ECOLOGIA DELL’IMMAGINARIO,
TRA SCIENZE AMBIENTALI E PAESAGGI ONIRICI

• Dopo il successo delle mostre dedicate a Vincenzo Eulisse e Gilberto Visintin, l’accogliente spazio M.A.C. Lab, Multimedial Laboratory Art Conservation strategicamente ubicato presso Fondamenta della Misericordia, ospita una terza esposizione dedicata a una giovane artista.

Dal 29 novembre al 20 ottobre la mostra “Ecologia dell’immaginario” di Silvia Stocchetto prenderà forma negli spazi di M.A.C. Lab, Multimedial Laboratory Art Conservation. In questo momento storico in cui l’antropocentrismo nelle sue forma più esasperate sta distruggendo l’ambiente che ci ospita, l’arte racconta ampiamente e in modi diversi il rapporto con la natura. Come scrive il curatore Stefano Cecchetto, Silvia Stocchetto invita lo spettatore a immergersi in un percorso originale: << Attraverso un personale linguaggio pittorico, le indulgenti metafore di un universo visivo, mitologico e classicheggiante che induce, tra scienza, natura e biologia, alla rivelazione di un mondo visibile e invisibile nello stesso tempo>>.

L’artista, vincitrice del Premio Mestre di Pittura nel 2024, la cui opera figura tra le recenti acquisizioni della collezione permanente del Museo Ca’ Pesaro, sviluppa una poetica che nasce dall’incontro tra prospettiva analitica e sguardo onirico.

L’artista, infatti vanta una formazione in Scienze Biologiche, arricchita da un dottorato in Biochimica e Biofisica che condiziona fortemente il suo sguardo.

La natura, ibridata da una visione immaginifica, diviene oggetto privilegiato delle sue opere e luogo di sperimentazione ed evoluzione dell’universo pittorico di Stocchetto.

Ad aprire il percorso espositivo, Gru coronata (2016), è un’opera in cui viene definita una grammatica visuale che diverrà tratto distintivo della sua produzione. Natura e figure animali si stagliano su un panorama che suggerisce un aspetto fantastico.

A seguire Evolution 2 (2018) definisce la fase che anticipa la comparsa degli Idoli, il paesaggio è caotico, vivo, vibrante, come la lussureggiante vegetazione che contrasta per vividezza gli ocra dello sfondo.

In Idolo (2018) prende piede una figurazione che è dominata da animali ancestrali, che abitano fuori dal tempo, trascendendo la materia.

Austeri, occupano un ambiente dalla maggiore tensione astratta e dai colori più saturati.

Infine, Idolo X (2021) in cui è evidente l’approdo verso una matrice surrealista e i confini tra umano e animale si fanno labili in un antropomorfismo enigmatico che trova soluzione nell’ibridazione dei corpi congiunti a strumenti musicali, oggetti artificiali e inserti naturali.
Continua Stefano Cecchetto “In questo procedere, l’artista rompe gli schemi predefiniti della composizione, sia sul piano iconografico che su quello stilistico. Le immagini dei suoi Idoli, diversamente dal surrealismo onirico e visionario di Max Ernst, rintracciano le ambientazioni di un classicismo ‘botanico’ che sembra provenire dal mondo parallelo dell’infanzia, per un incrocio tra vita remota e vita presente.”

Silvia Stocchetto – Breve biografia

Silvia Stocchetto nasce nel 1969 a Venezia. Dopo una carriera scientifica (laurea in Scienze Biologiche, dottorato in Biochimica e Biofisica, periodo di ricerca all’Università), nel 2008 si diploma al Liceo Artistico serale e nel 2013 si laurea in pittura all’Accademia di Belle Arti di Venezia. Durante i suoi studi artistici trae particolare stimolo dall’insegnamento di pittura del prof. Carlo Maschietto.

Dal 2014 partecipa a numerose esposizioni sia in Italia che all’estero. In particolare, si ricordano le mostre dei finalisti del Premio Mestre di Pittura di 4 edizioni, con la vincita del Premio Menzione Speciale nel 2018 e del primo premio nel 2024, con conseguente acquisizione dell’opera premiata da parte della Galleria Internazionale d’Arte moderna Ca’ Pesaro.

