È lo stesso Ceo dell’agenzia, Andrea Cicini, ad annunciare con soddisfazione l’ultima acquisizione di Gruppo Matches: l’ingresso, da marzo scorso, diLaboratorio Olfattivo, progetto interamente dedicato alla Profumeria Artistica. Brand italiano di riferimento nel settore delle fragranze artigianali e della profumeria di nicchia nato dalla volontà di Daniela Caon e Roberto Drago. Un’officina artistica, animata da Maîtres Parfumeurs che creano in piena libertà e senza alcuna limitazione alla loro creatività, in cui confluiscono le ispirazioni, le idee, le visioni e i progetti dei Nasi più eclettici del momento, da trasformarsi in profumi pregiati. Un processo creativo di grande originalità, la cui filiera si sviluppa interamente in house, all’interno dei laboratori del brand, e che poggia i suoi esiti su note olfattive, visioni, ricordi, frammenti di vita vissuta.

Eleganza, unicità, visione e sogno sono i binari paralleli lungo i quali corre infatti l’attività imprenditoriale di Laboratorio Olfattivo e così la sua comunicazione, per la quale l’azienda ha scelto Gruppo Matches come partner ideale per supportare i propri obiettivi di affermazione e crescita. L’agenzia romana guiderà le strategie di comunicazione digital e social, lo sviluppo di shooting e produzione di contenuti e nuove campagne del brand italiano di profumeria artigianale, avvalendosi della divisione GM Production dell’agenzia.

Andrea Cicini commenta così la nuova collaborazione con cui l’agenzia rafforza la propria expertise nel settore della comunicazione beauty e lifestyle: “Siamo entusiasti di accogliere Laboratorio Olfattivo in Gruppo Matches.  L’entrata del brand visionario e moderno nel nostro portfolio è una testimonianza ulteriore della fiducia che le aziende italiane stanno riponendo nelle nostre capacità strategiche e creative. Dopo l’evento organizzato lo scorso febbraio a Milano, per il lancio della fragranza  “Underground Vibes”, si è creata con Laboratorio Olfattivo una stupenda coesione. Siamo molto determinati a mettere a disposizione nuove idee per elevare ulteriormente il brand già affermato a livello internazionale e per accompagnarlo verso nuovi traguardi di successo“. 

Con questo incarico, Gruppo Matches conferma il proprio ruolo di partner strategico per aziende e marchi che vogliono raccontarsi con coerenza, creatività e impatto sui media e non solo. 

«Il cibo è giocoso, evoca ricordi, in ogni piatto c’è la ricerca – dice lo chef stellato – lungo la mia carriera ho attinto dai saperi dei produttori, ne ho fatto la mia dispensa».

C’è un nuovo bistrot in linea con la filosofia di Sicilia Outlet Village, location che ospita brand iconici: «Uovo di Seppia vuole essere la cucina sincera e contemporanea», afferma lo chef Pino Cuttaia. Il concept enogastronomico è autentico e trova piena espressione dove lo shopping è fatto di cura e attenzioni per i clienti, perché è inteso come un tempo di relax da dedicare a se stessi.

Si aggiunge adesso la cucina firmata da Cuttaia che «si preoccuperà del nutrimento glamour – aggiunge lo chef –  per chi sceglie di trascorrere qui una giornata di festa. Prepariamo piatti che difficilmente puoi trovare altrove, fatti di gioco, cibo, memoria: c’è il sugo di papà, la pasta con le sarde, una buona carbonara, il nero di seppia, cuciniamo partendo dai ricordi di famiglia, ma in una chiave contemporanea».

Uovo di Seppia è per tutti, accessibile e veloce. Al bistrot non c’è la pretesa del servizio formale e atteso nel ristorante, alla base di ogni piatto c’è sempre ricerca. «Vogliamo far stare bene le persone – spiega Cuttaia – puoi sentirti a casa mangiando ciò che un cuoco prepara dopo aver pensato a lungo ad ogni ingrediente. Lungo la mia carriera ho selezionato il meglio: il riso, il burro, il formaggio, l’olio, la carne. Esplorando tra i sapori ho attinto dai saperi di chi li produce, ne ho fatto la mia dispensa. Per la selezione dalla filiera di produttori abbiamo creato un laboratorio di sviluppo e ricerca. Facciamo attenzione alla stagionalità, i sapori cambiano in base al raccolto, anche il mare è un orto: quando c’è il “raccolto” della seppia, noi la cuociamo perché è più sostenibile sotto il profilo nutrizionale, ed economico per chi produce, compra, trasforma e mangia. Inoltre la nostra è una cucina circolare, con la seppia facciamo due o tre lavorazioni diverse utilizzando ogni componente dello stesso pesce». 

