Dalla A alla Z, Claudia Monteiro de Castro prende le parole dell’amore, le osserva da vicino, le racconta con ironia e tenerezza, ogni tanto con una risata improvvisa, dà vita ad un dizionario sentimentale con l’intimo desiderio di “filosofeggiare scherzosamente sull’amore”. 

Piccolo vocabolario d’Amore è un inedito abbecedario dei sentimenti: inizia con la lettera A di Abbandono, attraversa le voci classiche di Anima gemella, Bacio, Cuore spezzato, Gelosia e Ti amo e termina con la Z di Zelante. Ogni parola (in tutto 96 voci) si trasforma in un vademecum per viaggiare amorosamente tra citazioni colte -da Shakespeare a Neruda, da Buzzati a Cortázar-, aneddoti su coppie celebri come Dalí e Gala, Sartre e Simone de Beauvoir, canzoni, film cult e curiosità linguistiche, ma anche tra piccoli gesti di ogni giorno, la cioccolata mangiata da soli sul divano, i nomignoli ridicoli che ci inventiamo per chi amiamo, le telefonate lunghissime che non si vorrebbe mai concludere. L’amore in tutte le sue forme: quello platonico e quello adultero, quello virtuale e quello che invecchia.

I testi, brevi, oscillano tra poesia, riflessione e narrazione: in essi l’ironia, spesso sottile e malinconica, convive con una sensibilità attenta alle fragilità e alle contraddizioni, mentre il quotidiano diventa uno spazio di rivelazione di dettagli, incontri, ricordi. Le voci di Claudia Monteiro de Castro si fondono alle illustrazioni di Mariuccia Roccotelli: cuori spezzati, fiori, paesaggi e immagini metaforiche non si limitano ad accompagnare il testo ma lo interpretano e lo amplificano mentre le stesse parole si tramutano in figure e personificazioni immaginifiche. 

Romantico senza essere sdolcinato, ironico senza essere cinico, Piccolo vocabolario d’Amore vuole restituire la complessità e la delicatezza dell’esperienza amorosa, invitando il lettore a riconoscere nei frammenti narrati qualcosa della propria storia.

L’amore, la memoria, il tempo, le relazioni sono il cuore della scrittura di Claudia che si muove con naturalezza tra generi differenti: infatti l’autrice coltiva anche la poesia che le permette di esplorare con maggiore libertà la dimensione emotiva, mantenendo sempre vivo uno sguardo curioso, ironico e auto-ironico. 

Negli ultimi testi pubblicati, come Poesie per il ragazzo dai capelli lunghi (Palombi Editore, 2023) e Cosa ricorderete (Alpes Italia, 2019), la parola si fa leggera e precisa per catturare l’attimo, l’emozione, la “saggia pazzia” dell’amore.

Piccolo vocabolario d’Amore è in libreria e negli store da febbraio 2026.

Claudia Monteiro de Castro – Profilo

Claudia Monteiro de Castro, nata a Rio de Janeiro nel 1970, vive a Roma da 23 anni. Ha pubblicato quattro libri nel suo paese natale e dieci libri in Italia, spaziando tra racconti, guide di viaggio, poesie e libri per l’infanzia. Da vent’anni cura una rubrica per la rivista brasiliana Comunità Italiana, parlando degli usi e costumi in Italia. Si autodefinisce una “romantica scettica”. Ama guardare i tramonti, la luna e le stelle, cantare, suonare la chitarra, camminare senza sosta e contemplare la vita.

Mariuccia Roccotelli – Profilo

Mariuccia Roccotelli, nata in Puglia nel 1974, si è diplomata in Scenografia all’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano. Ha esposto in mostre personali in diverse città italiane e anche all’estero. I suoi quadri sono caratterizzati da texture di svariati materiali dal legno alla carta, dai tessuti ai riciclati, accostati, sovrapposti ed incastonati tra le linee morbide e sinuose della sua pittura. Da nove anni insegna arte all’Istituto Penitenziario Minorile Beccaria di Milano.

