«La mostra LIBERTÀ nasce dell’interazione di De Felici e Gatta», scrive Francesca Perti, «che diventano un unico corpo e un’unica voce, attraverso fotografie in bianco e nero, che sembrano irradiare scariche elettriche ad alta tensione, non freddamente impersonali, ma impregnate della sensibilità degli artisti: vibrano di un fremito interno e colpiscono direttamente al cuore.Fotografie che non danno scampo e che ci costringono ad immergerci nel profondo, ci assorbono all’interno del loro centro gravitazionale, ci inchiodano spalle al muro, costretti  a ripensare in modo nuovo alla parola libertà e al suo contrario. I due fotografi ci fanno riflettere sulla necessità di denunciare le menzogne che ci vengono raccontate, spesso con l’accondiscendenza dei mass media, che ci impediscono di vedere la realtà così come è, creando una forma di illusione collettiva. […] Nell’opera di De Felici e Gatta la fotografia diventa un mezzo di espressione personale e di ricerca critica, in grado di esplorare le diverse sfaccettature della libertà  ma anche le sue contraddizioni. Già dai titoli delle loro opere, TORTURE, DNA RICODIFICATO, MODIFICAZIONE CEREBRALE, i due fotografi affrontano temi spinosi e controversi, sempre in un continuo dialogo tra di loro, un dialogo che diventa fare artistico e poetico.»

Mentre Nadia Di Bernardo nella sua presentazione sottolinea: «Non si fanno illusioni, Joseph De Felici e Ferdinando Gatta, sulla destinazione del pensiero libero, riflessione che li accomuna e che urlano attraverso le inquadrature dei loro obiettivi fotografici, trasponendo attraverso stili sia pur diversi ma compenetranti, la propria visione. Negli scatti apparentemente manca o si riduce l’elemento umano, che si esplicita invece nelle forme, convertite in barriere appositamente progettate per manipolare, distorcere, modificare e omologare il pensiero collettivo, in nome di un ordine contenitore dei diritti umani, strumenti pensati e manipolati per limitare gli individui stessi. […] Inquietanti costruzioni prive di finestre, dove non filtra luce dall’esterno e diventano cieche prigioni fisiche e dell’anima. E ancora, mani tese in le cui forme perdono sostanza, quasi evaporando, in immagini distopiche di individui deprivati di qualsiasi altro pensiero, se non quello della immediata sopravvivenza. Esperimenti di mutagenesi, in nome del progresso e della scienza, manipolazioni destinate a influenzare le masse, manipolazioni perpetuate con la complicità delle lobby. Ed ecco che allora tutto ciò diventa tortura, deprivazione dello spazio vitale, limitazione e mortalità delle libertà individuali, crimini diffusi sia fisici che morali, dei liberticidi.

Joseph De Felici

Joseph De Felici vive a Frascati e lavora in Italia e all’estero. Inizia il suo percorso artistico girando cortometraggi e scattando fotografie sperimentali e, dalla metà degli anni novanta, reportage fotografici in Marocco, Turchia, India, Nepal, Birmania, Thailandia. Nel 1999, dopo un rientro in Italia, decide di stabilirsi negli Stati Uniti lavorando come fotografo freelance a New York fino al 2002, esponendo in spazi underground della scena artistica newyorkese. Dal 2008 ha ricominciato a viaggiare in Oriente, vivendo per lunghi periodi soprattutto nel Sud-est asiatico, continuando la sua personale ricerca fotografica.

Ferdinando Gatta

Ferdinando Gatta (Marino, RM, 1965) lavora dal 1985 nel campo della fotografia formandosi in camera oscura, praticando sviluppo e stampa prima di avviare nel 1991 lo studio fotografico “Obiettivo Immagine” e dal 2009 di “T.T.L. ass. fotografica”. Esperto di didattica legata alla fotografia analogica, ha esposto in Italia e all’estero. Dal 2004, come unico titolare dello studio, organizza anche corsi di fotografia.

MOLO22 è uno spazio polivalente, nel cuore del porto turistico di Pescara, che ospita mostre, performance, reading, letture, presentazioni.

