Nato nel 1954, da padre francese e madre italiana, dopo diverse attività negli ambienti della scena culturale milanese, in particolare con la compagnia milanese Teatro AlKaest, Jean Marie Barotte abbraccia il mondo del teatro di ricerca, che lo porta a vivere l’esperienza di attore, diretto dal grande regista e pittore Tadeusz Kantor. A partire dalla fine degli Ottanta, forte degli anni di sperimentazione trascorsi al fianco del grande regista, in Barotte nasce l’esigenza di sviluppare un proprio linguaggio, realizzando i suoi primi disegni, durante le tournée, nelle camere d’albergo in giro per il mondo. Da qui inizia il suo percorso come artista, per dare una nuova forma al proprio pensiero, giungendo così alla pittura.

Il mondo espressivo dell’artista ha la fisionomia del viaggio interiore, viaggio che prende spunto e ispirazione dalla letteratura e dalla filosofia: i legami con l’opera letteraria di Edmond Jabès, l’opera poetica di Paul Celan, il percorso spirituale di San Juan de la Cruz, l’opera filosofica di Jacques Derrida, ispirano l’artista in una continua narrazione filosofico-pittorica. Le sue opere testimoniano una profonda riflessione, formale e concettuale, maturata di pari passo col suo cammino intimo; quel cammino che nella serie ispirata alla Noche oscura del alma di San Juan de la Cruz conduce dall’oscurità alla luce. I neri vellutati fanno affiorare un lontano barlume e rivelano una via alternativa all’oscurità, dando forma a quel continuo dialogo dell’esistenza con l’orizzonte fragile della finitudine.

Le opere di Jean-Marie Barotte sono soglie che si affacciano verso visioni di mondi, che l’artista svela allo spettatore, rendendolo partecipe. Ognuna di queste soglie ci esorta alla meditazione e ci invita ad abbandonare il flusso dei nostri pensieri; crea le condizioni formali per condurci davanti all’abisso per contemplarlo senza paura.

L’allestimento trasformerà per la prima volta gli spazi della Fabbrica del Vapore in un labirinto di stanze, come studioli claustrali o piccole wunderkammer, connesse fra loro a evocare la linea del tempo, il flusso dei pensieri e quel margine di demarcazione fra ambienti e mondi diversi, ma allo stesso tempo comunicanti.

La mostra traccia la riflessione dell’artista dal 1987 con Au commencement était le signe, l’inizio del suo percorso pittorico durante le tournée internazionali con il teatro, fino a Tout se tient en équilibre précaire, realizzato nel dicembre 2020, un mese prima della sua morte.

L’iter della mostra si configura come un cammino iniziatico costituito da nove stanze tematiche: La Stanza del teatro, Au commencement était le signe e Il giardino segreto, Méditations érotiques, La noche oscura, Voyage de l’âme, NEROCENERE, Cosmografie, l’Installazione Ultima Suite,  e Tout se tient en équilibre précaire.

Il metodo di lavoro di Barotte procede per sottrazione: togliere quanto più è superfluo e soggettivo per avvicinarsi all’essenza dell’oggetto di studio.

Il senso profondo dei suoi silenzi e delle sue assenze è da considerarsi una lunga meditazione che si manifesta attraverso la sua ricerca, le materie impalpabili, le forme, i segni, i neri alchemici dai quali emerge la luce e il colore. La sua pittura si esprime come una poesia muovendosi tra continui rimandi filosofici. Jean-Marie Barotte, nel corso della sua inesausta ricerca sui mezzi e sul linguaggio della pittura, ha creato il suo proprio nero fumo attraverso una tecnica personale, sedimentando con ritualità la cenere, “ciò che resta del fuoco”. Jean-Marie Barotte ha usato la scrittura poetica e filosofica come detonatore pittorico, affidando all’immagine ciò che il fuoco lasciava.

