Anna Romanello, artista-performer, già docente di Grafica d’Arte all’Accademia di Belle Arti di Roma, dopo gli studi all’Accademia di Brera a Milano si trasferisce a Parigi, all’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts e all’Atelier 17 di S. W. Hayter. A Roma, lavora all’Istituto Nazionale per la Grafica. Sono numerose le edizioni di libri d’Artista in Italia e in Francia. Soggiorna a Londra dove avvia un progetto di opere fotografiche sulla città. Viene invitata a tenere conferenze e workshop in varie Accademie e Associazioni Culturali. Tra le più importanti esposizioni: Parigi, Centre Georges Pompidou, Galleria Arte Viva; Avignone, Festival d’Avignon; Vancouver e Vienna, Istituto Italiano di Cultura; Rende, Museo del Presente, MAON Museo d’Arte dell’Otto e Novecento; Ljubljana, Biennale di grafica; Roma, Centro Luigi Di Sarro, Biblioteca L. Quaroni Sapienza Università di Roma, Bibliothè, Galleria Vittoria, Borghini Arte Contemporanea, Temple University, AREA – Architecture Design Art, Case Romane del Celio, Mo.C.A. Studio; Bruxelles, Fondazione Skriptura “S.W. Hayter & A. Romanello”; Milano, Fondazione Stelline; Terni, Museo Archeologico CAOS, Palazzo di Primavera; Podgorica, Ambasciata d’Italia, Musei e Gallerie; Miami, Aqua Art; Gerace, Museo Diocesano Tesoro della Cattedrale di Gerace; Parigi, Istituto Italiano di Cultura, “A’ Rebours Attraversamenti di memorie Opere 2022-1985”, Roma “MyTale”; Uzice (Serbia), International Graphic Art Biennal; Venezia, Spazio Micromega Arte e Cultura, Roma, Musei Vaticani, 50° Anniversario della Collezione d’Arte Moderna e Contemporanea dei Musei Vaticani; Rossano, Io sono radice uomini e ambiente #2023; Toronto, Rotonda del Columbus Centre 2024; Roma, Fondazione Marco Besso, “II Biennale dell’Antropocene”; Roma, Chiesa di Santa Maria Annunziata in Borgo, Acqua, Luce, Spiritualità 2025.

Nuova data
per i tour serali
di Cavana Stories:
giovedì 5 giugno

ll percorso notturno nei vicoli e nelle strade di Cavana  sarà l’occasione per riscoprire – grazie anche al recente progetto Out of Bounds promosso da Varcare la frontiera – la topografia di quella che era una delle zone più “calde” e proibite per i soldati del Governo Militare Alleato di stanza a Trieste fino al 1954.

Scopriremo così, guidati da Francesca Pitacco, un altro dei mille volti che il quartiere di Cavana ha avuto negli anni. Da sede di consolati a rifugio per pescatori, e poi con il suo dedalo di osterie, fonte di ispirazione per artisti e scrittori uno fra tutti James Joyce, a cui sono dedicate le luci d’artista del progetto Doublin’.

Un’occasione per rivedere la luce Night town su Palazzo Morpurgo e la nuova “casa” di James Joyce, ora su Casa della Musica, recentemente reinstallate per celebrare ancora una volta James Joyce e questo progetto di arte pubblica a lui dedicato.

Incontreremo, nei racconti di Francesca Pitacco, Zeno Cosini con i suoi tormenti amorosi, le poesie di Umberto Saba e le canzoni popolari, i ricordi di Pino Roveredo e le vicende narrate da Ricarda Huch. 
E poi la Muta e altri indimenticabili personaggi che abitano le memorie di Cavana per chiudere con un prezioso omaggio inedito di Claudio Grisancich a Cavana Stories.

Dettagli del tour:

• giovedì 5 giugno 2025 ore 21

• costo: 10 € (pagamento in loco)
• ritrovo: davanti alla Farmacia “Al Redentore” in piazza Cavana
• prenotazione obbligatoria inviando una mail a:
info@cizerouno.it

Il tour è promosso da Cizerouno in collaborazione con l’Associazione Guide Turistiche del Friuli Venezia Giulia nell’ambito della rassegna Cavana Stories e realizzato grazie al finanziamento della Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia – Assessorato Attività Produttive e Turismo.