ARMAGEDDON
di Augusto De Luca

La fotografia ha sempre avuto il potere di catturare l’essenza della realtà, ma quando si avventura nel regno del metafisico e del surreale, diventa uno strumento per esplorare dimensioni invisibili e simbolismi profondi. In un mondo segnato dalle catastrofi delle guerre mondiali, la ricerca fotografica che intreccia queste tematiche offre uno sguardo unico sulla storia umana, una narrazione visiva capace di provocare emozioni e riflessioni. Le mie ultime fotografie trascendono il semplice atto di scattare immagini; si tratta di un viaggio nell’anima delle persone, un tentativo di catturare l’invisibile che si cela dietro gli eventi storici. Le cicatrici lasciate dai conflitti globali sono evidenti, ma ci sono anche le ombre e i silenzi, le storie non raccontate di chi ha subito e di chi ha combattuto. Attraverso i filtri dell’arte, si esplorano l’essenza delle emozioni umane, utilizzando elementi surreali per evidenziare il dolore e la speranza. Ogni immagine scattata in questo contesto è carica di simboli. Questi simboli non solo evocano la memoria collettiva delle guerre, ma invitano anche lo spettatore a confrontarsi con la propria interpretazione della sofferenza e della rinascita. La scelta delle forme, la composizione e l’illuminazione diventano strumenti per raccontare storie che vanno oltre il visibile. La componente surreale nella mia ricerca fotografica entra in gioco quando la realtà viene “distorta”, creando immagini che sembrano uscire da un sogno. In questo contesto, il surreale non vuole negare il dolore, ma amplificarlo, portando lo spettatore a una dimensione di comprensione più profonda, scenari onirici, ricchi di significati nascosti. Questo approccio sfida l’osservatore a riflettere su quale sia il confine tra la realtà e l’immaginazione, tra ciò che è stato e ciò che potrebbe essere. Questo lavoro fotografico surreale e simbolico sulle catastrofi delle guerre mondiali non è solo un documento, ma un invito a vedere oltre le immagini superficiali. È un richiamo a esplorare le emozioni e le esperienze umane, a confrontarsi con il passato e a trovare un significato profondo nella bellezza e nel dolore. Attraverso l’arte, le storie di milioni di vite perdute e trasformate continuano a vivere, incoraggiandoci a mantenere viva la memoria e a guardare al futuro con occhi nuovi.

Augusto De Luca – Profilo

Augusto De Luca, (Napoli, 1 luglio 1955) è un fotografo e performer. Ha ritratto molti personaggi celebri. Studi classici, laureato in giurisprudenza. E’ diventato fotografo professionista nella metà degli anni ’70. Si è dedicato alla fotografia tradizionale e alla sperimentazione utilizzando diversi materiali fotografici . Il suo stile è caratterizzato da un’attenzione particolare per le inquadrature e per le minime unità espressive dell’oggetto inquadrato. Immagini di netto realismo sono affiancate da altre nelle quali forme e segni correlandosi ricordano la lezione della metafisica. E’ conosciuto a livello internazionale, ha esposto in molte gallerie italiane ed estere. Le sue fotografie compaiono in collezioni pubbliche e private come quelle della International Polaroid Collection (USA), della Biblioteca Nazionale di Parigi, dell’Archivio Fotografico Comunale di Roma, della Galleria Nazionale delle Arti Estetiche della Cina (Pechino), del Museo de la Photographie di Charleroi (Belgio).

https://fr.wikipedia.org/wiki/Augusto_De_Luca
https://grokipedia.com/page/augusto_de_luca
http://www.edueda.net/index.php?title=Augusto_De_Luca

I progetti, allestiti negli spazi esterni della Casa, nascono dalla collaborazione tra Casa degli Artisti (Mariavera Chiari, Susanna Ravelli, Giulia Restifo) e Ugo La Pietra con il sostegno della Fondazione Michelangelo, organizzazione internazionale impegnata nella valorizzazione dei mestieri d’arte e nella trasmissione intergenerazionale delle competenze che animerà l’intera Casa di  progetti in dialogo tra arte e design per tutta la settimana successiva, durante la Design Week (21-26 aprile), all’interno di “Arts & Crafts & Design”, una nuova vetrina collaborativa che riunisce quattro attori chiave della scena artigianale e del design milanese: Fondazione Cologni dei Mestieri d’Arte, Fondazione Michelangelo per la Creatività e l’Artigianato, Creative Academy e Serapian. Non una partnership formale quindi, ma una convergenza strutturale nel superare la distinzione gerarchica tra arti maggiori e applicate, nel riconoscere nel gesto manuale un atto culturale e politico, nel sostenere l’intergenerazionalità e riaffermare la relazione tra uomo e ambiente come matrice del progetto. La ricerca di La Pietra incarna questa visione, traducendola in un lavoro in cui la terra diventa origine comune e il progetto uno spazio di trasformazione condivisa.