Trieste ospiterà – venerdì 21 novembre – una duplice cerimonia per celebrare i 125 anni di attività dell’Università Popolare di Trieste e i 60 anni di sostegno alle Comunità italiane dei Paesi dell’Adriatico orientale: due traguardi che raccontano una storia di cultura, identità e impegno civile. La prima, nella Sala del Consiglio comunale, intende sottolineare il valore dell’Ente morale per la città e il territorio in cui è nata nel 1899. La seconda, nel Ridotto del Teatro Verdi, sarà dedicata alla lunga collaborazione con l’Unione Italiana e, più in generale, con le Comunità italiane autoctone in Slovenia, Croazia e Montenegro.
Alle celebrazioni è stata conferita la “Medaglia del Presidente della Repubblica” e assicurato il sostegno della Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia e della Fondazione CRTrieste. L’evento è promosso con la coorganizzazione e il patrocinio del Comune di Trieste e con la collaborazione per lo spettacolo teatrale del Teatro Stabile del Friuli Venezia Giulia “Il Rossetti“.

Fondata il 16 dicembre 1899, quando Trieste era ancora parte dell’Impero austro-ungarico, l’UPT ha avviato l’attività all’inizio del 1900 e attraversato guerre, crisi e profondi mutamenti sociali, rinnovandosi senza mai tradire la propria missione: diffondere la conoscenza e sostenere la crescita della comunità locale.
«Siamo nati per rendere la cultura accessibile a tutti, e dopo 125 anni la nostra missione non è cambiata — afferma il Presidente dell’Ente Morale, Edvino Jerian, illustrando il programma della cerimonia, condiviso con il Vicepresidente Paolo Rovis, Consigliere designato dalla Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia. – La cultura resta il filo rosso che unisce la nostra storia: sa adattarsi ai tempi, custodendo la memoria e guardando al futuro».Sessant’anni fa, su incarico del Ministero degli Affari Esteri e successivamente della Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia, l’Ente ha assunto anche il compito di mantenere vive le radici linguistiche e culturali degli italiani autoctoni dell’Adriatico orientale. «Da allora — prosegue Jerian — l’UPT è diventata un ponte che unisce l’Italia alle Comunità italiane di Croazia, Slovenia, Montenegro e Serbia lavorando al fianco dell’Unione Italiana per promuovere istruzione, formazione e cultura».
Radicata nella storia e nello spirito di Trieste, l’UPT guarda oggi al futuro con lo stesso impegno civile che la caratterizza da oltre un secolo. «Cultura e corretta informazione — sottolinea Jerian, ricordando che nel 2017 all’Università Popolare di Trieste è stata conferita la medaglia d’oro del Presidente della Repubblica Italiana per la scuola, la cultura e l’arte — non devono essere privilegio di pochi, ma patrimonio condiviso: strumenti essenziali di uguaglianza e crescita sociale».
L’Ente proseguirà il proprio percorso favorendo la formazione e la crescita culturale a Trieste e sostenendo scuole, media e istituzioni della Comunità Nazionale Italiana nei Paesi dell’Adriatico orientale, per garantire continuità, qualità e identità.
«Conservare e tramandare la nostra cultura — conclude il Presidente Jerian — non significa chiudersi nel passato, ma costruire il futuro su fondamenta solide: un domani di dialogo, conoscenza e rispetto reciproco, nel segno della cultura italiana e dell’Europa dei popoli».

Programma delle celebrazioni

125° Anniversario di attività dell’Università Popolare di Trieste
21 novembre 2025 – Trieste, Sala del Consiglio Comunale

10:30 Proiezione del video 1899: nasce l’Università Popolare di Trieste

10:45 Interventi istituzionali
11:15 Prolusione del prof. Stefano Pilotto: L’Università Popolare di Trieste: una lunga storia di cultura italiana
12:00 Proiezione video commemorativo 125 anni di attività per la cultura italiana

12:15 Edvino Jerian, presidente UPT Presente e futuro dell’Ente

12:45 Presentazione dell’Albo dei Benemeriti della Cultura Popolare di Trieste e consegna attestati
13:00 conclusioni del rappresentante del Governo

Sessant’anni di collaborazione con l’Unione Italiana e le Comunità Italiane in Slovenia, Croazia e Montenegro
Trieste, Sala del Ridotto del Teatro Comunale Giuseppe Verdi

15:30 Proiezione del video Università Popolare di Trieste: cerniera di italianità

15:45 Saluti delle rappresentanze delle Comunità Italiane e del mondo dell’Esodo
16:15 Lectio magistralis prof. Egidio Ivetic L’Università Popolare di Trieste per la conservazione della memoria e la valorizzazione della cultura italiana