#iosonofriuliveneziagiulia
#discovertrieste
#cavanastories

www.cizerouno.it

Tratte dall’archivio storico, le grandi fotografie in bianco e nero sulle attività di cura di EMERGENCY, dall’Afghanistan all’Iraq, si alternano ai poster di CHEAP, provenienti da alcuni degli interventi più importanti realizzati dal collettivo negli ultimi anni – “Disobbedite con generosità”, “Sabotate con grazia”, “Agitatevi” – e a quelli delle artiste e degli artisti invitati a partecipare alla mostra, dall’Italia al Brasile, dalla Spagna alla Polonia.  Geografie lontane e sensibilità diverse, accomunate dalla convinzione che, come dichiarano i messaggi incisi lungo il percorso espositivo, “nessuna guerra è inevitabile” e che “la guerra non restaura diritti, ridefinisce poteri”.

Lo testimoniano anche le immagini all’interno di un box, riparate da una feritoia: fotografie di persone e dei loro corpi sopraffatti dalla violenza della guerra ma schermati e non a vista, possono infatti essere guardate solo se ci si avvicina alla feritoia. Sono fotografie di dimensioni più ridotte, esplicite, crude che richiedono uno sguardo attento, consapevole. Sono un appello che EMERGENCY e CHEAP rivolgono al pubblico, una richiesta di avvicinamento, di assunzione di responsabilità.

“EMERGENCY ha scelto di collaborare con CHEAP per unire il nostro grido di contrarietà alla guerra, per utilizzare immagini e parole che insieme rafforzino la nostra opposizione al conflitto armato. Un rifiuto della guerra che parte dall’articolo 11 della Costituzione della Repubblica Italiana, in cui si ribadisce che “L’Italia ripudia la guerra”, e lo allarga: la vocazione pacifista e la contestazione della guerra eccede confini e identità nazionali, come testimoniano i nostri progetti e la provenienza delle artiste e degli artisti selezionati da CHEAP” – sottolinea EMERGENCY. “Siamo stati spinti dalla necessità di entrare nello spazio pubblico e di ragionare sugli immaginari attuali assuefatti alla retorica della guerra come necessaria, rituale e inevitabile. Vogliamo ribadire che la guerra è sempre evitabile proprio come testimoniano le frasi sul carpet della mostra. Lo scopo è adottare insieme a CHEAP una posizione pubblica che non sia discriminatoria, utilizzando lo stesso approccio limpido con cui il collettivo di artiste e artisti porta avanti temi che ci stanno a cuore, dalle questioni di genere a quelle di invocazione del disarmo“.

“CHEAP ed EMERGENCY condividono un rifiuto radicale della guerra, in ogni sua forma. In un momento storico in cui la retorica bellica dilaga nei media come nel linguaggio istituzionale e nel senso comune, crediamo che sia urgente costruire alleanze tra chi resiste a questa narrazione, tra chi difende il dissenso e rivendica la possibilità di immaginare un altro presente” – fanno eco da CHEAP. “Questa mostra è un atto politico, un tentativo di sabotaggio simbolico della normalizzazione della guerra. CHEAP, sta intrecciando relazioni con soggetti che si muovono nello stesso orizzonte: con Amnesty International per la campagna LOTTA LIBERA, contro la repressione della libertà di manifestare, con ARCI per l’ottantesimo anniversario della Liberazione. Perché l’arte nello spazio pubblico può ancora essere uno strumento di lotta, se sceglie di schierarsi“.

L’accesso alla mostra è gratuito.

Il Museo annesso all’Opificio delle Pietre Dure, oggi moderno centro specializzato nel restauro, è un piccolo e curato scrigno di preziosi tesori che illustrano la storia della manifattura artistica specializzata nella lavorazione delle pietre dure fondata nel 1588 da Ferdinando I de’ Medici.

Varie aperture straordinarie del Museo saranno anche quest’anno arricchite da una rassegna musicale organizzata in collaborazione con il Conservatorio Luigi Cherubini a partire da settembre: il calendario sarà reso noto dopo l’estate.

Inoltre nel corso delle aperture straordinarie che si terranno nei giovedì pomeriggio da settembre a metà novembre saranno organizzate visite guidate gratuite condotte dai professionisti che operano nell’Istituto, sede di prestigiosi laboratori di restauro e della Scuola di Alta Formazione e Studio, che illustreranno ai visitatori le opere esposte nel Museo, testimonianza della tradizione del “commesso” in pietre dure e della storia dell’Opificio.

