Arte, energia e diplomazia culturale nella genealogia delle crisi globali dal 1973 ad oggi
Il dialogo ideale tra il Petrolio di Pier Paolo Pasolini e il trittico Petrolio di Francesco Guadagnuolo permette di leggere mezzo secolo di storia energetica e geopolitica come un’unica linea di tensione che non si è mai interrotta. Pasolini aveva intuito che il petrolio non fosse soltanto una risorsa economica, ma un principio di potere capace di ridefinire i rapporti tra gli Stati, di condizionare la democrazia, di trasformare la struttura antropologica dell’Occidente. La crisi del 1973 rivelò con violenza questa verità: l’Occidente scoprì che la propria prosperità era appesa a un equilibrio fragile, esposto alle tensioni del Medio Oriente e alle decisioni di attori lontani. Guadagnuolo riprende questa diagnosi e la trasporta nel XXI secolo, trasformandola in immagine, in materia visiva, in un dispositivo di consapevolezza che non ricostruisce gli eventi, ma ne fa emergere la struttura profonda.
Da “Petrolio” di Pasolini a “Petrolio” di Guadagnuolo – Arte, energia e diplomazia culturale nella genealogia delle crisi globali dal 1973 ad oggi
Il trittico (cm 80×120 – tecnica mista e collage) si apre con il 1973 come origine della ferita energetica: non una rievocazione, ma il momento in cui la dipendenza diventa coscienza politica, quando l’interconnessione globale si rivela nella sua ambivalenza, promessa di sviluppo e insieme fragilità sistemica. Nel pannello centrale, la Terra risucchiata da un vortice oscuro diventa la figura del nostro presente, in cui ogni crisi regionale produce effetti planetari e la materia nera che avvolge il globo non è solo petrolio, ma il potere che attraversa rotte marittime, infrastrutture critiche, alleanze mutevoli. Il pannello dedicato al Medio Oriente contemporaneo mostra la persistenza di questa tensione: un territorio in cui energia e guerra si sovrappongono, rendendo evidente che la Pace non può essere pensata senza una revisione profonda degli equilibri energetici globali.
Dietro questa sequenza, Guadagnuolo lascia affiorare un’eco della Primavera di Botticelli. Non come citazione estetica, ma come contrasto etico. Nel Quattrocento l’uomo viveva ancora in un rapporto diretto con la natura; l’allegoria botticelliana celebrava rinascita, amore, Pace, prosperità, un ideale umanistico in cui armonia e misura erano ancora possibili. Nel trittico di Guadagnuolo, quell’ideale appare dissolto, come se la Primavera fosse diventata un ricordo lontano, un orizzonte perduto. La sua presenza in filigrana amplifica la distanza tra ciò che l’umanità avrebbe potuto essere e ciò che è diventata: un mondo in cui la natura non è più compagna, ma sfondo ferito da un’energia che ha trasformato la politica, l’economia e la vita quotidiana.
In questo contesto, la figura di Francesco Guadagnuolo come Ambasciatore di Pace dell’Universal Peace Federation assume un significato ulteriore. L’artista non utilizza il linguaggio visivo per denunciare o semplificare, ma per costruire consapevolezza. L’arte diventa un luogo in cui energia, geopolitica e sofferenza civile possono essere pensate insieme, senza riduzioni. La diplomazia culturale, nella sua visione, non è un complemento della politica, ma una sua estensione etica: uno spazio in cui le tensioni possono essere rese visibili e dunque discusse, comprese, trasformate.
In un’intervista, Guadagnuolo afferma che essere Ambasciatore di Pace significa assumersi la responsabilità di guardare oltre il presente, perché la Pace non è un sentimento ma un lavoro quotidiano che richiede ascolto, mediazione, capacità di immaginare soluzioni che la politica spesso non riesce a vedere. Per scongiurare una guerra globale, sostiene che occorre ricostruire fiducia tra le potenze, riconoscere le interdipendenze che ci legano e affrontare la questione energetica come nodo centrale: finché l’energia sarà usata come arma, la Pace resterà fragile. Propone un cessate il fuoco immediato nelle aree di conflitto strategico, un tavolo multilaterale permanente che includa anche organizzazioni culturali e scientifiche, e una nuova visione geopolitica dell’energia fondata sulla cooperazione e non sulla competizione. L’arte, dice, non firma trattati, ma cambia lo sguardo, e senza un cambiamento dello sguardo, nessun trattato può durare.
Il riferimento a Pasolini, in questo quadro, non è un omaggio letterario, ma un atto critico. Pasolini aveva individuato nel petrolio il nucleo di un potere capace di trasformare la società italiana e il suo immaginario; Guadagnuolo mostra come quel potere sia oggi globale, come continui a determinare scelte politiche, alleanze, conflitti. Dallo Stretto di Hormuz alle tensioni tra Iran e Stati Uniti, dalle alleanze variabili tra Arabia Saudita, Russia e Cina alla dipendenza europea da fornitori instabili, tutto conferma che il petrolio resta la leva strategica degli equilibri mondiali. Il trittico visualizza questa realtà e la trasforma in un invito a ripensare la politica internazionale non come gestione di crisi isolate, ma come costruzione di un ordine multilaterale capace di ridurre la vulnerabilità energetica e prevenire l’escalation dei conflitti.
In questa prospettiva, l’opera di Guadagnuolo diventa un dispositivo di Pace. Non perché offra soluzioni immediate, ma perché permette di immaginare un mondo in cui l’energia non sia più vettore di guerra ma occasione di cooperazione. La continuità delle fragilità globali, resa visibile dall’artista, diventa così la base per un progetto politico fondato sul dialogo, sulla responsabilità e sulla costruzione di un futuro energetico più equo e sostenibile. L’arte, ancora una volta, non come ornamento della politica, ma come sua coscienza.
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A chiudere la rassegna di Quaresima proposta da Padova Urbs Organi, domenica 29 marzo, sarà l’originalissimo “Due-duo” composto dai fratelli Johann e Joseph Höhn, l’uno organista e violinista, l’altro organista e violoncellista; il che ci darà la possibilità di ascoltare un variegato e godibile programma incentrato su alcuni brani per organo a quattro mani, alcuni per organo e violino, altri ancora per organo e violoncello.
Rassegna concertistica Padova Urbs Organi Concerti di Quaresima Padova dal 7 al 29 marzo 2026 Domenica 29 marzo ore 17.00 Chiesa di S. Antonio Abate in via Savonarola 176, Padova
Due interpreti dalla solida formazione e molto attivi in ambito musicale, musicisti eclettici, eseguiranno musiche di J.S. Bach, G.F. Haendel, J.G Rheinberger, A. Pärt, J.G. Albrechtsberger, G. Böhm, A.F. Hesse.
Josef Höhn: Nato nel 1987 a Bolzano, ha iniziato a studiare violino all’età di 7 anni presso la Scuola di musica dell’Oltradige con Peter Riffeser. Dal 1997 ha studiato al Conservatorio “C. Monteverdi” di Bolzano con Ottavia Kostner. Diploma nel 2008 con il massimo dei voti. Vivo interesse per la prassi esecutiva storica: masterclass di violino e viola barocchi con Enrico Onofri, Stanley Ritchie, Stefano Montanari, Anne Schumann, Stefano Marcocchi. Nel 2009 membro della “European Union Baroque Orchestra”. Membro di diversi ensemble in Italia e all’estero, concerti in Italia, Austria, Germania (Bachwochen Ansbach), Portogallo, Spagna, Francia, Belgio, Paesi Bassi (Concertgebouw Amsterdam), Lussemburgo, Inghilterra, Scozia, Lettonia, Slovenia, Malta, Ungheria e Bulgaria; dal 2023 Josef è organista a Terlano (Pirchner II/18). Co-fondatore e direttore artistico dell’associazione LanAntiqua. Josef suona un violino di Sebastian Klotz del 1754.