La moderna dispensa di Cuttaia dà ai visitatori la possibilità di portare a casa gli ingredienti di alta qualità per cimentarsi in cucina. L’idea condivisa è quella di una mamma contemporanea che quando sta ai fuochi vuole gli ingredienti migliori per preparare i piatti di famiglia, semplici ma buonissimi. Quella di Pino Cuttaia è una cucina etica, evoca ricordi e riduce gli sprechi: «Il gioco è sempre stato in cucina – racconta lo chef – fin dall’infanzia nutriamo i bambini raccontando una storia.  Quando un cuoco rende giocoso il cibo, assaggiarlo diventa più interessante. L’approccio evocativo del cibo in un tegame ricorda sempre la nonna. Oggi invece ha tutto un packaging, noi usiamo nel bistrot una “cartata” che non sporca e non inquina. Ricorda i mercati di una volta, dove andavi per prendere le acciughe sotto sale o i formaggi sfusi. Per cui anche il concept della cover evoca un passato con etica contemporanea». Tra i piatti da non perdere Cuttaia dice «sicuramente ci sono le paste e il macco di fave che riportano a “casa”. Così come il sugo di papà, che è un sugo al pomodoro con verdure che alcuni anni fa, quando andavamo a lavorare, lasciavamo ai nonni per i nostri figli, un piatto caldo che celebra la cura dei genitori che fanno del cibo un loro modo d’essere presenti. Tra i dessert ovviamente ci sono i nostri classici e i dolci della domenica serviti nella “guantiera”, c’è il babà, la cassatina, il tiramisù fatto in pirofila come da tradizione».

Il bistrot Uovo di Seppia sta già accogliendo i visitatori che a Sicilia Outlet Village da domani sabato 22 novembre si moltiplicheranno con l’inizio dei Winter Black Days: inizia lo shopping d’occasione grazie agli eccezionali sconti fino al 70% sui prezzi outlet dei brand aderenti e su articoli selezionati; la promo durerà fino a lunedì 1 dicembre ed è aperta a tutti. In occasione dei Winter Black Days il Village sabato 22 e domenica 23 novembre prolungherà l’apertura dei 170 negozi nazionali e internazionali dalle ore 10 alle 21.

Torna a Roma giovedì 27 novembre 2025 dalle ore 19,30, nell’area museale della Vaccheria (Via Giovanni L’Eltore 35), concessa dal Comune di Roma, il progetto etico del Calendario – quest’anno col titolo MATERIKA 2026 – realizzato con foto di pazienti oncologiche. Progetto di tricologia solidale dell’Associazione Tricostarc ets, nato nel 2018, è giunto alla nona edizione, patrocinata da Regione Lazio, Croce Rossa Italiana, Europa Donna Italia e Fondazione Prometeus ets.

Il fotografo di MATERIKA 2026 è Cesare Colognesi, noto nel mondo della moda, che ha fatto di ogni scatto un momento memorabile, in cui le nove pazienti coinvolte, le “donne rosa”, hanno dialogato con l’obiettivo, nel suggestivo set tra ii Sassi di Matera. Obiettivo più importante del Calendario Tricostarc ets, edizione dopo edizione, è contrastare l’isolamento sociale delle pazienti oncologiche e dei loro caregiver. Così Giusy Giambertone, anima, insieme alla sua appassionata squadra, di Tricostarc ets: “Materika è un invito ad indossare gli ‘occhiali della visione, della creazione e della cura’, quelli che permettono di guardare oltre la vista, oltre la superficie delle cose, verso la profondità dell’essere che resiste, si ricrea, e continua a fiorire, tra le rocce“.

Carolyn Smith ospite speciale dell’evento, insieme ad esponenti del mondo della politica, del sociale e del mondo scientifico. Tra loro l’On. Antonello Aurigemma, Presidente Consiglio Regionale del Lazio, la Dott.ssa Titti Di Salvo, Presidente del Municipio IX che ha dato ospitalità all’evento, il Dott. Salvatore Coppola, per la Croce Rossa Italiana, e il Dott. Lucio Fortunato, primario della Breast Unit dell’Ospedale San Giovanni Addolorata di Roma e presidente della Fondazione Prometeus ets. Sarà presentato, working progress, il primo Studio scientifico sulla donazione dei capelli supportato da clinici. Protagoniste assolute della serata le pazienti, donne-dive, in una performance per la quale indosseranno abiti realizzati appositamente per il servizio fotografico, confezionati con materiali in linea con la filosofia green e con tessuti che rispettano la tradizione di Matera, fondata intorno all’anno 1000, quando gli abiti venivano prodotti con fibre naturali come lino, canapa, ecc. Per rispettare questo contesto, l’Associazione ha utilizzato materiali riciclati, come i sacchi di juta per il caffè donati da una nota torrefazione.  Un’esperienza immersiva riprodurrà la suggestiva esperienza del contatto con i “Sassi”. Infine, la mostra delle parrucche-scultura, realizzate con materiale riciclato, materia che si trasforma per dare forma a idee, fantasie, sogni e bisogni: cotone, lana, seta, taffetas, carta, plastica da ufficio, vinilici, passamanerie, vecchi bijou, velluti, gli elettrici, frange fluo, petali di stoffa, pellicciotti sintetici, pulisci pipe, scarti di presidi ospedalieri. Una mescola di tutto per realizzare le parrucche-scultura in mostra, molte delle quali confezionate dalle stesse pazienti. 

Tra gli obiettivi dell’evento, quello di sensibilizzare le Regioni all’apertura di nuove “Banche della parrucca”, accessibili gratuitamente alle pazienti oncologiche, senza costi per la collettività, gestite da personale formato nella tricoprotesica oncologica, competente per accompagnare le pazienti nel recupero della propria immagine. Il progetto Banca della Parrucca, istituito nel 2011, è una a catena di solidarietà attraverso la quale le parrucche vengono messe gratuitamente a disposizione di altre donne che ne hanno bisogno: ha spostato l’attenzione dall’acquisto all’utilizzo e quindi è stato il primo progetto tricologico in sharing. Il progetto di Donazione Capelli Hair Smile, istituito nel 2009, è stato invece il primo progetto tricologico green: i capelli tagliati dei donatori vengono raccolti in code ed inviati alla Tricoteca della associazione Tricostarc ets, diventando materiale riutilizzato. Anche i capelli sono materia. Ogni donna li plasma per caratterizzare la propria immagine, la stessa che una protesi tricologica può contribuire a restituirle per lenire il dolore della perdita e per proteggere la sua privacy. Altra intenzione dell’evento, infatti, è far conoscere ad un pubblico sempre più vasto i plus di una cura che non trascura anche l’immagine della paziente. La perdita dei capelli è l’effetto collaterale più temuto dalle donne sottoposte alle salvifiche chemioterapie. L’8% delle pazienti rifiuta la terapia, il 47% considera questo l’aspetto più difficile da affrontare. 