“L’eredità ideale dei classici ha portato Barotte a riflettere – sottolinea la curatrice Chiara Gatti – sul linguaggio stesso della pittura contemporanea come frutto di una rilettura del passato e della sua interpretazione in chiave attuale. Segno, tono, velo, nero e luce fanno infatti parte di un lessico che deve le sue origini all’insegnamento di autori del XVII secolo che hanno studiato l’ombra come luogo delle possibilità. Il modello caravaggesco, gli splendori del Siglo de Oro spagnolo o l’identità indelebile della cultura olandese, da Gerrit van Honthorst a Rembrandt van Rijn, hanno alimentato lo studio di Barotte e la sua vocazione a una poetica del buio. La sua vasta formazione letteraria, i testi di Edmond Jabes o di Jacques Derrida, attorno ai quali ha forgiato una narrazione intima tradotta in gesti e colori, ha attinto anche a fonti visive radicate nell’eredità dei grandi pittori fiamminghi, in quell’acuto senso del sacro che sposa il profano all’interno dei dipinti a olio di un’epoca dedita ai temi eterni e giganteschi della vanitas e del memento mori. L’analisi dell’opera ancora inedita di Jean-Marie Barotte rivelerà così aspetti inesplorati del suo legame con una tradizione iconografica che ha attraversato l’Europa del Seicento e vede la sua pittura odierna come il risultato di una profonda assimilazione di tali premesse mescolate, però, al vocabolario informale del Novecento e, soprattutto, a quel lato filosofico dell’epicentro parigino, erede degli studi di Georges Bataille.” Chiara Gatti

“Il piccolo formato utilizzato da JMB è il desiderio di trasportare su tela il gesto minimo, sussurrato più che tracciato dall’azione del pittore. Si tratta di un’approssimazione al silenzio che squarcia il campo del vedere per aggiornare lo sguardo oltre l’immediatezza del nostro reale. Riporta a uno spazio della cura che significa inclinazione verso l’altro, anche quando l’altro è la minuta superficie che accoglie i colori.” Marco Bazzini

La mostra sarà accompagnata da un catalogo monografico edito da Silvana Editoriale con testi critici di Marco Bazzini, Chiara Gatti, Sara Chiappori, Federico Crimi. Direzione artistica Maria Cristina Madau.

È per questo che WeWorld, organizzazione italiana indipendente impegnata da oltre 50 anni con progetti di cooperazione allo sviluppo e di aiuto umanitario per garantire i diritti di tutte le persone a partire dalle comunità più vulnerabili, che da anni si impegna per promuovere la giustizia mestruale in Italia e nel mondo, ha chiesto a CHEAP, collettivo di arte pubblica, di realizzare la campagna “Legalize Mestruazioni” proprio per rompere con un tabù ormai logoro e aprire una conversazione pubblica sui temi della giustizia mestruale.

CHEAP, progetto di arte pubblica tra i più riconosciuti e apprezzati in Italia, e che attraverso l’uso della carta come supporto espressivo dal 2013 esplora il legame profondo tra arte, attivismo e spazio pubblico, ha ideato una campagna di manifesti con lo scopo di nominare l’innominabile: la parola MESTRUAZIONI campeggia a lettere cubitali sui poster, aprendo un dialogo nello spazio pubblico della città di Bologna, su oltre 25 bacheche. “Legalize Mestruazioni” mette al centro i diritti mestruali come diritti umani, parla di tampon tax, interpreta come forma equa di welfare il congedo mestruale, promuove il superamento della povertà mestruale chiedendo una cosa davvero molto semplice: giustizia per le persone che hanno le mestruazioni.

“Non se ne deve parlare, non vanno nominate. Quando le abbiamo, le dobbiamo nascondere. Se stiamo male, non possiamo dirlo. Sembra un romanzo di Chuck Palahniuk e invece sono le nostre mestruazioni di cui molto semplicemente non dovremmo parlare. E ancora, non sono professionali, non sono sexy, non sono pulite, non sono interessanti. Non riguardano tutti, sono una “cosa da donne”. A questo punto, ci è venuto il dubbio che non fossero nemmeno legali: da qui il titolo della campagna, Legalize Mestruazioni”, così spiegano da CHEAP.

Dall’abbattimento di stigma e tabù su mestruazioni e menopausa, all’introduzione dell’educazione alla sessualità e all’affettività nelle scuole e del congedo mestruale (anche al lavoro), l’impegno di WeWorld nasce con l’obiettivo di portare al centro le persone che hanno le mestruazioni, creando consapevolezza su tutti i diritti connessi alla salute mestruale e dando vita a un movimento che possa creare dei cambiamenti concreti, per garantire i diritti mestruali a tutte le persone.  