Johannes Höhn: Primi studi di pianoforte all’età di sei anni. Studio del violoncello a partire dai dieci anni presso il Conservatorio di Bolzano (Prof. Giuseppe Momo e Prof. Lucio Labella Danzi), concluso nel 2009. Successivamente ha seguito lezioni con Howard Penny a Vienna e ha partecipato a numerose masterclass. In seguito ha intrapreso lo studio dell’organo con la prof.ssa Margareth Niederbacher, approfondito poi con il prof. Heinrich Walder e il prof. Tobias Chizzali. Intensa attività concertistica, con esibizioni in diverse formazioni in Italia e all’estero e partecipazione a numerosi corsi di perfezionamento. Dal 2015 è organista della Chiesa Parrocchiale di Santa Maria Assunta a Caldaro sulla strada del vino e direttore artistico del „Kalterer Orgelherbst” (Pirchner III/31). Dal 2008 insegna educazione musicale nelle scuole medie di Bolzano e dintorni.
La rassegna Padova Urbs Organi è realizzata con il Patrocinio del Comune di Padova, il contributo dell’Assessorato alla Cultura del Comune di Padovae la collaborazione di Asolo Musica nell’ambito del progetto Cantantibus Organis, Circuito Organistico Regionale.
Il concerto si terrà alle 17.00 L’ingresso è libero e gratuito. Concerto in collaborazione con il Collegio Mazza, AsoloMusica-Veneto Musica Realizzato grazie al patrocinio ed al sostegno del Comune di Padova – Assessorato alla Cultura Consigliamo, qualora ci fossero le domeniche ecologiche con il traffico interdetto, di parcheggiare presso il Park Prandina, a pochi minuti a piedi dalla chiesa di S. Antonio Abate.
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RECORD STORICO DI INGRESSI PER LA MOSTRA “GESTI SCOLPITI” di JAGO Parco Archeologico di Taormina
Fino al 3 maggio 2026 Teatro Antico di Taormina – Parco Archeologico di Naxos Taormina
Al Teatro Antico di Taormina, durante il Venerdì Santo, il weekend di Pasqua e il lunedì di Pasquetta, la mostra “Gesti Scolpiti” dello scultore Jago sarà aperta al pubblico dalle 9.00 alle 19.15 (biglietteria aperta dalle 9.00 alle 18.30), offrendo a turisti e residenti l’opportunità di vivere un’esperienza culturale speciale durante i quattro giorni di festa. Nel contesto emblematico di Taormina, crocevia di civiltà̀ e teatro di memorie antiche, vengono messein dialogo quattro opere di Jago: Impronta Animale (2012), Memoria (2015), Prigione (2016) e David (2024, bronzo). La mostra, sin dalle prime settimane di apertura, ha riscosso un interesse straordinario da parte del pubblico: l’entusiasmo, la curiosità e l’apprezzamento di visitatori di ogni età si sono tradotti in numeri da record. Un risultato che rappresenta un primato storico per il Parco Archeologico di Naxos Taormina e che conferma il forte richiamo dell’iniziativa. La mostra unisce la potenza evocativa delle sculture di Jago con la suggestione del contesto archeologico e dimostra la straordinaria capacità della scultura contemporanea di dialogare con il patrimonio millenario del territorio, affermandosi come uno degli eventi culturali più rilevanti dell’anno in Sicilia e nel panorama nazionale. Qui, le suggestive sculture si inseriscono come gesti scolpiti nel tempo, testimoni di una continua necessità espressiva che attraversa epoche e linguaggi.
Raffaele Quattrone, sociologo e curatore di arte contemporanea, sulla rivista internazionale Meer scrive: “Gesti Scolpiti può essere letto come una meditazione sulla libertà e la responsabilità. Le sculture di Jago non offrono soluzioni, pongono domande. Cosa significa lasciare una traccia oggi? Chi decide quali corpi possono essere visti, quali gesti sono consentiti e quali immagini circolano? Situando queste domande all’interno di un antico sito, la mostra insiste sulla loro continuità. Nella pietra duratura del Teatro Antico, queste opere non si limitano ad esistere; ascoltano, rispondono e insistono. La scultura, qui, non è una reliquia della storia, ma una lingua viva, che continua a chiedere, con urgenza e tranquillità, cosa significhi essere umani.“
Le prime tre sculture, scolpite in marmo statuario, ruotano attorno al tema della mano: simbolo di contatto, creazione, affermazione personale. È attraverso la mano che l’essere umano lascia un segno, affonda nella materia, costruisce memoria. Non solo strumento, ma autoritratto: presenza viva che attraversa il tempo.
Jago, Impronta Animale
Jago, Prigione (dettaglio)
In Impronta Animale, la mano si fa reperto: un segno primordiale che richiama le pitture rupestri, rievocando un contatto ancestrale con la terra e con la nostra storia profonda. Memoria, presenta un’impronta di mano scavata nella pietra. L’opera riflette sulla memoria e sull’eredità, rendendo tangibile la traccia della presenza umana come simbolo di permanenza e ricordo. In Prigione, l’immagine scolpita, avvolta nelle pieghe del marmo, sembra voler emergere da una prigione di pietra. I contorni della figura umana sono appena delineati, mentre le membra si estendono con un forte senso di tensione. Il gesto è tutto: urgenza di esistenza, simbolo della lotta per liberarsi da ciò che costringe.
La quarta scultura è quella della David, realizzata in bronzo e alta 181 cm. L’opera è approdata simbolicamente nello splendido teatro affacciato sul mare e, ad oggi, è esposta sulla sommità delle tribune del Teatro Antico, dopo aver compiuto il giro del mondo a bordo della nave Amerigo Vespucci
L’imponente opera in bronzo porta con sé il peso di una narrazione epica e contemporanea, reinterpretando in chiave moderna il mito di David e Golia per raccontare una storia diversa, ma sempre pregna di coraggio e rivalsa. L’iconografia è riconoscibile nella postura fiera della figura femminile (che richiama il celebre David di Michelangelo), nella fionda e nella pietra che stringe tra le mani — elementi che tornano come segni ricorrenti negli ultimi capolavori dell’artista. Il progetto della David nasce nel 2021 con un primo bozzetto in argilla realizzato a mano. Da quell’immagine iniziale sono nate diverse versioni in argilla e gesso, fino ad arrivare al modello attuale, tradotto in bronzo attraverso l’antica tecnica della fusione a cera persa. La versione definitiva, scolpita in marmo di Carrara e alta oltre 4 metri, rappresenterà la pietra miliare del percorso artistico di Jago, impegnandolo in una vera e propria impresa.
L’esposizione, organizzata da Aditus e Civita Sicilia, in collaborazione con BAM, rimarrà aperta al pubblico fino al 3 maggio 2026.
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Dal 28 marzo al 26 aprile 2026, Gorizia ospita The Matter Loop – Il ciclo della materia, mostra a cura di Vincenzo Alessandria che mette in dialogo arte contemporanea, sistema produttivo ed economia circolare.
THE MATTER LOOP_Il Ciclo della Materia a cura di Vincenzo Alessandria 28 marzo – 26 aprile 2026 The Circle Via Rastello, 91- Gorizia
Il progetto, ideato e promosso da QuiAltrove Associazione ETS, si sviluppa tra due spazi espositivi di via Rastello, dove si trova The Circle, sede dell’Associazione e centro di ricerca attivo sul territorio. L’iniziativa si inserisce nel più ampio programma Arte per il pianeta, sviluppato dall’Associazione e dedicato al rapporto tra creatività, sostenibilità e responsabilità ambientale. Sostenuto dal bando regionale dedicato ai progetti culturali capaci di favorire l’incontro tra mondo produttivo e creatività, The Matter Loop si configura come una vera e propria piattaforma operativa di collaborazione tra arte e impresa.
