Negli ultimi anni Yugo Logo ha fatto tappa in Croazia, Macedonia del Nord, Bosnia ed Erzegovina e Montenegro, con la volontà di celebrare la memoria e recuperare questo patrimonio – una volta comune – di design, innovazione e creatività spesso con altissimi standard.

Per questa tappa a Trieste, curata da Cizerouno, la prima fuori dai territori dell’ex Repubblica Federativa, oltre a una selezione dei più iconici marchi “made in Yu” per il Cavò sono stati pensati anche tre focus. Il primo sul turismo con marchi di alberghi, agenzie turistiche e il riconoscibile marchio JAT della compagnia aerea jugoslava. Il secondo sul mondo del teatro e del cinema dove compaiono anche alcuni marchi di case di produzione e studi cinematografici che sono stati spesso presenti con i loro film nei vari programmi del Trieste Film Festival. Il terzo focus raccoglie esempi grafici e creativi di alcune designer jugoslave. Al Cavò sarà possibile vedere anche un montaggio di alcuni spot televisivi che vennero trasmessi tra gli anni 60 e 80.

Dopo Ponterosso Memorie e Dive Divne Divine, anche con Yugo Logo Cizerouno ricrea in questo particolare allestimento al Cavò “un dispositivo per la memoria” che coinvolgerà diversi pubblici. Dagli appassionati di grafica e design, a chi è cresciuto circondato da questi loghi a chi magari ne ha memoria avendoli visti durante le vacanze o in occasione di qualche “salto in Jugo” magari alla domenica.

L’inaugurazione della mostra, realizzata in occasione della 37esima edizione del Trieste Film Festival, avverrà mercoledì 14 gennaio alle ore 18.30 al Cavò di Via San Rocco 1a e rimarrà visitabile fino al 21 febbraio 2026 da giovedì a sabato dalle 17.30 alle 19.30.
La mostra sarà aperta anche tutti i giorni del festival dalle 17.30 alle 19.30 tranne la domenica.

Sabato 17 gennaio 2026 alle ore 17 il Knulp in via Madonna del Mare ospiterà Conversation on Yugo Logo. Saranno presenti i creatori del progetto Ognjen Ranković e Antonio Karača che dialogheranno con Nuša Hauser, ricercatrice e curatrice e Massimiliano Schiozzi, presidente di Cizerouno, sulla nascita e l’evoluzione di Yugo Logo tra curiosità, difficoltà e scoperte fatte negli ultimi anni di ricerche. Una conversazione a più voci tra design, memoria e cultura immateriale. Seguirà una visita guidata alla mostra al Cavò.

Per informazioni si consiglia di scrivere a: eventi@cizerouno.it

La mostra nasce dall’incontro tra A-HEAD Project e Galileo Editore, sviluppatosi a partire da un dialogo condiviso su tematiche sociali e personali di forte rilevanza contemporanea. In particolare, alcune pubblicazioni del catalogo di Galileo Editore si sono rivelate strumenti sensibili ed efficaci per affrontare, attraverso il linguaggio dell’illustrazione e della narrazione visiva, questioni legate alla salute mentale e all’esperienza individuale, come la depressione, la diversità, la dislessia e altre forme di fragilità emotiva e cognitiva.

All’interno di questo percorso comune, Peripezia rappresenta l’avvio di un ciclo di mostre che accompagneranno le presentazioni dei libri nati da questa collaborazione, dando vita a un dialogo continuo tra spazio espositivo, editoria illustrata e riflessione sociale. Le mostre diventano così un’estensione visiva del libro: luoghi di approfondimento, confronto e incontro tra pubblico, autori e tematiche.

L’esposizione presenta una selezione di illustrazioni realizzate da Maria Soria per l’albo illustrato Peripezia, proposte in formato ampliato rispetto alla pubblicazione editoriale. Le opere, stampate su carta fine art, saranno disponibili per l’acquisto durante il periodo della mostra in tiratura limitata, rivolgendosi direttamente alla Sacripante Art Gallery.

L’inaugurazione si terrà sabato 7 febbraio 2026. Nel corso della serata è prevista anche la presentazione del libro Peripezia, con un dialogo tra Stefania Calapai, presidente di A-HEAD Project, e l’autrice e illustratrice Maria Soria, che aprirà ufficialmente il percorso espositivo. Percorso che sarà itinerante e vedrà l’ingresso in diverse scuole ed in centri di salute mentale per adolescenti.

Da sempre Angelo Azzurro Onlus con il Progetto A-Head mette insieme arte e psichiatria, in una sinergia che porta a sensibilizzare l’opinione pubblica sul tema della salute mentale, combattendo così lo stigma che ancora oggi ne deriva.

