Un corso che condurrà i partecipanti alla scoperta di una tecnica affascinante e complessa, quella della decorazione a foglia d’oro e d’argento su carta, attraverso un’esperienza laboratoriale dal forte valore artistico e sensoriale. L’ambiente di lavoro – alla Sala Sbisà in via Torrebianca 22 – richiamerà l’atmosfera di un’antica bottega rinascimentale, tra lacche, pennelli, odori e materiali della tradizione.

“Accanto all’attività pratica” – spiega Francesca Martinelli – “il percorso sarà arricchito da nozioni teoriche storico-artistiche dedicate alla nascita e all’evoluzione della tecnica della doratura, al suo utilizzo nel passato e al suo dialogo con il disegno. Il disegno rappresenterà il fulcro dell’esperienza formativa, in un dialogo continuo con l’applicazione dell’oro e dell’argento, fusi in un connubio di grande suggestione visiva. La prima parte del workshop sarà dedicata alla spiegazione e dimostrazione delle tecniche a sfumino e di gommatura, con un’attenzione personalizzata per ciascun partecipante.”

Il percorso formativo si svolgerà ogni martedì dalle 10.00 alle 11.40, con lezioni della durata di 100 minuti, dal 3 marzo al 26 maggio 2026. Per info tecniche di partecipazione si può contattare la docente al: 3382272351 e per le iscrizioni la segreteria dell’Università Popolare di Trieste allo 040/6705200 (e-mail corsi@unipoptrieste.it).

L’espressione inglese digging up, che letteralmente significa “scavare”, può assumere anche il significato di “portare alla luce”, “far riemergere”. Deli sembra infatti voler dissotterrare forme e modelli antichi per confrontarli con la contemporaneità, attraverso materiali e soluzioni formali originali.

Le opere, costellate di riferimenti al mondo dell’arte classica, tracciano un percorso di rilettura del passato, che va dalla rielaborazione delle immagini delle grottesche – decorazioni pittoriche parietali romane – dipinte da Deli su tavole di legno, alla realizzazione di un bassorilievo raffigurante Gradiva, protagonista della novella di Wilhelm Jensen, ritratta mentre cammina per le strade di Pompei.

Nel fondere passato e presente, Alessio Deli, artista fondante della scuderia della galleria, racconta la propria poetica attraverso una serie di riferimenti universali e senza tempo.

Alessio Deli – Profilo

Alessio Deli è nato a Marino, in provincia di Roma, nel 1981. Dopo gli studi all’Istituto d’Arte di Marino si è diplomato all’Accademia di Belle Arti di Carrara dove si è specializzato in scultura. Successivamente si abilita all’insegnamento delle Discipline Plastiche presso l’Accademia di Belle Arti a Roma. Fra le tante mostre citiamo la personale museale KORAI Incipit Memoria a Palazzo Valentini di Roma nel 2019, la partecipazione alla mostra Da Giotto a Pasolini al Museo di Palazzo Doebbing di Sutri nel 2020, la personale Anthropocene al MacS (Museo d’Arte Contemporanea Sicilia) di Catania nel 2021, la mostra Fragile nelle sale del Museo dell’Arte Classica dell’Università La Sapienza di Roma nel 2024 e Patina memoriae, sua personale alle Case Romane del Celio nel 2025. Sempre nel 2025, l’ente nazionale per le attività culturali ENAC gli conferisce, per la categoria arti visive, il Premio Mameli.

Le opere di Deli sono collocate in prestigiose collezioni sia pubbliche che private in Italia e all’estero, tra cui il MacS (Museo Arte Contemporanea Sicilia), Catania; la Raccolta Civica d’Arte Contemporanea di Palazzo Simoni Fè, Brescia; il Museo Roberto Bilotti Ruggi d’Aragona di Rende, Cosenza; la Galleria Nazionale della Calabria, Cosenza; il Palazzo Municipale di San Quirico d’Orcia, Siena; l’Antico Collegio Martino Filetico, Città di Ferentino; l’Università degli Studi “La Sapienza” di Roma; la Nuova Chiesa S. Pietro Apostolo, Cosenza; ed il Parco Porporati, Torino. 