“Il progetto nasce dall’idea che la materia non sia mai neutra: ogni materiale porta con sé una storia produttiva, tecnica e culturale. L’intervento artistico diventa allora uno spazio di rilettura e trasformazione, in cui ciò che era scarto può tornare a generare senso e valore.” — Vincenzo Alessandria
Arte e impresa: un laboratorio di economia circolare
Cuore del progetto è la collaborazione tra quattro artisti del Friuli Venezia Giulia e quattro aziende del territorio, che mettono a disposizione materiali di scarto provenienti dai propri processi produttivi.
Le ricerche di Giulia Maria Belli, Nicola Facchini, Anna Marzuttini e Kristian Sturi si innestano nei saperi e nelle tecnologie di Braida Srl SB, Postir Srl, Cooperativa Contea e Infostar Group Srl, generando un campo di lavoro condiviso in cui arte e produzione industriale si incontrano.
La materia — tessile, metallica, organica o sintetica — diventa così spazio di relazione e sperimentazione, capace di orientare la ricerca artistica e di aprire nuove prospettive sul valore dei materiali.
“Recuperare un materiale significa guardarlo con occhi nuovi. Il gesto artistico diventa un atto di rigenerazione, capace di trasformare il rifiuto in memoria, forma e narrazione.”
Il titolo The Matter Loop richiama proprio l’idea di un ciclo continuo: produzione, utilizzo, scarto e possibile rigenerazione. In questo processo circolare, la materia agisce come presenza dinamica che registra il tempo e le trasformazioni della produzione industriale.
Il progetto si sviluppa attraverso diverse fasi di lavoro:
Una prima fase di incontri e confronto all’interno delle aziende partner ha permesso agli artisti di entrare in contatto con i processi produttivi e con le logiche dell’economia circolare.
Successivamente si è aperta la fase di produzione artistica, in cui gli artisti hanno lavorato direttamente con i materiali di scarto, talvolta all’interno delle aziende, altre volte nei propri studi.
Il progetto culmina con la mostra a Gorizia, città protagonista insieme a Nova Gorica del programma Capitale Europea della Cultura, dove il pubblico può scoprire i risultati di questo dialogo tra creatività, tecnologia e sostenibilità.
Al termine dell’esposizione, le opere torneranno alle aziende partner – in comodato d’uso o attraverso acquisizione – continuando a vivere nei luoghi da cui i materiali provengono.
“In The Matter Loop la sostenibilità non è solo un tema, ma un metodo di lavoro. Arte, impresa e territorio entrano in un ciclo aperto di trasformazione reciproca.”
Gli artisti e le opere
Giulia Maria Belli, in dialogo con Braida Srl SB – azienda storica del Distretto della Sedia di Manzano (UD) – concentra la propria ricerca sulla materia tessile come luogo di memoria e relazione. Utilizzando scarti provenienti dalla produzione, l’artista realizza una grande installazione tessile composta da frammenti di stoffe cucite insieme, una superficie irregolare e stratificata in cui il tessuto diventa archivio di tracce e affetti. Interventi pittorici a cera velano e fissano immagini che emergono e scompaiono sulla superficie, mentre due presenze in silhouette si fronteggiano senza toccarsi. Lo sguardo diventa così materia e relazione, e l’opera – una sorta di spazio mentale sospeso – restituisce al tessile una dimensione poetica e narrativa, trasformando il materiale di scarto in una trama di memoria condivisa.
Nicola Facchini, in collaborazione con Postir Srl, lavora su lastre di ottone destinate allo scarto intervenendo con una tecnica serigrafica ad inchiostro nero su lastra di ottone recuperata e satinata. Su una lastra compare la scena di due figure sedute a un tavolo, su un’altra una natura morta con un vaso di fiori. Le immagini si depositano per passaggi successivi di stampa, lasciando che la riflessione del metallo, l’ossidazione e le discontinuità del supporto modulino la lettura. La malinconia che attraversa la ricerca dell’artista assume qui un tono riflessivo, come forma di conoscenza che si misura con ciò che resta e resiste al consumo del tempo. L’ottone conserva la propria memoria produttiva e, attraverso la stampa, accoglie una seconda memoria, più intima e trattenuta. Ne risultano superfici in cui permanenza e trasformazione convivono, tra immagine e materia.
Anna Marzuttini, in collaborazione con Contea Cooperativasociale sviluppa un’installazione costruita a partire da tronchi, rami e materiali organici provenienti dagli interventi di manutenzione del verde urbano. L’opera si compone di elementi lignei mantenuti nella loro condizione primaria, sui quali l’artista innesta interventi pittorici e scultorei che seguono le tensioni naturali della materia. La struttura installativa si articola in forme verticali, creando uno spazio frammentato e attraversabile. In questo paesaggio ibrido, tra naturale e costruito, la materia organica diventa luogo di trasformazione e riflessione sul rapporto tra intervento umano, ecologia e rigenerazione.
Kristian Sturi, in collaborazione con Infostar Srl, lavora con componenti sintetici e materiali elettronici dismessi per costruire un’installazione che mette in relazione immaginario tecnologico e dimensione simbolica. L’opera si configura come una bifora contemporanea: due immagini speculari racchiuse in strutture ogivali metalliche e la raffigurazione di due dissipatori di calore e componenti elettronici diventano supporti iconici. Bobine di Tesla generano brevi scariche elettriche che attraversano la superficie, creando connessioni luminose tra le due figure rappresentate – una presenza umana e una creatura animale. La tecnologia diventa così materia viva e instabile, trasformando l’installazione in un campo di tensione tra natura, macchina e immaginazione.
Arte come anticipazione del futuro
Gli artisti contemporanei spesso intercettano e anticipano le trasformazioni della società. Temi come energia, gestione dei rifiuti, sostenibilità ambientale e responsabilità produttiva fanno ormai parte integrante della pratica artistica.In The Matter Loop queste questioni emergono attraverso la trasformazione concreta della materia, nella tensione tra produzione industriale e gesto creativo. La mostra propone così un modello di collaborazione in cui arte e impresa condividono uno spazio di sperimentazione, suggerendo nuove possibilità per ripensare i processi produttivi e il rapporto con le risorse.
Il ciclo della materia diventa allora metafora di una responsabilità collettiva: ripensare i processi, immaginare nuove traiettorie, valorizzare ciò che esiste già e restituire significato a ciò che viene prodotto.
QuiAltrove ETS è un’associazione culturale con sede a Gorizia. Attraverso l’arte contemporanea promuove una cultura aperta e partecipativa, capace di attivare trasformazioni reali. Valorizza la dimensione transfrontaliera in cui opera e investe nelle giovani generazioni, offrendo occasioni concrete di crescita, espressione e dialogo. I progetti dell’Associazione nascono dall’incontro tra arte, territorio e comunità e utilizzano i linguaggi artistici come strumenti di innovazione sociale, inclusione e rigenerazione urbana. Ogni progetto è un processo condiviso. Un’occasione per abitare i luoghi in modo nuovo, costruire relazioni, generare senso.
INFO MOSTRA 28.03>26.04..2026 ORARI dal lunedì al venerdì 17.00 alle 18.00 sabato e domenica previo appuntamento +39 3930778726 Dove : THE CIRCLE Via Rastello 91 e Via Rastello 23, Gorizia www.thematterloop.com
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Il 27 marzo 2026, alle ore 17.00, nella Sala Caduti di Nassirya del Senato, sarà presentato il volume Lo scioglimento della collezione fidecommissaria Barberini. Cronaca di una diaspora di Gino Famiglietti (Scienze e Lettere 2026), dialogheranno con l’autore Paola Nicita, Gallerie nazionali di Arte antica, Micaela Procaccia, già Dirigente del Ministero della cultura, e Andrea Piacentini Vernata, Sapienza Università di Roma.
