Nel 1894, Klimt aveva ricevuto l’incarico dall’università di Vienna di realizzare i pannelli che dovevano decorare il soffitto dell’aula magna. Il tema era appropriato, trattandosi di raffigurare l’illuminismo, e, con esso, il trionfo della Luce sulle Tenebre. Un tema quindi culturale e simbolico per l’università. La commessa, però, fu rimandata di vari anni dall’artista e già questo aveva mal disposto i committenti. Quando Klimt, alla fine presentò la sua opera, i notabili si trovarono davanti corpi nudi intrecciati. Scandalo e rabbia: l’opera fu rifiutata. Klimt non badò alla polemica sorta. Proseguendo, nel 1902, per il Palazzo della Secessione compose il Fregio di Beethoven, in occasione della quattordicesima mostra secessionista. Il tema era svolto in maniera enigmatica, quanto visionaria. La raffigurazione esprimeva tutte le angosce ed i dolori, ma anche le fragili aspirazioni dell’uomo moderno, di quegli anni, verso il futuro.

Nel 1903, Klimt ebbe “l’incontro della sua vita”, ma non con una persona, ma con un’opera d’arte. In quell’anno, infatti, si recò a Ravenna ed ebbe la rivelazione dei mosaici bizantini. L’accostamento di colori puri opachi ad altri più lucidi fino ad arrivare alle superfici splendenti dell’oro, gli ispirarono un modo nuovo di esprimersi artisticamente. Tornato, ricco di un linguaggio innovativo, l’artista si avvicinò ai Wiener Werkstatte (Laboratori Viennesi), creati da poco. In questo periodo, foriero di novità, egli realizzò i quadri più conosciuti della sua carriera, espressione ufficiale della sua vita artistica: Giuditta I (1901), Le Tre Età della Donna (1905), il Ritratto di Adele Bloch-Bauer I (1907) e Il bacio (1907-08), la Danae (1907-1908) e L’Albero della Vita (1905-1909).
L’uso dell’oro caratterizza questo periodo della sua carriera, tant’è che viene denominato dai critici, come “periodo aureo”. Rifacendosi ai mosaici di Ravenna, i suoi quadri sono rigidamente bidimensionali, con campiture distinte, non sfumate, ma lineari. Prevale il simbolismo delle composizioni, e l’uso delle figure femminili, trattate in maniera sensuale ed erotica, nell’armonia dell’immagine generale.

Nel 1909, Klimt dipinse la seconda raffigurazione di Giuditta II. Con questo quadro egli apre il periodo consecutivo, che viene detto “periodo maturo”, o “terza fase klimtiana”. In quest’anno, infatti, ha inizia un totale ripensamento artistico sulla propria opera. Art Nouveau e Belle Epoque, lentamente vanno sfumando, in prossimità della Prima Guerra Mondiale. Si afferma, intanto, l’arte, più avanzata, di Van Gogh, Matisse e Toulouse-Lautrec. Mentre arriva la pittura espressionista, tornano a riproporsi i capolavori impressionisti, come quelli di Claude Monet. Klimt cerca di rispondere ai suoi dubbi, diminuendo l’uso dell’oro e delle linee, adottando una tavolozza di colori più accesi. Cerca di uscire dalle raffinatezze dell’Art Nouveau, in una maniera più intuitiva e spontanea.
Nonostante i cambiamenti l’astro artistico gli valse ancora molti riconoscimenti. Fu premiato alla Biennale di Venezia del 1910, e vinse il primo premio dell’Esposizione Internazionale di Arte di Roma, nel 1911. Pochi anni dopo (nel 1918), giunse inaspettata la morte per un attacco cardiaco.

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Immagine di copertina: Gustav Klimt, Ritratto di Adele Bloch-Bauer I (1907)

Anche la monarchia polacca aveva la sua reggia grandiosa. È il castello di Varsavia, che fu sede ufficiale dei re e dell’amministrazione della corte reale. Mantenne queste mansioni fino alle spartizioni della Polonia. Successivamente divenne residenza del presidente della Polonia (1926-1945).

Cenni storici
La parte originaria della costruzione risale al XIV secolo e si deve ai duchi di Masovia. Dal castello, nel corso dei secoli, è andata formandosi intorno tutta la città di Varsavia. Quest’ultima nel 1596 fu scelta come capitale del regno da re Sigismondo III Wasa e di conseguenza il palazzo divenne sede istituzionale del re e della sua corte. Venne, quindi, ristrutturato per la nuova funzione amministrativa, tra il 1598 e il 1619. Il castello prese una forma poligonale. A sua volta la parte orientale (detta “ala sassone”), fu rinnovata, tra il 1740 e il 1752, su ordine del re Augusto III.

