Per ospitare questa donazione unica è stato concepito e realizzato un allestimento speciale che valorizza la ricchezza e la rarità dei pezzi. Il progetto tecnico delle sale, ideato dall’architetto Gabriele Pitacco in collaborazione con il team curatoriale del Museo Sartorio e realizzato dalla ditta Clemente Costruzioni e dalla falegnameria Burelli, è stato pensato appositamente per questa collezione, mentre la curatela scientifica è di Michela Messina, conservatrice del Museo Sartorio. Le due sale sono state studiate per offrire letture multiple: una dedicata alla porcellana italiana e l’altra alle manifatture del resto d’Europa, con ordinamento per manifattura, area geografica e sequenza cronologica. Ogni oggetto è stato posizionato con cura per garantirne la migliore leggibilità formale e decorativa, al servizio sia degli specialisti sia del pubblico.

 L’ambientazione, ispirata alle “grotte delle meraviglie”, crea un ambiente raccolto e suggestivo in cui le porcellane risplendono come gioielli. Ad accompagnare il visitatore alla scoperta della collezione è un’intera parete che mostra la mappa dell’Europa disegnata a mano, illuminata dai diversi marchi delle porcellane dislocate nelle loro città di origine, e dei testi che illustrano: la porcellana, il collezionista e la storia della collezione.

Le vetrine, realizzate da Goppion, eccellenza italiana presente nei più importanti musei mondiali, sono dotate delle più aggiornate tecnologie di sicurezza e conservazione.  I materiali scelti sono il metallo, il vetro extra chiaro antisfondamento e gli specchi. I moduli a parete, con fondo e base a specchio, offrono una visione ottimale a 360° delle porcellane e dei loro marchi, elemento essenziale per comprendere provenienza e valore. In ogni sala è presente una vetrina semicircolare ispirata alle British Galleries del Metropolitan Museum of Art di New York, che ospita i pezzi più pregiati; panche semicircolari, di cui una con tablet interattivo, invitano il pubblico a sostare e approfondire.

Un patrimonio nuovo per la città. La Collezione Lokar, con oltre 550 pezzi e più di 80 manifatture documentate, rappresenta un nucleo di eccezionale valore storico e scientifico per lo studio della porcellana europea del Settecento e dell’Ottocento. L’ingresso della collezione nel Museo Sartorio, con un allestimento creato ad hoc, arricchisce l’offerta culturale della città e accresce il prestigio della casa museo.

L’esposizione è promossa dall’Assessorato alle Politiche della Cultura e del Turismo, e realizzata con il contributo della Regione Friuli Venezia Giulia.

Il rapporto tra risorse naturali e potere politico non è un tema nuovo: dall’antichità fino ai giorni nostri, la disponibilità di acqua e cereali ha segnato confini, alleanze e conflitti. Nel volume Wheat and Water – Ancient, Present and Future Geopolitical Challenges, curato da Giuseppe Anzera e Tiberio Graziani, questo nesso viene analizzato in profondità, rivelando come grano e acqua non siano solo beni vitali, ma leve geopolitiche che modellano equilibri internazionali critici.

Una lente interdisciplinare sulla sicurezza delle risorse

Il libro, frutto di contributi di numerosi studiosi, si articola in quattro sezioni principali che offrono una lettura integrata delle dinamiche attuali e delle possibili evoluzioni future. Al centro dell’analisi sta l’idea che le risorse idriche e alimentari siano infrastrutture di potere: la loro gestione incide sulla sicurezza nazionale, sulle economie regionali e sulle relazioni tra Stati.

La prima sezione introduce il concetto di idropolitica, sottolineando come la scarsità d’acqua – accentuata dai cambiamenti climatici e da modelli di sfruttamento non sostenibili – sia in sé un fattore di instabilità. I curatori evidenziano numeri e previsioni: miliardi di persone vivono in condizioni di stress idrico e molte regioni sono costrette a confrontarsi con deficit cronici che compromettono sia l’agricoltura sia la coesione sociale.

