La Fondazione Dino Zoli, in seguito all’alluvione che il 16 maggio 2023 ha colpito le città di Forlì e Faenza, le zone circostanti e gran parte della Romagna, ha realizzato diversi progetti, proponendo ricerche artistiche capaci di sollecitare confronti e dibattiti con la cittadinanza sulla prevenzione e cura del territorio. L’artista torinese Cosimo Veneziano, scelto per il progetto, si occupa dal 2022 di riflettere sulla morfologia del paesaggio e di indagare, a livello artistico, lo stato dei fiumi italiani, mostrando come gli eventi estremi abbiano messo in difficoltà il bacino idrografico, diventando lo specchio di un disastro ambientale generalizzato.

L’Acqua del Duemila si materializza in due installazioni realizzate appositamente per gli spazi della Fondazione, utilizzando anche tessuti prodotti dalla Dino Zoli Textile. L’artista ha lavorato sulla raccolta dei ricordi degli alluvionati, del maggio 2023, trasformando le memorie intime di chi ha vissuto quei giorni in “narrazioni per immagini”, costruendo, attraverso il media del disegno, una mappatura tangibile per raccontare un immaginario collettivo fatto di presenze perdute.

La prima installazione, Senza Titolo 2, è composta da stampe serigrafiche con soggetti animali e porzioni di paesaggi travolti dall’alluvione, con un pattern di piante fluviali. Le fotografie sono state decorate con un intervento pittorico dell’artista, una colorazione con le terre prelevate dall’alluvione dal Museo Zauli del 2023. Come scrive la curatrice Nadia Stefanel: «L’acqua possiede una forza innata e straordinaria, capace di imprimere il suo passaggio, in caso di alluvione, nel nostro mondo tangibile. Le pareti delle abitazioni sono testimoni mute di queste storie; raccontano di oggetti sospinti contro di esse dalla forza impetuosa di acque in piena. La traccia lasciata non è solo un segno fisico ma un ricordo di tempi passati che invita a riflettere sulla sottile ma vigorosa potenza della natura. […] L’ombra bianca disegnata da Cosimo Veneziano lascia spazio alla memoria degli oggetti nelle case prima dell’alluvione e racconta una parte di vissuto, rendendo visibile ciò che non c’è più, una continua transizione tra materialità e immaterialità. I disegni non sono solo opere d’arte ma anche un metodo di narrazione che intreccia il concetto di permanenza con quello di trasformazione, perché conservano la memoria di ciò che è stato, attivando un dialogo silenzioso tra il visibile e l’invisibile.»

La seconda installazione, Non è cosa, è un accumulo di circa 300 disegni di oggetti persi durante l’alluvione ed emersi dagli incontri con i cittadini. Continua Nadia Stefanel: «Mentre l’acqua cancella le tracce tangibili delle vite vissute, ci incita però a guardare oltre il visibile e a conservare i ricordi in modo più resistente. In questo processo di ristrutturazione interiore, apprendiamo che i veri tesori non risiedono solo in oggetti materiali, ma piuttosto nei legami invisibili che essi coltivano tra passato e futuro, tra le persone e le loro storie condivise. L’installazione di Cosimo Veneziano è un insieme di memorabilia perduti nell’alluvione, quando la forza devastante della natura trasforma, in un istante, l’ordinario in straordinario, l’intero in frammento. L’insieme dei disegni appesi, gli uni vicini agli altri, racconta questo, che in un mondo in cui i disastri naturali sono una triste realtà, le alluvioni ci spingono a riflettere sulla transitorietà della vita e sul valore intrinseco dei nostri ricordi.»

Il progetto L’Acqua del Duemila si compone di altre due fasi precedenti, presentate presso il Museo della Montagna di Torino e presso il Museo Carlo Zauli di Faenza, che saranno, per l’occasione, in esposizione anche in questo appuntamento conclusivo: una scultura che si ispira all’iconografia della Fontana del Po in Piazza CLN a Torino e cinque vasi realizzati in collaborazione con la bottega Gino Geminiani e con il tornitore Roberto Reali, che omaggiano l’opera ceramica di Lucio Fontana. 