“Quello che serve è adottare un’ottica di giustizia mestruale. Quando c’è giustizia mestruale, tutte le persone che hanno le mestruazioni possono accedere ai prodotti mestruali che desiderano, sono libere di decidere per il proprio corpo, ricevono adeguate informazioni, possono vivere il proprio ciclo libere da stigma e da disagio psicologico e non sono limitate nella partecipazione alla vita sociale,” spiega Martina Albini, responsabile del Centro Studi di WeWorld. “Il nostro Paese deve dotarsi di un’agenda per la giustizia mestruale, perché le mestruazioni non sono solo una questione personale, ma una questione di diritti umani e salute pubblica. Organizzazioni come la nostra possono fare la differenza, promuovendo una narrazione non stereotipata delle mestruazioni e facendo pressioni, non solo in Italia, ma anche nei Paesi in cui interveniamo, affinché vengano adottate politiche consapevoli perché la giustizia mestruale diventi realtà. La campagna Legalize Mestruazioni vuole aprire un dibattito pubblico per portare al centro le persone che hanno le mestruazioni“.

I poster della campagna “Legalize Mestruazioni” di CHEAP sono stati affissi sulle 25 bacheche della centralissima Via dell’Indipendenza a Bologna, dove rimarranno per un mese nel tentativo di stimolare una conversazione non giudicante sulle mestruazioni, sui temi sociali e politici che in maniera intersezionale sono stati oggetto della ricerca e del lavoro di WeWorld, in Italia e all’estero.

SCOPRI TUTTO IL PROGRAMMA.

Edson Luli è vincitore del premio internazionale “Giovan Battista Calapai e Theodora van Mierlo Benedetti”, titolato a “Piero Gagliardi” curatore sino al 2022 del progetto A-Head, promosso dalla Onlus Angelo Azzurro. L’opera di Luli parla di libertà come lo stesso artista afferma: “La vera libertà sorge quando la mente è libera dal condizionamento, dall’attaccamento e dai vincoli del passato. Quando la mente è veramente libera, non è vincolata dalle limitazioni imposte dalla scelta”. Nelle insegne LED Luli scrive “WHEN YOU ARE FREE, THERE IS NO CHOICE”, una frase di Krishnamurti. Le prossime opere vincitrici del Premio Calapai titolate a Piero Gagliardi, arricchiranno la collezione permanente del MUSMA.

Sabato 12 ottobre in occasione della Giornata del Contemporaneo verrà pubblicato sul sito web e sul canale Youtube del Museo, un primo video che anticiperà una serie più ampia di visite guidate attraverso realtà virtuale e verrà presentata l’installazione site-specific dal titolo Linfa Grezza. Promossa da AMACI – Associazione dei Musei d’Arte Contemporanea Italiani, la Giornata del Contemporaneo che dal 2005 porta l’arte contemporanea al grande pubblico, ha scelto come tema l’accessibilità, nella sua accezione piùampia. Il MUSMA ha molto a cuore il tema dell’accessibilità dei luoghi della cultura, specialmente in una città come Matera. Situato in un palazzo del XVI secolo nel cuore dei Sassi di Matera è una peculiarità che rende il MUSMA unico che rappresenta anche una delle maggiori criticità del museo. I Sassi sono inaccessibili per chi ha una disabilità motoria e di conseguenza è impossibile per molte persone raggiungere il museo. Per questo motivo Synchronos, l’impresa di gestione del MUSMA insieme al videomaker argentino Pablo Monton, sta realizzando un progetto di digitalizzazione di tutti gli spazi del museo che saranno presto visitabili attraverso video a 360° e visori VR Cardboard, accompagnati da una visita guidata ad hoc, per permettere ad un pubblico più vasto di fruire degli spazi suggestivi di Palazzo Pomarici e della collezione permanente di sculture del MUSMA.

Sempre nella serata del 12 Ottobre, verrà presentata l’installazione permanente Linfa Grezza, realizzata da Saul Saguatti, Luca Centola e Antonio Colangelo, a cura di Simona Spinella che entra a far parte della collezione permanente del Musma e nel primo ipogeo del MUSMA dalle 19.30 alle 23.00 avrà luogo la performance Linfa Grezza, con Saguatti per le immagini e Colangelo per le musiche.

