Pompei è una città sottratta al tempo e restituita alla visione. Un corpo sepolto, una memoria intatta. Un luogo dove la fine non ha cancellato la forma.

Qui, sotto il cielo aperto dell’Anfiteatro, all’interno della rassegna BOP – Beats of Pompei, Ovunque Proteggi suonerà nuovamente e verrà attraversato integralmente. Non una celebrazione, ma una convocazione.

Abbiamo deciso di eseguire “Ovunque Proteggi” a venti anni dalla sua pubblicazione, in una data speciale. Aggiunge Capossela. Non si tratta di una operazione museale, ma di un intervento a cuore aperto. Tante, profonde e rumorose sono le ragioni per le quali queste canzoni sono vive e sanguinano. La sede scelta per questa convocazione di prodigi è l’anfiteatro romano dell’area archeologica di Pompei. La scelta è dovuta più alla colata lavica terminale che all’emulazione dei Pink Floyd.

È un disco nato dall’antichità, e nelle rovine trova il suo eco naturale. Pompei ci ricorda la grandezza e la finitezza del genere umano. La quotidianità che ci occupa la vita, nel momento in cui viene travolta dalla fine, è proiettata in un’immobile eternità: una condizione alla quale siamo costantemente esposti. Pompei è il luogo in cui l’havel havalim…il vanitas vanitatum, il fumo di fumi del Qohelet, tradotto e articolato dalla voce di Guido Ceronetti può risuonare.

Per sempre. Nel sacro Niente del vuoto eterno.

Sesto album dell’artista, pubblicato nel 2006 e vincitore della Targa Tenco come Miglior Album in Assoluto, Ovunque Proteggi è una pietra miliare del cantautorato in Italia e della discografia di Capossela e uno dei suoi lavori più apprezzati da pubblico e critica, nazionale e internazionale. Un disco “dal linguaggio biblico e visionario, che raccoglie e scaglia parole di pietra, di carne, dolore e sangue” (Marco Mangiarotti, QN ), in cui Capossela “canta come Tom Waits e scrive come Ovidio (Sunday Times): “un album che  ha rappresentato un passaggio fondamentale per la musica italiana del nuovo millennio, indicando la strada a una generazione di cantautori. Un album arrivato a sorpresa al primo posto in classifica in un’epoca in cui non c’era Spotify e i dischi si vendevano ancora per davvero” (Giovanni Ansaldo, “La strada di Vinicio Capossela” Nottetempo, 2026). 

Un’opera nata in viaggio, inseguendo le canzoni come si inseguono i segni, affidandosi all’intuizione, al pellegrinaggio, all’incontro. Un disco che si muove con libertà e lucidità tra i mondi sonori più vari, registrato in modo nomade, dentro grotte e chiese, che scava nelle Sacre Scritture e nella mitologia pagana, nell’antropologia e negli archetipi umani.

Un disco di luoghi e di visioni, che non smette mai di interrogare il rapporto tra ciò che è sacro e ciò che è mortale. 

Vent’anni dopo, Ovunque Proteggi non torna per essere ricordato. Torna per essere abitato. 

Perché alcune invocazioni non invecchiano, restano sospese e continuano a proteggere, ovunque.

L’evento nasce da una sinergia tra territorio locale e istituzioni internazionali, a testimonianza dell’importanza del dialogo tra cultura e pensiero etico. Co-organizzata dal Comune di Fabriano in collaborazione con il Club per l’UNESCO di Firenze, la mostra gode del prestigioso patrocinio della Regione Marche e della Provincia di Ancona. Sotto la direzione artistica di Annalisa Di Maria, studiosa ed esperta di Leonardo da Vinci di fama internazionale, il percorso curatoriale trasforma lo spazio espositivo in un’area di meditazione attiva, dove luce e silenzio guidano il visitatore verso una nuova consapevolezza interiore.