Le installazioni ERBARIO e GLI INVASATI, visitabili fino alla fine di maggio 2026, si integrano pienamente nella vita artistica della Casa che, una volta conclusa la Design Week, tornerà a essere centro di residenza.

ERBARIO

Ugo La Pietra torna a Casa degli Artisti con un’installazione che condensa la sua storica riflessione sulla “diversità” attraverso il segno inciso, cifra distintiva della sua pratica.  Dalla piccola enciclopedia che ha descritto nel libro Erbario (Marinonibooks, 2021), sono nate una serie di erbe spontanee e piante minori riprodotte per questa mostra nelle pagine di libri in ceramica. Un erbario che ricorda la raccolta di essenze all’interno delle pagine di un diario estivo. Illustrazioni di erbe incise sulle pagine di libri in ceramica ingobbiata dove La Pietra, alla sua instancabile creatività, unisce la sua storica ricerca sulle diversità attraverso il suo “gesto segnico”. L’installazione consiste in dodici libri aperti collocati su tre strutture/leggii. L’opera nasce dalle passeggiate dell’artista in luoghi familiari, dall’osservazione di ciò che cresce ai margini. Le erbe spontanee diventano soggetti di un archivio personale, fissato nella terra attraverso un processo lento che recupera la dimensione sapienziale del fare manuale. Il risultato è una narrazione che dissolve i confini tra arte e scienza e suggerisce uno sguardo non gerarchico sul paesaggio, vicino per sensibilità alle riflessioni di Gilles Clément e Leo Lionni.

GLI INVASATI

In parallelo, negli spazi esterni della Casa, prende forma GLI INVASATI, progetto a cura di Casa degli Artisti coordinato da Ugo La Pietra che propone un’opera collettiva – e allo stesso tempo individuale – che promuove il concetto, su cui La Pietra ha spesso lavorato, della “diversità nella relazione collettiva”. Gli artisti in residenza – Matteo Bicego, Marco El Gato Chimney, Francesco Ciavaglioli, Sofia Guzzo, Claudia Mendini, Sara Passerini, Roxana Vergani  – sono invitati a confrontarsi con un archetipo condiviso: il vaso in terracotta, un modello standard a partire dal quale ciascun artista interviene con scelte formali e poetiche autonome, trasformandolo in un’opera riconoscibile. Ne emerge un insieme eterogeneo ma coerente, in cui la materia diventa elemento unificante e il gesto individuale si misura con una tradizione millenaria. Il titolo gioca su una doppia valenza semantica, tra il riferimento al contenitore e l’essere “pervasi” dalla terra.

A definire il cuore concettuale della collaborazione tra Ugo La Pietra e le artiste e gli artisti in residenza alla Casa è una citazione del settembre 2000 di Ugo Marano – artista e ceramista visionario, fondatore dei “Vasai di Cetara” – che La Pietra assume come dichiarazione programmatica:

«Ceramica è arte regina.
Oggi che i vasi non servono più sono diventati più importanti, liberatesi dall’uso per liberarsi alla funzione si sono trasformati in oggetti della lussuria, dell’amicizia, della gioia. Le mani dei vasai sono la materia intelligente e armoniosa esistente. C’è ancora bisogno di vasi per l’evoluzione felice della persona e la crescita delicata dell’umanità.»

In queste parole il vaso smette di essere oggetto funzionale per diventare archetipo culturale: forma primaria dell’abitare e del contenere, dispositivo simbolico capace di attivare memoria, identità e relazione.

Con ERBARIO e GLI INVASATI, Casa degli Artisti si conferma piattaforma di ricerca capace di intercettare il dibattito contemporaneo su arte, design e artigianato. Il progetto offre a professionisti e pubblico uno sguardo concreto su un fare che unisce pensiero e manualità, visione e materia, riportando la ceramica al centro di una riflessione attuale sul senso e sul valore delle arti.

Il Museo Richard Wagner, nato nel 1995 su iniziativa dell’Associazione Richard Wagner di Venezia a Ca’ Vendramin Calergi, diventa il quattordicesimo museo della rete MUVE. La firma odierna coinvolge il Casinò di Venezia, l’Associazione Richard Wagner di Venezia e la Fondazione Musei Civici di Venezia, rappresentata dalla presidente Mariacristina Gribaudi. All’atto erano presenti il Sindaco Luigi Brugnaro e la consigliera delegata a cultura: attività teatrali e cinema, Giorgia Pea.