Tra le visite guidate nel periodo autunnale sono in progettazione per quest’anno alcuni appuntamenti dedicati a non vedenti ed ipovedenti, che saranno curati dal personale interno dell’Opificio.

Per l’accesso al Museo è richiesto il pagamento del biglietto di ingresso (intero 6 €, ridotto 2 €, gratuito per gli aventi diritto). La biglietteria chiude 30 minuti prima dell’orario di chiusura del Museo. La visita guidata al Museo è gratuita, per gruppi di circa 20 persone, con partenza ogni ora. Non è prevista la prenotazione: sarà sufficiente richiedere di essere inseriti nei gruppi per la visita guidata direttamente sul posto.

Date e orari:

Aperture straordinarie serali del Museo dell’OPD con orario 19:00 – 23:00 (la biglietteria chiude alle 22:30): 6, 13, 20, 27 giugno; 4, 11, 18, 26 luglio; 1, 29 agosto; 5 settembre

Aperture straordinarie pomeridiane del Museo dell’OPD con orario 14:00 – 18:00 (la biglietteria chiude alle 17:30): 4, 11, 18, 25 settembre; 2, 9, 16, 23, 30 ottobre; 6, 13 novembre

Aperture straordinarie del Museo. Biglietto di ingresso e informazioni per le visite guidate

Il costo del biglietto di ingresso al Museo osserverà le tariffe ordinarie (intero 6 €, ridotto 2 €, gratuito per gli aventi diritto. Info: https://www.beniculturali.it/agevolazioni). La visita guidata è gratuita.

La biglietteria del Museo chiude mezz’ora prima (17.30 per le aperture pomeridiane, 22.30 per quelle serali).

Durante le aperture straordinarie del Museo nei giovedì pomeriggio sono previste visite guidate gratuite per gruppi di circa 20 persone, con partenza ogni ora circa. Non è prevista prenotazione per le visite guidate: gli interessati potranno richiedere di essere inseriti nei gruppi per la visita guidata direttamente sul posto contestualmente all’accesso.

Il Parco Internazionale di Scultura di Villa Fürstenberg a Mestre (VE), inaugurato nel 2023 e divenuto un punto di riferimento per l’arte contemporanea con oltre 3.500 visitatori nel 2024, dopo la pausa invernale, ha riaperto al pubblico.

Tante le novità in programma, a partire da quelle relative alla collezione. Negli spazi di Villa Fürstenberg, infatti, fanno il loro ingresso due nuove opere firmate da Tony Cragg e Agnes Questionmark che si aggiungono alle 24 sculture realizzate da 14 maestri, italiani e internazionali: Fernando Botero, Annie Morris, Park Eun Sun, Igor Mitoraj, Manolo Valdés, Pablo Atchugarry, Pietro Consagra, Roberto Barni, Julio Larraz, Philip Colbert, Jaume Plensa, Giuseppe Penone, Nico Vascellari e Davide Rivalta.

Oltre alla collezione, Banca Ifis amplia anche i momenti di fruizione del Parco per il pubblico. Le consuete aperture domenicali – confermate con orario continuato dalle 10.00 alle 19.00 – saranno accompagnate dalle aperture straordinarie di un sabato sera al mese: il calendario delle aperture, previste dalle ore 18.00 alle 22.30, è disponibile sulla app gratuita Ifis art tramite cui è possibile prenotare la propria visita. Per rendere il parco ancora più inclusivo, inoltre, tutte le sculture del Parco Internazionale di Scultura sono state corredate da speciali didascalie in linguaggio braille, per dare la possibilità a chi ha disabilità visive di poter godere delle opere esposte attraverso il tocco.

Anche nel 2025, infine, il Parco Internazionale di Scultura di Banca Ifis accoglierà un ricco calendario di eventi, tra appuntamenti organizzati nell’ambito del Public Program di Padiglione Italia della Biennale di Venezia 2025, workshop e giornate studio.

Le nuove opere del Parco Internazionale di Scultura di Banca Ifis

Per il 2025, la collezione del Parco Internazionale di Scultura di Banca Ifis sarà arricchita di due nuove opere, una permanente (Versus, di Tony Cragg) e una in esposizione temporanea: (Draco Piscis, di Agnes Questionmark).

