’occasione imperdibile per conoscere gli artisti, il loro lavoro e il messaggio che le loro opere intendono trasmettere ma anche una opportunità per far si che i visitatori e tutto il pubblico possano interagire e condividere momenti culturali di incontro autentico, dialogo e confronto.  

Il Catalogo della Mostra (realizzato grazie alla Cippigraphix di Roma) si propone di accompagnare il visitatore attraverso le opere in esposizione. Durante il periodo di “Luci nel buio” (dal 7 dicembre 2024 al 6 gennaio 2025) nelle tre location espositive si terranno diversi eventi collaterali, tra cui concerti, presentazioni, visite guidate, incontri e conferenze, che permetteranno ai frequentatori di esplorare più a fondo le tematiche della mostra, approfondirne le diverse prospettive ed apprezzare la straordinaria bellezza dei luoghi coinvolti.

Durante l’inaugurazione del giorno 7 dicembre alle ore 17:00 presso il Tempio della Maddalena, come da tradizione, ad accompagnare l’apertura del progetto verrà eseguita una performance musicale a cura dell’Acoustic Strings Duo, composto da Giulia Lepore e Gabry Rebel. I due giovani maestri di musica, sensibilità affini, lei di Napoli e lui di Roma, realizzeranno un repertorio che spazierà dai classici fino ai brani più moderni creando la giusta cornice musicale per meglio valorizzare l’esposizione d’arte stessa ed intrattenere i presenti in un momento culturale che fonderà musica e arte. Il duo dei talentosi musicisti esprime proprio un abbinamento insolito ma molto gradevole tra il chitarrista rock blues, che padroneggia non solo il genere di sua elezione ma anche il repertorio classico, ed il soprano, che è anche arpista e vanta concerti ed esibizioni in prestigiosi teatri anche all’estero.

A presentare il concerto ci sarà il Maestro Adriano Romano, musicista per anni al seguito del famoso Maestro e compositore Ennio Morricone, è da sempre una presenza costante delle iniziative musicali nel Tempio della Maddalena. Il M° Adriano Romano, con la sua profonda preparazione culturale e il suo inconfondibile ed originale modo di presentare i brani, alternando note biografiche ad aneddoti e episodi interessanti, rende sempre unica ogni iniziativa a cui interviene.

Ancora più che nelle trascorse edizioni, il sottotitolo di quest’anno – “Save the Peace”-  sottolinea l’attenzione verso le forme espressive che come la pittura e la fotografia, con la forza dell’arte, vuole illuminare le nostre vite, anche nei momenti più bui.

MARIA, SPERANZA E CONFORTO PER L’UMANITÀ – Papa Francesco ha voluto avviare l’Anno Santo 2025. La Bolla d’Indizione del Giubileo 2025, intitolata “Spes non confundit” (La speranza non delude), sottolinea l’importanza della speranza e della compassione, invoca la Madonna come simbolo di guida e sostegno per tutti i fedeli. Questo riferimento a Maria rappresenta un richiamo alla fede e alla forza spirituale, particolarmente significativo in un periodo di grandi sfide globali. Il Giubileo della Speranza intende promuovere la solidarietà, l’unità e l’amore fraterno, valori fondamentali per affrontare le difficoltà del nostro tempo.

LE OPERE DI GUADAGNUOLO, RECENSITE DA UN NOTEVOLE SAGGIO DI ROSARIO ASSUNTO, il quale scrisse in riferimento alle opere Mariane di Francesco Guadagnuolo, ne condivise l’amicizia frequentandolo nella capitale e bene l’ha conosciuto, perché il filosofo ne ha seguito per tanti anni il percorso delle sue opere valutandolo e storicizzandolo nella storia dell’arte contemporanea. Per l’occasione pubblichiamo alcuni stralci del saggio dell’autorevole filosofo Rosario Assunto dal titolo: “L’Albero dell’umana salvezza”.

Andy Warhol, figura simbolo del Novecento, ha trasformato da oggetti quotidiani a icone della cultura popolare in opere d’arte senza tempo. Dalle celebri lattine di Campbell’s Soup ai ritratti di Marilyn Monroe e Elvis Presley, Warhol ha rivoluzionato il modo di percepire il concetto di arte, abbattendo le barriere tra cultura alta e cultura popolare. Non è stato solo un artista, ma un rivoluzionario che ha saputo anticipare e influenzare i temi della contemporaneità, dall’ossessione per la fama alla società dei consumi, ridefinendo i confini e i canoni artistici.