Tricologia protesica oncologica, soprattutto, per fare rete. Saranno presenti, infatti, importanti realtà del Terzo Settore. Le parrucche oggi sono finalmente considerate vere e proprie protesi tricologiche, incluse tra le spese sanitarie detraibili nella dichiarazione dei redditi, e da alcune Regioni è previsto un buono-parrucca di alcune centinaia di euro, in media. Ma tutto questo non basta. Da qui nasce l’urgenza del fare rete, mettendo in campo ciò che ciascuno sa e può fare, perché la nudità del capo sia sempre e solo una scelta personale, e mai una costrizione dovuta alla condizione economica.

Sabato 29 novembre 2025, dalle ore 18.00, Hyunnart Studio presenta la personale di Tiziano Bellomi, dal titolo “Rito di colore puro”.

In mostra una serie di opere pittoriche realizzate con stratificate linee di colore – elementi visivi minimali e concettuali – che rievocano le ricerche degli artisti delle avanguardie storiche.

Tiziano Bellomi, come in un rituale, incentra il suo lavoro sul colore e le geometrie. Nei suoi dipinti l’artista interviene con ripetute stesure di strisce verticali affiancate di colore, un colore puro e intenso.

In mostra sono esposte opere policrome di pittura ad olio su tela, a parete e tridimensionali di medio e grande formato.

Come scrive Greta Alberta Tirloni, la ricerca di Bellomi «si configura quale un viaggio iniziatico attraverso il colore e le forme: un percorso estetico ed etico, esteriore ed interiore, che affonda le radici in una spiritualità universale, che si esprime nel linguaggio dell’arte e dell’arte contemporanea, un viaggio che mira a instaurare una tensione profonda e autentica nell’incontro fra mondi, culture e visioni diverse… La pittura di Bellomi è memoria, ricordo, sogno, inconscio e si offre come una dichiarazione poetica, concettuale e minimale, essenziale… Attraverso i suoi dipinti, Bellomi desidera suscitare nello spettatore una intimità emotiva, come se le opere collegassero l’osservatore e l’artista. Quasi considerare le opere come poemi visivi».

Giunto alla sua quinta edizione, dal 27 al 30 novembre 2025 torna a Casa degli Artisti di Milano ARTINO FAAA – Festival Annuale dell’Arte Applicata, sotto la direzione e il coordinamento di Mariavera Chiari, rappresentante di Casa degli Artisti e membro dell’associazione Nic – Nuove Imprese Culturali.

Fin dalla sua ideazione, ARTINO FAAA si propone di mantenere vivo il dibattito sulle Arti Applicate e sulle loro più recenti ridefinizioni, offrendo uno spazio di confronto e di scoperta dedicato ai linguaggi dell’artigianalità contemporanea.

L’edizione 2025 segna un’importante evoluzione: per la prima volta, il festival occuperà entrambi i piani della Casa degli Artisti, trasformando gli atelier in un vivace percorso espositivo. In mostra saranno presentate opere, micro-serie, edizioni limitate, manufatti e progetti sperimentali realizzati dagli artisti che hanno partecipato ai programmi di residenza della Casa dal 2020 a oggi e da una selezione di artigiani che hanno fatto parte del progetto sin dalla prima edizione: un’occasione unica per esplorare il panorama più recente e dinamico delle Arti Applicate contemporanee.

Durante i quattro giorni del festival, il pubblico della Micro-fiera potrà toccare con mano i manufatti e conoscere da vicino il lavoro di artisti e artigiani. 

I visitatori potranno accedere agli atelier, solitamente non aperti al pubblico, e immergersi in un’atmosfera creativa e partecipativa, entrando in dialogo diretto con gli artisti. Molti di loro proporranno workshop, incontri e momenti di confronto, offrendo uno sguardo privilegiato sui processi di ricerca e sulle modalità di produzione che danno forma alle loro opere.

Durante il festival sarà inoltre possibile acquistare i lavori esposti o commissionare opere su misura, instaurando un rapporto diretto e autentico tra pubblico e artisti.

Per la prima volta in Italia una mostra dedicata all’artista cinese Mao Xuhui, una delle figure più influenti dell’avanguardia artistica cinese contemporanea. “Mao Xuhui: Emergence of the Patriarch”, a cura di Lü Peng, Li Guohua e Carlotta Scarpa, è organizzata da L-ART GALLERY con Manuela Schiavano e ospitata dal Museo di Palazzo Grimani – parte dei Musei archeologici nazionali di Venezia e della Laguna. L’esposizione presenta una selezione di 43 opere che ripercorrono cinquant’anni di ricerca pittorica, offrendo una lettura complessa e stratificata del lavoro dell’artista.