Attraverso questa mostra, gli Scavi Scaligeri non segnano soltanto la riapertura di un luogo emblematico per la fotografia italiana, ma ribadiscono anche la centralità di Verona come polo di produzione culturale, confronto internazionale e riflessione sull’immaginario contemporaneo. Un ritorno a lungo atteso, fortemente voluto dall’Amministrazione attraverso l’Assessorato alla Cultura, che restituisce al pubblico uno spazio affascinante e unico, capace di guardare al futuro a partire da immagini che hanno segnato la storia.

La mostra, da un’idea di Giuseppe Ceroni e curata da Simone Azzoni, è promossa dal Comune di Verona e prodotta da Silvana Editoriale, in collaborazione con PEP Artists e Grenze Arsenali Fotografici, e porta negli Scavi Scaligeri uno sguardo iconico e senza tempo: quello della storica rivista LIFE, uno dei magazine fotografici più influenti del Novecento. A rendere unica questa esposizione è l’assoluta originalità del progetto, pensato e realizzato ad hoc per Verona e per questa occasione.

L’esposizione è inserita nell’ambito dell’Olimpiade Culturale di Milano Cortina 2026, Il programma multidisciplinare, plurale e diffuso che animerà l’Italia per promuovere i valori Olimpici e valorizzerà il dialogo tra arte, cultura e sport, in vista dei Giochi Olimpici e Paralimpici Invernali che l’Italia ospiterà rispettivamente dal 6 al 22 febbraio e dal 6 al 15 marzo 2026.

Il percorso espositivo prende avvio dagli sport invernali, ma va ben oltre la dimensione della competizione e della pura performance atletica.

Le circa cento immagini selezionate, molte delle quali inedite, restituiscono lo sport come esperienza condivisa, spettacolo, rito collettivo e potente specchio del proprio tempo. Dalle Olimpiadi invernali di Garmisch-Partenkirchen del 1936 a quelle di Sapporo del 1972, passando per la storica edizione di Cortina 1956, LIFE racconta quasi quarant’anni di storia segnati da guerre, ricostruzioni, crescita economica e tensioni geopolitiche.

Fondata nel 1936 da Henry Luce, LIFE ha profondamente trasformato il linguaggio del giornalismo, ponendo la fotografia al centro della narrazione. Non si trattava soltanto di mostrare i fatti, ma di farli vivere: “vedere la vita, vedere il mondo; essere testimoni oculari dei grandi eventi”. Le immagini dovevano emozionare, coinvolgere, rendere il lettore parte dell’esperienza. Experienced era la parola chiave. Una visione che emerge con forza anche in questa mostra, dove il rigore documentario si intreccia al senso dello spettacolo e a una raffinata attenzione per l’estetica del gesto atletico.

Firmate da maestri della fotografia quali Alfred Eisenstaedt, George Silk, Ralph Crane e John Dominis, le immagini in mostra restituiscono il ritratto di un mondo in profonda trasformazione. L’eleganza dello sci alpino, la potenza del bob e la grazia sospesa del pattinaggio artistico si fanno metafore visive dei mutamenti sociali e culturali dell’Occidente. Gli atleti non sono rappresentati soltanto come campioni, ma come corpi in movimento, volti concentrati, individui colti in un equilibrio sottile tra tensione e leggerezza.

Accanto ai grandi appuntamenti sportivi, LIFE ha sempre riservato uno sguardo attento anche alla dimensione quotidiana e popolare dello sport. Vacanze in montagna, resort americani, mode sciistiche e nuovi modi di vivere il tempo libero raccontano come gli sport invernali diventino emblema di un’idea di progresso e benessere capace di ridefinire il rapporto con il paesaggio, la natura e il tempo libero. In questo racconto, lo sport non è mai autoreferenziale: è epica e competizione ideologica, ma anche gioco, evasione e strumento di costruzione di un immaginario e di un’identità collettiva.