La mostra propone un percorso che ripercorre le tappe salienti della sua carriera, partendo dagli anni ’50 con la tecnica del blotted line, fino alle grandi opere degli anni ’70 e ’80. Il percorso si snoda dalle primissime opere come Wild Raspberries, passando per le meravigliose serie di soggetti come: Dollar, Marilyn, Candy Box, Vesuvius, fino alle opere degli anni settanta ed ottanta; concludendo infine il percorso della storia artistica di Warhol con l’annuncio della Messa in sua memoria del 1987, raffigurante la sua opera “omaggio” alla Madonna di Raffaello. 

Oltre alle opere che raccontano il viaggio di Andy Warhol in Italia ed in Europa, la Collezione Rosini Gutman, naturalmente, comprende anche le opere più “Americane”, come Elvis, Liz Taylor, Flowers, Campbell’s Soup, Dollars ed i ritratti di Liza Minnelli. Accanto ai suoi lavori più celebri, l’esposizione include opere inedite come il ritratto di Regina Schrecker, stilista italiana e amica dell’artista. Queste importanti presenze, uniche e significative, mettono in luce l’intensa relazione di Warhol con l’Italia e le sue radici europee.

Tra le sezioni più affascinanti anche un focus sulla sua attività di graphic designer, con copertine discografiche famose e prototipi di abiti realizzati in cellulosa e cotone. Inoltre, saranno esposti anche i mitici Memorabilia che raccontano il lato più intimo e meno conosciuto del genio della Pop Art.

La Collezione Rosini Gutman offre uno sguardo alternativo alle altre grandi collezioni di Warhol ed una prospettiva unica e intima sull’artista, che pone l’accento non solo sulle sue opere più “americane”, ma anche su quelle che rappresentano il legame con le sue radici europee, svelando aspetti meno noti del suo percorso artistico. 

Questa toccante serie di opere si concentra sui momenti di distacco e sulle emozioni profonde che essi suscitano. Ispirato dalle tradizioni culturali tibetane e dalla loro visione filosofica dell’impermanenza, Zhang utilizza la pittura a olio per investigare la natura effimera della vita, catturando l’equilibrio fragile tra speranza e solitudine. Le opere esposte sono profondamente personali, nate da esperienze recenti dell’artista, come la perdita di familiari e le difficoltà legate alla salute della madre. Tuttavia, queste narrazioni individuali trascendono il personale per offrire una meditazione universale sulla vita, la morte e le connessioni che persistono nel tempo. 

I luoghi più freddi del mondo non sono i ghiacciai, ma la freddezza predestinata della pelle umana. Gli addii non sono solo separazioni: sono incontri con il senso profondo della vita, un’occasione per riflettere sulla bellezza fugace dei momenti più significativi della nostra esistenza. Il mio lavoro mira a onorare queste transizioni, fondendo speranza e solitudine con la saggezza delle tradizioni ancestrali.

 Zhenlin Zhang

Iconografie mitiche. Mala tibetani. Toni cerulei e velature cremisi. Stati transitori, effimeri, fragili come la condizione umana, un’esistenza fluida e mai statica. Così come le onde del mare si susseguono e si infrangono secondo un moto perpetuo, qui il gesto pittorico, le sfumature e la stratificazione del colore contribuiscono alla restituzione di un’atmosfera volubile, rarefatta e in continua trasformazione. Il lavoro di Zhang vive una dimensione evanescente, porosa, quasi onirica, connotata da un carattere spirituale che tenta di fissare nel tempo istanti, attimi fugaci. La figurazione cede il passo a immagini sospese, metamorfiche, che emergono e scompaiono ritmando l’impianto compositivo attraverso un inesauribile processo di decostruzione e ricontestualizzazione. Una riflessione sul concetto di perdita, una danza tra forme e forze, tra scomparsa e presenza. Una tensione oscillatoria al confine tra incontro e separazione, tra astrazione e rappresentazione, tra morte e rinascita.    