Andrea da Montefeltro lavora la pietra con una delicatezza che sfida la densità del materiale. Attraverso la lucidatura e la foratura, l’artista ne estrae leggerezza e ariosità, trasformando la materia inerte in “materia-simbolo”. Ogni opera rappresenta una lezione interdisciplinare che invita a un’osservazione lenta e profonda. Come nelle grandi opere del Rinascimento, la prospettiva nasconde significati stratificati; di fronte a queste sculture emerge un vasto patrimonio culturale, fatto di simbologie universali, radici bibliche intese come eredità storica e il kratos della filosofia ellenica.
Elemento distintivo del progetto è il gesto simbolico di donare piccole pietre scolpite a tutti i visitatori dell’inaugurazione. Non si tratta di un semplice souvenir, ma della consegna di un frammento tangibile dell’esperienza vissuta. Questo dono rappresenta il desiderio dell’artista di trasmettere un’impronta etica permanente, trasformando il visitatore in un testimone di bellezza e conoscenza.

Tema centrale è l’ammirazione per il Creato, inteso come ecosistema universale da preservare per le generazioni future. In occasione dell’ottavo centenario della morte di San Francesco d’Assisi, figura qui celebrata per il suo messaggio universale di armonia tra uomo e natura, la mostra indaga il legame primordiale con l’ambiente. Il riferimento ai frutti della terra è emblematico: nell’arte di Andrea, ogni elemento ha una storia metafisica, un richiamo a nutrire non solo il corpo ma la coscienza collettiva.

Questo progetto persegue la missione di utilizzare l’arte come strumento di elevazione culturale. Attraverso un simbolismo arcaico, “ARCANA” si pone come un ponte necessario tra l’ingegno antico e il futuro.

Un’accelerazione senza meta

C’è qualcosa di volutamente stonato – e per questo lucidissimo – nell’immagine dell’“automobilista invertebrato”. È la metafora scelta dai Black Ball Boogie per raccontare una quotidianità urbana che procede per inerzia, senza una direzione consapevole. Il nuovo singolo della band, disponibile da venerdì 13 febbraio in radio e nei digital store , prende forma come un boogie incalzante che unisce ironia tagliente e osservazione sociale.

Il titolo è già una dichiarazione di poetica. L’automobilista non è solo chi guida: è l’uomo contemporaneo intrappolato in una corsa continua, in un traffico esistenziale dove il movimento è compulsivo e circolare. Senza colonna vertebrale – dunque senza struttura morale o visione – si attraversa la città come una giungla, reagendo più che scegliendo.

Groove vintage, critica attuale

La cifra stilistica dei Black Ball Boogie resta quella di sempre: un rock’n’roll intriso di boogie woogie, sostenuto da un groove serrato che amplifica il senso di moto perpetuo evocato dal testo. Ma dietro l’energia ritmica si avverte una riflessione più sottile. La band utilizza un linguaggio volutamente surreale per raccontare una società frenetica, caotica, incapace di fermarsi e interrogarsi.

Il risultato è un brano che diverte e inquieta allo stesso tempo. La leggerezza del boogie diventa un veicolo critico: sotto la superficie ballabile affiora una domanda implicita sul senso del percorso, sull’abitudine che sostituisce la scelta, sul movimento che non coincide più con il progresso.

“L’Automobilista Invertebrato” anticipa l’album in uscita in primavera per Pretty Cat’s Records – Borgatti Edizioni, con il supporto di PB Produzioni e l’ufficio stampa A-Z Press. Un tassello che prefigura un lavoro coerente con l’identità del gruppo: musicale ma anche visiva, narrativa, quasi cinematografica.

Una band tra passato e presente

Nati nel 2016, i Black Ball Boogie si muovono lungo la linea che congiunge la tradizione del rock’n’roll anni Quaranta e Cinquanta con una sensibilità contemporanea. I loro live sono veri e propri spettacoli d’immagine: outfit d’epoca, arrangiamenti energici, armonizzazioni vocali a quattro voci, un immaginario ironico che sembra uscire da un film in bianco e nero ma parla al presente.

La formazione – Virginia Piccichè (voce), Manuel Goretti (pianoforte e voce), Luciano Sibona (contrabbasso e voce) e Filippo Lambertucci (batteria e voce) – ha costruito negli anni una reputazione solida grazie a una presenza scenica travolgente e a una costante attività live in Italia e all’estero. Non mancano collaborazioni significative, come quella con Bobby Solo , che testimoniano un dialogo aperto con diverse generazioni della musica italiana.