Considerato uno dei protagonisti più significativi della sua generazione, Mao Xuhui (nato nel 1956 nella provincia del Sichuan) è oggi presente nelle collezioni dei più importanti musei e gallerie internazionali. Formatosi all’Università delle Arti dello Yunnan – dove attualmente insegna presso il College di Scienze Umane – la sua carriera si intreccia con la nascita dell’arte contemporanea in Cina, in particolare grazie al suo ruolo di cofondatore del Southwestern Art Research Group di Kunming e alla partecipazione al movimento ‘85 New Wave, che segnò una svolta decisiva nella scena artistica del Paese.

In quegli anni di grandi trasformazioni, Mao elabora una pratica pittorica che definisce “life painting”: un linguaggio denso di tensione emotiva, capace di riflettere in modo diretto la realtà sociale e culturale della Cina sudoccidentale. Pur ispirandosi alla tradizione della natura morta, ne rinnova radicalmente la struttura, trasformandola in una riflessione esistenziale e concettuale. L’oggetto ricorrente delle forbici – elemento semplice e quotidiano – assume per l’artista un valore simbolico e ambiguo, legato a temi di controllo, potere, vulnerabilità e volontà. Questo motivo attraversa la sua produzione per oltre un decennio, culminando nel celebre ciclo Will / Scissors, tra i vertici della sua ricerca.

Come afferma il critico e storico dell’arte Lü Peng, “Dal 1978 ai primi decenni del XXI secolo la società cinese ha attraversato trasformazioni profonde e complesse, che hanno coinvolto ogni ambito della vita collettiva. In questo contesto, l’arte di Mao Xuhui rappresenta una chiave privilegiata per comprendere tali mutamenti: un ponte tra realismo socialista, espressionismo e modernità, capace di raccontare la transizione culturale e spirituale della Cina contemporanea.”

Allestita nelle sale del secondo piano del Museo di Palazzo Grimani a Venezia, l’esposizione presenta una selezione di opere emblematiche che restituiscono una visione ampia e articolata della sua ricerca artistica. Inserita nel ciclo di approfondimenti dedicati agli artisti cinesi delle generazioni antecedente e successiva al 1985, la mostra pone la figura di Mao in ideale contrappunto con quella del giovane Zhang Zhaoying, protagonista della precedente mostra Lifelong Beauty. La scelta di Palazzo Grimani come sede espositiva amplifica questo dialogo: l’antica dimora rinascimentale, con le sue decorazioni di Giovanni da Udine, Francesco Salviati e Federico Zuccari e la celebre collezione di statue classiche voluta da Giovanni Grimani, diventa lo scenario in cui la ricerca di Mao Xuhui – sospesa tra memoria, autorità e tradizione – trova un confronto diretto con la storia e con il patrimonio culturale del passato.

Il percorso espositivo, concepito in chiave retrospettiva, propone una lettura profonda del suo linguaggio visivo, mettendo in luce l’evoluzione tematica e formale che attraversa tutta la sua produzione. Come suggerisce il titolo della mostra, al centro del suo linguaggio visivo emerge il tema del patriarcato inteso come riflessione sull’autorità e sul potere, sia nella sfera familiare sia in quella politica. Nelle serie Patriarch, Mao trasforma la figura del padre in una presenza simbolica, emblema delle strutture di controllo e della tradizione. Attraverso forme geometriche, toni cupi e composizioni severe, l’artista esprime la complessità del rapporto con l’autorità — sospeso tra rispetto, paura e ribellione — trasformando la dimensione privata in una meditazione universale sulle gerarchie sociali e sul peso della memoria culturale cinese.

In questa occasione, sarà inoltre presentata per la prima volta in Italia la biografia illustrata dell’artista, edita da Skira e curata dallo stesso Prof. Lü Peng. Il libro ripercorre l’evoluzione ideologica e creativa dell’artista, ricostruita attraverso documenti e materiali personali, tra cui diari, lettere, dipinti, appunti di lettura e trascrizioni. Il risultato è un ritratto profondo e autentico, che racconta la vera storia e gli anni illustri di una generazione straordinaria in Cina. Emergence of the Patriarch testimonia ancor più l’impegno di Lü Peng nel preservare e illuminare le diverse narrazioni dell’arte cinese contemporanea.

Attraversando cinquant’anni di storia dell’arte cinese, la mostra intende restituire al pubblico il senso profondo del legame tra individuo, identità culturale e memoria collettiva, proponendo una riflessione intensa e attuale su temi cruciali come il potere, la famiglia, la volontà e la trasformazione del soggetto nella società globalizzata. Un’occasione unica per il pubblico nazionale e internazionale di scoprire, o riscoprire, l’opera di un artista fondamentale, la cui ricerca espressiva continua, ancora oggi, a interrogare con lucidità il nostro tempo.

MAO XUHUI – NOTE BIOGRAFICHE

MAO XUHUI è nato a Kunming dal 1956 e si è laureato presso la Yunnan Art Academy nel 1982. È considerato una figura iconica nella storia dell’arte contemporanea cinese. Inserito nella lista China Art Power 100, è stato uno dei protagonisti della scena artistica d’avanguardia della Cina sudoccidentale negli anni Ottanta.