Zhenlin Zhang – Note biografiche

Edoardo Durante Zhenlin Zhang si è laureato presso il Royal College of Art di Londra, sviluppando un linguaggio visivo unico che fonde narrazioni personali con profonde riflessioni culturali e filosofiche. Il suo lavoro è stato riconosciuto con premi e partecipazioni a mostre in Europa e Asia, tra cui la selezione curata di Art Maze Mag e progetti espositivi significativi come Tibet: Cultural Assimilation Through a Theatrical Lens e The Future of Belonging. Le sue opere, ispirate anche dalla filosofia tibetana, esplorano le radici culturali e il senso dell’impermanenza.

Tempesta Gallery

Fondata a Milano nel 2020 da Elisa Bonzano ed Enrico Angelino, Tempesta Gallery si distingue per la sua missione di promuovere artisti contemporanei che affrontano temi di rilevanza sociale e ambientale. La galleria si propone come un luogo di dialogo, connettendo artisti provenienti sia dall’Italia che dall’estero con il contesto culturale e urbano della città di Milano.

Attraverso un programma espositivo inclusivo e diversificato, Tempesta Gallery offre una piattaforma per artisti che lavorano con una varietà di linguaggi, tra cui pittura, scultura e installazione. Ogni progetto espositivo è concepito per stimolare una riflessione critica sulle dinamiche che influenzano la nostra società e il nostro pianeta, creando connessioni significative tra arte, pubblico e territorio.

“Trame silenziose” presenta 32 sculture realizzate prevalentemente in gesso e ceramica. Bertozzi opera su una sorta di tatuaggio plastico ottenendo effetti che stanno tra la calcificazione ossea e concrezioni della più diversa natura, dalle quali scaturisce una riflessione su un tempo che può alterare e variare superfici eterne per la loro classica bellezza. Sotto il segno della metamorfosi, questo tipo di intervento, minuziosamente eseguito con la punta fine di un bulino, viene ripetuto su varie superfici sempre di materiale ceramico e gesso. Una ripetizione costante, che include sempre la dimensione del tempo, attraverso una lenta contemplazione che plasma la materia, creando crateri e forme che si trasformano nell’unità di misura dell’invisibile scorrere del tempo.

Queste opere evocano un’armonia nascosta, non immediatamente percepibile, che invita il visitatore a intraprendere un viaggio interiore verso un luogo in cui la mente si calma e ritrova il suo equilibrio. Il colore predominante delle sculture è il bianco, simbolo di purezza e tranquillità, e questo si sposa perfettamente con l’oro, accompagnando il pubblico in un’esperienza visiva e sensoriale di grande intensità.

In merito all’utilizzo del colore oro, Zeno Bertozzi ha spiegato: “Un nido dorato mi porta a pensare all’idea di riposo, di tranquillità e di rifugio dal caos associato all’immagine di casa primordiale in cui le pareti sono appunto di terra, un rifugio che come un vestito si adatta al corpo dell’animale proteggendolo, un qualcosa che si avvicina al corpo della madre. L’oro in questa maniera dà ancora più importanza a questo spazio protettivo, lo raddoppia lo fortifica elevandolo al luogo naturale e primo dell’abitare”.

Le sculture di Bertozzi parlano di una “melodia” silenziosa, cui diversi titoli delle opere rimandano, che diventa qualcosa di intangibile, ma che esiste come una forza che ci guida o ci consola. Un’invisibile danza di suoni e silenzi che raccontano storie senza parole, ma con una forte intensità emotiva dove il silenzio diventa una forma di comunicazione profonda, spesso più potente del suono.

“In questo senso mi ricordano la “Sinfonia del Silenzio” di Giya Kancheli che esplora il concetto di silenzio come una forma di musica” afferma il curatore Raffaele Quattrone. “L’intera composizione è costruita su pause, spazi vuoti e momenti di quiete, creando un’atmosfera riflessiva che evoca solitudine e allo stesso tempo protezione nel silenzio”.

A tal proposito l’artista aggiunge: “Il concetto di trama come quello di sinfonia è legato al concetto di scrittura e segni ma può essere anche inteso come un insieme di linee, spazi e volumi che si combinano per creare una struttura visiva. Quindi una relazione tra forme che nella loro semplicità offrono varie possibilità interpretative”.