Durante la seconda guerra mondiale, la città ed il castello vennero pesantemente bombardate dagli aerei tedeschi, sia nella fase della conquista della Polonia, nel 1939, sia nel 1944, durante la Rivolta di Varsavia. Le opere d’arte che il palazzo conteneva, vennero, nel 1939, trasferite in un luogo nascosto, prima dell’arrivo dei tedeschi. Al termine della guerra furono di nuovo esposte al pubblico. Dopo la guerra, il castello è stato restaurato, con donazioni private, tra il 1970 ed il 1974. L’opera fu completata nel 1988.

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castello reale varsavia 28
Polonia Varsavia La Città Vecchia, Castello Reale di Varsavia, Palazzo della Cultura e della Scienza

Il padre era un orafo della Boemia, la madre colta ed appassionata di musica lirica, cosicché gran parte della famiglia dimostrò doti artistiche. Infatti, oltre a Gustav, anche i suoi due fratelli, Ernst e Georg, divennero pittori. Nonostante le non floride condizioni economiche, Gustav Klimt riuscì ad iscriversi e a seguire le lezioni della scuola d’arte e mestieri di Vienna. Gli studi di arte applicata e le conoscenze personali lo portarono, ben presto, a possedere abilità in diverse tecniche artistiche, del mosaico e della ceramica.

Molto impegnato sul lavoro, Klint iniziò, sin da subito, a farsi conoscere. Già tre anni dopo la fine degli studi, ebbe il suo primo incarico: la decorazione, su progetto di Laufberger (che era stato suo maestro), del cortile del Kunsthistorisches Museum. Giunsero altre commesse (le quattro allegorie del Palazzo Sturany a Vienna ed il soffitto della Kurhaus di Karlsbad). Successivamente, per affrontare i nuovi incarichi, formò un gruppo, con un fratello ed un amico. La nuova squadra si dimostrò subito molto efficace. Con essa realizzò (tra le altre opere) la decorazione del Burgtheater. Conclusione: col successo, guadagnarono molto e divennero di condizione agiata. La fama raggiunta è testimoniata dai frequenti premi ottenuti. Nel 1888, infatti, Klimt conseguì dall’imperatore Francesco Giuseppe, un riconoscimento ufficiale.  Nello stesso periodo, le università di Monaco e Vienna fecero altrettanto.

Tutto andava perfettamente bene, ma il destino era in agguato. Nel 1892, improvvisamente gli morì il padre, e da lì a poco, perse anche il fratello Ernst. Il colpo per Klimt fu tremendo, tanto da fermarlo per sei anni dall’attività lavorativa. Tutto il dolore di questi lutti segneranno la sua successiva opera. Un po’ di sollievo gli venne dall’incontro con Emilie Flöge, che sarà la donna della sua vita e che sopporterà i suoi numerosi tradimenti con altre donne (qualcuno ha calcolato che nella sua vita Klimt ebbe almeno quattordici figli).

La Secessione Viennese
Gli anni conclusivi dell’Ottocento furono, per Klimt, forieri di passi fondamentali. Nel 1897, infatti, egli fondò (unitamente ad una ventina di artisti, pittori ed architetti) la Wiener Sezession (cioè, la “secessione viennese”). Alla base del movimento un’intenzione rivoluzionaria: quella di rifondare l’arte, superando l’accademismo imperante ed asfittico. Volevano raggiungere in maniera nuova le arti plastiche, il design (cioè, le arti applicate), e tutto questo per ridare vita alle arti ed ai mestieri, ma anche per creare una nuova architettura. Il movimento viennese girava intorno ad una specifica rivista: Ver Sacrum (tradotto, “Primavera sacra”). Di questa ne vennero pubblicati 96 numeri (l’ultimo uscì nel 1903). Intorno alla Secessione si riunirono artisti provenienti da altre correnti, come simbolisti, naturalisti ed i modernisti di varia origine. Se la rivista Ver Sacrum era la voce della Secessione, Klimt ne realizzò l’icona visiva, con il quadro della Pallade Atena (nel 1898), cioè la dea greca della saggezza e del sapere (l’immagine realizzata ottenne anche un buon successo).