In mostra anche altre due opere, realizzate in occasione dell’alluvione del maggio 2023: un lavoro fotografico di Silvia Camporesi dal progetto Fragile Sublime a cura di Nadia Stefanel, stampato su tessuto Dino Zoli Textile; e l’opera We are not alone di Maurizio Cattelan e Pierpaolo Ferrari, acquisita dalla Fondazione Dino Zoli per sostenere la raccolta fondi per le famiglie alluvionate. 

Cosimo Veneziano – Biografia

Cosimo Veneziano (1983) vive e lavora a Torino. Caratterizzata da un’ampia attività di ricerca e workshop, la sua pratica si focalizza sullo sviluppo della scultura e del disegno in stretta correlazione con i luoghi che li hanno ispirati, nonché opere d’arte in spazi pubblici, tra le quali il monumento a Pinot Gallizio e Constant ad Alba, e il progetto per Nuovi Committenti a Rovigo. Tra le mostre personali: Patrimonio Dissidente, MAC di Lissone – Strategia Fotografia 2023; L’acqua del 2000, Museo della Montagna di Torino – Art Site Festival; Biomega Multiverso, CAMERA, Torino e MUFUOCO Museo di Fotografia di Cinisello Balsamo – Italian Council 2019 e Bando Ora Fondazione Compagnia di San Paolo. Tra le collettive: L’Italia è un Desiderio, Scuderie del Quirinale, Roma, 2023; REFOCUS Archivio visivo della pandemia, Triennale di Milano, 2021; nel 2018 viene selezionato per il premio Talent Prize per la fotografia ed esposto al MACRO di Roma.

Dal 25 aprile al 28 settembre 2025 arriva a Padova, al Centro Culturale Altinate | San Gaetano, VIVIAN MAIER. The exhibition, la più grande mostra mai dedicata alla celebre fotografa americana, con più di 200 fotografie a colori e in bianco e nero, scatti iconici, oggetti personali, documenti inediti, sale esperienziali e immersive, registrazioni audio e filmati Super 8, esposti in via eccezionale soltanto per questa retrospettiva.

Dopo il grande successo conseguito con la mostra di Monet, che ha segnato un nuovo record, il Comune di Padova e Arthemisia tornano a proporre insieme una straordinaria iniziativa.

Vivian Maier (1926 – 2009) è una delle artiste più amate al mondo. La sua incredibile storia ha commosso e continua a commuovere milioni di visitatori.
La Maier faceva la tata di mestiere, si è occupata per tutta la vita di accudire i bambini, coltivando segretamente una grande passione per la fotografia.
Dopo la sua morte sono stati ritrovati per caso, in un magazzino venduto ad un’asta fallimentare, migliaia di rullini accumulati durante l’intera vita, che hanno svelato al mondo un’artista intelligente, acuta, ironica e sensibile, che ha documentato per decenni la vita quotidiana americana tra Chicago e New York, osservando con incredibile sensibilità le persone, i bambini, le donne, gli anziani, fermando nel tempo attimi eterni.

Curata da Anne Morin – la più grande esperta e studiosa della vita dell’artista – l’esposizione è suddivisa in sezioni tematiche che esplorano i soggetti e gli aspetti distintivi del suo stile: dagli intensi autoritratti alle scene di vita urbana, dai ritratti di bambini alle immagini di persone ai margini della società.

Da un progetto di Vertigo Syndrome e in collaborazione con diChroma photography, la mostra è realizzata con il contributo di AcegasApsAmga e vede come mobility partner Frecciarossa Treno Ufficiale.
Il catalogo è realizzato da Moebius in collaborazione con Réunion des musées nationaux (RMN) – Grand Palais e Musée du Luxembourg, Paris.

“Questa non è solo una grande mostra di fotografia è anche l’occasione per conoscere, per quanto possibile, la figura di una donna, certamente straordinaria, che solo dopo la sua scomparsa, ha visto riconosciuto il grande valore documentaristico, storico e soprattutto artistico della propria attività di fotografa. Vivian Maier, rimarrà per sempre un personaggio misterioso, e forse il fascino attorno a lei si deve anche alla storia quasi incredibile della sua vita e delle sue fotografie. Era certamente una donna colta che si mimetizzava col suo umile lavoro di babysitter, un’osservatrice raffinata e attentissima che ci ricorda il personaggio della portinaia intellettuale creato da Muriel Barbery nello straordinario romanzo “L’eleganza del riccio”. Per tutte queste ragioni la mostra che dedichiamo a Vivian Maier, splendidamente curata da Anne Morin e prodotta da Arthemisia arte e cultura con la collaborazione fondamentale di Vivian Maier’s Estate e della John Maloof’s Collection si inserisce fra i principali eventi culturali dell’estate padovana confermando il ruolo centrale della nostra città come meta di un turismo culturale di qualità, che spazia dagli affreschi del ‘300 dell’Urbs picta, all’arte contemporanea, fino alla fotografia, alla musica e al teatro” – dichiara l’Assessore alla Cultura Andrea Colasio.