Inoltre i percorsi avviati fino ad oggi hanno visto concretamente l’ingresso dell’arte e degli artisti nei luoghi della cura, quindi non solo una sensibilizzazione sociale, ma un vero e proprio approccio concreto alla dinamica della salute mentale.

Maria Soria – Profilo

Maria Soria nasce a Paola (CS) nel 1997. Sin da piccola coltiva una profonda passione per il disegno e l’arte. Dopo il Liceo Classico, durante il quale sviluppa un forte interesse per la storia dell’arte, intraprende un percorso creativo da autodidatta, traducendo in chiave pittorica e illustrativa suggestioni e riflessioni personali. Successivamente si iscrive all’Accademia di Belle Arti, frequentando il corso di Illustrazione. In breve tempo partecipa a mostre e residenze artistiche e conduce laboratori creativi rivolti a bambini e adolescenti. Dal 2022 collabora con la casa editrice Galileo Editore.

La storia multiculturale e il ricco patrimonio umano di Trieste tra tradizioni, trasformazioni e storie di integrazione danno vita al tour Barriera Stories, domenica 18 gennaio 2026 alle ore 11.00, un percorso urbano ideato da Cizerouno e guidato da  Francesca Pitacco per raccontare le storie e l’identità del quartiere di Barriera Vecchia, in un edizione speciale in occasione del 37esimo 
Trieste Film Festival (durata di circa 80 minuti, costo di 15€ a persona ed è richiesta la prenotazione inviando una mail a eventi@cizerouno.it).

Un nuovo punto di svolta: perché Il Sincrotrone non è solo un’opera, ma un dispositivo concettuale

Nel panorama dell’arte contemporanea, Il Sincrotrone di Francesco Guadagnuolo non si presenta come un semplice oggetto estetico, ma come un acceleratore epistemico: un luogo in cui l’arte non rappresenta più il reale, ma lo trasforma, lo traduce e lo trascende. Il riferimento al sincrotrone – macchina fisica che accelera particelle fino a far emergere nuove forme di materia – diventa metafora di un’arte che non si limita a mostrare il mondo, ma lo ricostruisce in un nuovo regime ontologico.

Quest’operazione è profondamente diversa da ciò che poteva immaginare. Se per lui l’arte era destinata a perdere centralità nella rivelazione del vero, Guadagnuolo sembra suggerire che l’arte possa tornare ad essere un luogo di produzione del vero, ma in una forma radicalmente diversa: non più sensibile, non più simbolica, non più idealizzante, bensì transreale.

Hegel e la “morte dell’arte”: un punto di partenza, non un destino

La tesi hegeliana della “morte dell’arte” è stata spesso fraintesa come profezia di un declino. In realtà, Hegel descriveva un superamento storico, non un annientamento. L’arte, secondo lui:

• aveva esaurito la sua funzione come massima forma di verità;
• non poteva più competere con la concettualità della filosofia;
• sarebbe sopravvissuta, ma in forma “non assoluta”.

Il Novecento ha confermato questa intuizione: l’arte si è fatta autoriflessiva, concettuale, spesso anti-estetica. Ma ciò che Hegel non poteva prevedere è l’avvento di un’arte che non si limita a riflettere sulla propria fine, bensì la attraversa per generare un nuovo paradigma.

Il Transrealismo come risposta post-hegeliana

Il Transrealismo di Guadagnuolo non è un movimento estetico, ma un metodo di pensiero. Si fonda su tre assi:

> Intersezione tra reale e iperreale

L’opera non rappresenta il mondo, ma lo ricodifica attraverso linguaggi scientifici, tecnologici e metafisici.

> Espansione dell’immagine oltre la percezione

L’immagine non è più un’apparenza sensibile, ma un campo di forze, un luogo di collisione tra visibile e invisibile.

> Produzione di senso oltre la filosofia

Qui avviene il vero scarto rispetto a Hegel: l’arte non cede il passo alla filosofia, ma si pone accanto ad essa come forma autonoma di conoscenza, capace di generare concetti attraverso immagini.

In questo senso, il Transrealismo è una post-filosofia visiva.

Il Sincrotrone come macchina di superamento della morte dell’arte

L’opera di Guadagnuolo può essere letta come un gesto teorico: non accetta la morte dell’arte come destino, ma la assume come materiale di lavoro.

L’arte non muore: cambia stato

Come la materia nel sincrotrone, l’arte viene accelerata fino a raggiungere un nuovo livello energetico. Non è più rappresentazione, ma trasmutazione.

L’arte non è più subordinata alla filosofia

Se Hegel vedeva nella filosofia la forma più alta dello spirito, Guadagnuolo mostra che l’arte può produrre forme di verità che la filosofia non può generare: verità visive, percettive, interdisciplinari, che emergono dall’incrocio tra scienza, metafisica e immaginazione.