17:00 interventi delle autorità politiche istituzionali
17:45 Edvino Jerian, presidente UPT Il ruolo di ponte culturale dell’Università Popolare di Trieste

19:45 Conclusioni del rappresentante del Governo

20:30 Spettacolo teatrale al Teatro Stabile del Friuli Venezia Giulia “il Rossetti” Aggiungi un posto a tavola

Una storia di cultura e di identità
L’Università Popolare di Trieste (UPT) nasce il 16 dicembre 1899 come istituzione laica e democratica volta a diffondere la conoscenza e l’istruzione tra tutte le classi sociali. Fin dalle origini, l’Ente si propone di rendere la cultura accessibile a tutti, promuovendo la crescita personale e civile attraverso la formazione continua, le conferenze pubbliche, i corsi e le attività artistiche.
Per tutto il Novecento, l’UPT attraversa con tenacia periodi di grandi trasformazioni storiche e politiche: dall’epoca asburgica all’annessione all’Italia, dalle due guerre mondiali alla complessa stagione del dopoguerra. In ogni fase, riesce a rinnovarsi senza tradire la propria missione originaria, divenendo un punto di riferimento stabile per la vita culturale della città e dell’intero territorio giuliano.
A partire dal 1965, su incarico del Ministero degli Affari Esteri e, in seguito, della Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia, l’UPT amplia la propria azione oltreconfine, assumendo il compito di sostenere le Comunità Italiane dell’ex Jugoslavia nella tutela della lingua, della cultura e dell’identità nazionale.
Dopo più 50 anni di collaborazione consolidata con tutte le sigle dei soggetti rappresentativi il Mondo dell’Esodo in Italia, dal 2017 l’Ente UPT è firmataria delle convenzioni annuali assieme a Federesuli per l’erogazione e la rendicontazione delle annualità della Legge del  16 marzo 2001, n. 72, recante “Interventi a tutela del patrimonio storico e culturale delle comunità degli esuli italiani dall’Istria, da Fiume e dalla Dalmazia”, e successive modificazioni del Ministero della Cultura di concerto con il Ministro degli affari esteri e della cooperazione internazionale.

L’UPT a Trieste: una cultura diffusa e popolare
L’Università Popolare di Trieste è profondamente radicata nel tessuto cittadino. Nata per offrire a tutti i cittadini opportunità di apprendimento, è oggi una presenza riconosciuta e autorevole nel panorama culturale locale. Con le sue attività, corsi, conferenze e iniziative, l’UPT contribuisce da oltre un secolo a diffondere una cultura accessibile e partecipata, che unisce generazioni e competenze. La cultura rappresenta il “filo rosso” che lega i 125 anni di storia dell’Ente: un patrimonio fatto di lingua, tradizioni e identità, ma anche di apertura, curiosità e innovazione, con una particolare attenzione alle nuove tecnologie. Oggi l’Ente è chiamato a parlare alle nuove generazioni, invitandole a conoscere le proprie radici non per nostalgia, ma per sviluppare consapevolezza, pensiero autonomo e senso di appartenenza.

Sessant’anni di collaborazione con l’Unione Italiana e le Comunità Italiane in Slovenia, Croazia e Montenegro
Dal 1965, l’Università Popolare di Trieste è protagonista di una collaborazione unica nel suo genere con le Comunità degli Italiani in Slovenia, Croazia, Montenegro e Serbia. In stretta sinergia con l’Unione Italiana e con il Ministero degli Affari Esteri e la Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia, l’Ente sostiene in quei Paesi la tutela e la promozione della lingua e della cultura italiana attraverso un’ampia rete di progetti e attività.
Le azioni dell’UPT comprendono borse di studio, corsi di formazione e di aggiornamento per insegnanti, fornitura di libri di testo agli alunni delle scuole italiane, iniziative culturali e formative rivolte a studenti, docenti, operatori culturali e associati alle sedi comunitarie. Un’attenzione particolare è rivolta anche ai mezzi d’informazione in lingua italiana, come l’Edit di Fiume e RTV Capodistria, presìdi di identità culturale.
La sfida del futuro sarà quella di unire la tutela della memoria storica con le esigenze delle nuove generazioni, sfruttando i nuovi linguaggi digitali senza rinunciare alla verità dei fatti.