Programma: Venerdì 11 ottobre alle ore 17.00 Installazione opera “The divided brain”  di Edson Luli

DOVE: Palazzo Pomarici – Via San Giacomo (Sasso Caveoso) Matera Inaugurazione ad INGRESSO GRATUITO
Orari apertura: Lun/Dom 10 – 1

L’appuntamento è per venerdì 4 ottobre alle ore 20:30 presso la sede di Rimorchi Bertoja, a Pordenone in Via Malignani 6. Sul palco un artista funk riconosciuto in tutto il mondo: Sir Waldo Weathers & Henry Carpaneto Organ Trio. Cantante, sassofonista e vero entertainer, Sir Waldo Weathers ha militato nella storica band di James Brown per più di 15 anni, vanta esperienze con The Nite-Liters 1968-70, Charley Pride, Johnny Taylor, Phil Collins e ora sta promuovendo i propri lavori discografici. In questo tour è accompagnato dalla formazione di uno dei migliori pianisti blues d’Europa, l’Henry Carpaneto Organ Trio completato da Livio Marconi alla chitarra e Lorenzo Bergamino alla batteria.  Il concerto è a ingresso libero, con prenotazione obbligatoria dal sito: https://www.jazzinsieme.com/jazzinsieme-factory-2024/.

Il concerto è garantito anche in caso di pioggia. 

JAZZINSIEME – la Storia del Jazz in Friuli-Venezia Giulia

La storia di Jazzinsieme inizia negli anni ’80, quando il sassofonista Gaspare Pasini fondò il Festival jazz che ha portato il gotha del jazz mondiale a Pordenone in una manciata di edizioni: basti pensare che tra iprotagonisti di questa prima fase del festival ci sono stati Woody Shaw, Joe Farrell, Tony Scott, Elvin Jones, Michael Brecker, Phil Woods, Chet Baker e Woody Herman e molti altri.

Nel 2019 l’Associazione Culturale Blues In Villa APS ha deciso di ri-fondare il Festival, mantenendo il logo e la linfa vitale originali e donando un nuovo jazz festival a Pordenone. Le 6 edizioni già trascorse di Jazzinsieme hanno ospitato nomi del calibro di John Scofield, Billy Cobham, Richard Bona, Avishai Cohen, RYMDEN, Kurt Elling, Charlie Hunter, Fabrizio Bosso, Enrico Merlin, Gegè Telesforo, Gianpaolo Rinaldi Trio, Gianluca Petrella, Izo Fitzroy, Calderazzo-Patitucci-Weckl.

Jazzinsieme Factory è realizzato dall’Associazione Culturale Blues In Villa APS con la collaborazione ed il supporto di Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia, Confindustria Alto Adriatico, Cooperativa Sociale Itaca, Baker Tilly Hidra Sb e importanti partner privati quali OESSE, Rimorchi Bertoja, Kristalia, ArteRitmi.it.

Informazioni

JAZZINSIEME

Sito: www.jazzinsieme.com
E-mail: info@jazzinsieme.com
FB: www.facebook.com/jazzinsieme
IG: www.instagram.com/jazzinsiemefestival/
LinkedIn: www.linkedin.com/company/associazione-culturale-blues-in-villa/
Youtube: www.youtube.com/@Jazzinsiemefestival

Il programma si apre con Good Vibrations, le buone vibrazioni tra musica e letteratura in cui quattro scrittori contemporanei raccontano la mitologia dell’Olimpo della popular music attraverso le proprie interconnessioni e ossessioni con un artista da loro amato, in dialogo con i brani entrati nell’immaginario collettivo, reinterpretati dai musicisti più interessanti della scena rock, folk, popular e punk odierna. E la reverse vibration finale sarà dedicata quest’anno a Franz Kafka in occasione del centenario della morte.

Il 18 ottobre prenderà il via ultimamusica, le narrazioni musicali e le inedite performance dedicate ai linguaggi, ai protagonisti, alle idee, alle curiosità della contemporanea di un altro millennio.

Ci immergeremo in un’epoca fremente, impetuosa, a tratti problematica e troppo spesso avvolta in luoghi comuni da sfatare, sulle tracce dei grandi anniversari di quest’anno: da Arnold Schönberg a Luigi Nono a Fausto Romitelli, fino a Guglielmo Marconi, a cui -nell’ambito delle celebrazioni per i 150 anni dalla nascita – sarà dedicata anche All’ascolto del mondo, mostra-dossier nelle sale del museo in cui, attraverso documenti, vinili, radio e jukebox d’epoca, vengono indagati i sorprendenti legami tra le sue rivoluzionarie invenzioni e la frenetica attività imprenditoriale legata alla musica.