L’opera diventa un laboratorio ontologico

Il Sincrotrone non è un quadro, né una scultura, né un’installazione nel senso tradizionale. È un dispositivo di pensiero, un luogo in cui l’arte si reinventa come pratica cognitiva.

Una nuova teoria dell’arte: oltre Hegel, oltre Danto

Arthur Danto aveva interpretato la fine dell’arte come l’inizio dell’“età post-storica”, in cui tutto è possibile ma nulla è necessario. Guadagnuolo, invece, propone un nuovo necessario: l’arte deve diventare transdisciplinare, transreale, transcognitiva.

Non è più la fine della storia dell’arte, ma l’inizio di una nuova genealogia del visibile.

Il Sincrotrone come soglia del XXI secolo

Se Hegel aveva decretato la fine dell’arte come forma privilegiata del vero, Guadagnuolo mostra che l’arte può rinascere proprio là dove sembrava destinata a dissolversi.

Il Transrealismo non è un ritorno al passato, né una fuga nel futuro: è un nuovo regime dell’immagine, in cui l’arte diventa:

• laboratorio di conoscenza
• acceleratore di realtà
• ponte tra scienza e metafisica
• luogo in cui il visibile e l’invisibile si incontrano.

In questo senso, Il Sincrotrone non è solo un’opera: è la prova che la “morte dell’arte” può essere superata non con la nostalgia, ma con l’innovazione radicale.

Con il ritorno in primavera, Spring Attitude torna a essere ospitato nel periodo in cui il festival è nato, recuperando una collocazione temporale che ne ha accompagnato le prime edizioni. Questa XV edizione prosegue il percorso di crescita costruito negli anni, rafforzando una proposta musicale trasversale e riconoscibile. In questo contesto, La Nuvola dell’EUR si conferma luogo di sperimentazione, uno spazio che permette al festival di sviluppare nuove forme di fruizione dal vivo e di approfondire il dialogo tra musica, architettura e città, anche grazie alla collaborazione con EUR SpA.

I primi artisti annunciati restituiscono con chiarezza la direzione della XV edizione. A guidare questo primo annuncio sono i Nu Genea, che arrivano a Spring Attitude con la loro live band, portando sul palco un suono che nasce a Napoli e si espande lungo le rotte del Mediterraneo. Disco, funk, elettronica, dub e tradizione si fondono in una ricerca che guarda al passato per costruire un immaginario contemporaneo, dando vita a concerti che sono vere e proprie celebrazioni collettive. Accanto a loro, tra gli headliner del festival, una figura di culto della club culture internazionale come ¥ØU$UK€ ¥UK1MAT$U, dj giapponese che porta a Roma una visione radicale del djing. I suoi set attraversano generi ed epoche con una libertà assoluta, trasformando la pista in un’esperienza ipnotica e imprevedibile.

La lineup si arricchisce inoltre di nuove voci della scena italiana, come Altea, artista proveniente dal collettivo dei Thru Collected, fresca di uscita del suo primo EP con Sugar, capace di fondere alt-pop, R&B ed elettronica in una scrittura che trasforma fragilità ed esperienze vissute in canzoni intime e dirette. La dimensione più esplicitamente dance del festival prende forma invece con il live di Mind Enterprises, progetto che ha saputo intercettare e reinterpretare l’eredità dell’Italo Disco. Tra groove irresistibili, ironia e un’estetica fortemente riconoscibile, il duo è diventato col tempo un fenomeno internazionale, capace di infiammare club e festival con set travolgenti.

A rappresentare la nuova generazione di producer elettronici italiani c’è okgiorgio, reduce da un anno di palchi sold out e festival italiani ed europei. Il suo live, costruito sulla relazione diretta con il pubblico, alterna momenti di grande energia a passaggi più intimi e narrativi. Un progetto che mette al centro la condivisione e una “good vibe” sempre diversa, ma profondamente riconoscibile. Chiude questo primo annuncio Tony Pitony, performer e musicista che, con la sua band, porta sul palco un funk dissacrante e teatrale, in cui ironia e attitudine provocatoria trasformano ogni live in un’esperienza fuori dagli schemi.

A commento del rinnovo della co-produzione, Claudio Carserà, Amministratore Delegato di EUR SpA, dichiara: “Abbiamo rinnovato la co-produzione tra EUR SpA e Spring Attitude perché crediamo che sia un festival che sposi al meglio l’identità che vogliamo dare all’EUR come polo culturale di respiro internazionale, che sappia sperimentare linguaggi e forme nuove dello stare insieme”. A queste parole fanno eco quelle di Leonardo Scuderi, co- fondatore e General Manager di Spring Attitude, che aggiunge: “Spring Attitude torna per il secondo anno consecutivo a La Nuvola, grazie soprattutto alla visione e lungimiranza di questa governance. Una venue che si è rivelata perfetta per la narrazione che avevamo in mente: un dialogo continuo tra artisti, pubblico, nuove scoperte musicali e generazioni diverse”.