“Per il 25esimo anniversario di Arthemisia – dice Iole Siena, Presidente di Arthemisia – non potevamo per nessuna ragione mancare l’appuntamento con quella che considero una delle artiste più appassionanti del Novecento. Vivian Maier emoziona, commuove, fa al contempo sorridere e riflettere sulla natura umana; tengo molto a questa mostra, e tanto più mi fa piacere che sia proprio a Padova, città che ci ha già regalato grandi soddisfazioni con la mostra di Monet.”

“È nel cuore della società americana, a New York dal 1951 e poi a Chicago dal 1956, che Vivian, osserva meticolosamente il tessuto urbano che riflette i grandi cambiamenti sociali e politici della sua storia. È il tempo del sogno americano e della modernità sovraesposta, il cui dietro le quinte costituisce l’essenza stessa del lavoro di Vivian Maier”, spiega la curatrice Anne Morin. “Vivian Maier, il mistero, la scoperta e il lavoro: queste tre parti insieme sono difficili da separare”. “La mostra”, aggiunge Morin, “vuole concentrarsi sull’opera dell’artista piuttosto che sul suo mistero, evitando di cavalcare la curiosità sulla sua particolare vicenda umana e professionale, ma contribuendo invece ad elevare il nome della Maier. La sua storia è la storia di una donna che ha fatto della fotografia la sua ragione di vita, senza mai esporsi, ma nascondendosi dietro l’obbiettivo, con il quale catturava immagini indimenticabili, spaccati di vita quotidiana che ha reso eterni”.

VIVIAN MAIER

Circondata da un alone di mistero che ha contribuito ad accrescerne il fascino, quella di Vivian Maier (1° febbraio 1926 – 21 aprile 2009) è la storia di una donna che ha fatto della fotografia la sua ragione di vita, senza mai esporsi, ma nascondendosi dietro l’obbiettivo, con il quale catturava immagini indimenticabili, spaccati di vita quotidiana che ha reso eterni.

Tata di mestiere, fotografa per vocazione, non abbandonava mai la macchina fotografica, scattando compulsivamente con la sua Rolleiflex: la sua strategia era l’anonimato, rubare scatti senza mettere in posa i soggetti, senza costruire messe in scena. Catturando, semplicemente, la vita che aveva intorno, forse senza stare a pensarci troppo. Senza orpelli, né artifici di alcun genere. Ecco allora i suoi scatti che raffigurano bambini – quelli di cui si prendeva cura, ma anche quelli che, per caso, incontrava per la strada, e di cui sapeva catturare e rendere immortali i loro sguardi. Come un selfie ante litteram, come a voler dire “ci sono anche io” in mezzo a tutta questa vita che scorre tra le strade della Grande Mela o in altre grandi città.

Con la scatto silenzioso della sua Rolleiflex Vivian Maier ha immortalato per quasi cinque decenni il mondo che la circondava. Dai banchieri di Midtown ai senzatetto addormentati sulle panchine dei parchi, alle coppie che si abbracciavano o, molto spesso, riprendendo se stessa: Gli oltre 150.000 negativi scattati nel corso della sua vita coprono una immensa gamma di soggetti. Dai primi anni Cinquanta fino agli anni Novanta, Vivian Maier si è occupata di documentare meticolosamente ogni aspetto della vita che la circondava, ovunque andasse. Eppure, il suo lavoro è rimasto sconosciuto a chiunque, conservato chiuso dentro centinaia di scatole, quasi fino alla sua morte.