• Versus: come spesso accade nei lavori di Tony Cragg (1949), Versus si fonda sulla contrapposizione di forze opposte, in questo caso una forma circolare, apparentemente compatta, che si scompone in un vortice di colonne ellittiche, come mossa da un’energia interna. Di un arancione acceso, l’opera, già esposta nel 2011 sotta la piramide di vetro del Louvre di Parigi, si presta così a numerose interpretazioni: a seconda della prospettiva può sembrare un disco perfetto, da un’altra un groviglio pulsante, quasi organico o un pianeta, un occhio, una massa ribollente di materia in trasformazione.

• Draco Piscis di Agnes Questionmark (1995) è invece una scultura di grandi dimensioni raffigurante una creatura ibrida, forse un mostro marino, non completamente visibile, ispirata alle illustrazioni scientifiche del naturalista Ulisse Aldrovandi (1522). Se da un lato l’opera rivela l’inevitabile mostruosità insita nell’immaginario collettivo, dall’altra si fa rappresentante dell’enorme potenziale che l’oceano ha da offrire, un luogo di simbiosi e coesistenza, uno stimolo a trovare nuove soluzioni d’adattamento in un mondo in costante declino. L’opera sarà esposta fino al 30 agosto 2025.

La scultura di Agnes Questionmark sarà inaugurata domenica 1° giugno nel primo appuntamento del Public Program del Padiglione Italia per la Biennale Architettura di Venezia 2025. Per l’occasione, l’opera di Questionmark collegherà virtualmente il Parco di Banca Ifis al Padiglione Italia, all’interno del quale saranno proiettati i video che completano Draco Piscis. Lo stesso giorno, inoltre, il Parco Internazionale di Scultura ospiterà anche la performance di Thomas De Falco, dal titolo “the earth still sings”.

La corporate art collection e il Parco Internazionale di Scultura di Banca Ifis

Ifis art si articola in una serie di iniziative, a partire dall’importante collezione d’arte che la Banca ha acquisito nel tempo, costituita da oltre 100 opere di più di 50 artisti, che spazia dall’arte classica a quella contemporanea. Alcune tra le più importanti opere della collezione hanno trovato la loro casa naturale nel Parco Internazionale di Scultura di Banca Ifis, voluto dal Presidente Ernesto Fürstenberg Fassio e curato da Giulia Abate e Cesare Biasini Selvaggi, all’interno dei 22 ettari di giardino di Villa Fürstenberg, a Mestre. Il Parcoospita, ad oggi, 24 opere plastiche di 14 maestri della scultura contemporanea, italiani e internazionali: Fernando Botero, Annie Morris, Park Eun Sun, Igor Mitoraj, Manolo Valdés, Pablo Atchugarry, Pietro Consagra, Roberto Barni, Julio Larraz, Philip Colbert, Jaume Plensa, Giuseppe Penone, Nico Vascellari e Davide Rivalta. La missione del Parco comprende, attraverso progetti anche temporanei (mostre, performance, workshop, giornate di studi), la “coltivazione” della biodiversità (ambientale, sociale, economica, ecc.), dell’inclusione, dei valori e diritti collegati, e di reti sinergiche tra le imprese e il terzo settore della creatività contemporanea, prerequisito per uno sviluppo sociale ed economico sostenibile nella nuova era della “economia della conoscenza e della giustizia sociale”.

Ifis art, il digitale come acceleratore per la fruizione dell’arte

Partendo dal Parco Internazionale di Scultura di Banca Ifis, il progetto Ifis art punta a “democratizzare” l’arte, rendendola sempre più accessibile e fruibile anche ad un pubblico meno avvezzo alla materia. Per farlo, Ifis art punta sulla forza dei nuovi canali digitali. La Banca ha, infatti, sviluppato un’innovativa app – fruibile sia da web che da mobile – nella quale il racconto delle singole opere viene accompagnato da contenuti video inediti, storytelling e interviste agli artisti. La app è disponibile da oggi su App Store e Play Store o all’indirizzo. 