Nei prossimi mesi verranno annunciati gli altri nomi in lineup, dando forma a un programma che riflette lo spirito di Spring Attitude: aperto, in movimento e proiettato in avanti, come l’aria di primavera che torna a scorrere intorno al festival, nella sua città.

L’incontro nasce come momento di confronto e approfondimento sui temi e sulle pratiche che hanno attraversato il progetto espositivo e didattico, realizzato nell’ambito di Project Window, il programma di mostre visibili 24 ore su 24 dalla vetrina di Piano Terra, pensato per mettere in dialogo arte e città in una fruizione quotidiana e diffusa.

Il talk si configura come uno spazio di dialogo aperto attorno alla libertà dell’intuizione intesa come motore del processo artistico e curatoriale, esplorandone il potenziale generativo e la capacità di dare forma a immagini non lineari, aperte e in continua trasformazione. Attraverso il confronto tra artista e curatori, l’incontro offrirà una riflessione su come l’intuizione possa sottrarsi a logiche precostituite, generando forme visive capaci di attraversare ambiti simbolici, culturali e percettivi differenti.

Al centro della discussione sarà anche la trasversalità delle immagini, intese come dispositivi in grado di migrare tra linguaggi, contesti e immaginari collettivi. A partire dall’esperienza espositiva e didattica sviluppata con Piano Terra — in cui l’artista, attraverso una serie di sculture luminose e dispositivi ottici, ha utilizzato la luce come materia espressiva e linguaggio relazionale — il dialogo affronterà il rapporto tra opera, spazio urbano e pubblico, soffermandosi su come l’installazione attivi nuove modalità di fruizione, riflessione e partecipazione nello spazio della vetrina.

L’incontro rappresenta inoltre un’occasione per ripercorrere il processo di ideazione e sviluppo del progetto, mettendo in evidenza le scelte formali e concettuali che hanno guidato l’intervento e interrogandosi sul ruolo dell’arte contemporanea nella costruzione di immaginari condivisi.

Particolare attenzione sarà dedicata al laboratorio didattico, che ha accompagnato il progetto fin dalle sue fasi iniziali, configurandosi come elemento centrale sia nel processo di ideazione dell’opera sia nella sua realizzazione. Il laboratorio ha rappresentato uno spazio di sperimentazione condivisa, in cui intuizione, confronto e pratica hanno contribuito a definire l’immaginario del progetto, rafforzandone la dimensione collettiva e relazionale.

In questo senso, l’incontro si configura come un momento di restituzione critica e di apertura, in continuità con lo spirito di Project Window, che promuove una relazione diretta, accessibile e quotidiana tra arte e città.

La novità, decisamente rilevante, è che alla mostra trevigiana ha accettato di dare un apporto anche Marco Balich, il veneziano “re” delle cerimonie olimpiche, e non solo. Alle sue creazioni per le Olimpiadi e Paralimpiadi Invernali sarà riservata una sezione, che la direttrice non esita a definire come “spettacolare”, dove il pubblico potrà ammirare grandi immagini delle cerimonie olimpiche la cui ideazione e regia sono state affidate al grande maestro creativo veneziano. Rivedremo così le affascinanti cerimonie di Sochi nel 2014 e di Bejing nel 2022. Complessivamente Balich e la sua squadra composta da otre 250 tecnici, hanno firmato 16 cerimonie olimpiche e paralimpiche, oltre ai Mondiali di calcio nel Qatar e a molte altre realizzazioni, dallo spettacolo multimediale soldout da due anni Viva Vivaldi all’ideazione dell’Albero della Vita per Expo Milano 2015. Nulla in mostra anticiperà ciò che Balich sta progettando per l’apertura di Milano Cortina 2026, che resterà top secret sino alla serata inaugurale.

“La cifra su cui punta Marco Balich, sottolinea la curatrice Elisabetta Pasqualin, è quella della emozione, linguaggio che riesce a parlare a tutti coloro che seguono le cerimonie di apertura e chiusura delle Olimpiadi, un pubblico che supera i 2 miliardi di persone”.

Mostra promossa dal Ministero della Cultura – Direzione regionale Musei nazionali Veneto  – Museo Nazionale Collezione Salce,  nell’ambito del Cultural Olympiad della Federazione Milano Cortina 2026, in collaborazione con il Museo dell’Emigrazione  e Museo dello Sportsystem, con il contributo della Regione del Veneto e della Camera di Commercio di Treviso e Belluno e il patrocinio della Provincia di Treviso, Comune di Treviso, Confindustria Veneto est, Fondazione Sportsystem, RAI Veneto, Coni Sezione Treviso, Gruppo SAVE Spa, sponsor tecnico Hausbrandt Trieste 1982.