I reperti concessi alla mostra bolzanina dal Museo Nazionale Romano diretto da Federica Rinaldi documentano il livello raggiunto dalle botteghe romane dall’epoca repubblicana al tramonto dell’Impero. Opere, capolavori, realizzati da artigiani-artisti per una clientela “alta”, estremamente esigente, raffinata e con ampia possibilità di spesa. Persone che cercavano il meglio e lo trovavano proprio in questi atelier specializzati, dove si sapevano riprodurre, o riproporre, con assoluta maestria, modelli, greci, ma non solo: opere richieste per arredare domus e ville dell’alta aristocrazia imperiale o luoghi di funzione pubblica.

Per trasmettere ai visitatori la sensazione e l’atmosfera suscitati da una delle tante eleganti residenze del mondo romano, la mostra propone, negli spazi seminterrati del Trevi-TreviLab, un eccezionale nucleo di sculture, tutte provenienti dalla Villa tardo repubblicana di Fianello Sabino.

Un altro focus non meno interessante (e originale) è quello che la mostra riserva   ai recenti rinvenimenti negli scavi della Crypta Balbi, nel cuore della Roma antica, là dove, ancora in età tarda, erano attive officine specializzate in produzioni sia di uso quotidiano, sia di maggior pregio come dimostra la presenza di scarti di zanne di elefante, materiale raro e di difficile reperimento.

La mostra, oltre a riunire e proporre reperti di grande livello e interesse, oltre ad indagare un tema decisamente originale, assume anche un rilievo sociale, meglio di inclusione sociale, e ciò grazie alla collaborazione del Museo Tattile Statale Omero, istituzione marchigiana vocata al rendere fruibile l’arte anche ai non vedenti. Nel foyer del Trevi-TreviLab sarà così possibile ammirare la riproduzione tattile del Discobolo “tipo Lancellotti” proveniente dal Museo Omero di Ancona, calco al vero della scultura custodita presso il Museo Pio Clementino – Musei Vaticani, in un ideale dialogo con la copia più celebre del Discobolo Lancellotti conservata presso la sede di Palazzo Massimo del Museo Nazionale Romano. L’opera sarà il fulcro di un percorso per ipovedenti, rivolto però anche a chi voglia capire come si possa percepire un’opera a occhi chiusi.

“Artifices: i creatori dell’arte”, a cura di Carlotta Caruso, Sara Colantonio, Antonella Ferraro, Chiara Giobbe, Agnese Pergola, è il terzo grande appuntamento del ciclo di mostre “Storie dell’arte con i grandi musei” avviato nel 2023 dall’Assessorato alla Cultura italiana della Provincia autonoma di Bolzano. Fa seguito alla mostra “Antichi Egizi: maestri dell’arte” (2023), curata dal Museo Egizio di Torino e alla mostra “Etruschi. Artisti e artigiani” realizzata nel 2024 in collaborazione con il Museo Nazionale Etrusco di Villa Giulia di Roma. Il progetto ha l’ambizione di accompagnare il pubblico in un viaggio alla scoperta delle civiltà antiche e di raccontare, anno dopo anno, come si è evoluta nel corso dei secoli la figura dell’artista, da artigiano altamente specializzato ad artista socialmente riconosciuto, vero e proprio autore delle proprie creazioni.

“Il Centro Trevi-TreviLab, è uno spazio da anni impegnato nella diffusione di iniziative culturali e dell’arte, guidato dal direttore di ripartizione Antonio Lampis. Un luogo che, come sottolinea Marco Galateo – Vicepresidente della Provincia e Assessore alla Cultura italiana – “si propone di stabilire una solida collaborazione tra il nostro territorio e le grandi istituzioni culturali nazionali per condurre cittadine e cittadini alla scoperta delle antiche e moderne civiltà attraverso l’arte e le grandi istituzioni che la custodiscono”.

“La curatela del Museo Nazionale Romano conferma il ruolo del Museo quale punto di riferimento nello scenario nazionale e internazionale per la conoscenza, la tutela e la valorizzazione del patrimonio archeologico della città di Roma e dell’Italia antica” dichiara Federica Rinaldi, Direttrice del Museo Nazionale Romano. “Le sue collezioni e i suoi depositi, in cui sono conservati milioni di reperti appartenenti a pressoché tutte le classi di materiali, quali statue, mosaici, affreschi, oggetti di vita quotidiana ed epigrafi, testimoniano l’evoluzione storica, artistica e sociale della civiltà romana, offrendo al pubblico un percorso di conoscenza che unisce ricerca scientifica e fruizione culturale”.