Il percorso espositivo si articola in sei aree tematiche – Ice Lines, People, Experienced, Cortina 1956, Garmisch-Partenkirchen 1936 e Fun out of Life – che guidano il visitatore attraverso diversi livelli di lettura, offrendo una narrazione fluida e immersiva. Un vero e proprio viaggio nella memoria visiva del Novecento, capace di rendere il pubblico testimone e partecipe allo stesso tempo.

La visita alla mostra offre un’occasione speciale per riscoprire gli Scavi Scaligeri, che tornano accessibili al pubblico proprio in concomitanza con l’esposizione, dopo dieci anni di importanti lavori di restauro e valorizzazione. Con un unico biglietto, i visitatori potranno accedere sia alla mostra sia all’area archeologica, riscoprendo un luogo di straordinario valore storico, all’interno del quale si snoda l’allestimento, in un dialogo suggestivo tra fotografie, architettura e stratificazioni del passato.

Fitto il calendario degli appuntamenti che accompagnano la mostra. Un programma di incontri con docenti ed esperti approfondirà il rapporto tra sport e paesaggio, educazione e fotogiornalismo

Nato a Catania, da Giuseppe e Apollonia Arcidiacono, Tempio si formò sui classici latini e italiani e usò il siciliano come strumento di satira politica, di denuncia sociale e di libertà erotica, anticipando temi che la letteratura italiana avrebbe affrontato solo molto più tardi.

Il suo capolavoro è “La Caristia”, un poema di venti canti, feroce e lucidissimo, sulla carestia che colpì Catania nel 1797–98 e sulla sommossa popolare che ne seguì. In quelle pagine, Tempio smaschera speculatori, nobili avidi, religiosi corrotti e amministratori incapaci. È un affresco sociale di straordinaria attualità, in cui la fame diventa lente per osservare le ingiustizie strutturali della società siciliana dell’epoca. La lingua è tagliente, musicale, ricca di immagini popolari: un documento storico e letterario insieme.

Altro poemetto rilevante è “Lu veru piaciri” che inizia così, con un proemio che fa satira su quello tassiano de “La Gerusalemme Liberata”:

Non cantu l’armi, li lassamu stari
in manu di li Vappi e Spataccini.
Chi gustu bruttu è chistu di cantari
straggi, sbudiddamenti, ammazzatini!
Lu sulu dirlu già mi fa trimari
lu piddizzuni, e s’aprinu li rini.
Fora di mia li truci oggetti e l’iri;
amu la Paci e cantu lu Piaciri.

Accanto alla produzione civile, Tempio coltivò un filone che gli costò censura, ostracismo e una lunga damnatio memoriae: le poesie erotiche. Testi espliciti, comici, vitali, che circolavano in manoscritti clandestini e che per decenni furono considerati “osceni”. Oggi, invece, dopo essere stampate postume, sono studiati come testimonianza antropologica e come esempio altissimo di libertà espressiva. In quelle pagine, Tempio non celebra solo il corpo: celebra la vita, la natura, la gioia, la fragilità umana. E lo fa con una lingua siciliana piena, viva, capace di passare dal riso alla malinconia in un solo verso.

La sua opera, per lungo tempo dimenticata, è stata riscoperta nel Novecento. Oggi Micio Tempio appare come un autore sorprendentemente moderno: un poeta che non teme di denunciare il potere, che difende la dignità dei più deboli, che usa l’ironia come arma politica e che rivendica la libertà del corpo e della parola.

In quest’epoca in cui la Sicilia sta riscoprendo la propria identità linguistica e culturale, Tempio torna a essere un punto di riferimento imprescindibile. Non solo per la sua maestria poetica, ma per il suo coraggio: quello di dire la verità senza veli, di ridere dei potenti, di raccontare la vita com’è davvero. La sua lezione, oggi più che mai, rimane intatta: la lingua siciliana non è un residuo folklorico, ma uno strumento potente di pensiero, di critica, di satira e di poesia.