Con questo accordo, la Fondazione Musei Civici assume la gestione delle sale del museo all’interno dell’immobile del Casinò, delle collezioni in esse contenute – rari documenti, manifesti, partiture, lettere autografe, quadri, dischi, litografie e cimeli – che costituiscono un’importante e prestigiosa collezione privata dedicata al compositore tedesco, comprese le opere già appartenenti al patrimonio civico.

L’operatività di MUVE all’interno del museo è prevista per il 2027, dopo una fase di studio degli interventi necessari. L’obiettivo di MUVE sarà valorizzare la storia, le collezioni, la fruibilità e l’accessibilità del museo, arricchendo al contempo l’offerta culturale dei Musei Civici di Venezia. Un patrimonio che si lega alle indagini di MUVE, come storia del teatro e del libretto d’opera di Casa Carlo Goldoni, alle preziose collezioni di strumenti musicali del Museo Correr e, non ultimo, alla grande passione e ammirazione di Mariano Fortuny per il compositore tedesco: mai conosciuto di persona, ma attraverso l’incontro, proprio a Venezia, con l’intellettuale, critico e funzionario delle Belle Arti Angelo Conti, con il quale condivise l’ideale filosofico wagneriano. All’età di diciannove anni, Fortuny iniziò a dipingere opere, drammi musicali e atmosfere che oggi popolano le Sale Wagner del Museo Fortuny.

Nel piano ammezzato del quattrocentesco Ca’ Vendramin Calergi dove oggi sorge il museo, il maestro Richard Wagner (Lipsia, 1813 – Venezia, 1883) soggiornò per diversi periodi, in fuga dagli affanni quotidiani e dalle tempeste sentimentali, alla ricerca di nuova ispirazione in un luogo appartato, lontano dalle interferenze del mondo. Spinto da un bisogno di quiete, Wagner individuò in Venezia la sua oasi, dove trascorse l’inverno con la famiglia fino alla morte, avvenuta improvvisamente il 13 febbraio 1883.  

Con l’ingresso del Museo Wagner nella rete della Fondazione Musei Civici di Venezia aggiungiamo un nuovo tassello di grande prestigio al patrimonio culturale della città. Diventa il 14° museo della rete MUVE: un risultato importante, che conferma la capacità di Venezia di custodire la propria storia aprendola sempre di più al mondo. Wagner è una figura universale, e il fatto che il museo a lui dedicato entri a far parte stabilmente del sistema civico veneziano rafforza ulteriormente il profilo internazionale della nostra offerta culturale, dichiara il sindaco di Venezia Luigi Brugnaro.

Per la Presidente MUVE Mariacristina Gribaudi L’ingresso del Museo Wagner nella rete di Fondazione Musei Civici di Venezia contribuisce a rafforzare la vocazione enciclopedica del nostro sistema museale, creando nuove connessioni con le altre realtà museali veneziane, dalla musica al teatro, fino alle arti visive. Il nostro impegno sarà, ancora una volta, quello della cura: valorizzare questo patrimonio rendendolo sempre più accessibile e integrato nei percorsi culturali della città.

Per il Presidente del Casinò di Venezia, Riccardo Ventura, questo accordo esalta la narrazione storica di Ca’ Vendramin Calergi. Il valore delle opere del Maestro, finora custodito dalla passione di raffinati intenditori, si apre oggi a un abbraccio più universale, diventando parte integrante dell’offerta culturale e museale che la Città rivolge al mondo.

L’Associazione Richard Wagner di Venezia, la Fondazione Internazionale Richard Wagner di Venezia e tutto il mondo internazionale wagneriano –  conclude Alessandra Althoff Pugliese, presidente dell’Associazione Richard Wagner di Venezia–  sono felicissimi e soddisfatti che, a oltre 30 anni dall’accordo culturale in nome di Richard Wagner tra Venezia e Bayreuth – città wagneriana –  abbiamo firmato la convenzione con la Fondazione Musei Civici di Venezia per la futura gestione e sviluppo del Museo Richard Wagner. Insieme, con il sostegno del Comune di Venezia, nostro socio fondatore, abbiamo raggiunto questo ambito traguardo e guardiamo con entusiasmo alla futura collaborazione con i Musei Civici di Venezia.

Nel paese di Giornopergiorno è una fiaba poetica che affronta con delicatezza temi complessi, come il tempo che scorre, l’attesa, la perdita e le separazioni, ma anche il valore del presente, le relazioni affettive, la crescita, il cambiamento, la capacità e possibilità di ricominciare sempre. 