Torna la Stagione dei concerti di Asolo Musica Veneto Musica all’Auditorium Lo Squero, nell’Isola di San Giorgio Maggiore a Venezia. 12 appuntamenti dal 22 marzo al 6 dicembre 2025, con la direzione artistica di Federico Pupo, articolano il programma della nuova rassegna che anche quest’anno offre uno straordinario percorso nel mondo dei suoni, con grandi artisti impegnati in progetti singolari e gioielli da riscoprire.

Prende il via sabato 22 marzo la decima stagione concertistica promossa da Asolo Musica Veneto Musica nell’incantevole cornice dell’Auditorium Lo Squero, realizzato da Fondazione Giorgio Cini sull’isola di San Giorgio Maggiore a Venezia. 12 concerti tutti di sabato pomeriggio, con la direzione artistica di Federico Pupo, scandiscono fino al 6 dicembre il variegato cartellone 2025, in un ventaglio di mondi espressivi affidati a solisti ed ensemble della scena nazionale e internazionale. Una rassegna, inserita nel palinsesto de “Le Città in Festa”, che diventa crocevia artistico di progetti e repertori per un intenso viaggio in musica tra molteplici mondi sonori, pronti a invadere di note la sala de Lo Squero con vista straordinaria sulla laguna di Venezia.

“Insieme alla Fondazione Giorgio Cini, – dichiara Maurizio Jacobi, Presidente Asolo Musica – ringraziamo il pubblico che ci ha finora gratificato con una costante ed entusiasta presenza: abbiamo fiducia che lo sarà ancora nel 2025, perché crediamo che il programma, vario e importante per gli Autori e gli Artisti, lo meriti.”

“E’ un cartellone che conferma la volontà di Asolo Musica di proseguire un percorso, assieme a Fondazione Giorgio Cini, di assoluta qualità per un pubblico esigente appassionato della musica da camera – sottolinea Federico Pupo Direttore di Asolo Musica – in una magnifica ed unica cornice qual è l’Auditorium Lo Squero.”

Ad inaugurare il cartellone, sabato 22 marzo, è il celebre violista Bruno Giuranna con il Quartetto di Venezia, formato da Andrea Vio e Alberto Battiston al violino, Mario Paladin alla viola e Angelo Zanin al violoncello. Dopo l’esplorazione del mondo beethoveniano con l’esecuzione integrale, negli anni passati, dei quartetti di Beethoven, il Quartetto si addentra ora con Bruno Giuranna nella profondità delle partiture di W.A. Mozart, con il progetto di esecuzione integrale in due tappe dei sei quintetti mozartiani. Un’immersione nella produzione del genio di Salisburgo che proseguirà sabato 21 giugno, con l’esecuzione di tre quintetti per concerto.

La stagione prosegue sabato 5 aprile con il concerto intitolato Beethoven 198. Protagonisti sono Mauro Loguercio, violino, ed Emanuela Piemonti al pianoforte, impegnati nel progetto di incisione dell’integrale sinfonica di Beethoven nella trascrizione per violino e pianoforte di Hans Sitt (1850-1922), importante violinista ceco attivo anche come didatta e compositore. Nel concerto in agenda eseguiranno la Sinfonia n. 6 in fa maggiore op. 68, detta Pastorale e la Sinfonia n. 8 in fa maggiore op. 93, offrendo al pubblico un sorprendente cambio di prospettiva nell’ascolto di celebri composizioni.

Dal mondo beethoveniano si passa sabato 10 maggio ad un omaggio a Georges Bizet a centocinquant’anni dalla morte. Il concerto, realizzato in coproduzione con Palazzetto Bru Zane – Centre de musique romantique française e in collaborazione con l’Académie de l’Opéra national de Paris, vede in scena Sima Ouahman, soprano, Amandine Portelli, mezzosoprano, Bergsvein Toverud, tenore, Clemens Frank, baritono,  Robin Le Bervet e Moeka Ueno al pianoforte, con un programma che accompagna in un panorama creativo denso di storie e linguaggi artistici, con brani di musica vocale da camera del compositore francese insieme a un’antologia di pagine di suoi contemporanei quali Jules Massenet, Charles Gounod e Camille Saint-Saëns.