Lo scioglimento della collezione fidecommissaria Barberini Cronaca di una diaspora
di Gino Famiglietti
Venerdì 27 marzo 2026
Conferenza stampa di presentazione, ore 17.00
Palazzo Madama – Senato della Repubblica Sala Caduti di Nassirya, Piazza Madama 11, Roma 00186
Il volume presenta, attraverso un’attenta ricerca documentale, la narrazione ragionata di come si è giunti allo scioglimento del fedecommesso Barberini, uno degli eventi che hanno segnato la storia del patrimonio culturale italiano durante il fascismo. Ne emerge un quadro che può definirsi sconfortante: da un lato, l’apparato amministrativo statale, che rimane inerte di fronte alle difficoltà, convinti che le leggi vigenti, che vietavano la divisione delle raccolte fedecommissarie e la loro eventuale vendita a soggetti diversi dallo Stato o da altri enti pubblici, costituissero, di per sé, un muro insormontabile eretto a difesa di tali raccolte. Dall’altro lato, le esigenze e gli interessi dei privati, che perseguivano i loro obiettivi di messa a profitto del patrimonio artistico di cui disponevano ed il cui mero possesso era ormai vissuto come un peso.
Nel mezzo la classe politica, che, allora come oggi, non aveva un progetto in materia di politica culturale, ma tendeva ad assecondare i desiderata dei portatori di interessi individuali, a scapito della tutela dell’interesse collettivo. Ragione per cui il disastro che ne sarebbe seguito sembrava essere fatalmente già scritto nell’imperante disordine dei valori, culturali e morali.
Gino Famiglietti è stato, presso il Ministero per i beni e le attività culturali, dapprima direttore generale per l’Archeologia, poi per gli Archivi e infine per l’Archeologia, le Belle Arti e il Paesaggio. Ha collaborato alla stesura della legge Galasso nel 1985, e del Codice dei beni culturali e del paesaggio nel 2004.
Palazzo Madama – Senato della Repubblica Sala Caduti di Nassirya Piazza Madama 11, Roma 00186
L’accesso alla sala, con abbigliamento consono e, per gli uomini, obbligo di giacca e cravatta, è consentito fino al raggiungimento della capienza massima. Le opinioni e i contenuti espressi nell’ambito dell’iniziativa sono nell’esclusiva responsabilità dei proponenti e dei relatori e non sono riconducibili in alcun modo al Senato della Repubblica o ad organi del Senato medesimo.
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TEFAF MAASTRICHT SI CONCLUDE CON UN’ECCELLENTE AFFLUENZA, COINVOLGIMENTO ISTITUZIONALE E SOLIDA FIDUCIA DEL MERCATO
La 39ª edizione di TEFAF Maastricht si è conclusa registrando un’affluenza eccezionale e uno movimento sostenuto di mercato, consolidando la sua posizione come la principale fiera mondiale per arte, antiquariato e design.
TEFAF Maastricht 2026 Paesi Bassi, Maastricht Exhibition & Conference Centre (MECC) 14 – 19 marzo 2026
Sono stati oltre 50.000 i visitatori che hanno visitato la fiera negli otto giorni di apertura, superando le aspettative e confermando il continuo interesse globale per opere d’arte di altissima qualità. Il coinvolgimento istituzionale ha continuato a essere un elemento distintivo, con oltre 450 musei rappresentati, tra cui 67 gruppi di mecenati, a testimonianza del ruolo di TEFAF come punto di incontro imprescindibile per curatori, collezionisti e studiosi.
Tra i musei partecipanti figuravano importanti istituzioni internazionali quali il Metropolitan Museum of Art di New York, il Rijksmuseum di Amsterdam, Louvre (Parigi e Abu Dhabi), Musée d’Orsay di Parigi, Victoria & Albert Museum, National Gallery London, Van Gogh Museum, Städel Museum e il Museum of Fine Arts Boston.
UN PUNTO DI RIFERIMENTO DEL MERCATO IN UNO SCENARIO GLOBALE COMPLESSO
In un contesto caratterizzato da incertezze geopolitiche, TEFAF Maastricht si è confermata ancora una volta un barometro resiliente del mercato dell’arte globale. Dopo un forte slancio iniziale durante i giorni di anteprima, la fiducia è continuata a crescere, con vendite costanti registrate per tutta la settimana e diversi espositori che hanno definito questa edizione tra le loro TEFAF di maggior successo di sempre.
L’importanza duratura della fiera è evidenziata dalla solidità e dalla lealtà della sua base di espositori, con il 25% dei partecipanti presente a TEFAF da oltre 20 anni.
ACCESSIBILITÀ, RICERCA E NUOVA GENERAZIONE
Se TEFAF Maastricht è sinonimo di capolavori di qualità museale, continua tuttavia a sfidare le percezioni legate all’accessibilità. Le opere in vendita spaziavano da €2.000 a vendite multimilionarie, testimoniando la capacità unica della fiera di servire sia collezionisti affermati sia chi si trova all’inizio del proprio percorso collezionistico.
Il Programma Emerging Collectors, curato quest’anno da Paul Arnhold, ha visto 96 gallerie presentare opere sotto i €20.000, offrendo un punto di accesso importante per i nuovi acquirenti.
Rafforzando ulteriormente il suo impegno per la ricerca e la formazione, TEFAF ha accolto 10 curatori internazionali per un corso di cinque giorni in collaborazione con l’Università di Maastricht, supportando la prossima generazione di leadership museale.
TEMI CURATORIALI E TENDENZE NEL COLLEZIONISMO
Nel corso della fiera sono emerse diverse tendenze chiave nel collezionismo:
Una rinnovata domanda di opere di piccola scala, apprezzate per la loro intimità e versatilità
Un crescente interesse per collezionismi trasversali tra epoche e discipline
L’attenzione continua alla provenienza, alla rarità e al valore scientifico
Un riconoscimento sempre maggiore di artisti storicamente trascurati, in particolare donne
Forte interesse per la materialità e la qualità artigianale
Queste tendenze riflettono una base di collezionisti globale sofisticata ed in evoluzione.
CULTURA, POLITICA E IMPATTO ECONOMICO
Il TEFAF Summit, supportato da AXA XL, ha riunito 250 delegati internazionali provenienti dal mondo dell’arte, dal mondo accademico, finanziario e dalle politiche pubbliche. L’edizione di quest’anno, “Beyond Economic Impact: Rethinking Culture in Public Policy”, ha esplorato il ruolo trasformativo della cultura nell’economia, nello sviluppo sociale e nella salute, sostenendo con forza l’integrazione più profonda delle arti nelle politiche pubbliche.
Tra i momenti salienti del Summit, la presentazione del primo Economic Impact Report di TEFAF, realizzato in collaborazione con Deloitte, ha evidenziato il contributo significativo della fiera sia a livello locale sia nazionale. Il rapporto ha rilevato che TEFAF Maastricht genera un impatto economico totale di €86,4 milioni nei Paesi Bassi, di cui €37,9 milioni solo a Maastricht.
LE PRINCIPALI VENDITE E ACQUISIZIONI MUSEALI
Dopo i giorni di apertura caratterizzati da grande fermento, ulteriori transazioni significative hanno confermato la profondità e la coerenza delle vendite in tutte le categorie, con operazioni di rilievo quali:
Dr Jörn Günther Rare Books (Svizzera) ha realizzato vendite a otto cifre, incluso l’importante Liechtenstein Tacuinum Sanitatis, venduto per 5 milioni di CHF.