L’artista è un motore di significati è il titolo dell’esposizione, a cura di Elisabetta Barisoni e Elena Forin, che presenta un nucleo significativo di opere che attraversano le diverse fasi della ricerca dell’artista, recentemente entrato nelle collezioni della Tate Gallery di Londra. Il percorso nelle Sale Dom Pérignon costruisce una riflessione profonda sul tema centrale della guerra e sul ruolo dell’arte come strumento di conoscenza e presa di posizione. La mostra veneziana esplora proprio questa tensione tra pensiero e visione, tra concetto e immagine, che caratterizza l’intera opera di Atkinson. Le sue opere affrontano le dinamiche del potere e della rappresentazione, collegando i conflitti della storia – come le guerre e i loro linguaggi politici – alle forme espressive dell’arte. Ogni segno, parola o simbolo diventa per l’artista una lente attraverso cui indagare i meccanismi del sapere e della comunicazione. 

Nella prima sala, dominata da una grande pittura su carta dedicata al conflitto del Vietnam, si apre il racconto sull’uso che Atkinson fa della pittura come forma di analisi politica e morale.

Le Goya Series e gli Enola Gay riflettono sulla rappresentazione dei conflitti e sul linguaggio modernista della memoria: Goya è per Atkinson un punto di riferimento critico più che stilistico, mentre i cieli colorati degli Enola Gay celano la sagoma del bombardiere di Hiroshima, evocando il fragile equilibrio tra silenzio e tragedia.

Il ciclo Russel sposta l’attenzione sulla parola come nucleo concettuale dell’opera: termini come I (io) e This (questo) diventano strumenti per interrogare il rapporto tra soggetto, esperienza e storia.

Completano l’esposizione numerosi disegni dagli anni ’60 ai 2020, che documentano l’evoluzione coerente dell’intreccio tra testo e immagine: dai lavori legati ad Art & Language – collettivo di cui è fondatore, nel 1968, insieme a David Bainbridge, Michael Baldwin e Harold Hurrell – fino alle serie più recenti dedicate ai conflitti irlandese e americano. Nel complesso, la mostra conduce lo spettatore al centro del pensiero di Atkinson: un’indagine sulla complessità della storia e sul potere dell’arte di restituire consapevolezza, oltre la superficie delle immagini.

Partendo dal lavoro del gruppo Art & Language, Atkinson ha contribuito a ridefinire il ruolo dell’artista come teorico e interprete critico dei sistemi dell’arte e della cultura. Ne esce nel 1974 per l’emergere di posizioni non coerenti col suo pensiero, che lo portano a percorrere nuovamente il proprio percorso in maniera individuale.

Da allora la sua pratica si orienta verso un’indagine più personale e riflessiva, in cui storia, linguaggio e immagine diventano strumenti per interrogare la società contemporanea. Se il lavoro che ho realizzato negli ultimi 40 anni – afferma infatti Atkinson – ha una caratteristica che lo attraversa, è la preoccupazione di fare una critica dell’arte piuttosto che una sua celebrazione. 

Noto anche come Terry Actor, Terry Mirrors, Terry Dog e Terry Enola Gay, Atkinson ha esposto nei principali musei di tutto il mondo. Tra le occasioni più significative;  Documenta 5 nel 1972 con Art&Language, come artista individuale alla Whitechappel Gallery nel 1983 e alla 41^ Biennale di Venezia nel 1984; nel 1985 è finalista del Turner Prize.

Jelmoni Studio Gallery presenta una mostra personale dell’artista Silvia Ravetti. L’esposizione raccoglie un corpus di più opere.

Silvia Ravetti ha iniziato giovanissima la sua attività artistica. Ed è nella città, vista come il non luogo in cui idee e modi di vita eterogenei si amalgamano, e dove il contrasto tra quartieri e persone si fa più stridente che l’artista individua lo spazio ideale in cui intervenire.

Il progetto espositivo si concretizza in uno scenario in cui si incrociano caoticamente veicoli, masse di persone, percorsi urbani , figure dipinte su grandi tele, frammenti di oggetti più lievi e fluttuanti. Hanno invaso lo spazio, come in un incidente stradale appena avvenuto. Un universo ricco di segni e di simboli che richiama la realtà urbana, la sua alienazione e precarietà.