È il 2007 quando John Maloof, all’epoca agente immobiliare, acquista durante un’asta parte dell’archivio della Maier confiscato per un mancato pagamento. Capisce subito di aver trovato un tesoro prezioso e da quel momento non smetterà di cercare materiale riguardante questa misteriosa fotografa, arrivando ad archiviare oltre 150.000 negativi e 3.000 stampe.
Maloof ha co-diretto un documentario candidatoall’Oscar, “Finding Vivian Maier” (2014) che ha dato alla fotografa fama mondiale.

PROGRAMMI

Se amare di meno è una raccolta di testi poetici che appaiono permeati da una malinconia lieve, da una desolazione chiara e sottile, uniti dalla musicalità dolente dell’amore, nelle diverse espressioni dell’anima, e dall’abbandono inevitabile alla vita, sia essa benigna o crudele. Il linguaggio utilizzato, con la ricorrenza di alcune precise e determinate parole, asseconda le narrazioni e le sonorità insite nelle liriche, le quali, come afferma il filosofo Andrea Emo, per quanto tristi, per quanto rassegnate, rimangono sempre un atto di fede. 

La presentazione è anche occasione per confrontarsi sul ruolo della poesia, della letteratura, e più in generale dell’arte, nella vita contemporanea, come la parola possa ancora meccanismo di indagine della realtà in cui siamo immersi, strumento di coesione civile e sociale, costruttrice di comunità. 

Il libro sarà presente all’interno alla XXXVII edizione del Salone Internazionale del Libro di Torino dal 15 al 19 maggio, nello stand della casa editrice Impremix (Padiglione PAD 2 Stand H28), e verrà presentato a Genova durante l’edizione speciale del Festival del Tempo-Librinfestival all’interno della Genova Design Week dal 21 al 25 maggio. 

ROBERTA MELASECCA

Roberta Melasecca. Architetta, curatrice indipendente, progettista culturale ed esperta in comunicazione per l’arte e l’architettura. Segue il lavoro e le ricerche di numerosi artisti, scrivendo testi critici e promuovendo progetti curatoriali in Italia e all’estero, collaborando con diverse realtà culturali. È attivamente coinvolta nell’editoria d’arte, contribuendo a pubblicazioni e cataloghi, e si dedica allo sviluppo di pratiche performative innovative. Per cinque anni ha diretto lo spazio indipendente Interno 14 a Roma. Con il suo studio di mecenatismo interdisciplinare Interno 14 next è stata selezionata dalla Fondazione MAXXI per il progetto The Indipendent che raccoglie i principali spazi indipendenti in Italia. È ambasciatrice di Cittadellarte-Fondazione Pistoletto ONLUS e presidente dell’associazione culturale blowart. Da cinque anni promuove il progetto del Festival del Tempo con il quale lavora su alcuni degli Obiettivi dell’Agenda 2030. Collabora con la rivista Art a part of culture ed è responsabile della Sezione arte di VulnerarTe Magazine. Scrive testi poetici, racconti e saggi. Ultime pubblicazioni: il volume Attraversamenti. Un racconto in prosa e in poesia, Eretica Edizioni, gennaio 2023; Se amare di meno, Impremix Edizioni, aprile 2025. 

Nel catalogo, curato dallo stesso Prizia, il saggio critico di Claudio Crescentini spiega il nesso con la filosofia di Kant, in qualche modo padre del pensiero contemporaneo. Kant si pone volutamente nel mezzo di due correnti, quella razionalista e quella empirica, creando una situazione di equilibrio fra ragione ed esperienza o meglio, come lo stesso filosofo le definisce, fra Fenomeno e Noumeno. Il primo si concentra sull’oggetto della conoscenza, ciò che appare, mentre il Noumeno è l’essenza stessa delle cose, la cosa così com’è. Kant quindi stabilisce una distinzione tra mondo sensibile, empirista e un mondo intellegibile, razionalista.

Partendo da queste riflessioni gli artisti, tramite una trasgressione culturale e di pensiero, descrivono il Noumeno, l’essenza propria delle cose, come un elemento di bilanciamento fra pensare e agire e lo sviluppano in una pluralità di linguaggi e teorie estetiche che la peculiarità del loro registro artistico sa ben rappresentare.