Tra il 1985 e il 1989 ha riunito numerosi giovani artisti, principalmente provenienti dallo Yunnan e dal Sichuan, sotto l’etichetta di “New Figurative”, dando vita al Southwest Art Research Group. I membri del gruppo hanno espresso nelle loro opere una consapevolezza esistenziale intensa, tipica delle regioni sud occidentali della Cina, tanto da diventare una componente fondamentale dell’“’85 New Wave”, il movimento d’avanguardia dell’arte contemporanea cinese. Questi risultati gli hanno assicurato un ruolo di primo piano nella storia dell’arte contemporanea del Paese.

Mao Xuhui ha esposto ampiamente nelle principali città dell’area euro-pan-asiatica, tra cui Shanghai, Pechino, Hong Kong, Singapore, New York, San Francisco, Barcellona, Bologna, Parigi e Londra. Le sue opere sono state incluse in numerose mostre di rilievo, tra cui la mostra fondamentale nella storia dell’arte contemporanea cinese Inside Out: New Chinese Art (1998), co-organizzata dall’Asia Society di New York, dal Museum of Modern Art di San Francisco e dall’Hong Kong Museum of Art. Le sue opere sono state acquisite da importanti gallerie e musei nazionali e internazionali, diffuse dai media di tutto il mondo e pubblicate in libri di storia dell’arte e riviste accademiche.

LÜ PENG – NOTE BIOGRAFICHE

 LÜ PENG, è un curatore, critico e storico dell’arte cinese.È nato a Chongqing, nel Sichuan, nel 1956 e si è laureato in Studi Politici alla Sichuan Normal University nel 1982. Nel 1992 è stato direttore artistico della prima biennale d’arte cinese: Guangzhou Biennial Art Fair.

Tra i suoi successi curatoriali:
Global Painting. La Nuova pittura cinese al Mart di Rovereto, una restituzione composita dell’arte contemporanea cinese che traccia un importante passaggio storico (2024);
Passage to History: 20 Years of La Biennale di Venezia and Chinese Contemporary Art, co-curata con Achille Bonito Oliva alla 55. Biennale d’Arte (2013);
la Biennale di An’ren del 2011;
Pure Views: New Painting from China (Asia Art Museum, San Francisco, 2011);
Pure Views: New Painting from China (Louise Blouin Foundation, Frieze, London, 2010);
Reshaping History (Pechino, 2010), una mostra su larga scala che presentava più di mille opere di quasi duecento tra gli artisti cinesi più innovativi del primo decennio del 21° secolo;
A Gift to Marco Polo, un evento collaterale per la Biennale di Venezia del 2009 che ha messo in mostra otto dei più importanti artisti contemporanei cinesi.
Lü è attualmente direttore del Museo di arte contemporanea di Chengdu, direttore di CHINART, agenzia di gestione delle istituzioni d’arte cinesi, ed è professore associato delDipa rtimento di Storia e Teoria dell’Arte presso l’Accademia di Belle Arti di Hangzhou, Zhejiang. Dal 2017 è Presidente della L-Art University e Professore del Sichuan Fine Arts Institute e Xi’an Academy of Fine Arts.
A Gennaio 2024 ha pubblicato con Rizzoli, “Storia dell’arte cinese del XX al XXI secolo” già edito incinese nel 2006 da Peking University Press ed inglese nel 2010 dalla casa editrice Charta.
Con questa pubblicazione storica, Lü Peng analizza in modo incisivo ed appassionato gli sviluppi dell’arte cinese dalla fine della dinastia Qing fino agli anni di apertura del XXI secolo tracciando abilmente questa evoluzione, non solo nella Cina continentale, Taiwan e Hong Kong, ma anche in centri importanti come Parigi e Tokyo. Questa narrazione completa è un punto di riferimento per conoscere la storia dell’arte cinese del XX e XXI secolo.

Una duplice cerimonia per celebrare i 125 anni di attività dell’Università Popolare di Trieste e i 60 anni di sostegno alle Comunità italiane dei Paesi dell’Adriatico orientale: domani, venerdì 21 novembre, vengono festeggiati due traguardi che raccontano una storia di cultura, identità e impegno civile. Alle celebrazioni è stata conferita la “Medaglia del Presidente della Repubblica” e assicurato il sostegno della Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia e della Fondazione CRTrieste. L’evento è promosso con la coorganizzazione e il patrocinio del Comune di Trieste e con la collaborazione per lo spettacolo teatrale del Teatro Stabile del Friuli Venezia Giulia “Il Rossetti“.

La prima cerimonia, ospitata nella Sala del Consiglio comunale di Trieste, intende sottolineare il valore dell’Ente morale per la città e il territorio in cui è nata nel 1899. Moderata dal giornalista Ferdinando Avarino, prevede in apertura (alle 10.30) la proiezione del video 1899: nasce l’Università Popolare di Trieste. Seguono gli interventi istituzionali di Francesco di Paola Panteca, Presidente del Consiglio Comunale di Trieste; Roberto Dipiazza, Sindaco di Trieste; Edvino Jerian, Presidente Università Popolare di Trieste; On. Massimiliano Fedriga, Presidente della Regione Autonoma Friuli Venezia Giula; On. Sandra Savino, Sottosegretario al Ministero Economia e Finanze.

La cerimonia prosegue con una Prolusione del prof. Stefano Pilotto: L’Università Popolare di Trieste: una lunga storia di cultura italiana e la proiezione del video commemorativo 125 anni di attività per la cultura italiana.
In conclusione della mattinata, dopo l’intervento di Edvino Jerian, Presidente UPT Presente e futuro dell’Ente, è in programma la consegna di riconoscimenti agli ultimi ex presidenti dell’Ente morale: Silvio del Bello, Fabrizio Somma, Maria Cristina Benussi, Renzo Codarin, Francesca Adelaide Garufi Commissario Straordinario, Emilio Fatovic e Paolo Rovis. Segue la presentazione dell’Albo dei Benemeriti della Cultura Popolare di Trieste e il conferimento ai primi tre prescelti Franco Degrassi, Francesco Vecchiet e al Mons. Ettore Malnati.