L’esposizione – che sarà inaugurata lunedì 17 dicembre alle ore 19.00 – rientra nel “Progetto Movimenti in Arte”, promosso dall’Associazione Commercianti Cola di Rienzo, con il contributo del Comune di Roma e in collaborazione con Zétema. Visitabile tutti i giorni dalle 11.00 alle 23.00.

La tela esposta, lunga sette metri, ospita 24 figure che chiedono con insistenza e umiltà il nettare dell’immortalità alla venticinquesima figura, che rappresenta l’Anima Suprema Sri Vishnu / Krishna nella sua forma umana femminile di Mohini Murthi, detentrice del nettare. Durante il periodo dell’esposizione l’artista, ove ispirato, includerà altre figure nel quadro, a reclamare il nettare. 

Un po’ di tradizione Indo – Vedica

Così recita il testo di A.C. Bhaktivedanta Swami Prabhupada “Srimad Bhagavatam”, canto 8, capitolo 12: “Mohini Devi, quella donna, avvolta in un sari magnifico, entrò nell’arena con passo lentissimo, rallentata dai suoi ampi e morbidi fianchi. Le cavigliere tintinnavano mentre avanzava; i suoi occhi, irrequieti per l’orgoglio della giovinezza, brillavano. Il seno, simile a brocche colme d’acqua, e le cosce, robuste come proboscidi di elefanti, accompagnavano l’immagine della figura che portava in mano un vaso d’acqua. Il naso aggraziato, le guance rotonde e le orecchie ornate da pendenti d’oro rendevano il suo volto particolarmente bello. Mentre si muoveva, il bordo del sari sul petto si spostava leggermente. Quando dèi e demoni scorsero quelle sue caratteristiche affascinanti, e il suo sorriso appena accennato rivolto verso di loro, rimasero completamente incantati dalla forma di Mohinī-mūrti”.  E ancora, al capitolo 12: “L’incarnazione di Mohinī-mūrti confonde il Signore Śiva. n seguito egli espresse il suo desiderio. La Persona Suprema è infinitamente benevola con i suoi devoti e, per soddisfare quello di Śiva, espanse la propria energia e si manifestò come una donna di straordinaria bellezza e fascino. Alla vista di quella forma, persino Śiva ne fu rapito. Ma più tardi, grazie alla misericordia del Signore, riuscì a riprendere il controllo. Questo episodio mostra come, per il potere dell’energia esterna del Signore, ogni essere vivente possa essere affascinato dalla forma femminile nel mondo materiale; e come, allo stesso tempo, solo per grazia della Persona Suprema sia possibile superare l’influsso di māyā. Śiva, il più elevato dei devoti, ne diede prova: dapprima rapito, poi in grado di dominarsi grazie alla benevolenza divina. È dichiarato infatti che solo un devoto puro può sottrarsi al fascino di māyā; altrimenti, una volta catturato dal suo aspetto ingannevole, l’essere vivente non può liberarsene da solo”- E sul desiderio di Siva i versi dal 12 al 17: “O mio Signore, ho contemplato tutte le incarnazioni da Te manifestate tramite le Tue qualità trascendentali, e ora che sei apparso come una splendida giovane donna, desidero vedere questa Tua forma / O mio Signore, siamo venuti con il desiderio di osservare quella Tua forma che mostrasti ai demoni per incantarli completamente e permettere così ai deva di bere il nettare. Sono molto ansioso di contemplarla- / Śukadeva Gosvāmī disse: Quando il Signore Viṣṇu fu così pregato da Śiva, che portava con sé il tridente, sorrise con gravità e gli rispose. / La Persona Suprema disse: Quando i demoni si impadronirono della brocca del nettare, Io assunsi l’aspetto di una donna bellissima per confonderli, ingannandoli apertamente, e per agire così a favore degli dèi. / O migliore tra gli dèi, ora ti mostrerò la Mia forma tanto apprezzata da coloro che sono dominati dal desiderio. Poiché vuoi vederla, la rivelerò davanti a te. / Śukadeva Gosvāmī proseguì: Dopo aver parlato così, il Signore Viṣṇu scomparve all’istante, e Śiva rimase sul posto insieme a Umā, cercando il Signore tutt’intorno con gli occhi in continuo movimento.