E non è un caso che gli autori delle opere esposte abbiano ruotato, per via di pensiero e/o per via amicale, attorno all’arte e alle stesse idee di un artista come Ennio Calabria che sin dagli anni giovanili si interrogava proprio su questi temi e di come influenzassero il gesto e il segno dell’arte o meglio “del fare arte” per usare una sua espressione. I visitatori potranno ammirare alcune delle sue opere che danno il senso della sua grandezza, quel tratto distintivo che si è evoluto nei decenni, dagli anni Novanta fino al XXI secolo. Ne sono un esempio alcuni preziosi pastelli: partendo da Senza titolo del 1995 che rimanda all’urgenza della seria Ambiguità dell’intravisto degli anni Novanta, fino allo studio tra Natura e Uomo in Studio per “La luce della sera” e Studio per “Io sono la risposta”, ambedue del 2022, opere in un certo senso preparatorie del suo ultimo periodo artistico.

Sempre nel grande mondo della contemporaneità, una narrazione post impressionista che non rinuncia al figurale la ritroviamo nelle opere di Carlo Frisardi, un artista che da qualche anno esprime la propria soggettività attraverso la creazione di corpi amalgamati a uno spazio luminoso ed empirico. Corpi “fatti di luce” come in Entropia (2018) e Mare Nostrum (2020). Figure archetipali in bilico fra passato e presente, forme e corpi simbolici contratte proprio nel rapporto/non rapporto con la realtà naturale, un percorso visivo di forte impatto emotivo grazie anche all’utilizzo di tele di grande formato e nell’indagine di una prospettiva visiva dove l’esterno entra sempre più in contatto – e paragone? – con l’interno del quadro stesso, come evidenziato nell’impatto strutturale e mentale di Io sono perché noi siamo (2023).

Danilo Maestosi, la cui categoria stilistica viene definita: un “diverso” linguaggio interpretativo non- figurale, è uno degli artisti “in qualche modo” in maggiore sintonia, per pensiero e azione, con Ennio Calabria. Di Maestosi Calabria ha scritto: «(…) è dotato di una complessa forma di soggettività – e sulla sua pittura – (…) si fa avanguardia intuitiva, nuova, proprio per la sua vitale necessità di identificare l’inedito significante di sé stessa». In questa rilevata complessità, infatti, Maestosi costruisce un proprio universo segnico e cromatico, dalla tessitura accurata di Città che brucia (2019), Città che crolla (2019) alla recente La Città e i naufragi (2025). Riprendendo ancora le parole di Calabria: «Maestosi è un pittore dell’”Aura” e non ha mai escluso nel proprio operare il determinante sostegno dell’intelligenza della mano, senza la quale non può esistere la stessa “aura”» e senza la quale non può sopravvivere, riprendiamo dal testo critico di Crescentini, l’«intelligenza della mano» di Maestosi. In questa esposizione, l’artista omaggia il Maestro Calabria con un emozionale opera dal titolo Addio, Ennio.

Nella contaminazione fra pensiero e azione, segno e realtà, un caso interessante è quello dell’opera multi-linguistica e iper-moderna di Nino Pollini, un artista la cui drastica connessione col pluralismo dei linguaggi contemporanei supera il concetto stesso di mutamento e contaminazione. Proprio come nelle opere presentate in questa mostra: Smarrimento (2011), l’enigmatica Adamo selfie mentre il suo presente vola (2016), in cui l’artista sperimenta pigmenti e oli senza rinunciare al ragionamento e all’interconnessione, in un certo qual modo contestataria, col presente. L’arte di Pollini quindi, nell’ambito del rapporto ermeneutico con il Noumeno è da (ri)leggere proprio nella sua libertà illimitata di scelta dei repertori stilistici del passato da utilizzare nel più vasto campo di azione artistica e intellettuale del nostro un po’ stitico contemporaneo come emerge da quello che viene definito un manifesto programmatico del suo ultimo periodo creativo: Homo Humus (2023).