Ironia come strumento critico

In un panorama musicale spesso diviso tra nostalgia sterile e attualità gridata, i Black Ball Boogie scelgono una terza via: recuperare un linguaggio musicale del passato per raccontare il presente. Non si tratta di revival, ma di riattivazione di un’estetica. Il boogie diventa così una lente deformante – ironica, teatrale, volutamente eccessiva – attraverso cui osservare le contraddizioni della modernità.

La giungla urbana evocata nel singolo non è soltanto il traffico cittadino. È un ecosistema emotivo dove si corre per restare fermi, si accumulano impegni senza orientamento, si procede per abitudine. L’automobilista invertebrato è una figura paradossale: si muove molto, ma non decide. È veloce, ma non consapevole.

Ed è proprio in questa ambiguità che il brano trova la sua forza: ballabile e insieme riflessivo, ironico ma non superficiale.

Dove ascoltarlo

“L’Automobilista Invertebrato” è disponibile sulle principali piattaforme digitali e nelle radio dal 13 febbraio . La band è attiva sui principali canali social e streaming, tra cui Spotify, Facebook, Instagram e YouTube .

Note essenziali
Titolo: L’Automobilista Invertebrato
Artista: Black Ball Boogie
Disponibile: dal 13 febbraio in radio e digital store
Album: in uscita in primavera (Pretty Cat’s Records – Borgatti Edizioni)
Formazione: Virginia Piccichè, Manuel Goretti, Luciano Sibona, Filippo Lambertucci

LINK UTILI

Facebook: www.facebook.com/blackballboogie
Instagram: www.instagram.com/blackballboogie
YouTube: www.youtube.com/@blackballboogie1514
Spotify: https://open.spotify.com/intl-it/artist/3b8MY6xfzCQtLuo8ogV2Dv
Sito Web: www.blackballboogie.com

Gli autori
L’idea di creare “Si raccunta” nasce a Miriam Mangiarotti e Dario Castiglione – due giovani artisti nati dietro le quinte del teatro e appassionati di tradizioni popolari siciliane – durante un viaggio in van in Grecia. «La strada scorreva e in sottofondo un podcast di mitologia ci accompagnava tra le storie di antiche divinità» dice Miriam. «E’ così che nasce il desiderio di dare voce con un podcast alle fiabe raccolta dal Pitrè – ci racconta Dario – che nel 1875 attraversava la Sicilia col suo calesse ‘camperizzato’ per custodire la memoria orale dell’isola».

Un successo crescente
Con 10 episodi già disponibili sulle principali piattaforme audio, “Si raccunta” qualche settimana fa ha superato il primo targuardo, quello dei 1.000 ascolti; un risultato significativo per un progetto culturale indipendente che punta sulla qualità narrativa e sulla valorizzazione delle radici popolari dell’Isola. Da gennaio 2026, il podcast è approdato anche su YouTube, ampliando ulteriormente il proprio pubblico e raggiungendo ascoltatori che prediligono la fruizione video o desiderano un accesso più immediato ai contenuti.

Un ponte tra memoria e contemporaneità
L’obiettivo dichiarato degli autori è chiaro: preservare e diffondere il patrimonio narrativo siciliano, riportando all’ascolto storie che rischiavano di perdersi nel tempo. Fiabe, leggende, racconti di magia e di quotidianità che per generazioni sono stati affidati alla voce dei narratori popolari e che oggi trovano nuova vita grazie al podcasting. «Il progetto, molto ben realizzato, ha una importantissima valenza culturale – afferma Fonso Genchi, Presidente dell’Accademia della Lingua Siciliana, ente che ha apprezzato e rilanciato dai propri canali social questa iniziativa – perché i libri del Pitrè, purtroppo, non vengono quasi mai letti e studiati a scuola, nonostante rappresentino un patrimonio fondamentale della nostra cultura. “Si raccunta” è, potenzialmente, uno strumento didattico anche per la lingua siciliana, dato che una parte dei testi è narrata in siciliano».

Un invito alla comunità
Gli autori di “Si raccunta” e l’Accademia della Lingua Siciliana invitano il pubblico ad ascoltare, condividere e supportare il progetto, contribuendo alla tutela di un patrimonio culturale che appartiene a tutta la Sicilia. Un gesto semplice che aiuta a mantenere vive storie antiche, contribuendo a trasmetterle alle nuove generazioni.