Alon Zaikim (Regno Unito) ha presentato una rara coppia di dipinti di Claude Monet, riuniti dopo oltre 130 anni, con prezzo richiesto di €20 milioni, riservata a un collezionista privato.
Paul Coulon (Regno Unito) ha collocato la Untitled Blue Sponge Sculpture di Yves Klein presso un collezionista privato, con prezzo richiesto di €2,5 milioni.
Tomasso (Regno Unito) ha venduto una figura inginocchiata in marmo del XIV secolo al Metropolitan Museum of Art per circa €1,5 milioni.
Utermann (Germania) ha venduto Orchard Still Life with Green Bowl di Max Beckmann per circa €1 milione, con immediato interesse per prestito museale.
MS Rau (USA) ha riportato diverse vendite superiori al milione di dollari, incluse opere di Mary Cassatt e Pablo Picasso.
Gallerie Lefebvre (USA) ha venduto Hibou de Pierre di François-Xavier Lalanne per circa $1 milione.
DIPINTI
Bottegantica (Italia) ha registrato vendite a nuovi clienti e a un museo, tra cui Sprigionarsi di Augusto Favalli, The Boss di Silvio Bicchi e Ritratto di Cuno Amiet, con ulteriori trattative ancora in corso.
Dickinson (Regno Unito) ha venduto un busto in marmo di Edward, il Principe Nero, di John Michael Rysbrack a un’istituzione statunitense, con prezzo richiesto di circa €700.000, insieme a uno schizzo preparatorio delle Coutts Sisters di Angelica Kauffman offerto per €115.000.
Gallery 19C (USA) ha venduto un ritratto di Julie Lemmen di George Lemmen, raffigurante la sorella dell’artista mentre lavora a uncinetto, con prezzo richiesto di $1,2 milioni, acquisito da un museo americano.
Haboldt & Co (Paesi Bassi) ha venduto A Still Life with Gooseberries on a Stone Ledge del misterioso Adriaen Coorte e A Swag with Fruit and Flowers Hanging before a Niche della pittrice Maria van Oosterwijck a un collezionista privato per circa €1 milione.
Lullo | Pampoulides (Regno Unito) ha riservato per un grande museo un elefante in marmo di Gaetano Monti, modellato dal vivo. L’animale fu portato in Europa nel XVIII secolo e deliziò le corti del continente, ispirando quest’opera straordinaria, con prezzo richiesto a sette cifre.
ANTIQUARIATO
Adrian Sassoon (Regno Unito) ha venduto circa 60 pezzi con prezzi fino a sei cifre, a clienti privati e curatori museali. Uno degli artisti rappresentati, Bouke de Vries, era presente allo stand per vedere la vendita di diverse sue opere a collezionisti. Il lavoro dell’artista è attualmente oggetto di una mostra al Princessehof Museum di Leeuwarden.
Aronson Antiquairs (Paesi Bassi) ha venduto a un museo statunitense un insieme di oggetti Delft del XVIII secolo con scene satiriche riferite alla South Sea Bubble. Il raro insieme riflette una delle prime crisi finanziarie europee e il suo impatto sulla cultura visiva. Una coppia di candelabri figurativi polimorfi Delft è stata venduta a un collezionista privato belga, entrambi con prezzo richiesto a cinque cifre.
Elfriede Langeloh (Germania) ha venduto una grande ciotola cinese famille verte dalla collezione di Augusto il Forte a un collezionista privato, e le figure teatrali Oceanos e Tethys, Dio del Mare e sua moglie, di Franz Conrad Linck, Frankenthal, a un museo statunitense per circa €200.000.
Galerie Kugel (Francia) ha venduto il flauto Meissen del XVIII secolo appartenuto a Federico il Grande a un collezionista privato, destinato a essere donato al Rijksmuseum.
Peter Finer (Regno Unito), specialista in armi e armature, ha riportato vendite tra €50.000 e €250.000, tra cui un copricapo per cammello, un doppietto del XVI secolo, un morione sassone e un paio di guanti in pelle della guerra civile inglese.
Prahlad Bubbar (Regno Unito) ha venduto cinque opere al Museum of Fine Arts Houston e due al Metropolitan Museum of Art, con ulteriori vendite a collezionisti privati. Le acquisizioni includevano fotografia, gioielli, disegni e tessuti, con prezzi tra £50.000 e £400.000.
São Roque (Portogallo) ha venduto un grande cofanetto indo-portoghese in tartaruga Gujarati all’Aga Khan Museum in Ontario per circa €200.000, registrando interesse da parte di altri musei per ulteriori opere.
Vanderven Oriental Art (Paesi Bassi) ha venduto Linglong Brushpots del periodo Kangxi, ispirati al racconto allegorico cinese The Dream of the Yellow Millet, acquisiti dalla Albuquerque Foundation a Sintra per circa €75.000.
Zebregs & Roëll Fine Art & Antiques (Paesi Bassi) ha venduto due dipinti di Augustino Brunias per un importo a sette cifre a un’istituzione, oltre a un modello di nave per prigionieri di guerra (€195.000) e una scultura in bronzo dorato di Guanyin del XIV–XV secolo (circa €300.000), entrambi a collezionisti privati. Altre vendite includevano The Bird Vendor di Jan Daniel Beynon a un collezionista francese per un importo a sei cifre, mentre un museo americano ha acquisito Company School Animal Drawings di William Paterson per un importo a sette cifre.
ARTE ANTICA
Galerie Cybele (Francia) ha venduto un’anfora attica a figure nere con collo, Heracles’ journey to Olympus, a un collezionista privato per circa €70.000.
Galerie Kevorkian (Francia) ha venduto un raro boccale in ceramica lustreware del XII secolo, in stile monumentale, a un collezionista privato europeo.
ARTE MODERNA E CONTEMPORANEA
Alison Jacques (Regno Unito) ha commentato: “La partecipazione dei clienti è fenomenale. Sembra che tutti affluiscano a Maastricht”. Per la prima volta, il dealer ha venduto sculture di Alison Wilding per circa £20.000, opere di Sheila Hicks tra $38.000 e $500.000, oltre a lavori di Eileen Agar, Hannah Wilke e Sophie Barber.
Galleria d’Arte Maggiore g.a.m. (Italia/Francia) ha venduto Paesaggio, importante olio su tela di Giorgio Morandi dalla collezione di Emilio e Maria Jesi, acquisito da una grande collezione privata. Inoltre, Cestino della Discordia, scultura ceramica iperrealista e policroma con trompe-l’oeil, destinata a una collezione privata francese.
Buchmann Galerie (Germania) ha venduto, tra le altre opere, sculture di Tony Cragg, incluso Stages, 2025, con prezzo compreso tra €280.000 e €300.000, destinato a una collezione privata europea.
Ludorff (Germania) ha venduto Cavallo e cavaliere di lato di Marino Marini, 1953, per €69.000, e Ohne Titel, 1967, di Otto Piene, per €39.000, entrambe a collezioni private in Germania e Belgio. Un piccolo dipinto di Poliakoff è stato venduto per €53.000.
Osborne Samuel (Regno Unito) ha venduto Horizontal Form di Barbara Hepworth insieme a due sculture di Lynn Chadwick a collezionisti nel Regno Unito, Belgio e Dubai, con prezzi tra €200.000 e €400.000. Alla conclusione della fiera, due opere di Henry Moore e Naum Gabo erano in valutazione da un museo.
Page Gallery (Corea del Sud) ha registrato una fiera senza precedenti, vendendo 16 pezzi a collezionisti dei Paesi Bassi e dei paesi europei vicini, con particolare interesse per opere di Choi Myoung Young e Vio Choe.