Novembre è il mese dei Jazz Insight sulla musica africano-americana, i suoi protagonisti e le vicende che ne hanno caratterizzato la storia. Legate ai più importanti anniversari dell’anno, le narrazioni musicali saranno condotte dal pianista jazz Emiliano Pintori attraverso una selezione di materiale audiovisivo di rara fruizione e soprattutto alle interpretazioni dal vivo dei suoi speciali ospiti: cinque imperdibili incontri per entrare nelle dinamiche e nei meccanismi della musica dei grandi autori, imparando ad apprezzarla e ad evitare i falsi miti che spesso ne ostacolano la comprensione.

Infine, novità di quest’anno è il ciclo Audio/Visivo, tre appuntamenti dedicati alle complesse relazioni tra suono, musica, immagine e cinema.
Il primo appuntamento inaugura la collaborazione con il Cinema Galliera per S.O.S. Sons of Sound, storica rassegna underground (e underchurch) sul documentario musicale, con l’opera prima del frontman dei Foo Fighters Dave Grohl sul rocambolesco salvataggio di uno dei più leggendari studi di registrazione della storia. A seguire la narrazione (per nervi d’acciaio…) di Francesco Locane dedicata al tempestoso rapporto tra Ennio Morricone e Dario Argento per la creazione delle colonne sonore dei suoi primi tre film, per concludere con gli esperimenti del sound-designer Diego Schiavo, che, con i suoi incredibili campionamenti dal vivo, ci farà sperimentare qual è il vero suono di un film e come i suoni comunicano subliminalmente (con) le emozioni di noi spettatori.

AMART Milano,
Museo della Permanente
6 – 10 novembre 2024

Di seguito la lista degli espositori dell’edizione di quest’anno.

800/900 ARTSTUDIO
AJASSA
ALICE FINE ART
ALLEMANDI FINE ART
ALTOMANI & SONS
ANTICHITA’ ALL’ORATORIO
ANTICHITA’ G.N. DI LUCIANO GUAGENTI
ANTICHITA’ GIGLIO
ANTICHITA’ LA PIEVE
ARCUTI FINE ART
ARS ANTIQUA
ART STUDIO PEDRAZZINI
CAIATI OLD MASTERS
CAPOZZI ANTICHITA’
COPETTI ANTIQUARI
DALTON SOMARE’
DARIO GHIO
DENISE E BEPPE BERNA
DYS44 LAMPRONTI GALLERY
E.L.A. ANTICHITA’
ED GALLERY
ENRICO GALLERIE D’ARTE
FINEART BY DI MANO IN MANO
GALLERIA “LE DUE TORRI”
GALLERIA D’ ARTE CESARO
GALLERIA D’ARTE MAINETTI – MILANO 1955
GALLERIA D’ARTE SAN BARNABA
GALLERIA D’ORLANE
GALLERIA FRANCESCO CANNUCCIARI
GALLERIA GIAMBLANCO
GALLERIA NOBILI – DIPINTI ANTICHI
GALLERIA ROBERTO DUCCI
GALLERIA SILVA
GEMS AND ANTIQUES
GIOIELLERIA PICCOLO
INOPERA ITALIAN ARTS
LA PENDULERIE
LES GALERIES DU LUXEMBOURG
LORENZA SALAMON
LUCAS
F. TONINELLI ART MODERNE
 
MATTARTE
MAYFAIR RARE BOOKS AND MANUSCRIPTS
MEARINI FINE ART
MIRCO CATTAI
ORO INCENSO E MIRRA
PAOLO ANTONACCI
PHIDIAS ANTIQUES
PIVA & C.
R.V. ART GALLERY STUDIO 
RAFFAELLO PERNICI – BEST CERAMICS
RENZO FRESCHI ASIAN ART
REVE ART
ROMIGIOLI
SECOL – ART DI MASOERO
SINE TEMPORE STUDIO
SOCIETA’ DI BELLE ARTI
STUDIOLO
SUBERT
TOP TIME MUSA
TORNABUONI ARTE – ARTE ANTICA
UMBRIA ARTIS
APOLLONI & LAOCOON GALLERY

L’esposizione si snoda attraverso un percorso che lega i richiami alla classicità delle opere scultoree di Pasquale Ricci ai campionari di miti, storia passata e attuale dei lavori pittorici di Mauro Di Berardino e Fabrizio Molinario. Come scrive Catinello, «Non c’è arte senza anima, non si può dipingere o scolpire senza un moto interiore che con forza più o meno esplosiva spinga l’artista ad esteriorizzare il suo sentire, il suo rapporto con se stesso, con quanto lo circonda e con quanti si relaziona, volente o nolente. Spinto da questa esigenza, l’artista trova, coscientemente o spesso in modo inconscio, una cifra personale con la quale esprimere tutto quello che dal suo intimo non chiede altro che di erompere.»