La misurazione d’impatto del progetto Ifis art

A inizio anno l’Ufficio Studi di Banca Ifis ha misurato i risultati prodotti dal Parco Internazionale di Scultura da un punto di vista sociale, secondo il modello di misurazione d’impatto sviluppato dalla Banca con il Politecnico di Milano. Stando alle risposte dei 500 visitatori intervistati, il Parco Internazionale di Scultura di Banca Ifis genera un moltiplicatore pari a 3,9: tradotto in termini pratici, un euro investito dalla Banca nel Parco genera quasi 4 euro di valore sociale per il territorio. Questo valore arriva addirittura a 5,3 se si prende in considerazione il cluster dei partecipanti ai workshop che la Banca ha organizzato nel corso del 2024 in collaborazione col Ministero dei Beni Culturali nell’ambito della Biennale di Venezia

L’opera è una narrazione avvincente che sensibilizza l’opinione pubblica sulla tutela dell’ambiente e sull’inquinamento degli oceani. Kobra ha selezionato nove importanti monumenti scultorei che fanno parte del paesaggio culturale e storico di Venezia e li ha raffigurati in uno scenario di alluvione.

“Naturalmente la prima idea che viene in mente è quella degli episodi di ‘acqua alta’ che si verificano a Venezia. Ma dobbiamo anche pensare a come i cambiamenti climatici stiano causando frequenti inondazioni in tutto il mondo”, spiega l’artista.

Tra i monumenti presenti nell’opera di Kobra ci sono Atlante del mondo di Tiziano Aspetti (1559–1606); Adamo di Antonio Rizzo (1430–1499); Statua equestre di Bartolomeo Colleoni di Andrea del Verrocchio (1435–1488); Monumento a Daniele Manin di Antonio Dal Zòtto (1841–1918); Monumento a Carlo Goldoni di Luigi Borro (1826–1880); e altri come I Tetrarchi, San Marco, Leone di San Marco e Sior Antonio Rioba, tutti di artisti ignoti.

Le sculture contribuiscono a raccontare la storia di Venezia, patrimonio mondiale dell’UNESCO. Scegliendo questi esempi, Kobra intende onorare l’eredità artistica della città, che è diventata uno dei segni distintivi della cultura occidentale.

“Kobra trasforma l’arte in uno strumento per comunicare una filosofia umanistica: un mondo unito senza confini, collegato dalla consapevolezza della bellezza e della sua fragilità. Se questa non è la visione più adatta per dare vita al primo murale permanente su un’isola come Venezia, allora quale potrebbe essere?”, aggiunge il curatore del progetto, l’artista Nicolas Fiedler.

L’opera è stata descritta della storica dell’arte Sabrina Badalucco, studiosa presso l’Accademia di Belle Arti di Brera, come “un grido visivo che, attraverso la bellezza, invoca l’etica e la responsabilità”.

“Durante questo periodo della Biennale di Architettura, la grandezza dell’iniziativa risiede non solo nella portata dell’installazione, ma anche nella sua enfasi sul contesto ecologico e sociale”, sottolinea il curatore.

Lo Spazio Thetis, una collezione a cielo aperto nota per le mostre d’arte contemporanea che spesso affrontano temi ambientali, architettonici e di design, si trova nell’ex area industriale di Venezia ed è gestito da una società che si occupa di ingegneria e sviluppo sostenibile. Grazie alla sua posizione, l’opera di Kobra sarà ben visibile ai visitatori della Biennale di Venezia.

“Colgo questa opportunità per trasmettere il messaggio urgente che l’umanità deve prendersi più cura del pianeta. Mi riferisco all’inquinamento degli oceani, che si stanno trasformando in mari di plastica, e alla crescente frequenza delle inondazioni”, sottolinea Kobra.

Nel particolare assetto urbano di Venezia, organizzato attraverso i canali, il fenomeno dell’ “acqua alta” ha una lunga storia e viene controllato attraverso importanti investimenti come il Progetto MOSE, un innovativo sistema di barriere mobili installate nelle lagune limitrofe e già operativo.

Chi è l’artista? 

Eduardo Kobra è ampiamente riconosciuto per la sensibilità con cui tratta i temi ambientali nelle sue opere d’arte di portata globale. Recentemente è stato nominato ambasciatore dell’Organizzazione Mondiale della Sanità (OMS) per un futuro più pulito. Nel 2022 ha inaugurato un enorme murale di fronte alla sede delle Nazioni Unite a New York, che raffigura simbolicamente un pianeta ecologicamente sano che viene passato di padre in figlio, un invito a riflettere sull’eredità sostenibile che lasciamo alle generazioni future.