Consigliato a partire dai 5 anni, il volume è pensato per essere letto insieme: offre ai più piccoli uno spazio sicuro in cui fare domande e agli adulti l’occasione di rallentare, ascoltare e condividere legami, attraverso immagini evocative e un linguaggio narrativo profondo ma comprensibile. Un racconto sul tempo che scorre e sull’importanza di viverlo insieme.

Nel paese di Giornopergiorno

Nel paese di Giornopergiorno il tempo non si conta in anni, ma in ore. Nessuno aspetta il futuro, nessuno rimpiange il passato. Esiste solo il presente, un momento condiviso ma diverso per ciascuno, fatto di incontri, feste improvvise, attese e addii. Nel paese di Giornopergiorno gli appuntamenti non coincidono, i treni non partono mai in orario e gli aerei arrivano in momenti diversi per ogni passeggero. Il tempo diventa così personale da rendere difficile vivere insieme. 

Ma una notte tutto si ferma, gli orologi ripartono da zero: all’improvviso nessuno sa più quante ore ha vissuto. Tutti sono +1. Gli abitanti devono allora decidere come ricominciare a contare il tempo, comprendendo così che la felicità non consiste nell’avere più tempo, ma nel riempire il tempo di vita.

La casa editrice

Kou Kou Edizioni è una micro casa editrice nata a Roma nel 2025, da un’idea di Allegra Mondello, Massimiliano Padovan Di Benedetto e Giada Fioravanti, con il desiderio di creare fiabe che nascono dalla vita vera e parlano ai bisogni delle famiglie di oggi. Storie che partono da esperienze reali, dal bisogno di condividerle e creare legami, e che si trasformano in libri illustrati da leggere e rileggere. Ogni libro è progettato con grande cura, risultato di un lungo lavoro fatto insieme: accanto alla fiaba e alle illustrazioni, una psicologa infantile accompagna il racconto con un breve testo finale per aiutare a esplorarne temi, emozioni e significati.

In preparazione già il secondo libro, Non è la solita zuppa, una fiaba che invita a superare i pregiudizi, a guardare oltre le apparenze, educando in modo semplice e narrativo alla sana alimentazione e all’autoregolazione, arricchita da una sezione di ricette di cibi sani adatti a grandi e piccini.

Kou Kou Edizioni è anche un invito: raccogliere le fiabe che nascono dentro le case, tra genitori e bambini, e farle viaggiare più lontano. Perché le storie più autentiche spesso iniziano proprio lì, nella vita quotidiana.

Chiunque voglia condividere le proprie storie, può scrivere a info@koukouedizioni.it: non tutte le storie potranno essere trasformate in libri illustrati ma alcune lo diventeranno. 

Il progetto espositivo comprende fotografie, disegni e dipinti, proponendo un intreccio di differenti linguaggi visivi, capaci di esprimere le poetiche individuali degli artisti.

Le fotografie di Leonor Benito de la Lastra sono realizzate attraverso un procedimento analogico che prevede processi chimici e l’impiego del bianco e nero; si presentano come frammenti enigmatici, dal carattere intimo e suggestivo, con un forte impatto poetico.

Luis J. Fernández presenta un progetto in cui una serie di nature morte si configura come spazio di convergenza tra immagine e pensiero, suggerendo una lettura stratificata, che sovrappone simboli vitali, come i fiori, a elementi dissonanti, come le tonalità̀ scure che prevalgono nelle composizioni.

Juan José Martínez Cánovas usa la matita su carta per sovvertire il mondo della ritrattistica classica con una serie di figure ibride uomo-animale, generate dalla fusione di mitologia e realtà. Queste immagini mistiche, surreali e a tratti inquietanti colpiscono non solo per il soggetto trattato, ma anche per la maestria del disegno.

Leonor Benito de la Lastra è una fotografa la cui pratica è profondamente radicata nelle tradizioni e nelle possibilità sperimentali della fotografia analogica. Nata a Barcellona nel 1962, si è laureata in Belle Arti presso l’Università di Salamanca con una specializzazione in design audiovisivo. La sua carriera si estende per oltre trent’anni, durante i quali si è affermata come maestra della camera oscura, trattando il laboratorio non solo come uno spazio di sviluppo, ma come uno strumento creativo primario per l’intervento artistico.