Dinamiche regionali e fragilità transfrontaliere

Le sezioni successive si spostano dall’analisi globale a focus regionali, con contributi dedicati ai bacini idrici strategici e alle vulnerabilità specifiche di aree come il Mediterraneo, l’Africa nordorientale e l’Asia centrale. In queste geo-aree, la dipendenza dalle importazioni di grano, unita a reti idriche fragili, evidenzia come qualsiasi shock – climatico, politico o economico – possa tradursi in crisi alimentari con effetto domino.

Particolare attenzione viene riservata ai bacini transfrontalieri, dove la costruzione di grandi dighe o politiche di controllo delle acque può essere tanto strumento di sviluppo quanto causa di tensioni diplomatiche. Il caso del sistema del Nilo e delle controversie legate alle nuove infrastrutture in Etiopia è uno degli esempi più emblematici di come progetti idrici possano innescare rivalità di lunga durata tra Stati.

Grano, mercati globali e instabilità socio-politica

Un’altra parte significativa del volume affronta il legame tra commercio del grano e geopolitica economica: shock nei mercati, come quelli derivanti da conflitti o da interruzioni nelle filiere, alterano prezzi e disponibilità, con effetti diretti sulle popolazioni più vulnerabili. Le crisi alimentari degli ultimi anni, accompagnate da volatilità dei prezzi, hanno mostrato come la dipendenza da pochi grandi esportatori possa trasformarsi in fragilità sistemica.

In quest’ottica, la weaponization delle risorse – cioè l’uso strategico di forniture alimentari e idriche come strumenti di pressione politica – emerge come rischio concreto nei giochi di potere contemporanei, soprattutto nelle interazioni tra Nord e Sud del mondo.

Verso una governance delle risorse più equa e resiliente

Il volume non si limita alla diagnosi delle criticità: alcuni contributi esplorano anche prospettive politiche e tecnologiche per una gestione più sostenibile e cooperativa di acqua e cereali. Tra queste, si prendono in esame innovazioni nell’irrigazione, strumenti normativi internazionali e approcci di cooperazione multilivello che potrebbero attenuare tensioni e trasformare risorse vulnerabili in fattori di stabilità condivisa.

La visione complessiva che emerge è chiara: in un mondo caratterizzato da pressioni ambientali crescenti, instabilità politica e interdipendenze economiche complesse, la sicurezza alimentare e idrica non può essere affrontata con approcci settoriali o solo nazionali. Serve una governance che integri aspetti geopolitici, climatici ed economici in un quadro di cooperazione internazionale.

In conclusione, Wheat and Water pone al centro del dibattito globale due risorse spesso date per scontate ma fondamentali per la vita umana e per l’equilibrio tra Stati. Analizzando connessioni antiche e sfide future, il volume invita a considerare la sicurezza dell’acqua e del cibo non solo come problema tecnico-amministrativo, ma come nodo cruciale delle relazioni internazionali nel XXI secolo.

Belli Art House è lieta di invitarvi il 5 gennaio 2026, a partire dalle ore 18.00, al finissage della mostra Al limite, a concludere il progetto espositivo che mette in dialogo le ricerche pittoriche di Matteo Nuti e Marco Salvetti, in collaborazione con la galleria Cardelli e Fontana.

Al limite è stata la mostra inaugurale dello spazio e del percorso espositivo di BAH, in cui passato e presente si intrecciano per generare nuove visioni grazie al dialogo con la Collezione Belli, una raccolta d’arte moderna e contemporanea che riflette la passione umanistica e le relazioni personali di Silvio Belli con numerosi artisti attivi in Versilia tra gli anni Sessanta e Novanta.

Vi aspettiamo per un momento conviviale di scambio di auguri per il nuovo anno, accompagnato da bollicine e panettone.