Piano Nobile (Regno Unito) ha confermato diverse vendite a sette cifre a collezionisti privati discreti, con altre opere destinate a musei. La galleria ha venduto opere di Grayson Perry, Frank Auerbach (€750.000) e Glyn Philpot (€40.000), oltre a lavori del Bloomsbury Group e della London School. Tre ulteriori opere rimangono in attesa per musei negli USA e in Europa.
Sofie Van de Velde (Belgio), dopo sette vendite durante i giorni di anteprima, ha registrato due ulteriori acquisizioni da parte di collezionisti privati belgi a sei cifre, inclusa Het Antiquairsinterieur di Henri De Braekeleer.
Wienerroither & Kohlbacher (Austria) ha venduto opere di Gustav Klimt ed Egon Schiele a clienti statunitensi, e un dipinto di Lyonel Feininger a una rinomata collezione europea.
DESIGN
Didier (Regno Unito) ha presentato gioielli d’artista attorno al tema Gold in the Hands of Artists. Tra le vendite della galleria figurano due pendenti di Max Ernst e Jean Arp, un bracciale disegnato da Pol Pury appartenuto a sua moglie e una spilla a forma di pesce di Georges Braque. Tutti i pezzi, anni ’60–’70, sono stati venduti a cinque cifre.
Ippodo Gallery (Giappone / USA) ha riportato una fiera estremamente positiva con 15 vendite, tra cui opere di Shihoko Fukumoto, KAKU e Masaaki Miyasako acquisite da collezionisti privati, e un lavoro di Terumasa Ikeda destinato a un museo.
Ketabi Bourdet (Francia) ha venduto Lumière Résignée di Guy de Rougemont per circa €35.000; una sedia di Tom Dixon, prezzo a cinque cifre, è in attesa per la collezione del Museum of Decorative Art di Parigi.
LeBreton (Francia) ha esposto opere esclusivamente del surrealista Roberto Matta, vendendo otto pezzi a collezionisti privati del Sud America, USA, Francia e Nord Europa.
OPERE SU CARTA
Agnews Works on Paper (Belgio) ha venduto oltre 20 opere, tra cui l’acquerello Frozen Land di Paul Klee, oltre a lavori di Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Signac, Maurice Denis, Fernand Khnopff, Edgar Degas e Peder Balke.
Colnaghi Elliott (Regno Unito) ha registrato una fiera di successo con 10 opere vendute, tra cui Fisherwoman di Virginie Demont-Breton a un’istituzione statunitense e Traute Rose Writing di Lotte Laserstein a un museo USA.
Kunsthandlung Helmut H. Rumbler (Germania) ha venduto Self-Portrait Frowning (1630), acquaforte di Rembrandt, a un collezionista statunitense.
Lyndsey Ingram (Regno Unito) ha venduto una serie completa di dodici litografie da Reflections di Helen Frankenthaler con prezzo richiesto $120.000.
Lancz Gallery (Belgio) ha venduto Snake pitcher di Arthur Craco al Musée d’Orsay, con prezzo tra €6.000 e €10.000.
Ron Mandos (Paesi Bassi) ha venduto 18 opere, principalmente fotografie di Erwin Olaf e Hans van Manen, incluso un’importante fotografia recente di Isaac Julien (prezzo richiesto €35.000) all’AkzoNobel Art Foundation di Amsterdam; opere di Hans op de Beeck sono state vendute a collezionisti fiamminghi tra €45.000 e €84.000.
Nicolaas Teeuwisse (Germania) ha riportato vendite significative, tra cui The Series of the Sultan’s Caravan to Mecca di Joseph Marie Vien al National Gallery, Saint Paul, Geoffroy Dumonstier al Rijksmuseum di Amsterdam e Hercules Kills the Hydra di Raphel Lamar West all’Art Institute of Chicago.
Utermann (Germania) ha venduto Abstract Head di Alexej von Jawlensky a un collezionista privato europeo per circa €750.000; Dollshouse Picture di Gabriele Münter a un collezionista privato americano per circa €200.000; opere di Pablo Picasso ed Ernst Ludwig Kirchner, vendute entrambe a collezionisti privati europei per circa €40.000 ciascuna.
SHOWCASE & FOCUS
Ogni anno TEFAF presenta nove gallerie giovani o emergenti al mercato internazionale attraverso Showcase, mentre la sezione Focus mette in luce progetti di artisti in solo.
Un premio annuale, conferito da JP Morgan, va allo stand Showcase più interessante: quest’anno è stato assegnato a Galerie Boquet, che ha presentato una selezione curata di opere di Dora Maar.
Torres Nieto Fine Arts (Germania) ha venduto Large Hunting Still Life with Dead Birds di Johannes Leemans a un collezionista USA per circa €50.000.
Galerie Van den Bruinhorst (Paesi Bassi) ha venduto varie opere di Gerrit Rietveld, inclusa la Zigzag Chair e una lampada (1935), al Centraal Museum di Utrecht, che possiede la più grande collezione di Rietveld al mondo.
Erik Bijzet (Paesi Bassi) ha venduto dieci delle sue quindici opere, tra cui l’opera di punta The Baptism of Christ, acquistata nei primi trenta minuti di fiera.
Galerie DEVALS (Francia) ha venduto opere a collezionisti olandesi, belgi, statunitensi e bulgari, tra cui una scultura land-art, un disegno di Andy Goldsworthy e opere di Nobuo Sekine e Victor Vasarely.
Roberti Fine Art (Regno Unito) ha venduto due ritratti miniaturizzati del XVII secolo di Agnese Dolci a nuovi clienti, collezionisti privati europei di arte contemporanea.
Galerie Thomas Schulte (Germania) ha presentato collezioni curate di fotografia, vendendo la stampa vintage Parrot Tulip, 1988, di Robert Mapplethorpe a un collezionista privato per $150.000.
Queste transazioni integrano le importanti vendite iniziali dei giorni di anteprima, rafforzando la posizione di TEFAF Maastricht come piattaforma di mercato costante e affidabile.
TEFAF IN NUMERI Oltre 50.000 visitatori in 8 giorni Più di 450 musei rappresentati 67 gruppi di mecenati museali 277 espositori provenienti da oltre 20 paesi 28 nuovi espositori 25% degli espositori con oltre 20 anni di partecipazione 96 gallerie nel Emerging Collectors Program 10 curatori nel Curator Course 250 esperti internazionali di selezione Più di 220 visite private condotte
Boris Vervoordt, Presidente del Comitato Esecutivo di TEFAF, ha commentato:
“Con la conclusione della 39ª edizione di TEFAF Maastricht, riflettiamo sulle opere eccezionali riunite da una comunità che non smette mai di ispirare; sul profondo impegno dei nostri colleghi museali internazionali, per i quali TEFAF rappresenta una piattaforma vitale di dialogo e collaborazione; e sulla fiducia dei collezionisti che compiono un vero e proprio pellegrinaggio in questa città storica alla ricerca delle opere più raffinate, che abbracciano oltre 7.000 anni di creatività umana“.
Quest’anno si è nuovamente dimostrato che TEFAF non è solo un mercato, ma un punto di riferimento culturale – e un parametro per il mercato dell’arte globale.”
TESTIMONIANZE DEGLI ESPOSITORI
Matteo Salamon, dell’omonima galleria italiana, ha osservato:
“Il 2026 è stato l’anno dei Maestri Antichi… Abbiamo visto musei e collezionisti privati da tutto il mondo acquisire attivamente opere storiche.”
Galleria Continua ha dichiarato:
“TEFAF si conferma ancora una volta uno degli eventi più importanti e prestigiosi del mercato dell’arte internazionale.”