A risultare vincitrici sono state Laura Capellini (Mariano Comense, 1994) con il progetto Anitya e Zeynep Çilek Çimen (Ankara, 1984) con Hatai – Impermanence Screen, che saranno in residenza presso la Tenuta Rasocolmo dal 20 febbraio al 1° marzo 2026.

Il bando, rivolto ad artiste e artisti italiani e internazionali attivi nell’ambito della scultura e delle installazioni site-specific, invita a sviluppare opere capaci di dialogare in modo critico e poetico con l’ambiente naturale, il vento e la luce, riflettendo sulle trasformazioni del territorio. Il tema della residenza 2026 è stato “Impermanence: Art and Migrations – Dislocazioni ecologiche e politiche del movimento”, un’indagine sulle dinamiche della transitorietà e sulle connessioni tra specie, natura e culture.

La giuria ha riconosciuto nei due progetti selezionati una particolare sensibilità nei confronti del luogo e una forte coerenza con la missione della Tenuta Rasocolmo, da anni impegnata nel coniugare la produzione vitivinicola – in particolare del Faro DOC, simbolo storico del territorio – con la tutela del paesaggio, la valorizzazione ambientale e la costruzione di un polo culturale aperto al dialogo tra arti visive, musica e letteratura.

Dal 21 al 28 febbraio le artiste lavoreranno presso la Tenuta accogliendo il pubblico, le scolaresche e tutti i visitatori interessati a seguire il processo creativo.
Domenica 1° marzo alle ore 11 si terrà la cerimonia di restituzione con l’inaugurazione delle opere che si aggiungeranno alle quattro già presenti.

Con il progetto Residenze d’artista, la Tenuta Rasocolmo promuove il dialogo tra arte contemporanea, natura e comunità. Ingresso libero

Laura Capellini – Biografia

Laura Capellini, 1994, è laureata in Scultura ed in Decorazione all’Accademia di Belle Arti di Brera. Professionalmente lavora come scultrice realizzando opere ed installazioni per artisti, scenografi, architetti e fotografi. Ha realizzato nel 2022 l’opera pubblica “Il Fornaciaio” per il comune di Briosco (MB), Borgo del Cotto Lombardo, scultura di due metri fatta a colombino in terracotta bianca e rossa ; nel 2016 ha realizzato, in un team di sei scultori selezionati, l’opera “Madonna della Luna” per il comune di Turbigo (MI), in marmo bianco di Carrara. Nel 2017 ha co-fondato CollectiveConcrete, un collettivo di ricerca fotografica ed artistica che mira ad indagare il senso odierno della fotografia, stampando in modo analogico immagini digitali su supporti tridimensionali. La sua ricerca artistica è incentrata sul tema del Paesaggio Interiore, per avvicinare l’osservatore al dialogo con sé stesso, all’analisi introspettiva ed all’inscindibile rapporto con gli elementi naturali. Dal 2015 partecipa a mostre collettive e personali, esponendo, tra gli altri, a “Il femminile nell’arte” curato da Ivan Quaroni (2025) , al 17th Photo Festival Milano (2022), alla III Biennale Internazione Donna- BID Trieste (2021), al Bau 17 curato dalla Fondazione Bonotto (2020). Ha inoltre partecipato al Simposio di Scultura “Tra pietra e seta” durante la Lake Como Creativity Week (2024), realizzando un’opera con il marmo di Musso.