Attraverso questa nuova sperimentazione, Fondazione Cariparma accoglie i mutamenti in corso nel più ampio panorama artistico-culturale nazionale, in cui il “museo diffuso” si sta sempre più affermando come modalità innovativa capace di generare nuove relazioni e di produrre un impatto positivo e concreto sulle persone e sulla comunità. L’arte non solo come patrimonio da custodire, ma come esperienza da condividere, capace di attivare dialogo, inclusione e partecipazione.

Questo percorso è iniziato nel 2022, sotto la precedente governance di Fondazione Cariparma, che aveva avviato una riflessione strategica sulle modalità di valorizzazione del proprio patrimonio artistico, in coerenza con la missione della Fondazione e in linea con l’evoluzione dei bisogni del territorio.

Una riflessione che ha trovato attuazione nel nuovo Piano Strategico 2024-2027 della Fondazione, anche alla luce dei dati “Pat-ER” (Patrimonio culturale dell’Emilia-Romagna), che registrano in Emilia-Romagna la presenza di 546 musei, gallerie e collezioni, di cui 77 situati nella sola provincia di Parma, seconda in regione per numerosità. Un contesto ricco e articolato che ha rafforzato la volontà della Fondazione di qualificarsi sempre più come strumento di prossimità, capace di contribuire in modo originale e complementare al sistema culturale esistente.

In questo scenario si è progressivamente affermata la prospettiva che le opere custodite nelle Collezioni d’arte della Fondazione trovassero una collocazione anche all’esterno della sede istituzionale di Palazzo Bossi Bocchi. Grazie alla collaborazione con Antonio Lampis,Direttore del Dipartimento cultura italiana e sviluppo economico della Provincia Autonoma di Bolzano, già Direttore Generale dei Musei Italiani, l’attuale governance ha definito che le opere potranno essere ospitate non solo in luoghi deputati come la Reggia di Colorno o gli spazi museali del Complesso della Pilotta, ma anche in contesti non convenzionali: spazi in cui le disuguaglianze si fanno maggiormente sentire, ambienti di cura, luoghi dedicati all’educazione e alla formazione, contesti capaci di generare un impatto significativo sulle nuove generazioni. La prima tappa di questo nuovo percorso vedrà come protagonista proprio il Liceo Marconi di Parma, che a partire dall’estate 2026 accoglierà una selezione di opere tratte dalla mostra Alle Barricate! Agosto 1922: la città, i protagonisti, la memoria.

Antonio Lampis ha dichiarato: “Già nel 2017 l’Unione Europea – lanciando l’Anno Europeo del Patrimonio – stigmatizzò, per il passato, una gestione del patrimonio culturale non sostenibile in molte parti d’Europa e una scarsa attenzione alle giovani generazioni e alle persone tradizionalmente escluse dalla frequente partecipazione culturale. L’obbiettivo proposto prevedeva che i musei e i luoghi della cultura dovessero non solo parlare ma, come disse un grande museologo, ‘cantare’. Il panorama nazionale e internazionale sta velocemente evolvendo in questa direzione. Sempre più istituzioni stanno ripensando il ruolo delle proprie collezioni in chiave diffusa e relazionale. Fondazione Cariparma con questo percorso sta gettando basi solide per diventare un esempio di riferimento per altre Fondazioni che condividono la stessa missione territoriale”.

“Con questa nuova progettualità – ha dichiarato Franco Magnani, presidente di Fondazione Cariparma – la nostra Fondazione rafforza il proprio ruolo di partner strategico del territorio. Vogliamo adottare strumenti trasversali per co-creare soluzioni sostenibili e innovative, in sinergia con i nostri stakeholder e beneficiari. In questo quadro, arte e cultura rappresentano due leve fondamentali, capaci di unire, abitare, curare e creare opportunità di inclusione sociale. Il nostro patrimonio artistico diventa così una risorsa viva, attiva, generativa, al servizio della comunità”.