«Pasquale Ricci ha scelto il bronzo per le sue opere e naturalmente si tratta di una scelta decisamente impegnativa in quanto richiede una sicura preveggenza dell’opera finale, che molto difficilmente potrà essere manipolata e corretta. […] Nei suoi lavori Ricci si appropria inoltre di una peculiarità, che è quella di non scolpire a tutto tondo, come se questo fosse per lui troppo riduttivo ad un’apparenza, mentre il vuoto lasciato dietro al volto scolpito fa pensare a un mondo che si è liberato, che potrebbe esserci oppure no o che potrebbe essere riempito dal pensiero di chi guarda. […] i volti potrebbero apparire come maschere del teatro arcaico, ma a differenza di quelle non vogliono esprimere i vari stati dell’animo, i volti sono muti, sono fissati in un silenzio che non cerca risposte e non vogliono neanche porre domande, non anelano a un dialogo con chi e quanto li circonda, non nascondono una indifferenza che, assolutamente tipica dei tempi che viviamo, ci riporta quasi brutalmente alla contemporaneità.»

«Il ricorrente turbinio di immagini coltivate nel tempo ha trovato via libera e Mauro Di Berardino, che non poteva non trovare che in Basquiat il suo mentore, ha proiettato sulle superfici usate una sequenza caleidoscopica di immagini, pittogrammi, assunti linguistici, riferimenti letterari, sociali, storici, mitologici, che potrebbe essere infinita se non fosse costretta dal limite spaziale del supporto utilizzato. Detto che il colore, acceso, squillante, sparso nelle più varie gamme tonali e negli accostamenti più arditi, la fa da padrone in tutte le composizioni, una riflessione meditata meritano le frasi, le iscrizioni, le parole, riversate a piene mani nelle opere. […] Siamo al ritorno della simbologia comunicativa dei graffiti rupestri preistorici, che Mauro Di Berardino, arricchendo di un codice linguistico la forza espressionistica delle immagini, fa propria come esigenza primaria e irrinunciabile e riporta inevitabilmente al contemporaneo.»

«Guardiamo i lavori di Fabrizio Molinario e una volta tanto evitiamo la consueta opera di recupero delle origini, della ricerca di riferimenti, degli accostamenti, degli inquadramenti, lasciamo da parte Dubuffet, l’arte “brut” e similari. [..] Dopo essersi guardato accuratamente attorno, dopo avere assimilato tutte le componenti della realtà nella quale si è trovato immerso, ha sentito qualcosa erompergli dentro, qualcosa che non poteva rimanere stratificato sotto l’accettazione rassegnata dello stato di fatto, per cui ha preso colori e tavolozza e ha cominciato a dipingere. Colori, certo, soprattutto colori, il colore è gioia, il colore è allegria, il colore è vita, ma soprattutto il colore è libertà, per Molinario il colore è il simbolo di quella libertà che poi trabocca dai suoi lavori.»

PASQUALE RICCI

PASQUALE RICCI nasce nel 1981 a Castiglione Messer Raimondo, in provincia di Teramo, dove vive e lavora. Ha frequentato l’Istituto d’Arte “Mario Dé Fiori” di Penne (PE), appassionandosi e approfondendo poi tecniche e metodi innovativi e creativi. Le sue opere di maggiore spessore sono realizzate interamente in bronzo, altre opere, seppur di dimensioni maggiori e imponenti, sono create e lavorate con argilla, gesso, cemento e resina. Le sue opere nascono dalla ricerca continua che caratterizzano gli eventi di una vita umana ai suoi frammenti o pezzi di vita che si sgretolano. I tatuaggi incisi sulle opere rappresentano in forma indelebile punti di forza e debolezze che ciascun essere umano può avere.