Il sito web è: https://lauracapellini.it/

Zeynep çilek çimen – Biografia

ZEYNEP ÇİLEK ÇİMEN 1984, Ankara Zeynep Cilek Cimen (1984, Ankara) concepisce l’arte come una forma di dialogo tradizionale, un modo di interagire con simboli ereditati e memoria collettiva. Il suo lavoro esplora le innumerevoli possibilità di forme e figure, creando composizioni ottiche che bilanciano astrazione e ripetizione. Sebbene il suo obiettivo principale sia lo studio delle connessioni tra le forme, la sua arte attinge anche alla risonanza simbolica di motivi ricorrenti. Le sue composizioni, spesso guidate da una semplicità sottile e ritmica, pongono al centro motivi nomadi. Questi motivi – a volte singolari, a volte moltiplicati, intrecciati o distorti – generano nuove connessioni semantiche. Attraverso questa interazione visiva, si evolvono in un linguaggio formale di identità culturale, che si rivela attraverso strati di simbolismo. Intrecciando elementi provenienti dalle tradizioni anatoliche, selgiuchidi e turche più ampie, l’artista costruisce una mitologia personale all’interno del vasto panorama delle identità culturali. Così facendo, trasforma il suo messaggio da locale a universale, consentendo alle sue forme nomadi di parlare un linguaggio che trascende i confini pur rimanendo profondamente radicato nella tradizione.

ZEYNEP ÇİLEK ÇİMEN 1984, Ankara Zeynep Cilek Cimen (1984, Ankara) conceives of art as a form of traditional dialogue — a way of engaging with inherited symbols and collective memory. Her work explores the myriad possibilities of shapes and forms, creating optical compositions that balance abstraction and repetition. Although her primary focus lies in the study of connections of forms, her art also draws upon the symbolic resonance of recurring motifs. Her compositions, often guided by a subtle and rhythmic simplicity, place nomadic patterns at their centre. These motifs — sometimes singular, sometimes multiplied, intertwined, or distorted — generate new semantic connections. Through this visual interplay, they evolve into a formal language of cultural identity, one that reveals itself through layers of symbolism. By weaving together elements from Anatolian, Seljuk, and broader Turkish traditions, the artist constructs a personal mythology within the vast landscape of cultural identities. In doing so, she transforms her message from the local to the universal — allowing her nomadic forms to speak a language that transcends borders while remaining deeply rooted in tradition.

Nella loro realizzazione Anna Onesti trae ispirazione da tipologie storiche di aquiloni del Giappone e della Corea, sviluppando una propria interpretazione contemporanea all’interno di questa arte tradizionale. Un ruolo centrale nel suo lavoro è svolto dalla carta artigianale ricavata dalla lavorazione delle fibre dell’albero di gelso, conosciuta come washi (和紙) in Giappone e hanji (한지) in Corea. Si tratta di una carta utilizzata tradizionalmente sia per la calligrafia e la stampa, sia per la realizzazione di oggetti d’uso quotidiano, grazie alla sua eccezionale resistenza e flessibilità.

Attraverso questa coincidenza la mostra Paper Clouds / Paper Kites invita il pubblico a scoprire le tradizioni della costruzione artigianale degli aquiloni attraverso uno sguardo artistico contemporaneo presentando la carta come un materiale capace di unire culture, tecniche e narrazioni.

BIOGRAFIA

Anna Onesti è un’artista visiva italiana, ha studiato presso le Accademie di Belle Arti di Roma, Urbino e Torino diplomandosi prima in Scenografia e poi in Decorazione, ha lavorato per molti anni come restauratore conservatore di disegni e stampe in importanti istituzioni museali italiane. Dal 1994, anno in cui ha compiuto il suo primo viaggio in Giappone, grazie ad una borsa di studio della Japan Foundation, conduce una ricerca approfondita sulle tecniche di produzione, tintura e decorazione della carta artigianale in Giappone, Corea, India e Indonesia. Dal 2005 realizza aquiloni basati su tipologie tradizionali orientali, esplorando la relazione tra carta, colore, struttura, leggerezza e movimento. Le sue opere sono state presentate a livello internazionale in musei e istituzioni culturali e fanno parte di collezioni pubbliche e private. Il suo lavoro si colloca in un ambito in cui il sapere tecnico, la materialità e la pratica artistica incontrano la memoria culturale e la ricerca artistica contemporanea.