Durante la serata Laura Brignoli, di Contemporary Art Advisory, sarà disponibile per letture di tarologia con i tarocchi di Oswald Wirth, esoterista, artista e scrittore svizzero a cavallo tra ‘800 e ‘900. I tarocchi di Wirth sono lontani da una funzione meramente divinatoria e uniscono arte, filosofia e ricerca interiore attraverso un segno grafico essenziale. Integrando un ricco simbolismo occulto, offrono un’esperienza di lettura suggestiva, in dialogo con i temi della mostra.

Halsman diventa fotografo nella Parigi degli anni Trenta, a stretto contatto con l’ambiente surrealista da cui impara a guardare la realtà con sguardo straniato, innovativo, pieno di inventiva e creatività. Il talento come ritrattista è da subito evidente, sorretto da una tecnica accurata e dalla possibilità di dare a ogni volto, per ogni occasione, una freschezza e una intensità particolare, ottenuti anche sperimentando tecniche e macchinari. Quando nel 1940 arriva a New York, porta la sua sensibilità europea, l’attenzione piscologica, il gioco dei caratteri e la voglia di inventare nelle pagine delle grandi riviste come Life rivoluzionando, in questo modo, il ritratto.

Tutti sono passati di fronte al suo obiettivo: politici come Churchill e Kennedy, divi del cinema come Marilyn Monroe, Humphrey Bogart, Yves Montand, Barbra Streisand, scienziati come Einstein e Oppenheimer, artisti come Pablo Picasso e Marc Chagall e soprattutto Salvador Dalí con cui, in anni di collaborazione crea una galleria unica di immagini straordinarie, oniriche e surreali in cui l’artista e il fotografo si fondono magicamente. 

Per ogni soggetto, Halsman riesce a cercare un set particolare, una piccola performance.  Le sue immagini sono uniche, a metà tra documento e invenzione, come è proprio nella tradizione dei grandi ritrattisti cui è chiesto di interpretare il soggetto facendolo emergere, o nascondere, dietro il suo personaggio anche a costo di inventare una forma particolare, personalissima, di documento fotografico.

In mostra anche la celebre serie di “jumpology” con divi e personalità che accettano letteralmente di saltare di fronte al suo obiettivo creando un carosello di immagini giocose e dinamiche, originali nella loro realizzazione grafica e nella forza rappresentativa. Tutti si prestano al “gioco” di Halsman, alla dolce tortura di essere fotografati in uno studio, con luci, fondale e macchinari ingombranti. “Quando chiedi ad una persona di saltare tutta l’attenzione è concentrata sull’atto di saltare, e così la maschera cade ed ecco che si mostra la persona dietro di essa” (Philippe Halsman).

Nella sua carriera Halsman ha firmato oltre 101 copertine di Life, più di qualunque altro fotografo; ha creato ritratti straordinari per forza e indagine psicologica. “Lampo di genio” raccoglie tutto questo e presenta al pubblico un autore straordinario e un testimone della nostra storia recente.

In esposizione 100 immagini di diversi formati, tra colore e bianco e nero, volumi originali e documenti che ripercorrono l’intera carriera del grande autore.  Accompagna la mostra il catalogo edito da Contrasto.

L’evento espositivo della stagione 2025/2026 a Palazzo Pinato Valeri, sarà inoltre sfondo tematico e ispirazione a molte delle azioni del progetto CQFP Come Quando Fuori Piove, finanziato dalla Presidenza del Consiglio dei Ministri Dipartimento per le politiche della famiglia per iniziative rivolte a contrastare la povertà educativa e l’esclusione sociale dei bambini e dei ragazzi. Il progetto presenta un’azione specifica, “Jump Art”, diretta alla realizzazione di laboratori e attività mirate a esplorare concetti di introspezione (autoritratto), superamento, passaggio e leggerezza (salto), offrendo a bambini, giovani e famiglie originali strumenti per affrontare il disagio e l’emarginazione con nuove consapevolezze.

Curata da Alessandra Mauro e Suleima Autore in collaborazione con l’Archivio Halsman di New York, la mostra è promossa e prodotta da Città di Piove di Sacco (PD)|Cultura e Contrasto, con l’importante sostegno di BCC VENETA Credito Cooperativo S.C.. L’iniziativa è realizzata in collaborazione con la Camera di Commercio di Padova e Venicepromex. Il catalogo è edito da Contrasto.