L’appuntamento successivo, sabato 24 maggio, vede il ritorno a Lo Squero, in un concerto in collaborazione con Antiruggine, di Mario Brunello. Con consueto raffinato virtuosismo e in un’ampia rete di trame espressive, Mario Brunello offrirà un raccolto recital solistico, accostando a pagine dell’amato Bach la Suite per violoncello solo del talentuoso violoncellista e compositore spagnolo Gaspar Cassadó e la Sonata per violoncello solo op. 25 n. 3 di Paul Hindemith.

La musica di Bach torna sul leggio del concerto di sabato 12 luglio che vede protagonista l’acclamato vincitore del prestigioso Premio Paganini 2023: il violinista Simon Zhu, giovane stella del concertismo internazionale, con un impaginato che oltre a due pagine del genio di Eisenach, la Partita n. 1 in si minore per violino solo BWV 1002 e la Partita n. 3 in mi maggiore per violino solo BWV 1006, prevede una selezione dai 24 Capricci per violino solo op. 1 di Niccolò Paganini, opera annoverata tra i capisaldi della letteratura musicale.

La prima parte della stagione si conclude sabato 26 luglio con un’incursione nel mondo del jazz attraverso l’esibizione di Enrico Pieranunzi al pianoforte, musicista tra i più versatili della scena musicale europea, nella cui particolarissima avventura sonora jazz e classica convivono fin dall’inizio uno a fianco all’altra. Nel concerto intitolato Piano Solo. Unlimited, in collaborazione con Sile Jazz, lo straordinario pianista guida il pubblico nella sua intensa e personalissima esperienza artistica, attraverso una singolare scaletta che spazia da Gershwin a Scarlatti, da una pagina blues a un proprio brano che racconta una storia tutta sua.

Dopo la pausa estiva, la programmazione riprende sabato 6 settembre con l’esibizione del Quartetto di Cremona, formazione che fin dalla propria fondazione nel 2000 si è affermata come una delle realtà cameristiche più interessanti a livello internazionale. Il Quartetto, formato da Cristiano Gualco al violino, Paolo Andreoli al violino e viola, Simone Gramaglia alla viola, viola tenore e al flauto dolce e Giovanni Scaglione al violoncello, con il principale intento di offrire un’interpretazione fedele alla partitura originale si cimenterà nell’esecuzione con sette strumenti de L’Arte della Fuga BWV 1080 di Bach, uno dei vertici più alti della polifonia contrappuntistica nella storia della musica.

Dalle note bachiane si passa sabato 4 ottobre a quelle vivaldiane, proposte da L’Arte dell’Arco con Federico Guglielmo al violino. L’Ensemble, specializzato nell’esecuzione filologica su strumenti antichi e impegnato da oltre trent’anni in un’intensa attività musicologica, concertistica e discografica, eseguirà Le Quattro Stagioni di Vivaldi, offrendo l’occasione di ritrovare i numerosi spunti e le intense emozioni che l’opera del Prete Rosso risveglia ad ogni nuovo ascolto.

L’altro appuntamento del mese è sabato 11 ottobre e vede nuovamente protagonista il Quartetto di Venezia con un programma diversificato e di intensa ricercatezza. Sul leggio, oltre al Quartetto per archi in fa maggiore op. 77 n. 2 di Franz Joseph Haydn e al Quartetto per archi n. 14 in re minore D. 810 “La morte e la fanciulla” di Franz Schubert, anche il brano dedicato al Quartetto Nebbia lagunare, movimento unico per quartetto d’archi del compositore e pianista americano, classe 1951, Curt Cacioppo.