Tra gli obiettivi della Secessione vi era quello di raggiungere l’opera d’arte totale (Gesamtkunstwerk), in tutti i campi dell’espressione artistica o tecnica (come architettura ed arti applicate). Tra le creazioni del gruppo vi fu il Palazzo della Secessione Viennese, divenuto simbolo del movimento e molto copiato in architettura. La Secessione registrò una grande affermazione sia in Germania che in Austria. I pittori ed architetti, che la composero lavorano in tutti i settori, per ottenerne una fusione totale delle tendenze e di un nuovo stile. I viennesi non furono gli unici nell’intento. Nacquero associazioni di artisti in tutta Europa, con il medesimo obiettivo. Il movimento diede origine ad Art Nouveau e Modernismo, nel Vecchio Continente
Tra i nomi altisonanti del gruppo, oltre a Gustav Klimt, vi furono: Egon Schiele, Koloman Moser, Joseph Maria Olbrich, Josef Hoffmann e Otto Wagner. 

ENCICLOPEDIA TRECCANI: GUSTAV KLIMT

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P.Daverio – Klimt e la Secessione
Klimt: vita e opere in 10 punti
Gustav Klimt opere dal 1883 al 1918 – ‘Art Nouveau – Stile Liberty – Loreto Arte

Immagine di copertina: Foto di Gustav Klimt

James Sidney Edouard, Barone di Ensor nacque in Belgio, ad Ostenda nel 1860 (morì nel 1949). Introverso come carattere, non si mosse quasi mai da Ostenda. Eppure i suoi quadri, a cui si occupava ogni giorno, divennero un’icona del Simbolismo nell’arte, di fine Ottocento. Dal 1877 al 1880, frequentò l’Accademia di belle arti di Bruxelles. Al compimento del corso, nel 1881, realizzò la prima mostra personale. I suoi quadri iniziali si ispirano al naturalismo belga, che caratterizzava la pittura fiamminga all’epoca. Questo periodo della carriera di Ensor viene definito, dalla critica, “periodo scuro”. Le raffigurazioni, infatti, sono contraddistinte da colori scuri, luci deboli e radenti, che fanno vibrare le composizioni. Essi si rifanno alla tecnica del pittore francese Gustave Courbet. Il periodo scuro di Ensor si concluderà nel 1885.

Tra i nuovi spunti, a quella data, subentrano i riferimenti alla rivoluzione impressionista, con i suoi colori accesi e i suoi soggetti innovativi. Non mancano, tuttavia, i riferimenti alla pittura storica del periodo classico, come a Hieronymus Bosch e Pieter Bruegel il Vecchio. Ne inizia una nuova analisi personale, dove finisce per ritrovare tali temi (la crisi del rapporto tra l’uomo e la natura) nell’avanguardia francese. Viene affascinato, in particolare, dai movimenti Simbolisti e Decadentisti. Con la sua adesione al loro pensiero, Ensor si inserirà al centro del cambiamento europeo post-impressionista.

Ciononostante, le sue opere non ebbero un grande successo. Spesso venivano rifiute dalle esposizioni del tempo. Ensor era critico contro i suoi critici, e lo dimostrò con i suoi articoli. Si unì al gruppo di Les XX, ma oltre di questo non fece. Fu collaterale alla sua cultura contemporanea. Ma come succede per i maestri che portano avanti dei contenuti, egli divenne anticipatore di movimenti, come per l’espressionismo, con la tua tavolozza e la sua tecnica di stesa dei colori, ma, soprattutto, anticipatore del surrealismo e del dadaismo, del XX secolo, che a lui si ispireranno. Tant’è che nel nuovo secolo fu rivalutato ed apprezzato, quando, però, il pittore era nella sua parabola discendente.
Come successo per Munch (il museo a lui dedicato), dopo la sua morte), anche la sua casa, ad Ostenda (dove soggiornò principalmente), è divenuta il suo museo, il museo di James Ensor.

La sua espressione
Colori e tematiche collaborano nella pittura di Ensor. I colori stesi velocemente sulla tela con colpi rapidi di pennello, dove i toni chiari sono stridenti tra l’oro, creando una dimensione inquietante. Il suo mondo si evidenzia come ambiguo ed ossessivo. Tra sogno e realtà, prevale l’incubo. Mostri, scheletri, esseri dell’oltre tomba, smorfiano e minacciano una condizione sociale scomoda quanto ipocrita. È la sua ironia verso il mondo borghese. Egli rappresenta la morte che incombe su tutte le vanità borghesi. La società del tempo, infatti, gli appare stupida, inutile e ripugnante, quanto la smorfia di una creatura mostruosa o una maschera di carnevale. In questa crisi che diventa critica, il suo mondo diventa rappresentativo, quanto simbolico. Anticipando il surrealismo, Ensor si dichiara con la sua opera, a tutti gli effetti, simbolista, il suo movimento di piena appartenenza.

ENCICLOPEDIA TRECCANI: JAMES ENSOR

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James Ensor part1
Le sorprendenti maschere di James Ensor

Fonte dell’immagine: JAMES ENSOR – Natura morta con maschere