MAURO DI BERARDINO

MAURO DI BERARDINO. Inizia la carriera artistica nel 2012, dopo un’esperienza di premorte che sblocca l’interesse per la pittura, senza alcuna formazione accademica. Il suo approccio è istintivo: riesce a percepire gli squilibri nelle opere e correggerli, creando un’armonia visiva ed emotiva. La sua esperienza nella radiologia ha influenzato profondamente il suo lavoro: le radiografie, strumento scientifico per rivelare ciò che è nascosto nel corpo, si fondono nei dipinti, creando un dialogo tra il visibile e l’invisibile. Con pennellate decise, segni graffiati e simboli, esplora il confine tra corpo e anima, rendendo l’arte un ponte tra scienza e introspezione. Le opere, cariche di simbolismo, invitano lo spettatore a riflettere sul dualismo dell’esistenza, esplorando la tensione tra luce e ombra, realtà e mistero. 

FABRIZIO MOLINARIO

FABRIZIO MOLINARIO nasce a Novara nel 1968, dove vive e lavora.Inizia la sua attività pittorica nel 2003. Il fratello, poeta e fotografo, lo introduce negli ambienti e nei salotti artistici della città; comincia così ad esporre le proprie opere nel territorio novarese e, in contemporanea, inizia la sua sperimentazione artistica rifacendosi a diverse correnti. Ha collaborato con Gallerie di Copenaghen e Vienna e attualmente lavora, tra le altre, con la Galleria “Gliacrobati” di Torino, punto di riferimento in Italia per l’arte irregolare, e con la “GArt Gallery” di Pescara. Ha esposto in musei, spazi pubblici e fiere, sia in Italia che all’estero. È un esponente dell’arte irregolare/outsider.

La Mostra

La mostra di Gianni Mantovani, con note critiche di Edoardo Maffeo “Gianni Mantovani: la poesia delle emozioni”, vede esposte opere pittoriche ispirate ai temi ambientali a testimonianza della sensibilità verso la Natura dell’artista modenese. Paesaggi, fiori e natura vengono rappresentati attraverso forme primarie ed essenziali che si nutrono di memorie e di una visione sognante.

Il motivo caratterizzante delle opere in mostra è il paesaggio dal colore rosso, che testimonia la sensibilità dell’artista verso il surriscaldamento globale del pianeta ed i preoccupanti e sempre più accelerati cambiamenti climatici.

I titoli scelti da Gianni Mantovani per alcune delle opere in mostra (Anche le stelle si amano, Il credere ci fa vivere meglio, Siamo luce dell’alba, Meravigliato dalla bellezza del creato, Giocare fra le nuvole, Orizzonti sospesi, Guardo il creato e vedo il sorriso di Dio, La grande bellezza della natura, Il sole ci parla in silenzio) riguardano i sentimenti della vita, i sogni e una visione fiduciosa e speranzosa del creato.

Gianni Mantovani – Note biografiche

Gianni Mantovani nasce a Concordia (Mo), dove tuttora risiede.
Studia all’Istituto d’Arte di Modena e successivamente all’Accademia di Belle Arti di Bologna. A diciassette anni vince il concorso indetto tra gli studenti delle Accademie d’Arte Italiane tenuto presso il Palazzo dei Musei di Modena e successivamente partecipa, in rappresentanza dell’Accademia di Belle Arti di Bologna, alla “Terza Mostra di Incisione” presso il Gabinetto Nazionale delle Stampe a Roma.
Nel 1974 inizia a insegnare Discipline Pittoriche presso il Liceo Artistico di Bologna.
Verso la metà degli anni ’80 la sua ricerca artistica si orienta sul versante astratto in sintonia con il critico Giorgio Cortenova che teorizza l’”Astrazione arcaica”, presentandolo alla Pinacoteca di Macerata e alla Galleria Civica di Vicenza.
In quel periodo espone le sue opere improntate ad un’ astrazione che diventa sempre più lirica, a Modena, Firenze, Verona, Roma, Pavia, Sofia (Bulgaria).
Nel 1991 è vincitore del concorso nazionale per l’insegnamento di “Pittura” nelle Accademie d’Arte italiane in cui i titoli artistici sono fondamentali per l’assegnazione del punteggio.
Dal 1994 è docente di ruolo di “Pittura” e in seguito di “Disegno” presso l’Accademia di Belle Arti di Bologna e per vari anni è segretario dell’Istituto di Pittura.
L’Università di Bologna gli offre contratti per tenere lezioni ai corsi di specializzazione SISS dei futuri insegnanti di Educazione Artistica e Discipline Pittoriche.