In questo senso, con l’arte di Stefano Piali, ci troviamo esattamente agli antipodi.
Scultore e pittore, Piali destreggia con sapienza una metodologia creativa completamente immersa nei valori della storia dell’arte pre-moderna, in estraneità con quella post-moderna. Le influenze specifiche di Michelangelo, Caravaggio, Tiepolo emergono nelle opere di Piali con funzionalità strutturale e con un chiaro gusto post-citazionistico, sintomo di un’immersione totale in un passato mitico, per l’artista, dell’arte, vissuto con suggestione, da vero “artifex”, artigiano dell’arte. Pensiamo in particolare a Grande ala (2018), possente scultura in terracotta, ferro e ottone, oppure al trittico Fuga dalla storia, olio su tela del 2008, simbolo definitivo della semiotica diacronica dell’arte di Piali, oppure a  L’Angelo della speranza (2020), senza dimenticare il riferimento ad Ascensione (1998), un vigoroso bronzo selezionato per l’esposizione associata al Ciclo Internazionale d’incontri Imagini Christiane nel biennio 1998-99 e ospitato in esclusiva presso la suggestiva Chiesa della Natività di Gesù dell’Arciconfraternita della Compagnia della Natività (detta degli Agonizzanti) a Roma e, ancora, La porta del dolore (2002) opera presente nella Chiesa del Santo Giovanni di Ciampino (RM). Piali riesce a dialogare con l’ambiente sacro, senza rinunciare alla sua passione segnica per il passato storico-artistico, reinventato dall’artista mediante una concezione che diventa quasi affine alle antropologie dell’arte molto di moda in questi tempi.

Stessa abilità tecnica e iconografia storica che ritroviamo, con tutte le dovute differenze e da un altro punto di vista semantico, nell’arte di Vinicio Prizia, curatore di questa interessante mostra.
La sua fonte ideologica, che viene definita “della forma deviata” crea qualcosa, a prima vista, leggibile a tutti seppur nella tensione destrutturata dei corpi stessi, come nel caso di Concetto anatomico (1985) o nel più recente Giano africano – Giano veientano (2024-25) che conferma una coerenza e unitarietà visiva dell’artista. In questo senso Prizia sembra voler elaborare, con il suo personale Bestiarium che guarda al post umanesimo, uno specifico fondamento etico, sociale e antropologico riferibile anche all’umano. Un’azione di pensiero che indaga molteplici settori del sapere e del conoscere, a partire dalla filosofia, dell’informatica fino alla genetica, alle biotecnologie e all’arte. Tutti questi aspetti Prizia è in grado di assemblare, modificare fisicamente e mentalmente trasformando l’idea di uomo in qualcosa di nuovo, un essere ibrido, umano e non umano, “post human”, dove il corpo umano diventa “oltre”. Quindi, la visione post-umanista delle opere di Prizia, congiunta alla colta abilità tecnica del suo disegno, come nel caso di Presagio (2020) oppure di Origine 2 (2022), prevede una rivisitazione degli schemi interpretativi di stampo umanistico spingendo con forza espressiva verso il raggiungimento di nuove dimensioni strutturali, oltre i confini naturali dell’umanità, per Prizia, in corso di mutazione. La sua opera va letta, senza ombra di dubbio, al di là dello stesso concetto di mostruoso, di orribile per una suggestiva analisi antropica che fonde corpo umano/animale ed elementi ibridi mediante una tecnica disegnativa estremamente raffinata e precisa che, in ultima battuta, finisce per impegnare Prizia in una costante critica serrata, quasi demolitoria, dell’utopia del presente, in vista di un futuro di sicuro meno radioso di quello che pensiamo, speriamo, come si legge nel testo critico di Crescentini.

Noto come il più longevo e ininterrotto tra i premi letterari italiani, anche per questa edizione il PLR ha in serbo un calendario di 5 giorni ricco di eventi dedicati ad un pubblico di ogni età, con spettacoli e incontri con ospiti illustri cheanimeranno il centro storico della città, facendo confluire a Cento tantissimi ragazzi. Si susseguiranno: Lectio Magistralis, incontri con importanti e noti ospiti, firmacopie con autori di libri, spettacoli, laboratori per ragazzi, gruppi di lettura, proiezioni di film, mostre, letture per bambini, e tanto altro.

Durante la conferenza stampa, Raffaella Cavicchi, Presidente Fondazione Cassa di Risparmio di Cento, ha affermato: “Il Premio Letteratura Ragazzi rappresenta il fiore all’occhiello della Fondazione Cassa di Risparmio di Cento –– il sostegno e la promozione della lettura tra i più giovani sono tra le priorità del Consiglio di Amministrazione. Crediamo molto nel valore aggiunto della continuità di un Premio tanto importante come questo, e ci impegneremo per non deludere le migliaia di ragazzi che ogni anno leggono i libri finalisti. Vogliamo dare la possibilità a sempre più ragazzi di incontrare libri di buona qualità, come compagni quotidiani, per farli innamorare della lettura.”