Il suo nuovo lavoro si intitola Eden. Il Giardino dell’anima. L’Eden che Anna Caterina prova a scoprire e a portarci è un luogo dove uomo e natura, corpo e materia si ascoltano in silenzio. Nel punto in cui si sfiorano accade qualcosa, una forma viva prende respiro.

Le immagini non raccontano una storia, ma una soglia: un luogo dove la percezione diventa presenza e dove l’umano non domina, ma accoglie.

Questo percorso trova la sua più compiuta sintesi concettuale e visiva nella sala principale di Palazzo Tubertini, sede di Azimut a Bologna, che diventa il cuore pulsante dell’esposizione.

L’ambiente, caratterizzato da ampie vetrate in ferro battuto, da un soffitto che richiama l’architettura di una serra e da colonne decorate, evoca con forza l’atmosfera dei Giardini d’Inverno vittoriani e Liberty. Un luogo sospeso tra interno ed esterno, tra natura e architettura, che diventa metafora visiva ed emotiva del progetto espositivo.

La mostra presenta diciassette opere fotografiche, un numero carico di significati simbolici. È tradizionalmente associato alla speranza, alla trasformazione spirituale, alla realizzazione del desiderio e all’immortalità dell’anima. Rappresenta un cammino di evoluzione e crescita interiore, riflettendo il bisogno di mutamento e di libertà che attraversa l’universo femminile al centro della ricerca dell’artista.

Le foto, come da tratto distintivo di Anna Caterina, sono stampate su chiffon in seta con ricami in Lurex color oro a creare dei piccoli e delicati contrappunti all’interno dell’immagine.

La selezione iconografica si articola attorno a nuclei tematici precisi.

Le figure femminili, incarnazione dell’anima della donna, sono interpretate dalla figlia dell’artista, elemento che introduce un profondo livello di autenticità legato alla maternità, all’identità e alla continuità generazionale.

Elementi centrali della narrazione visiva sono la farfalla, simbolo universale di trasformazione, rinascita ed evoluzione dell’anima, e i dettagli botanici. I primi piani di piante come Monstera deliciosa, papiro ed edere rampicanti richiamano il vocabolario decorativo dell’Art Nouveau e del Liberty, che celebravano la vitalità, la sinuosità e la forza generativa della natura.

Infine le ombre, spesso avvolgenti le figure, assumono un ruolo simbolico potente: rappresentano l’inconscio, il paesaggio interiore e le zone non illuminate dell’identità femminile, suggerendo una dimensione introspettiva e psicologica che attraversa l’intera esposizione.

L’esperienza della mostra è completata da un allestimento sensoriale e multimediale che amplifica il concetto di giardino interiore. È stato creato infatti un brano musicale che lo accompagnerà, una rielaborazione curata dal produttore musicale Giorgio Cencetti. La composizione unirà brani di musica classica moderna a un tappeto sonoro tipico dei giardini d’inverno, includendo il cinguettio dei passeriformi all’interno delle voliere e il suono ambientale della pioggia che colpisce il vetro della serra.

Nella sala secondaria, a sinistra dell’ingresso, un video mapping di una fontana proiettato sulla parete introduce l’elemento dell’acqua, simbolo di emozione, vita e flusso interiore, evocando al contempo il lusso decorativo dei giardini d’inverno storici.

Il corridoio d’entrata diventa infine un percorso intimo verso l’inconscio. Qui, due installazioni guidano il visitatore: sul fondo del corridoio, la proiezione di un’ombra femminile che sussurra una frase e batte le ciglia accompagna simbolicamente l’ingresso nel “Giardino dell’anima”; nella sala adiacente a destra, un video mapping di rami e foglie mossi dal vento simula la luce filtrata da una vetrata, alludendo al mondo esterno che sfiora delicatamente la serra.