Si prosegue sabato 29 novembre con il ritorno, nel concerto realizzato in collaborazione con Antiruggine, di Mario Brunello in duo con il violoncellista Mauro Valli, che da oltre trent’anni si dedica prevalentemente alla musica antica eseguita su strumenti storici, collaborando con molti fra i più importanti specialisti al mondo. Con un programma interamente dedicato a Johann Sebastian Bach, Mario Brunello al violoncello piccolo a 4 corde e Mauro Valli al violoncello piccolo a 5 corde accompagneranno in territori di somma sapienza creativa, con momenti di intensa profondità esecutiva. In scaletta pagine di Bach nella trascrizione di Gustav Leonhardt per cembalo, eseguite nella versione per due violoncelli piccoli, e in chiusura, sempre nella versione per due violoncelli piccoli, la Toccata e fuga in re minore BWV 565.

L’ultimo appuntamento della stagione è sabato 6 dicembre. Protagonista dell’evento conclusivo è il Quartetto di Venezia con un originale percorso d’ascolto che apre ad un ammaliante intreccio di mondi e narrazioni in musica, dal mondo di Bach (Passacaglia e fuga in do minore, trascrizione di J. Jorgensen) e Robert Schumann (Quartetto per archi n. 3 in la maggiore, op. 41 n. 3) alla tensione dell’espressione novecentesca con il Quartetto per archi n. 5 in si bemolle maggiore, op. 27 (1945) del compositore sovietico, di origine ebraico-polacca, Mieczyslaw Weinberg.

La X Stagione dei Concerti 2025 è organizzata con il sostegno del Ministero della Cultura, dalla Regione Veneto e da Bellussi Spumanti, CentroMarca Banca, Hausbrandt, Massignani & C., Zanta pianoforti.  Tutti i concerti avranno inizio alle 16.30
Per i biglietti: www.boxol.it/auditoriumlosquero
Con biglietto integrato il pubblico avrà la possibilità di visitare la Fondazione Cini, il Labirinto Borges, il Bosco con le Vatican Chapels e il Teatro Verde.

Domenica 30 novembre 2025, all’Auditorium “Raffaele Gervasio” di Matera, l’Orchestra Sinfonica di Matera presenta “Sollima. Beethoven”, un appuntamento unico che vede protagonista Giovanni Sollima, violoncellista di fama internazionale e, per l’occasione, anche direttore d’orchestra.
Ingresso ore 20:00 – inizio ore 20:30. Info e biglietti su orchestrasinfonicamatera.it

Un viaggio musicale che attraversa memoria familiare, energia creativa e il dialogo tra linguaggi: sul podio e al violoncello, Giovanni Sollima. Uno dei più straordinari violoncellisti della scena internazionale, Sollima guiderà l’Orchestra Sinfonica di Matera in un programma che unisce la poesia cameristica del padre Eliodoro Sollima, la forza visionaria delle sue composizioni e la brillante incisività della Sinfonia n. 8 di Ludwig van Beethoven.

Artista capace di infrangere i confini tra generi e linguaggi, Sollima è celebre per un virtuosismo spettacolare e per un approccio interpretativo che combina tecnica prodigiosa, espressività magnetica e una naturale inclinazione alla sperimentazione. Le sue esecuzioni sono celebri per la fisicità con cui fa “respirare” il suono, trasformando il violoncello in un vero corpo narrante. La presenza di Sollima come solista e direttore rende questo concerto un’occasione rara, in cui si intrecciano tradizione, memoria personale e nuove esplorazioni musicali.

Al centro del programma risuonano due pagine del padre Eliodoro Sollima, tra i protagonisti della scuola compositiva italiana del Novecento, con l’esecuzione di Aria (1945), un brano di raffinata cantabilità, sospeso tra lirismo mediterraneo e un’intensa malinconia, e Nenia e Recitativo, dialogo intimo tra violoncello e orchestra in cui la linea solistica emerge come voce umana, fragile e intensa.
Sono lavori che Giovanni Sollima restituisce non solo con sensibilità artistica, ma come autentico omaggio alla sua storia familiare e musicale. Ai brani paterni si affiancano due sue composizioni: Hell I, tratto dal ciclo Songs from The Divine Comedy, una pagina di grande energia e invenzione timbrica, ispirata all’universo dantesco e caratterizzata da ritmi pulsanti e atmosfere quasi cinematografiche; Fecit Neap 17…, dove la musica diventa materia viva, capace di fondere evocazioni barocche, stilemi contemporanei e gestualità virtuosistica in un’unica, sorprendente trama sonora.