La seconda cerimonia, nella Sala del Ridotto del Teatro Comunale Giuseppe Verdi, è dedicata aiSessant’anni di collaborazione con l’Unione Italiana e le Comunità Italiane in Slovenia, Croazia e Montenegro.

Moderata dalla giornalista Cristina Bonadei, prevede – dopo l’Inno Nazionale – il saluto di Mario Anzil, Vice Presidente Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia con delega alla cultura,  dell’Ambasciatore Italiano in Slovenia Giuseppe Cavagna e dell’Ambasciatore Italiano in  Croazia Paolo Trichilo.  Dopo la proiezione del video Università Popolare di Trieste: cerniera di italianità, seguono i saluti delle rappresentanze delle Comunità Italiane e del mondo dell’Esodo: Dejan Ducic, Presidente Comunità Italiana in Serbia a Belgrado; Aleksandar Dender, Presidente Unione delle Comunità Italiane in Montenegro; Alberto Scheriani, Presidente della CAN costiera del Litorale Sloveno; Marin Corva; Presidente della Giunta esecutiva dell’Unione Italiana; per il mondo dell’esodo Renzo Codarin Presidente FederEsuli e Massimiliano Lacota, Presidente Unione degli Istriani. Chiude i saluti il dottor Francesco Bianchi con la lettura di un breve messaggio del Presidente del Consiglio della Regione Basilicata Marcello Maurizio Pittella con consegna di un sigillo dell’Amministrazione lucana.
La cerimonia procede con la Lectio magistralis prof. Egidio Ivetic L’Università Popolare di Trieste per la conservazione della memoria e la valorizzazione della cultura italiana.
Seguono gli interventi delle autorità politiche istituzionali, On. Felice Žiža Parlamento sloveno; On. Furio Radin Parlamento croato; sen. Roberto Menia componente della Commissione Esteri al Senato.

Ad Edvino Jerian, Presidente UPT, il compito di sottolineare nel suo intervento  Il ruolo di ponte culturale dell’Università Popolare di Trieste.
La cerimonia prosegue con un riconoscimento al Prof. Giovanni Radossi, Presidente Onorario dell’Unione Italiana e un ricordoin memoria del professor Luciano Rossit e del professor Antonio Borme.
Conclude l’evento l’Ambasciatore Daniele Rampazzo, Ministro Plenipotenziario pressoMinistero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale.

La giornata di celebrazione dei 125 anni di attività dell’Università Popolare di Trieste prevede infine la presenza di numerosi ospiti allo spettacolo teatrale al Teatro Stabile del Friuli Venezia Giulia “il Rossetti” Aggiungi un posto a tavola, il cui titolo ben si sposa con le finalità degli eventi.

Graphic Japan. Da Hokusai al Manga porta a Bologna, per la prima volta in Italia, una grande mostra che racconta visivamente le tappe fondamentali della grafica giapponese in un viaggio che dal periodo Edo (1603-1868) conduce fino ai nostri giorni. Questa la proposta culturale di MondoMostre che presenterà in collaborazione con il Museo Civico Archeologico del Settore Musei Civici del Comune di Bologna, un nuovo capitolo sulla creatività grafica nipponica, dopo il grande successo di HOKUSAI HIROSHIGE. Oltre l’onda. Capolavori dal Museum of Fine Arts di Boston dell’autunno 2018.

La mostra, che si avvale del patrocinio della Regione Emilia-Romagna e del Consolato Generale del Giappone a Milano, si pone in continuità rispetto ai rapporti tra Italia e Giappone approfonditi nel contesto dell’Expo di Osaka 2025, concluso il 13 ottobre 2025 e di cui Rossella Menegazzo è stata Responsabile Cultura del Commissariato generale di sezione per la partecipazione italiana. Come sua simbolica prosecuzione in Italia, il progetto espositivo ne prende il testimone: Graphic Japan estende a Bologna il focus sulla cultura giapponese, da giovedì 20 novembre 2025 a lunedì 6 aprile 2026, con un approfondimento sulla grafica e le arti visive.

Il progetto di mostra, a cura di Rossella Menegazzo con Eleonora Lanza, nasce da un’esigenza critica coniugata alla curiosità culturale di indagare le ragioni del successo globale della grafica giapponese, connotata da un nesso indissolubile tra segno e disegno che, a partire dalle stampe ukiyoe – le cosiddette “immagini del Mondo Fluttuante” -, ha condotto fino ai poster d’artista e ai manga contemporanei.

Il percorso espositivo si articola in quattro grandi sezioni tematiche: Motivi di Natura, Volti e Maschere,Calligrafia e tipografiae Giapponismo contemporaneo con oltre 250 opere stampate in silografia, libri, album, manifesti e mascherine per tessuti (katagami) oltre a oggetti di alto artigianato, offrendo una narrazione stratificata dell’evoluzione della grafica giapponese che incrocia le arti, dalla calligrafia alla tipografia, dal disegno al design, dalle arti applicate fino alla moda, al cinema, al teatro e al fumetto. Graphic Japan. Da Hokusai al Manga presenta i temi e gli artisti più rilevanti delle diverse epoche chiave del percorso evidenziando l’evoluzione del tratto, delle tecniche, dei materiali, dei soggetti, così come il cambiamento d’uso e la capacità di innovare nel solco della tradizione, mantenendo l’essenza visiva riconoscibile propria della cultura del Sol Levante.