Con quasi 40 anni di carriera, Kobra ha realizzato centinaia di opere in Brasile e nel mondo, in tutti e cinque i continenti. Nato nella periferia di San Paolo nel 1975, è diventato uno degli artisti più famosi del mondo. Ha iniziato a esprimersi fin da adolescente, facendo graffiti sui muri della periferia di San Paolo. Con il tempo ha sviluppato uno stile murale maturo e distintivo, caratterizzato da colori vivaci e contrastanti e dal suo talento nel rappresentare personalità, eventi storici e questioni sociali in murales di grandi dimensioni.

La svolta internazionale di Kobra è avvenuta con il murale “The Kiss” a New York. Nel 2018 ha dipinto 20 murales contemporaneamente in città ed è stato nominato “newyorkese dell’anno” da un’importante rivista locale.

Detiene il record mondiale per il più grande graffito murale ed è spesso invitato a partecipare a progetti per cause importanti. Espone regolarmente opere su tela in gallerie e musei negli Stati Uniti, in Italia, in Brasile e in altri Paesi. Nel 2023, la sua storia è stata raccontata nel documentario Kobra Self-Portrait (Kobra Auto-Retrato), diretto dalla famosa regista Lina Chamie, che quell’anno ha vinto il Gran Premio del Cinema Brasiliano.

Kobra è sempre stato impegnato in cause sociali e crede nell’arte come strumento di trasformazione sociale. Per questo motivo ha fondato il Kobra Institute, un’organizzazione che mira a portare la cultura nelle comunità svantaggiate e a sostenere cause umanitarie attraverso collaborazioni con aziende socialmente responsabili.

La formula della “doppia mostra”, già sperimentata, con successo, lo scorso anno (quando accanto alla monografica su Maurits Cornelis Escher si è proposta la mostra-dossier intitolata Mirabilia estensi. Wunderkammer, che ha approfondito la conoscenza dei cofanetti istoriati “in pastiglia”, una particolarissima tipologia di oggetti d’arte decorativa del Rinascimento di cui la Ferrara estense fu uno dei centri di produzione) è consentita dalla conformazione del nuovo spazio espositivo inaugurato a febbraio 2023, che prevede due aree collegate dalla passerella che attraversa il giardino (uno scenografico treno di undici stanze nell’ala lunga, detta Rossetti, e tre sale nell’ala corta, detta Tisi).

Marco Gulinelli, Assessore alla Cultura di Ferrara, afferma: «La doppia mostra dedicata a Mucha e a Boldini ha registrato sinora un’affluenza eccezionale, accogliendo migliaia di visitatori provenienti da tutta Italia e anche dall’estero. Siamo davvero soddisfatti di questo iniziale risultato, che premia il lavoro di squadra e l’impegno profuso nell’organizzazione di questo importante momento culturale, sostenuto con convinzione dall’amministrazione comunale. Siamo solo a metà di un cammino davvero entusiasmante: c’è tempo infatti fino al 20 luglio per ammirare i capolavori di due giganti della Belle Époque nella splendida cornice di Palazzo dei Diamanti, simbolo dell’architettura rinascimentale di Ferrara».

Pietro Di Natale, Direttore della Fondazione Ferrara Arte, aggiunge: «Grazie a un sondaggio condotto durante questi due primi mesi di apertura abbiamo appurato che il 61,9% degli intervistati ha dichiarato di essere venuto a Ferrara appositamente per visitare le mostre; dato che assume ancor più risalto se consideriamo che il 15,7% del campione risulta residente in città o nei comuni limitrofi. Tutto ciò evidenzia la bontà e l’attrattività della proposta espositiva e indica che mostre di alta qualità come queste oltre ad essere fondamentali momenti di divulgazione culturale e di educazione alla bellezza hanno la capacità di richiamare pubblico “forestiero” generando dunque un impatto più che positivo sui servizi di ospitalità, ristorazione e commercio della città».

Protagonisti indiscussi dell’arte europea tra Otto e Novecento, Mucha e Boldini hanno ottenuto un successo di portata internazionale nella Parigi della Belle Époque e sono stati tra i più straordinari cantori del fascino e della bellezza femminile.