Galleria Rosella Colombari ha aggiunto:
“Abbiamo avuto contatti diretti con collezionisti e un nuovo pubblico di intenditori che ha immediatamente riconosciuto i designer e la qualità delle opere.”
TEFAF presenterà prossimamente TEFAF New York dal 15 al 19 maggio (anteprima 14 maggio), continuando la sua missione di connettere la comunità internazionale dell’arte attraverso i continenti. La prossima edizione di TEFAF Maastricht si terrà dal 13 al 18 marzo 2027 (anteprime 11 e 12 marzo).
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Festival della fotografia europea emergente 21 marzo – 17 maggio 2026
Dal 2011, il festival Circulation(s) esplora le tematiche contemporanee attraverso lo sguardo di fotografi europei emergenti. Anche quest’anno, presentando 26 artisti di 15 diverse nazionalità, il collettivo Fetart, ideatore e direttore artistico del festival, offre una visione artistica aperta, ricca di contrasti e tendenze.
Per questa sedicesima edizione, l’invito è rivolto all’Irlanda con la presentazione di serie di quattro artisti provenienti da questo territorio.
Festival of young European photography 21 March — 17 May 2026
Since 2011, the Circulation(s) festival has been exploring contemporary issues through the eyes of emerging European photographers. Once again this year, by presenting 26 artists of 15 different nationalities, the Fetart collective, creator and
artistic director of the festival, offers an open artistic vision, rich in contrasts and trends.
For this 16th edition, the invitation is given to Ireland with the presentation of series by four artists from this territory.
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La Strati d’Arte Gallery di Roma ospita dal 16 al 30 marzo 2026 la prima personale dell’artista Adele Dezi, “WEIGHTLESS“, curata da Diana Daneluz. L’inaugurazione sabato 21 marzo 2026, dalle 18.00.
Inaugura “WEIGHTLESS”, di Adele Dezi A cura di Diana Daneluz | 16-30 marzo 2026
Sabato 21 marzo 2026, ore 18
Il corpo come soglia
La pittura di Adele Dezi, che ha già esposto in precedenza in contesti collettivi – si legge nel testo della curatrice, Diana Daneluz – approda a questa mostra personale con un progetto che mette al centro il corpo come linguaggio primario e spazio di trasformazione, presentando una selezione di opere in cui l’artista sviluppa una ricerca visiva essenziale e simbolica, capace di dialogare con una dimensione arcaica del gesto pittorico e con la sensibilità contemporanea. Nelle tele di Dezi, così come negli altri supporti derivati dal riciclo di materiali della sua quotidianità, compaiono figure umane prive di identità individuale, immerse in campi cromatici intensi, spesso dominati dal rosso. I corpi, ridotti all’essenza del movimento, fermato in un preciso istante, quello della massima tensione o quello dell’immobilità meditativa, evocano una dimensione collettiva e senza tempo, richiamando simboli e suggestioni che rimandano alle prime forme di espressione visiva dell’umanità. La mostra offre così al pubblico l’occasione di entrare nel linguaggio pittorico di una giovane artista che utilizza il segno e il colore come strumenti di evocazione più che di rappresentazione. Il risultato è un percorso visivo in cui memoria, gesto e immaginario si intrecciano, invitando lo spettatore a un’esperienza di osservazione lenta e partecipata. Con questo progetto espositivo Adele Dezi propone una riflessione sulla funzione originaria della pittura e sul ruolo del corpo come luogo di relazione tra individuo, memoria collettiva e dimensione simbolica.
Ninfe di Primavera
«Pittura, sì, ma testo sofferto, di un inchino all’eterna sincronia, che è pensiero, immaginario, perché tutto è, Velo di Maya»: è la chiave interpretativa che offre Francesco Gallo Mazzeo, storico e critico d’arte, nella prosa che ha voluto dedicare al lavoro di Adele Dezi, intitolata “Ninfe di Primavera“, disponibile in galleria. Francesco Gallo Mazzeo convoca nella sua riflessione due immagini che incarnano l’ideale filiforme — la Ninfa di Primavera di Lucas Cranach il Giovane e il ritratto di Isabelle Caro realizzato da Oliviero Toscani — per individuare nella ricerca dell’artista qualcosa che va oltre la forma: i suoi corpi filiformi non sono né carne né spirito, ma «distillato immaginario», «d’un rasente d’astratto», quasi una vibrazione dell’universo che si fa immagine. Le figure dell’artista sono frazioni di mondo, e in esse – scrive il critico – risuona “Eco che fugge Narciso, rimbalzando di qua e di là, ora nel candido ora nel torbido“.
Una galleria sintonizzata col futuro dell’arte
Strati d’Arte Gallery continua il suo percorso di valorizzazione delle voci artistiche italiane e internazionali contemporanee, anche le più giovani, ospitando progetti che parlano a pubblici diversi e sono capaci con coraggio di intercettare il nuovo. Questa mostra è stata realizzata con il sostegno di Indoor Rowing S.r.l., che da 25 anni promuove i valori dello sport per tutti, nessuno escluso. Lo fa fornendo attrezzi sportivi di altissima qualità, disegnati per essere utilizzati da chiunque, qualunque sia l’età, il livello di allenamento o le diverse abilità. Indoor Rowing riconosce inoltre la fondamentale importanza dell’ascolto della sua comunità di utenti e offre programmi motivazionali gratuiti per aiutare ognuno a raggiungere i propri obiettivi.
Adele Dezi– Profilo
Adele Dezi
Adele Dezi (1996) è un’artista e attrice italo-inglese. Vive e lavora a Castelnuovo di Porto, dove è nata, in provincia di Roma. Ha trascorso gli anni dell’adolescenza a Roma con la famiglia, per poi fare ritorno stabilmente al paese laziale dopo il diploma liceale. Dopo aver conseguito la Maturità classica, frequenta la Scuola Internazionale di Comics e successivamente completa il triennio di recitazione al Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma, intrecciando così le arti visive e performative in un percorso formativo unico, ricco e stratificato. Entrambe le discipline condividono la stessa urgenza: dare forma a quello che ancora non c’è, incarnare e restituire emozioni. Sia il set che la tela, in senso lato, le consentono di esplorare la vulnerabilità umana, la fragilità dell’esistere, la necessità di liberare spazi, fisici o simbolici, dove l’eventuale disagio possa trasformarsi in bellezza. Adele abita quindi contemporaneamente due dimensioni creative, quella dell’arte visiva e quella della recitazione, come pratiche che si alimentano reciprocamente, generando un dialogo continuo tra corpo e segno, presenza scenica e traccia grafica.
Titolo Mostra: Weightless Artista: Adele Dezi A cura di: Diana Daneluz Sede: Strati d’Arte Gallery – Via Sicilia 133\135 – Roma Inaugurazione: Sabato 21 marzo ore 18.00 – 21.00 Degustazione vini Apertura al pubblico: 16 marzo dalle ore 18 fino al 30 marzo Lunedì – Venerdì 10 – 18 (Ingresso libero) Sabato su appuntamento Con il sostegno di: Indoor Rowing Info: www.stratidarte.com info@stratidarte.com
A chiarimento delle problematiche relative al copyright delle immagini. Le immagini eventualmente riprodotte in pagina sono coperte da copyright (diritto d’autore) e – qualora non fosse di per sé chiaro – specifichiamo che sono state fornite a Experiences S.r.l. dagli Organizzatori o dagli Uffici Stampa degli eventi, esclusivamente per accompagnarne segnalazioni o articoli inerenti. Tali immagini non possono essere acquisite in alcun modo, come ad esempio download o screenshot. Qualunque indebito utilizzo è perseguibile ai sensi di Legge, per iniziativa di ogni avente diritto, e pertanto Experiences S.r.l. è sollevata da qualsiasi tipo di responsabilità.