Le opere in prestito provengono da importanti istituzioni italiane e giapponesi pubbliche e private, tra cui Museo d’Arte Orientale “Edoardo Chiossone” di Genova, Museo d’Arte Orientale di Venezia, Biblioteche civiche e nazionali e da collezioni giapponesi tra cui Dai Nippon Foundation for Cultural Promotion e Adachi Foundation.

Il progetto espositivo si rivolge a un pubblico molto ampio: grazie alla collaborazione con Senza titolo, verrà presentato un ricco calendario di attività didattiche, percorsi per le scuole, visite guidate e contenuti multimediali, non solo per bambine e bambini e ragazze e ragazzi, ma anche per il pubblico adulto.

Bologna si prepara ad accogliere con grande attesa Graphic Japan. Da Hokusai al Manga, un appuntamento che promette di trasformare la città in un punto d’incontro tra tradizione e innovazione visiva, tra i più attesi della stagione culturale, capace di attrarre pubblico e critica con un percorso espositivo unico nel suo genere.

La mostra è accompagnata da un catalogo edito da Moebius.

Pubblicato già il 12 Novembre 11:40

Gastone Novelli (Vienna 1925 – Milano 1968) è stato uno dei maggiori protagonisti della pittura italiana del secondo dopoguerra. Nel centenario della sua nascita, la Galleria Internazionale d’Arte Moderna di Venezia gli dedica una nuova, fondamentale mostra monografica: un’occasione per riscoprirne la qualità artistica e la carica rivoluzionaria della sua ricerca. Il progetto si inserisce nel solco delle grandi esposizioni di approfondimento che Ca’ Pesaro ha dedicato negli anni ai Maestri del secondo dopoguerra, da Cy Twombly ad Arshile Gorky, da Afro a Roberto Matta, tra gli altri.  

Una ragione in più per celebrare Novelli a Venezia, geografia fondamentale nella sua vicenda artistica, è l’ingresso nelle collezioni civiche di due opere donate dagli eredi. Due capolavori che segnano gli estremi della sua produzione matura: Era glaciale, 1958 e Allunga il passo amico mio, 1967. 

Il percorso espositivo, che si dipana nelle otto sale al secondo piano del museo con circa sessanta opere, pone l’accento sul periodo più intenso della produzione di Novelli, dal 1957 al 1968. La mostra si apre con le opere informali della seconda metà degli anni Cinquanta per arrivare fino ai lavori della fine del decennio in cui la parola e l’azione di Novelli tornano a essere investiti di un più esplicito significato etico e politico. Esclusi dal percorso sono solo gli esordi degli anni brasiliani, già oggetto quest’anno di un “primo capitolo” di approfondimento specifico nella mostra Gastone Novelli. L’arte deve vivere al sole al MAC USP di San Paolo, curata da Ana Magalhães e Marco Rinaldi. 

La scelta dell’ordinamento cronologico evidenzia il susseguirsi delle diverse fasi della ricerca dell’artista, mostrando come questa, seppur svolta in un arco temporale molto breve, poco più di dieci anni, abbia toccato alcuni dei punti nodali del dibattito artistico contemporaneo. Due sale sono dedicate ai lavori che egli scelse per le partecipazioni alla Biennale di Venezia, nel 1964 e nel 1968. Due momenti fondamentali che, come dichiarò lui stesso, possono dare una precisa e completa indicazione di quelle che sono le possibilità del mio linguaggio. 

Il percorso espositivo

Gli anni Cinquanta sono quelli del passaggio dall’informale materico e gestuale delle prime opere in cui introduce la scrittura come segno visivo e narrativo, alle suggestioni neo-dada del lavori in cui sperimenta anche l’uso del collage. Era glaciale (1958), l’opera che entra oggi nelle collezioni veneziane, appartiene a questo frangente: un quadro è l’apparizione di una apparenza – dichiara l’artista ed Era Glaciale è così l’apparizione di un linguaggio magico, la vera cifra stilistica di Novelli. Un’arte vicina alla poesia in cui si ritrova l’eco degli autori più lirici del Novecento, fra tutti Paul Klee e Osvaldo Licini.

Nei primi anni Sessanta, Novelli supera l’Informale ideando una nuova forma di figurazione: la tela diventa spazio di raccolta e inventario di segni, parole e simboli ancestrali. I dipinti si riempiono allora di scritture volutamente difficili da decifrare, in sintonia con le ricerche delle neoavanguardie letterarie, come quelle che compaiono in Una delle sale del museo (1960), lunghi brani o frammenti di frasi, sequenze numeriche o alfabetiche, singoli simboli o isolate lettere, racchiusi dentro riquadri e caselle, come in Dizzy (1960) e Thelonious (1960), e talvolta in vere e proprie griglie, come quelle visibili in Il re del sole (1961) e Il re delle parole (1961). Spazi nuovi che accolgono tutto ciò che lo interessa, dalla poesia al jazz, dall’alchimia alla linguistica, dalla scienza alla psicologia del profondo.