Elena Melloni, Coordinatrice del Premio Letteratura Ragazzi, ha inoltre sottolineato: “Un’edizione importante che conferma la vocazione internazionale del nostro premio, ma allo stesso tempo felici di avere due autori italiani in finale: Flavio Soriga e Simona Baldelli. Per la prima volta nei libri finalisti compaiono temi di grande attualità come il cambiamento climatico e il matrimonio tra persone dello stesso sesso. Gli altri temi trattati vanno da esperienze di bullismo alla scoperta del coraggio di essere unici e diversi, all’amore; dall’amicizia tra una bambina e una signora anziana al viaggio, l’empatia verso gli animali, la storia riscoperta attraverso la memoria, la malattia e la morte. Un esercito di 14.000 ragazzi sta leggendo i libri finalisti, e saranno loro a decretare la classifica finale. Questo succede solo al Premio Letteratura Ragazzi di Cento.”

Il Premio Letteratura Ragazzi di Cento vanta una Giuria Popolare di oltre 14.000 ragazzi delle scuole di tutta Italia, da Palermo a Bolzano, con alcune classi di scuole italiane estere. Cinque giorni per rinnovare la gioia della lettura, trovare nuove motivazioni, confrontarsi con autori di fama internazionale, aprire lo sguardo e la mente verso un mondo ricco di stimoli culturali e ludici. Un coinvolgimento di ragazzi, insegnanti e famiglie, in uno scambio di idee, progetti e crescita personale.

Nel corso della conferenza stampa sono stati presentati il format del Premio e le anticipazioni sul ricco e originale programma del Festival. Inoltre, sono stati annunciati il vincitore del Premio Narrativa Illustrata, i 3 finalisti del XXI Concorso per Illustratori del PLR e i 15 illustratori selezionati per la mostra degli Illustratori.

Davide Bonazzi, Presidente del XXI Concorso per Illustratori del PLR, ha commentato: “La qualità delle opere in concorso era molto alta e la selezione finale ha premiato quelle che si sono distinte per originalità e freschezza del linguaggio, cercando di dare conto della grande varietà degli stili presenti. Poter scegliere tra tanta bellezza è stata un’esperienza stimolante e gratificante.”

Hanno partecipato alla sigla il sindaco del Comune di Pachino Giuseppe Gambuzza, il dirigente dell’Ufficio Turismo e Cultura Mariano Tusa, l’assessore all’Agricoltura e Viticoltura Salvatore Lentinello, il presidente di Vivi Vinum Pachino Walter Guarrasi, il presidente della Cooperativa Terre di Ebe Maurizio Campo.

Il Palmento, che risale al 1800, fu costruito in Sicilia dal Marchese Antonio Di Rudinì, purtroppo versa in stato di abbandono. Per il suo recupero il Comune di Pachino ha bandito l’affidamento: farne un Museo del Vino potrà tutelarne l’identità, saranno avviati i lavori di riqualificazione che ne valorizzeranno il pregio storico e NE garantiranno la fruizione in futuro. Continuano a concretizzarsi a Pachino, in provincia di Siracusa, gli ambiziosi orizzonti di Vino Connect Sicilia e del progetto “Il Credito Cooperativo acceleratore per lo sviluppo nelle aree dalla Val di Noto alla Val Di Mazara: terre dei vini“, gestito e coordinato dall’associazione Vivi Vinum in sinergia con la Bcc Pachino e la Bcc di San Cataldo, Federcasse, Confocooperative Sicilia, supportato da Azure Consulting e finanziato da Fondo Sviluppo Spa.

L’Associazione Vivi Vinum Pachino e la Cooperativa Le Terre di Ebe, già impegnate per creare sinergia tra le cantine del territorio per potenziare nel tempo la performance della Sicilia del vino, raggiungono un nuovo obiettivo. Il Museo del Vino che nascerà al Palmento Di Rudinì richiamerà l’attenzione di turisti e appassionati, produttori e cultori del vino, imprenditori e sommelier, università e scuole.