Eden. Il Giardino dell’anima si configura così come un’esperienza immersiva e poetica, in cui fotografia, spazio, suono e immagine in movimento concorrono a costruire un racconto intimo e universale sul femminile, sulla trasformazione e sulla ricerca di un luogo interiore di armonia.

“Attraverso dettagli fugaci — una spalla nuda accarezzata da una farfalla, l’edera che si arrampica su un muro antico, la pelle che si fa corteccia — si dischiude un mondo in cui ogni forma vivente è eco dell’altra. Il corpo si fa paesaggio e la natura assume tratti umani. Come nei manifesti di Mucha o nelle architetture vegetali di Gaudí, anche nel mio progetto ogni immagine si fa ornamento, ogni frammento si lega con l’altro in un fluire armonioso di forme e sensazioni. Fiori che sembrano sussurrare, fontane che si aprono come petali d’acqua, cortecce che portano i segni del tempo: sono tracce, segni lasciati dalla natura sulla pelle del mondo, e viceversa. Non si tratta solo di osservare, ma di sentire il battito comune che unisce ciò che cresce, si trasforma, si posa, respira. Un invito alla tenerezza, alla cura, alla consapevolezza di far parte di un tutto più grande. In un tempo in cui il legame con la natura è spesso spezzato o dimenticato, vorrei suggerire una bellezza che non urla, ma sussurra. Una bellezza che si arrampica silenziosa come l’edera, si posa lieve come una farfalla, e ci ricorda che vivere è appartenere.”

La collezione Angelus ex Aqua prende forma dalle barene veneziane, luogo simbolico in cui acqua, fango e terra si fondono. Da questa materia primordiale affiorano angeli silenziosi, portatori di un messaggio che oggi appare soffocato, ridotto a un sussurro: l’uomo contemporaneo non sa più ascoltare, vive distratto dall’effimero, lontano dalla propria essenza spirituale.

Incontrare questi angeli, in un momento particolarmente intenso della sua vita, ha rappresentato per l’artista un viaggio nel vuoto dell’anima: uno spazio assoluto in cui ciascuno è chiamato a riconoscere i segnali che l’Universo invia. Angelus ex Aqua è una collezione profondamente autobiografica, nata da un’esperienza esistenziale e trasformata in un racconto universale che abbraccia l’intera umanità.

Le opere si distinguono per una sapiente distorsione delle figure, emerse dal caos materico del gesso di Bologna, che richiama la terra e il fango delle barene. I volti, segnati da piccoli occhi arcaici e da un’espressione di struggente malinconia, restituiscono un senso di smarrimento collettivo. L’uso dell’oro, cifra distintiva del lavoro di Baffo, intensifica la forza cromatica dei dipinti, donando eleganza e sacralità alle immagini.

La pittura di Gino Baffo si inserisce nel solco dell’informale del Novecento, dove le immagini si liberano dalla rigidità della forma per recuperare il flusso del sentire. Spazio e tempo si dissolvono, mentre la forza espressiva diventa più densa della materia stessa. È una pittura del malessere, che riflette una condizione oggi non più individuale ma collettiva.

Mai come in questo momento storico la distanza dell’uomo dal Bene sembra confermare come la parola Umanità non trovi più piena corrispondenza nell’essere umano. Gli Angeli Legati, dal capo chino e dallo sguardo triste, si fanno così archetipi di tenerezza, amore e compassione: valori che dovrebbero accompagnare la crescita e l’esistenza dell’uomo sulla Terra, ma che appaiono sempre più lontani in un mondo iperconnesso e spiritualmente disorientato.

Uomo e Natura procedono sugli stessi binari, legati da una simbiosi profonda, eppure domina l’indifferenza. Il mondo si consuma mentre l’uomo, sempre più fragile e confuso da un materialismo sottile e pervasivo, si allontana dalla propria essenza. In questo scenario l’arte assume un ruolo necessario e responsabile. Come afferma l’artista: «L’Arte ha il dovere di portare un messaggio universale all’essere umano. Angeli Legati è stata una rivelazione improvvisa, una collezione di opere dal grido forte, un monito rivolto a tutti».