La mostra è arricchita da fotografie di aquiloni in volo, che trasportano il pubblico dallo spazio espositivo verso l’orizzonte aperto, collegando il lavoro di Onesti al cielo, al vento e al movimento. In questo modo, la narrazione si sviluppa tra statico e dinamico, tra oggetto e azione. Una selezione di materiali editoriali e documenti provenienti da precedenti mostre illumina ulteriormente il percorso e la pratica dell’artista.

La mostra temporanea Paper Clouds / Paper Kites dialoga e convive parallelamente con l’esposizione “La carta artigianale dall’Asia all’Europa”, spostando l’attenzione del visitatore dalla storia del materiale al suo uso artistico contemporaneo. È la prima mostra personale di un artista presentata dal Triton & Shell, nell’ambito delle sue attività dedicate alla valorizzazione della carta come mezzo artistico e culturale.

L’apertura della mostra, a poche settimane dal Lunedì di Quaresima “Clean Monday” (festa ortodossa di inizio Quaresima in Grecia), crea un collegamento sottile ma significativo tra un’antica tradizione asiatica e un’usanza profondamente radicata nella cultura greca quando nelle città e nei villaggi di tutto il paese bambini e adulti si ritrovano, in spazi aperti, per far volare i loro aquiloni chiamati “χαρταετοί” (chartaetói).

I dati confermano il rapido declino, in quest’ultimo decennio, dell’uso delle lingue regionali in Italia, anche di quella siciliana, seppure in misura minore. Infatti, dopo la Calabria, regione dove più si parla il “dialetto” in famiglia con il 64% (-4,6 punti rispetto al 2015), viene proprio la Sicilia con il 61,5% (-7,3 punti); quindi la Campania con il 61% (-14,2 punti), seguita dal Veneto con il 55,3% (-6,7 punti). Nell’uso del dialetto con gli amici, la Sicilia scivola, però, al terzo posto, dopo Campania e Calabria e nell’uso con gli estranei addirittura al quarto, dopo Campania, Calabria e Veneto: forse ci vergogniamo, più che altrove, di parlare la nostra lingua fuori dalle mura domestiche.

Secondo l’AUCLIS, i numeri pubblicati dall’Istituto nazionale di statistica rappresentano «un vero e proprio segnale d’allarme per l’insieme delle lingue locali italiane». L’associazione sottolinea che «tutte le lingue regionali – compresa la lingua siciliana – sono ormai a rischio di estinzione nel giro di alcuni decenni se non si interviene con politiche serie e strutturali».

L’AUCLIS richiama l’attenzione sul fatto che l’Italia, pur essendo «una nazione con un patrimonio linguistico tra i più ricchi d’Europa», rischia di «perdere tanta ricchezza culturale a causa del pressoché totale immobilismo istituzionale in materia di politiche linguistiche volte alla rivitalizzazione delle lingue regionali».

Il comunicato evidenzia inoltre come il quadro normativo nazionale sia gravemente insufficiente: molte lingue regionali, tra cui il siciliano, non godono di alcun riconoscimento giuridico perché non incluse nella legge 482/1999. A ciò si aggiunge il fatto che «l’Italia è una delle pochissime nazioni che non ha ancora attuato la Carta Europea delle Lingue Regionali o Minoritarie», lo strumento del Consiglio d’Europa che definisce gli standard minimi per la tutela e la promozione delle lingue storiche non maggioritarie.

Per l’AUCLIS, i dati ISTAT non devono essere interpretati come una semplice fotografia sociolinguistica, ma come un indicatore del tempo che resta per intervenire. «Con questi dati allarmanti non si può più aspettare: occorre una nuova legge che, innanzitutto, riconosca tutte le lingue regionali e che dia possibilità di tutelarle e promuoverle secondo le indicazioni della Carta Europea delle Lingue Regionali o Minoritarie, che andrebbe, grazie a tale nuova legge, finalmente attuata».

L’associazione conclude ribadendo che la tutela delle lingue regionali non è una battaglia identitaria o localistica, ma una questione di civiltà culturale e di responsabilità verso le generazioni future.