“L’isola che non c’è” è il titolo scelto per la X edizione del Triestebookfest, un omaggio all’immaginario di Peter Pan, ma anche una dichiarazione d’intenti: a Trieste esiste davvero un luogo dove fantasia, parole e creatività prendono vita. Per una settimana, da lunedì 28 aprile a domenica 4 maggio (e una continuazione dal 14 al 18 maggio), la città si trasforma in un arcipelago di storie e pensieri, con 45 eventi che vedono protagonisti 42 autrici e autori, italiani e internazionali, in dialogo con quasi 30 ambasciatori della cultura locale, ospitati in 13 diversi luoghi “in giro per Trieste”.

L’apertura ufficiale del Festival venerdì 2 maggio (dalle 17.30) al Teatro Miela – come sempre preceduta da una serie di eventi già da lunedì 28 aprile – è affidata a una voce autorevole: l’autrice Loretta Napoleoni, in dialogo con Cristiano Degano, Consigliere nazionale dell’Ordine dei Giornalisti, presenta in anteprima nazionale il suo ultimo libro “Tecnocapitalismo. L’ascesa dei nuovi oligopoli e la lotta per il bene comune”, un viaggio lucido e necessario nei meccanismi del potere contemporaneo, dove l’intelligenza artificiale, uno dei temi del Festival, occupa uno spazio sempre più preponderante.

Ideato e organizzato dall’Associazione culturale Triestebookfest, con la direzione artistica della Presidente Loriana Ursich, in coorganizzazione con il Comune di Trieste, con il contributo della Regione Friuli Venezia Giulia, il sostegno de Le Fondazioni Casali ETS e della Fondazione CRTrieste, la media partnership de Il Piccolo e il patrocinio di FERPI-Federazione Relazioni Pubbliche Italiana, il Festival letterario festeggia il decennale riprendendo il tema della prima edizione con la celebrazione del talento, raccontando il potere della creatività e dell’immaginazione.

Il programma della X edizione del Festival è stato illustrato con una conferenza stampa dalla Presidente del Triestebookfest, Loriana Ursich, e per il Comune di Trieste dall’Assessore alle politiche della cultura e del turismo Giorgio Rossi e dall’Assessore alle politiche dell’educazione e della famiglia Maurizio De Blasio.

“Un traguardo importante” – ha sottolineato la Presidente dell’Associazione Culturale Triestebookfest, Loriana Ursich – “per una realtà nata dalla passione di quattro donne che, nel 2015, hanno pensato di mettere insieme le loro competenze per realizzare il progetto di una manifestazione organica che parlasse di libri e di lettura in una città dalla grande tradizione letteraria come Trieste, che ne era priva. Ed è stata sin da subito pensata non come una mera carrellata di libri ed editori, ma che avesse un tema su cui dibattere e confrontarsi: creando un’isola che non c’era, uno spazio che mancava”.

“L’isola che non c’è – storie, persone e altri luoghi immaginari” – questo il titolo completo della X edizione – riprende i modi e i linguaggi tipici di questi dieci anni di Festival, allargando la visione con punti di vista diversi, capaci di coinvolgere un pubblico sempre più vario, attento e preparato. “Tre i filoni previsti, dedicati a creatività, talento e immaginazione” – ha anticipato Loriana Ursich – “con il ritorno, negli incontri con gli autori, delle scrittrici e degli scrittori che hanno fatto grande la storia del Triestebookfest insieme a nuove importanti proposte, con un confronto tra immaginario umano e artificiale (in collaborazione con il Festival Scienza&Virgola) e un focus dedicato alla lingua tedesca, slovena e croata (e non solo) e al ruolo importante della traduzione”.

“Stiamo vivendo tempi bui e dobbiamo combattere insieme una battaglia per un futuro migliore, anche sfruttando l’isola che è dentro di noi per riuscire a cambiare le cose” – ha affermato l’Assessore Giorgio Rossi, citando il titolo del Festival. “Un percorso che Triestebookfest porta avanti da tanti anni con l’obiettivo di promuovere la conoscenza, la comprensione della società, le aspettative culturali dei cittadini”. “La lettura di libri è un segnale di crescita indispensabile” – ha aggiunto l’Assessore Maurizio De Blasio – “e con il gioco, la fantasia, la curiosità e il piacere della scoperta, rappresenta un dono enorme che possiamo fare alla cittadinanza”.