Nelle opere di Zeno Bertozzi l’invisibile diventa una melodia segreta, ascoltata solo da chi è pronto ad “ascoltare”, una bellezza nascosta che trova nel silenzio, uno spazio sicuro dove il mondo esterno si attenua e dove l’arte e il pensiero possono fiorire senza distrazioni. Un rifugio che non ha bisogno di essere visto, un “guscio” che come i nidi di vespe vasaie in alcune opere ci preserva dal caos esterno custodendo ricordi e frammenti di un tempo che non è mai del tutto perduto, ma che esiste nell’invisibilità e nel silenzio.

La mostra sarà visitabile da Artra Galleria a Milano fino al 21 febbraio 2025 e da Galleria Studio Cenacchi a Bologna fino al 28 febbraio 2025.

ZENO BERTOZZI: BIOGRAFIA

Nato a Castel San Pietro Terme nel 1994. Nel 2015 frequenta l’Accademia di Belle Arti di Bologna dove inizia ad elaborare e sperimentare in campo scultoreo, avvicinandosi così alle prime esperienze scultoree, affiancando agli studi, terminati nel 2020, l’attività lavorativa presso lo studio Bertozzi & Casoni, dove tuttora collabora. Tra le occasioni espositive si ricordano: “Index”, Opentour 2018, Labs Gallery Arte Contemporanea, Bologna 2018; “To be going to”, Opentour, P420 Arte Contemporanea, Bologna 2019; “Tassellation”; “Con tatto”, Galleria Claudio Poleschi Atre Contemporanea, Dogana, San Marino, 2021; “Verde brillante. O delle probabilità interpretative del divenire forma”, Galleria Antonio Verolino, Modena, 2022; “Per una nuova scultura. Sperimentazioni e traiettorie lungo la Via Emilia”, Modena, 2022; “M’ARTE”, Zeit Gallery, Porcari (LU), 2022; “Intermezzo”, Galleria di Villa Ferrari, Castelnuovo Rangone, 2023; “Legami fragili” a cura di Raffaele Quattrone, Galleria Studio Cenacchi, Bologna, Studio DBF, Roma, Spazio 21, Lodi, 2024.

RAFFAELE QUATTRONE: BIOGRAFIA

Raffaele Quattrone è un sociologo e curatore d’arte contemporanea italiano, noto per il suo approccio critico e interdisciplinare nell’analisi dell’arte e della società. Come curatore, Quattrone ha organizzato numerose mostre, lavorando sia con artisti emergenti che affermati, in spazi pubblici e privati. Dal 2015 collabora con la Real Academia de España en Roma, dove ha curato progetti di rilievo come la mostra Oltre ogni ragionevole dubbio (2017), L’ultimo Espaliù (2019), l’installazione Michelangelo Pistoletto – Pozzo Specchio nel Tempietto di Bramante (2023) e la mostra Michelangelo Pistoletto all’Accademia di Spagna (2024). Tra le sue pubblicazioni si ricorda NewFaustianWorld. 17 pittori per l’arte del XXI secolo, 24ORE Cultura (2018), che analizza le opere di 17 artisti internazionali: Glenn Brown, Maurizio Cannavacciuolo, Andrea Chiesi, Tiffany Chung, Njideka Akunyili Crosby, Alberto Di Fabio, Kepa Garraza, NS Harsha, Songsong Li, Alessandro Moreschini, Mauro Pipani, Imran Qureshi, Terry Rodgers, Raqib Shaw, Philip Taaffe, Josep Tornero, Jan Worst. Questo lavoro ispira due mostre, a Rimini e Venezia, e un docufilm diretto da Piero Passaro, tradotto in diverse lingue e premiato a livello internazionale. Nel 2023 scrive e presenta la docuserie MASTERPIECE. Sulle tracce della meraviglia, un progetto innovativo che combina cinema, televisione e documentario, in cui intervista figure iconiche dell’arte contemporanea, come Shirin Neshat, Jeff Koons, Mona Hatoum, Imran Qureshi e Marinella Senatore. La serie, trasmessa nel 2024 in anteprima su Documentando.org, ha ottenuto grande attenzione mediatica. Da Ottobre 2024 è editor-in-chief di tutte le pubblicazioni del gruppo americano Vincenzo Viva Publisher.