Enzo Barchi – Profilo

Artista romano, pittore e scultore, la sua ricerca artistica si configura sull’individuazione della forma spirituale della Realtà: trasporre nell’opera uno stato lieve di trascendenza che traluce dai moti dell’animo. Anima di Bibliothe Art Gallery, luogo in bilico tra crocevia di pensiero trascendente e galleria d’arte, sala da the e offerta di una mescola di pietanze ayurvediche e vegetariane, amena stazione di posta per viaggiatori fisici e del pensiero.

Messina celebra Boccaccio nel 650° anniversario della morte con la terza edizione del Segnalibro d’Artista alla FORO G gallery.
 
Dal 25 novembre al 6 dicembre, la Foro G Gallery di Messina ospita “Di amori, di vasi e di basilico”, terza edizione del Segnalibro d’Artista, dedicata alla Lisabetta da Messina di Giovanni Boccaccio nel 650° anniversario della sua morte, a cura di Mariateresa Zagone e di Roberta Guarnera.
La mostra rilegge la novella come archetipo universale di amore e memoria, oltre che di libertà e autodeterminazione della donna, trasformando il vaso di basilico in simbolo di una fertilità del dolore, dove dall’assenza nasce l’immagine. Gli artisti coinvolti reinterpretano il racconto boccaccesco attraverso pittura, fotografia, fiber art e intelligenza artificiale, trasformando il segnalibro in spazio di passaggio tra parola e visione.
Accanto alle opere, le sculture in ceramica ispirate alle Teste di Moro
decostruiscono il mito siciliano, restituendo alla figura femminile un ruolo attivo e consapevole.
 
Nel segno di Boccaccio, l’arte torna a farsi gesto di cura e di resistenza: trasforma la perdita in racconto, il dolore in presenza.
 
Opening: 25 novembre ore 18,00
Progetto: Mariateresa Zagone
Testo in catalogo: Mariateresa Zagone
Allesrimenti: Roberta Guarneta
Grafiche: Roberta Guarnera
 
Gli artisti in mostra
Segnalibro d’artista:
Mariana Cacciola, Lara Cassalter, Federica Culotta, Michaela Di Caprio, Remio Fabris, Paola Formica, Maria Guarnera, Roberta Guarnera, Valeria Macadino, Enrica Passoni, Salvatore Pulvirenti, Davide Rotella, Grazia Salierno, Caterina Scandurra, Vania Elettra Tam, Francesca Torchia.
 
Sculture:
Roberta Agostini, Giovanni Loverso, Cristina Picciolini

Convocata da Viviane Esders, la  giuria ha assegnato il Premio Viviane Esders 2025 alla fotografa tedesca Dörte Eißfeldt. La vincitrice riceverà un premio di 50.000 euro, mentre gli altri due finalisti, Oleksandr Suprun e Bohdan Holomíček, riceveranno 5.000 euro ciascuno. La giuria ha scelto di premiare una pratica artistica che si è sviluppata per oltre quarant’anni, distinguendosi per coerenza, poesia e profonda riflessione sul mezzo fotografico, qualità che hanno particolarmente catturato l’attenzione della giuria nell’opera di Dörte Eißfeldt.

Quest’anno il premio ha ricevuto 222 candidature da 25 paesi europei, di cui il 32% da fotografe donne e il 68% da fotografi uomini: un incoraggiante aumento delle candidature femminili (28% nel 2024) e una più ampia rappresentanza di paesi (17 nel 2024). 42 delle candidature presentate sono state proposte dai nominatori , un nuovo gruppo di esperti europei di fotografia coinvolti nella ricerca di artisti. 

PER SAPERNE DI PIÙ

DÖRTE EISSFELDT LAUREATE 2025

Convened by Viviane Esders, the  jury has awarded the 2025 Viviane Esders Prize to German photographer Dörte Eißfeldt. The laureate receives an endowment of €50,000, while the two other finalists, Oleksandr Suprun and Bohdan Holomíček, each receive €5,000. The jury chose to honor an artistic practice sustained over more than forty years, distinguished by its coherence, poetry, and deep reflection on the photographic medium—qualities that particularly captivated the jury’s attention in Dörte Eißfeldt’s work.

This year, the prize received 222 applications from 25 European countries, including 32% women photographers and 68% men photographers — an encouraging increase in female applications (28% in 2024) and a broader representation of countries (17 in 2024). 42 of the submitted applications were proposed by the nominators, a new group of European photography experts involved in the search for artists.