A completare la serata, la Sinfonia n. 8 in Fa Maggiore op. 93 di Beethoven, spesso definita la più “sorridente” tra le sue sinfonie. Un capolavoro che sprigiona buonumore, leggerezza e vitalità ritmica, con scambi rapidi, invenzioni brillanti e un’energia contagiosa che si concentra in quattro movimenti.
«È la musica come corpo vivo: vibra, sorprende, emoziona» – ricorda Sollima. Una definizione che racchiude perfettamente l’essenza di questo concerto: un percorso sonoro che celebra la memoria, accende l’immaginazione e rinnova l’inesauribile potenza della musica dal vivo.

Il concerto “Sollima. Beethoven” è parte della Quarta Stagione Concertistica Autunno–Inverno 2025 dell’Orchestra Sinfonica di Matera, che proseguirà fino al 30 dicembre con un ricco calendario dedicato al grande repertorio sinfonico e alla musica contemporanea.
I concerti si svolgono all’Auditorium “Raffaele Gervasio”, con ingresso alle ore 20:00.

I singoli biglietti dei concerti della Quarta Stagione Concertistica Autunno–Inverno dell’Orchestra Sinfonica di Matera, si possono acquistare Online su TicketSms https://www.ticketsms.it/collection/Stagione-Concertistica-2025-Orchestra-Sinfonica-Matera e di persona al botteghino prima dell’inizio dello spettacolo.

Giovanni Sollima – Profilo

Violoncellista di fama internazionale e compositore italiano più eseguito nel mondo, Giovanni Sollima collabora con interpreti e orchestre tra le più prestigiose: Riccardo Muti, Yo-Yo Ma, Viktoria Mullova, Yuri Bashmet, la Chicago Symphony Orchestra, la Royal Concertgebouw Orchestra, la Berlin Konzerthausorchester e molte altre. Artista poliedrico, firma musiche per cinema, teatro e danza, collaborando con Peter Greenaway, John Turturro, Bob Wilson, Marco Tullio Giordana, Carlos Saura. Si è esibito nelle sale più importanti del mondo – dalla Carnegie Hall alla Scala, dalla Wigmore Hall alla Suntory Hall – ed è docente presso l’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, della quale è Accademico. Sperimentatore instancabile, utilizza strumenti antichi, elettrici e perfino un violoncello di ghiaccio, esplorando nuovi linguaggi e nuove forme di espressione musicale. Suona un violoncello Francesco Ruggieri (Cremona, 1679).

Il giorno 29 novembre 2025 alle ore 16.30, la Galleria Zema presenta la mostra Soglie del visibile / Thresholds of the Visible con le opere fotografiche di Gaia Adducchio, Luisa Briganti, Simona Caprioli, a cura di Emanuela Zamparelli: tre ricerche che – scrive la curatrice – condividono una stessa tensione, riconnettere l’immagine al corpo, alla materia e al tempo, restituendo alla fotografia la sua essenza più profonda – quella di essere atto percettivo, forma di contatto, esperienza sensibile del mondo.

«C’è un punto fragile e luminoso in cui la fotografia smette di essere mera rappresentazione e diventa esperienza. È in questo spazio interiore che si incontrano i percorsi di Gaia Adducchio, Luisa Briganti e Simona Caprioli: tre sguardi che, attraverso linguaggi differenti, esplorano la possibilità di rendere visibile la propria visione e di restituire al corpo e alla materia la loro voce silenziosa. Le loro opere non descrivono il mondo: lo attraversano con sensibilità. Ogni immagine è una soglia in cui la realtà si trasforma in percezione, il corpo in linguaggio, la luce in materia viva. È in questa partecipazione profonda che si collocano i loro sguardi, nella capacità di far emergere ciò che vibra sotto la superficie, di toccare attraverso lo sguardo.