Indispensabile ricordare i suoi viaggi: dopo i soggiorni in Grecia la montagna diventerà un soggetto ricorrente nei suoi dipinti e sarà ispirazione principale per il suo lavoro scultoreo, come è possibile vedere nel nucleo di opere esposte oggi in mostra a Ca’ Pesaro, tra cui Sonnenberg e Schönberg, entrambe del 1964.

Nel 1964 Novelli viene invitato con una sala personale alla XXXII Biennale di Venezia. È la sua prima partecipazione alla rassegna veneziana e sceglie dieci tra gli ultimi lavori: Il grande linguaggio, Il gioco dell’oca, Barcelona (omaggio a Germano Lombardi), Mare buono per la pesca, Il vocabolario, Un orto per Marina, Sole che dirige il viaggio, Il fare della luna, Pianeta che conduce il giorno, Spazio logico. Paesaggi visionari, “pagine bianche”, un gruppo piuttosto coeso di opere, opposte per contenuto, materia e colore al clamore della Pop Art americana. A queste opere è dedicata una delle sale della mostra.

La metà degli anni Sessanta vede il ritorno felice delle cromie nell’esplorazione di paesaggi (Il campo dei giochi, 1965), simboli (L’aquilone del mago, 1965) e alfabeti (La grande “A”, 1965), che combinano i frammenti linguistici collezionati dall’artista negli anni. Forme archetipiche, continuamente “ri-dette”, “ri-formate”, in maniera unica e irripetibile, che si intrecciano alla storia e a riferimenti contemporanei, affidati alla parola scritta, con riferimenti diretti alla politica, Per una rivoluzione permanente (per Lev Trotzky) del 1965, e al costume, Attenti al sergente Bond, sempre del 1965, dedicato all’uscita del film Thunderball di Ian Fleming. 

Il 1968 è l’anno della sua morte ma anche di una consacrazione all’eternità, grazie a un gesto di contestazione, simbolico e potente: rivolta verso il muro i quadri della sua sala personale all’Esposizione Internazionale d’Arte di Venezia e appone sul retro di uno di essi la scritta “La Biennale è fascista”, rimanendo nella memoria collettiva del mondo dell’arte tra i protagonisti indiscussi di un’eccezionale stagione di responsabilità e di protesta. 

Prima di questo, Venezia è già nel destino di Novelli: vi si trasferisce nel 1967, rimanendovi fino all’ottobre del 1968. Prende uno studio nella Casa dei Tre Oci alla Giudecca e in città stringe amicizie importanti, come quella con Vittorio Carrain, proprietario del ristorante All’Angelo, per cui realizza l’opera Allunga il passo amico mio (1967), che ora entra a far parte delle collezioni civiche di Ca’ Pesaro.

Oltre a rappresentare una tappa fondamentale per raccontare l’indagine su Gastone Novelli, la mostra è anche un’occasione per raccogliere i frutti dei più importanti studi dedicati all’artista, primo fra tutti il Catalogo Generale delle opere di pittura e scultura, pubblicato nel 2011 dall’Archivio Gastone Novelli in collaborazione con il Mart, Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto, museo che nel 1999 aveva presentato l’ultima grande antologica dedicata all’artista da un’istituzione pubblica, dopo quella realizzata nel 1988 dalla Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma.

“La strada risplendeva di luce propria. Emanava un chiarore lunare pur essendo fasciata di oscurità. Veramente, tenebre così profonde e compatte l’avvolgevano da divenire palpabili. La strada era un corridoio luminoso, che si perdeva all’infinito, pareva aver assorbito la luce degli astri, che poi si erano spenti. Nell’universo esisteva ormai solo quella striscia di luce, dolce e pacata, ma inesorabile”.

Scrive così Maria Lupieri (Trieste 1901-Roma 1961), in “La strada” del 1927 uno dei sogni che l’attrice Nikla Petruška Panizonleggerà sabato 22 novembre 2025 alle ore 21.00 al Cavò di via San Rocco 1. La serata è parte di Sogni l’evento promosso da Cizerouno per Cavana Stories e inserito nel programma de L’Eredità delle Donne, il festival diretto da Serena Dandini, dedicato al riconoscimento del contributo delle donne nei diversi campi del sapere e della società.

Una vita di impulsi generosi e di un’indole esasperatamente individualista e libertaria quella di Maria Lupieri. L’artista e intellettuale triestina manifesta prematuramente l’insofferenza verso ogni disciplina esteriore, dedicandosi invece al mondo onirico ed esoterico, lasciandoci in eredità, oltre ad un ciclo di tarocchi da lei dipinti, una raccolta di suoi sogni, che ha trascritto tra il 1927 e il 1961.

La lettura di sabato è la seconda tappa di Sogni che ha preso avvio venerdì 21 novembre 2025 con un itinerario onirico nelle botteghe di Cavana, Gioielleria Crevatin, Combinè, Giada, che dalle 16.30 alle 21.00 per l’occasione diventano spazi immersivi dove il tema del sogno prende forma attraverso linguaggi, materiali e storie personali.

La voce di Nikla Panizon ci accompagnerà alla scoperta del mondo onirico di Maria Lupieri perché: “È nel sonno che le avventure dell’impossibilità si concretano. Esse vivono nella pluralità delle dimensioni, mentre il tempo e lo spazio sono aboliti. Una linea orizzontale. Un continuo, magico presente. Siamo architetti di labili mondi che, rovesciando, inalziamo. Il mattino è sempre troppo rapido a venire”.

Per informazioni si consiglia di scrivere a: eventi@cizerouno.it