L’esposizione presenta otto opere inedite della collezione Angelus ex Aqua. Angeli legati è stata allestita intorno alla Scalea reale, valorizzando uno degli spazi più iconici del Padiglione delle Navi. Questa scelta contribuisce sia a esaltare la dimensione intima e sospesa della serie Angelus, sia a rafforzare il Padiglione delle Navi come nuova destinazione dedicata alla valorizzazione culturale, capace di ospitare dialoghi tra patrimonio storico e creatività contemporanea di rilievo locale e internazionale.

Gino Baffo – Profilo

Gino Baffo nasce a Venezia nel 1957, città che da sempre ispira la sua ricerca artistica. Inizia giovanissimo il suo percorso nell’arte con un apprendistato nella bottega di restauro del Maestro Barutti, dove sviluppa un profondo rapporto con i pigmenti e la materia, poi consolidato dagli studi all’Accademia di Belle Arti di Venezia. Dai primi anni Duemila la pittura diventa il fulcro della sua pratica, evolvendosi in un linguaggio personale e riconoscibile, fortemente legato alla laguna veneziana e alle barene.

Nel 2024 due opere della serie Barene entrano nella collezione privata della Banca d’Italia. Nello stesso anno presenta la mostra BARENE a Ca’ di Dio, nell’ambito del Blue Friday promosso dall’UNESCO, dedicato alla tutela degli oceani e alla sostenibilità ambientale.

Le sue opere, caratterizzate da cromie dense e materiche, restituiscono l’anima viva e mutevole di Venezia, tra acqua e terra, in una ricerca costante dell’essenza e della memoria dei paesaggi lagunari. 

Nel 2024 il valore e l’autenticità della sua produzione pittorica e scultorea vengono certificati dal critico e storico dell’arte Saverio Simi De Burgis.

WEBSITE https://www.ginobaffoart.com/ 
INSTAGRAM @ginobaffo.art

IL MUNAV – Note

Il Museo Storico Navale di Venezia è oggi il più importante nel suo genere in Italia e consente di riscoprire e rivivere la storia della Marina Militare Italiana e di una grande ex Repubblica Marinara come Venezia. Le sale del MUNAV custodiscono cimeli, modelli e documenti che raccontano secoli di storia della Marina e il profondo legame di Venezia con il mare. Nel Padiglione delle Navi, sarà possibile ammirare imbarcazioni storiche e mezzi che testimoniano l’evoluzione della tecnica e del servizio navale, mentre il Sommergibile Enrico Dandolo, uno dei primi quattro sottomarini progettati durante la Guerra Fredda, inviterà i visitatori a salire a bordo per salire a bordo e scoprire la cabina di manovra e la camera di lancio dei siluri. Il MUNAV è di proprietà del Ministero della Difesa che, attraverso la Marina Militare, custodisce i valori e la cultura della Forza Armata. È inserito nel circuito dei 15 Musei Militari affidati a Difesa Servizi dalle Forze Armate ed è il più importante museo navale in Italia 

D’UVA s.r.l. – Note

Da marzo 2024 D’UVA S.r.l. gestisce il Museo Storico Navale di Venezia della Marina Militare per conto di Difesa Servizi e ha dato inizio al processo di valorizzazione del MUNAV che coinvolge i diversi settori del sito museale – dalla comunicazione, all’accoglienza, agli allestimenti e i servizi al pubblico – per rispondere agli standard dei musei internazionali e per rendere speciale e unica l’esperienza di visita.