La retrospettiva dedicata ad Alphonse Mucha illustra attraverso circa 150 opere – tra dipinti, disegni, fotografie, manifesti, oggetti – l’intera vicenda biografica e artistica del grande maestro ceco: dal decisivo incontro con la celebre attrice Sarah Bernhardt all’affermazione del suo seducente linguaggio di gusto Art Nouveau attraverso i manifesti pubblicitari; dai progetti in occasione dell’Esposizione Universale di Parigi del 1900 ai soggiorni negli Stati Uniti, sino alla produzione degli anni maturi trascorsi in Cecoslovacchia, dove rientrò nel 1910 con l’obiettivo di mettere la propria arte al servizio del paese, specialmente attraverso la creazione del monumentale ciclo di dipinti dell’Epopea slava, il suo indiscutibile capolavoro.

Dall’altra parte, 40 opere di Giovanni Boldini – tra dipinti ad olio, tra cui i celebri Fuoco d‘artificio e La signora in rosa, pastelli, acquerelli, disegni e incisioni provenienti dal museo ferrarese a lui intitolato, che, inagibile a seguito del sisma del 2012, sarà finalmente riaperto nel 2026 – raccontano il suo talento di pittore della “donna moderna” e del suo fascino. La mostra approfondisce, infatti, il tema del ritratto femminile, cui il pittore ferrarese si dedicò in maniera quasi esclusiva, e con successo, nella Parigi fin de siècle. Ricercatissimo da una facoltosa clientela internazionale, Boldini fu capace di restituire, come pochi altri, la viva concretezza, il carattere e lo status dei suoi modelli, che consegnò alla storia come icone di un’epoca. Il pubblico e la critica, in Europa come in America, apprezzarono soprattutto l’innovativa formula stilistica con la quale diede forma all’ideale femminile del tempo: elegante, spigliato, colto, emancipato, inquieto, talvolta eccentrico.

In occasione delle mostre è stata organizzato come di consueto un ciclo di conferenze nella Sala Rossetti di Palazzo dei Diamanti: dopo gli interventi di Pietro Di Natale, Direttore della Fondazione Ferrara Arte, e di Roberto Gatti, stampatore d’arte e editore, sono previsti quelli di Paolo Bevilacqua, art director e illustratore (“Mucha: il primo content creator”), e di Giacomo Brini, fotografo (“Mucha: dall’effige alla fotografia, tracciando la femminilità), rispettivamente mercoledì 28 maggio 2025 e mercoledì 4 giugno 2025 alle ore 17.

Palazzo dei Diamanti rimarrà aperto al pubblico più giovane anche nel periodo estivo: dopo l’appassionante esperienza dei laboratori per le scuole e le famiglie, sono aperte infatti le iscrizioni ai centri estivi “Estate a Palazzo dei Diamanti”, dedicati ai ragazzi dai 6 ai 12 anni, che si terranno nelle settimane 9-13 giugno, 16-20 giugno e 23-27 giugno. Un’occasione di scoperta, socializzazione e divertimento nei rinnovati spazi di Palazzo dei Diamanti, che prevede ogni giorno un’esperienza diversa tra laboratori, letture, visite a musei, mostre, giardini e tanti giochi (https://www.palazzodiamanti.it/contenuti-mostre/estate-a-palazzo-dei-diamanti-2025/). L’iniziativa rientra nel “Progetto per il contrasto alle povertà educative e la conciliazione vita-lavoro” e le famiglie possono richiedere un contributo per il pagamento della retta.

Le mostre rimarranno aperte sino a domenica 20 luglio; visitabili tutti i giorni dalle 9.30 alle 19.30 (chiusura biglietteria ore 18.30), compreso il 2 giugno.

La mostra Alphonse Mucha è organizzata da Arthemisia, Fondazione Ferrara Arte e Servizio Musei d’Arte del Comune di Ferrara in collaborazione con la Mucha Foundation ed è curata da Tomoko Sato con il coordinamento scientifico di Francesca Villanti.

La mostra Giovanni Boldini è organizzata da Fondazione Ferrara Arte e Servizio Musei d’Arte del Comune di Ferrara ed è curata da Pietro Di Natale.

Entrambe vantano il patrocinio della Regione Emilia-Romagna.