Il lavoro di Benito de la Lastra è caratterizzato da una particolare attenzione all’immagine in bianco e nero e alla manipolazione di processi chimici per ottenere qualità plastiche, che colmano il divario tra fotografia e arti visive e evocano temi come la memoria, la solitudine e il passaggio del tempo. L’artista è stata anche una figura di spicco nella comunità fotografica, in particolare dirigendo El Fotógrafo a Salamanca, uno spazio che integrava galleria, libreria specializzata e lo studio delle tecniche fotografiche storiche. La sua eccellenza è stata riconosciuta a livello internazionale, con la selezione per i Magnum Photography Awards e menzioni d’onore da Life Framer.

Luis J. Fernández, nato a Blanca, Murcia, nel 1974, è un pittore autodidatta che ha scelto il formalismo come linguaggio artistico. La sua carriera è iniziata con un periodo dominato dalla rappresentazione di spazi simbolici legati ai frutteti e al suo ambiente natale, che gli è valso un posto alla 2ª Biennale di Arte Contemporanea di Firenze nel 1999. Nel febbraio 2005 ha ricevuto il premio Giovane Artista dell’Anno dalla Regione di Murcia e nel 2016 la Medaglia d’Oro al Forum Europa di Madrid.

Fernández si è evoluto verso il regno dei paesaggi urbani, creando città impossibili basate su edifici paradigmatici della civiltà contemporanea. I suoi edifici fanno parte di un presente futuristico che, a volte, viene visto nel contesto di altri emblemi del passato. Questa serie è stata esposta in città come Parigi, Roma, Dubai, Firenze, Shanghai, Miami, Barcellona e Madrid, tra le altre.

Juan José Martínez Cánovas è nato a Murcia in Spagna nel 1980 dove si laurea presso l’Accademia di Belle Arti. La sua formazione prosegue con il conseguimento di un Master sulla ricerca dei nuovi materiali pittorici e una borsa di studio di un anno all’Accademia di Belle Arti di Roma. Durante i suoi studi, ha incontrato e seguito gli insegnamenti di due tra i più grandi pittori spagnoli viventi, Pedro Cano e Antonio López García, le cui influenze sono visibili nella sua opera.

Martínez Cánovas approfondisce lo studio della ritrattistica rinnovandola con una personale inclinazione diretta alle tematiche dell’inquietudine esistenziale e della metamorfosi. Per l’abilità che lo caratterizza in questo campo ha realizzato diversi ritratti istituzionali. Con la sua produzione artistica ha ottenuto, nonostante la giovanissima età, importanti riconoscimenti e premi sia in Spagna che all’estero.

Con la mostra dell’artista romano Paolo Di Capua, scultore assolutamente anomalo nel panorama italiano, l’associazione culturale ‘Il Triangolo Nero’ vuole indagare un aspetto raro e molto personale sulle possibilità espressive della terza dimensione.

Il materiale di elezione di Di Capua è il legno, la preferenza quasi assoluta è per il tiglio, con la sua struttura morbida e consistente al tempo stesso. Il ‘fare’ del nostro artista, manco a dirlo, non ha alcuna vicinanza con la tridimensione a tutto tondo della scultura ‘montano-dolomitica’ ma si sviluppa in una severa bidimensionalità sulla e nella quale scalpelli, sgorbie e altre lame, intaccano e aggrediscono la superficie piana e levigata con gesti calibrati, decisi e sapienti. Spesso l’approccio di scavo che Paolo mette in atto con i suoi strumenti di taglio, sfrutta appieno il senso di fibra delle tavole, accentuando evidenze filamentose e disvelando segni segreti che vengono man mano ad emergere.

Quindici opere, alcune sono reduci dalla fortunata personale al “Palau Martorell” di Barcellona, ma di fondamentale pregnanza nell’ambito della sua produzione ultima, caratterizzano la mostra alessandrina, che evidenzia al meglio le coordinate ideativo-fattuali di Paolo, che hanno precise radici nella grande e storica astrazione geometrica: ‘modularità’ e ‘minimalismo’. Questo linguaggio plastico ha un contrappunto cromatico quasi sempre ancorato a campiture tingenti con acrilico bianco e nero. L’obiettivo dello scultore romano è quello di strutturare la superficie lignea con una formidabile forza di contrasto, soppesata con austera compostezza, ma che conduce la visione verso orizzonti di luminose armonie.

Infine, non possiamo non ricordare e considerare come alcuni titoli di opere, quasi tutte organizzate in elementi multipli, in prevalenza ‘dittici’, ma anche con serie frequenti di numerosi elementi, siano allusive di narrazioni onomatopeiche “Pagine strappate”, oppure “Riflessi interni”, sino a suggerire forme di paesaggismo mentale che indica spazi aperti ad ogni forma di immaginazione-interpretazione.