Il nuovo modello sperimentale si fonda quindi su una visione dinamica e inclusiva del patrimonio artistico, che diventa occasione di incontro, di crescita culturale e di coesione sociale. Un percorso che mira a rendere l’arte sempre più accessibile, diffusa e partecipata, rafforzando il legame tra patrimonio, territorio e comunità.

“Siamo particolarmente soddisfatti di questo risultato – commenta il Presidente dell’Università Popolare di Trieste Edvino Jerian – perché rappresenta un riconoscimento concreto al lavoro svolto e all’impegno costante nel proporre percorsi formativi di qualità, aperti a tutti. L’arte continua a essere un potente strumento di crescita personale, dialogo e inclusione”.

I corsi, tenuti dalla docente di Storia dell’Arte e di Arti Applicate, professoressa Francesca Martinelli, si distinguono per un approccio pratico e coinvolgente, capace di stimolare la creatività e valorizzare le capacità individuali. Accanto alla dimensione formativa, l’esperienza si arricchisce di momenti di confronto, socialità e condivisione, contribuendo a rafforzare il senso di comunità che da sempre caratterizza l’attività dell’Università Popolare.
Il successo delle iscrizioni conferma inoltre la centralità della cultura come elemento fondamentale per il benessere collettivo e lo sviluppo del territorio. In un contesto in continua trasformazione, investire nella formazione artistica significa promuovere partecipazione, consapevolezza e cittadinanza attiva.

Forte di questi risultati, l’Università Popolare di Trieste guarda ora ai prossimi mesi con rinnovato entusiasmo, pronta ad ampliare ulteriormente l’offerta didattica e a sviluppare nuove iniziative culturali, continuando a essere un laboratorio aperto di idee, creatività e conoscenza.

Così l’assessore regionale all’Agricoltura Luca Sammartino commenta l’esperienza parigina (che si è conclusa ieri sera, giovedì 11 febbraio) delle 41 realtà vitivinicole che hanno esplorato i mercati internazionali con l’Irvo e la Regione Siciliana.Ogni calice raccontato ha rafforzato la consapevolezza che la Sicilia del vino è protagonista, portatrice di un messaggio forte, distintivo, riconoscibile: «Guardiamo al futuro con determinazione – ha continuato Sammartino – continueremo a investire nella promozione internazionale, nell’enoturismo, nella formazione e nell’innovazione. Il nostro auspicio è che Wine Paris 2026 sia solo una tappa di un percorso più ampio e duraturo: un percorso in cui il vino siciliano diventi sempre più ambasciatore della nostra terra e della nostra eccellenza».Promozione ma anche visione: il vino, in questa cornice, è diventato narrazione, relazione, capace di creare connessioni tra operatori, buyer e stakeholders internazionali. Ma soprattutto ha compattato chi produce: è emersa così una sola Sicilia, seppur con le sue molteplici anime, capace di raccontarsi con un’unica voce.Un successo che si riflette anche nella domanda di partecipazione: l’edizione 2026 ha visto un forte trend di crescita (da 25 cantine nel 2025 a 41), che ha aperto un ragionamento concreto sul futuro: «Le richieste sono raddoppiate – ha spiegato il commissario Irvo Giusy Mistretta – ma per ragioni di spazio non è stato possibile portare tutte le aziende che avrebbero voluto essere presenti. Proprio per questo abbiamo già avviato un’interlocuzione con l’organizzazione della fiera per acquisire nuovi spazi dedicati alla Sicilia nella prossima edizione, così da rispondere al crescente interesse delle nostre cantine». Un ampliamento che risponde non solo a un’esigenza logistica, ma a una strategia di posizionamento: dare alla Sicilia del vino una presenza ancora più forte e riconoscibile, capace di valorizzare la pluralità dei territori.Wine Paris – con i suoi stand, con gli appuntamenti fuori Salone, con la sinergia di Enit e della Federazione delle Strade del Vino – si conferma per la Sicilia una piattaforma centrale per il racconto della filiera, che unisce imprese, istituzioni, cultura e formazione.  Le aziende hanno espresso l’esigenza forte di parlare maggiormente ai giovani; di custodire il passato ma declinandolo al presente con linguaggi semplici e innovativi; affinare le peculiarità territoriali; essere maggiormente etici, accessibili, sostenibili; mantenere il valore identitario pur seguendo gli orientamenti marketing del settore.