Nelle polaroid di Gaia Adducchio, la fotografia si libera dalla rappresentazione e diventa gesto, colore, respiro. L’emulsione si muove come sostanza organica, generando forme che sembrano affiorare da una memoria ancestrale. È un atto di fiducia nella materia e nel suo potere trasformativo.

Le immagini di Luisa Briganti sono attraversate dal ritmo del corpo. La danza infrange la staticità e apre un varco nel tempo. Il desiderio si fa movimento, la pelle diventa linguaggio. Nei suoi scatti, la fotografia non congela: prolunga, trattiene, fa vibrare l’attimo fino a renderlo eterno.

Con Simona Caprioli, lo sguardo si fa passo lento e contemplazione. Le sue immagini in bianco e nero si muovono tra luce e ombra, presenza e dissolvenza. È un cammino visivo che esplora la soglia tra reale e immaginato, tra spazio e memoria, fino a trasformare il paesaggio in eco interiore.»
(dal testo critico di Emanuela Zamparelli)

Gaia Adducchio – Profilo

Gaia Adducchio è nata nel 1979 a Roma, dove vive e lavora. Dopo aver studiato regia alla Scuola Nazionale di Cinema di Praga (FAMU) e aver conseguito premi e finanziamenti per lavori di finzione e documentaristici, dal 2015 si dedica alla fotografia, vincendo una residenza artistica presso il prestigioso CSF Adams di Roma dove realizza il suo primo progetto fotografico analogico, Ritratti di famiglia, che debutta al Prague Photo 2016. Da allora i suoi lavori, caratterizzati dalla continua sperimentazione tecnica e poetica, sono coinvolti in numerose mostre personali e collettive e riscuotono notevole apprezzamento a livello nazionale e internazionale. Da aprile 2023 è Membre Sociétaire de la Société du Salon d’Automne di Parigi.

Luisa Briganti – Profilo

Luisa Briganti è fotografa, curatrice e direttrice didattica del Centro Sperimentale di Fotografia Adams (CSF Adams); opera nel campo della fotografia da oltre trent’anni. Ha esposto in Italia e all’estero; tra le principali esposizioni: la mostra Assolo metropolitano (Università di Pechino, 2004) e I luoghi della memoria – omaggio a Pier Paolo Pasolini (Festival Internazionale di Fotografia di Roma, 2006). Ha curato per dieci anni cascinafarsettiArt – fotografia e non solo e, dal 2016, collabora con il festival Prague Photo. Nel 2019 ha presentato la prima personale internazionale presso la Ph21 Gallery di Budapest. È stata photo editor per reWriter (2021–2024) e tra gli ideatori di Cosmo Photo Fest (2023).

Simona Caprioli – Profilo

Simona Caprioli, classe 1984, pugliese di origine, si trasferisce a Torino per studiare Economia Aziendale. Si appassiona alla fotografa in età già adulta e frequenta una scuola di fotografia, il centro sperimentale di fotografia con sede a Roma dal 2019 al 2022. Inizia ad esporre in Italia e successivamente in Europa. Lavora con diverse gallerie. I suoi lavori sono esposti nella Galleria “Ira Leonis”, ad Arles, in Francia, che vanta tra gli altri, prestigiose opere di Nan Goldin, Sarah Moon e Man Ray.

Galleria Zema. Fondata a Roma il 6 marzo del 2025 da Emanuela Zamparelli, la Galleria ZEMA è uno spazio indipendente dedicato esclusivamente all’esposizione e promozione dei lavori di artiste donne, e in particolare della fotografia contemporanea femminile. La galleria rappresenta fotografe italiane e internazionali, accomunate da uno sguardo autonomo, critico e consapevole sul presente, e diverso da altri sguardi. Attraverso un programma espositivo che intreccia ricerca artistica, impegno sociale e riflessione culturale, la galleria si propone come luogo di visibilità e ascolto, dove il corpo, l’identità, la memoria e il conflitto diventano temi da indagare per dare nuova forma e contenuto al vissuto e alla memoria, alla ribellione e all’intimità. ZEMA non è solo una galleria, ma un progetto curatoriale, uno spazio vivo in cui la fotografia si fa linguaggio, relazione e resistenza.