Il recupero del prezioso e raro manufatto è avvenuto grazie alla consolidata cooperazione tra gli Uffici di Polizia esteri e i militari in servizio nelle sedi del Comando Carabinieri Tutela Patrimonio Culturale dislocate sul territorio nazionale. Nel caso di specie, l’attività è stata seguita congiuntamente con l’Ufficio del Procuratore Distrettuale di New York e la Homeland Security Investigations statunitense. Le predette autorità estere hanno informato il Comando Carabinieri TPC dell’avvenuto recupero così da poter predisporre il rimpatrio per la restituzione all’Italia dei beni archeologici, provento di scavi illeciti, ricettazione ed esportazione illecita ai danni dello Stato italiano. Il sodalizio criminale ha avuto inizio con diversi soggetti italiani, già interessati da attività di indagine, che si affidavano a bande di tombaroli per saccheggiare siti archeologici nazionali accuratamente scelti e non sufficientemente sorvegliati. Dopo averli saccheggiati, i trafficanti facevano in modo che i reperti venissero puliti, restaurati e forniti di una falsa provenienza, prima di metterli in vendita presso case d’asta, istituzioni museali e gallerie di tutto il mondo.

A conclusione delle complesse attività di riscontro eseguite dai Carabinieri del Comando Tutela Patrimonio Culturale, è stato possibile accertare la corrispondenza tra la statuetta in bronzo del guerriero etrusco, localizzata nel territorio degli Stati Uniti d’America, e quella oggetto del furto in danno del Museo Civico Archeologico di Bologna, consentendo in tal modo il recupero e la restituzione al Museo per la pubblica fruizione del manufatto.

Un quadro deve fiorire come qualcosa di vivo. Deve afferrare qualcosa di inafferrabile: il fascino e il profondo significato di quello che ci sta a cuore

Marc Chagall

Il ricco ed avvincente percorso espositivo, articolato nelle quattordici sale di Palazzo dei Diamanti, si chiude con un’opera emblematica ed eloquente, il grande dipinto ad olio su tela intitolato La Pace, eseguito da Chagall nel 1949, dopo il suo rientro in Francia dal lungo soggiorno in America, dove si era rifugiato, otto anni prima, per sfuggire alla minaccia del nazismo. Dopo la tragedia della guerra e dell’olocausto, Chagall affida il suo messaggio di speranza a una colomba bianca, simbolo universale di pace. L’uccello, che traporta un libro aperto sulle cui pagine si leggono “La Vie” e “La Paix”, è macchiato di rosso, come il colore del sangue versato. In basso due innamorati, probabilmente l’artista stesso e la prima moglie Bella, e i tetti della mai dimenticata città di Vitebsk, dove era nato nel 1887, evocano temi centrali della sua poetica come l’amore e la memoria. Marc Chagall, che avendo vissuto in prima persona i conflitti del secolo scorso sapeva quanto la pace fosse preziosa e contempo fragile, disse: «Sento che il nostro problema oggi è soltanto uno: unirci. Radunare quello che resta di noi dopo il disastro, riempire i nostri cuori di propositi nobili». Il suo straordinario dipinto, che parla del suo tempo e anche del nostro, dimostra come egli sia riuscito, come pochi altri, a trasformare l’esperienza personale in una potente riflessione condivisa, il dolore e la difficoltà in bellezza e gioia di vivere, l’immagine in emozione e poesia.

Durante le festività natalizie la mostra Chagall, testimone del suo tempo rimarrà aperta tutti i giorni, compresi giovedì 25 e venerdì 26 dicembre e giovedì 1° gennaio, con il consueto orario: 9.30-19.30 (chiusura biglietteria ore 18.30).

Sono inoltre in programma visite guidate speciali per singoli visitatori: il 31 dicembre e il 1° e 6 gennaio alle 15.30, il 26 dicembre alle 15.30 e alle 17.00. Per informazioni e prenotazioni: raccontarearte@gmail.com, 339 1969869.

Sabato 3 gennaio alle 17.30, per le famiglie con ragazzi dai 6 ai 12 anni, è in calendario una visita animata con laboratorio dal titolo Un’altra storia ancora, signor Chagall, un’opportunità per far conoscere il genio del grande artista russo anche ai più piccoli. Per prenotare o saperne di più: info@senzatitolo.net

Informazioni: www.palazzodiamanti.it