Gli anni ’90 vedono Mantovani appassionarsi all’Arte Tribale, ed in modo particolare a quella africana. Opere di Arte Africana della sua collezione sono state esposte a Parigi, Genova e Milano, e pubblicate su libri e riviste in Francia, Inghilterra, Belgio e Usa.
Questo interesse contribuisce in modo significativo ad accelerare una svolta creativa che era già nell’aria in cui le nuove opere pittoriche si caricano di immagini semplici e fantastiche. Paesaggi, fiori e natura vengono rappresentati attraverso forme primarie ed essenziali nutrendosi di memorie e di una visione sognante.
Vengono realizzate mostre in spazi pubblici e privati: Galleria Romberg di Latina, Fiera d’arte di Roma “Riparte”, Galleria Mazzocchi di Parma, Istituto di Cultura “Casa Cini” di Ferrara, Istituto di Cultura Italiano di Berlino, Galleria Comunale di Angoulême (Francia), Galleria dell’Università di Parenzo (Croazia), Castello dei Pico di Mirandola, Museo Civico di Castelfranco Emilia, Pinacoteca Nazionale di Bologna, Galleria Unimediamodern di Genova. Mantovani sempre di più affronta le tematiche ambientali e sente l’urgenza di affrontare tutti assieme i problemi legati ai cambiamenti climatici e al surriscaldamento del pianeta.

Tra gli altri hanno dedicato scritti e note critiche:
Renato Barilli, Mario Bertoni, Luigina Bortolatto, Maria Campitelli, Toti Carpentieri, Renata Casarin, Giorgio Celli, Claudio Cerritelli, Vittoria Coen, Diego Collovini, Giorgio Cortenova, Enrico Crispolti, Roberto Daolio, Gianfranco Ferlisi, Michele Fuoco, Armando Ginesi, Antonio E. M. Giordano, Walter Guadagnini, Massimo Mussini, Filiberto Menna, Nicola Micieli, Luigi Meneghelli, Marco Meneguzzo, Sandro Parmiggiani, Marilena Pasquali, Concetto Pozzati, Giuliano Serafini, Sandro Ricaldone, Matteo Vanzan.

PRICIPALI ESPOSIZIONI

BIBLIOGRAFIA

L’evento esperienziale che l’artista propone esprime la connessione, il legame tra SMWZ, l’opera d’arte e il pubblico potenziando la relazione spirituale che il suo processo artistico contiene.

Come scrivono nel testo curatoriale, Nicolas Fiedler e Giulia Mastrangelo «L’ispirazione è il sottile e silenzioso sussurro dell’universo che ci guida a vedere oltre l’ordinario e ad abbracciare l’infinito potenziale che abbiamo dentro. 
Apre alle verità più intime o universali e ci conduce attraverso un’intuizione brillante.
Questo potenziale di creatività artistica o ascolto artistico che noi umani possediamo ci permette, se assecondato, di creare un ponte tra terreno e divino.
Per coloro che scelgono d’impegnarsi profondamente con questa energia, essa diventa non solo una conseguenza, ma un principio guida, un motto che dà forma al loro percorso di realizzazione».

Sibylle presenta i propri lavori per entrare in una connessione più profonda, le sue opere sono come dei sistemi interconnessi, la pittura e la poesia sono in un rapporto di ut pittura poesis, mentre le sue sculture sono delle traduzione tridimensionali dei suoi dipinti.

La sua personale veneziana vuole cercare di esprimere appieno la sua scelta di usare l’arte per esplorare ed esprimere le molteplici strade offerte dalla creatività e dall’esistenza.

Rispetto ad altri artisti, la proposta di Sibylle invita una buona propensione a rapportarsi con gli altri con empatia, oltre al coraggio di mostrare la propria sensibilità attraverso un percorso creativo. Continuano Fiedler e Mastrangelo «insegnare non solo a vedere ma anche a sentire». 

Fortunati coloro che conoscono meglio sé stessi, trovando la luce dentro di loro e lasciandola risplendere all’esterno. Con questa mostra scegliamo di parlare di un processo e di una visione unica, invitandovi a immergervi nell’arte e nella possibilità di conoscere meglio, una personalità di straordinaria spiritualità come SMWZ.