Mirko Schipilliti, “Giuseppe Tartini Genio dell’arco” Una biografia critica Presentazione della prima monografia completa su Giuseppe Tartini
Venerdì 27 marzo 2026, alle ore 18, presso le Sale Apollinee del Teatro La Fenice di Venezia
Mirko Schipilliti GIUSEPPE TARTINI Genio dell’arco Una biografia critica Prefazione di Andrea Marcon Zecchini Editore
Venerdì 27 marzo 2026, alle ore 18, presso le Sale Apollinee del Teatro La Fenice di Venezia sarà presentato il volume di recente uscita Giuseppe Tartini. Genio dell’arco. Una biografia critica scritto da Mirko Schipilliti, prefazione di Andrea Marcon, Zecchini Editore. Interverranno Andrej Rojec (Comunità degli italiani “Giuseppe Tartini” Pirano, Slovenia) e i musicologi Paolo Da Col (Docente e Responsabile Biblioteca Conservatorio B. Marcello di Venezia) e Franco Rossi (Consulente scientifico Archivio storico Teatro La Fenice) che dialogheranno con l’autore. L’importante volume di oltre 500 pagine, con la prefazione di Andrea Marcon, fra i massimi interpreti della musica del Settecento sulla scena internazionale, è stato realizzato col sostegno del Comune di Pirano, della Comunità degli italiani di Pirano e della Comunità autogestita della nazionalità italiana di Pirano, Slovenia, e la collaborazione del Comune di Padova e degli Amici della Musica di Padova, le due città in cui Tartini nacque, visse e lavorò.
Il libro è la prima monografia completa e approfondita su Giuseppe Tartini (1692-1770), una biografia critica che copre un buco editoriale di almeno ottant’anni anni dal testo ormai datato di Antonio Capri del 1945. Nel Settecento Tartini è stato il più importante violinista e uno dei più affermati musicisti, appassionato studioso, didatta di fama internazionale, scopritore del “terzo suono”. Considerato «uno dei più celebri violinisti» (Leopold Mozart), «il maggiore compositore di questi tempi» (Eulero), «Maestro delle nazioni» (Lalande), è stato da sempre circondato da approssimazioni, mito e leggenda, con una vita che nasconde ancora aspetti misteriosi o poco indagati. Com’è diventato così famoso? Da dove viene il celebre aforisma attribuitogli «per ben suonare bisogna ben cantare»? La sua opera musicale, con numerosi concerti di non facile approccio per le difficoltà tecniche e interpretative, non è stata ancora pubblicata integralmente, legata soprattutto a pochi celeberrimi titoli, fra cui la sonata Il trillo del diavolo.
Tartini fu legato assiduamente anche a Venezia, dove era assai conosciuto, sostenuto dalla famiglia Giustinian (che ne appoggia la carica di primo violino e capo di concerto presso la Basilica di Sant’Antonio di Padova e alla quale dedicò le Sonate per violino op. 1 per il figlio Ascanio Giustinian), partecipando alla celebre accademia per Augusto III di Sassonia a Palazzo Mocenigo dove incontrò Veracini, esibendosi nelle chiese, componendo concerti per le musiciste degli Ospedali veneziani, da cui proveniva Maddalena Lombardini (fra i suoi allievi più importanti e per la quale scrisse una famosa lettera sulla prassi violinistica), e, infine, dove incontrò Hasse. Il corpus della sua musica sacra è custodito presso la Biblioteca del Conservatorio B. Marcello di Venezia, mentre due copie di diversa mano delle sue Regole per arrivare a saper ben suonar il Violino si trovano al B. Marcello – la più importante – e presso la Fondazione Levi.
Un compositore geniale che visse al di fuori dell’ordinario, massima espressione del suo tempo e precursore del Classicismo in una dimensione europea. Negli ultimi decenni le numerose ricerche concentrate in testi di non facile reperimento e in analisi sparse, hanno tuttavia collezionato notizie frammentarie, focalizzandosi su aspetti isolati del musicista. Attraverso un’analisi comparata delle fonti, dei documenti e degli studi fino ad ora compiuti, in relazione al contesto storico-culturale e con nuove evidenze e deduzioni, questo libro offre un quadro organico su una tra le più complesse, audaci, affascinanti ed enigmatiche personalità musicali di tutto il XVIII secolo, ripercorrendo una ricostruzione fedele e lineare del percorso biografico del violinista e della sua produzione musicale. «Un lavoro enorme» – precisa Schipilliti – «che dalla nascita alla morte di Tartini ne analizza le relazioni con la storia contemporanea e la storia della musica, le composizioni e i trattati. Il sostegno istituzionale dei comuni di Pirano e di Padova conferma l’oramai urgente necessità di disporre finalmente di un importante volume completo dedicato a Tartini, assente da troppo tempo nel panorama editoriale». Un’opera che unisce rigore e passione, riportando alla luce la vita, il pensiero e la musica di un protagonista assoluto della cultura europea. «Tale mi appare la musica di Tartini», scriveva Blainville, «vero linguaggio dei suoni, frasi musicali fondate sulla melodia più pura e sull’arte di far cantare il violino».
Mirko Schipilliti – Profilo
MIRKO SCHIPILLITI si è laureato in direzione d’orchestra e in pianoforte col massimo dei voti e lode presso il Conservatorio B. Marcello di Venezia, dove ha inoltre seguito gli studi in composizione. Perfezionatosi in direzione d’orchestra con Giancarlo Andretta e Isaac Karabtchevsky, ha ottenuto master e diplomi di alto perfezionamento sotto la guida di Neeme Jarvi, Jorma Panula, Kurt Masur, Jesus Lopez-Cobos e ha frequentato i seminari di Riccardo Muti e Gustav Kuhn. Ha diretto numerose orchestre in Italia e all’estero e ha suonato in formazioni cameristiche. Critico musicale per MUSICA e per la rivista francese «Opéra Magazine», membro dell’Associazione Nazionale Critici Musicali, ha collaborato dal 1999 per i quotidiani «Il Mattino di Padova», «La Nuova Venezia», «La Tribuna di Treviso». Appassionato studioso, si dedica a saggi musicologici per i programmi di sala di importanti istituzioni. Nel 2015 ha pubblicato il saggio Zanetto. Mascagni tra verismo e stile liberty (ed. La Caravella). Dirigente medico di Pronto Soccorso, si è laureato in Medicina e Chirurgia e specializzato in Medicina interna presso l’Università di Padova.
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A seguito della sentita partecipazione registrata lo scorso tour, è con grande piacere che annunciamo una nuova data per riscoprire alcuni luoghi e vicende degli anni del Governo Militare Alleato, 1945-1954, promossi da Cizerouno in collaborazione con l’Associazione Guide Turistiche del Friuli Venezia Giulia.
Dopo il tour di domenica scorsa, arriva la nuova data domenica 22 marzo 2026: l’incontro avverrà alle ore 10.30 davanti a Palazzo Gopcevich (via G. Rossini 4), si ricorda di presentarsi alcuni minuti prima per versare la quota di partecipazione 15€ a persona. Da qui avrà inizio la visita durante la quale Francesca Pitacco guiderà i partecipanti al tour nella Trieste del GMA (Per prendere parte alla visita è richiesta la prenotazione inviando una mail a eventi@cizerouno.it).
Il tour nella Trieste del Governo Militare Alleato, dalla durata di circa 90 minuti, parte da Palazzo Gopcevich per continuare poi sulle Rive, luogo dove ogni anno gli alleati facevano la parata militare, prima all’ingresso della Casa del Cinema, poi davanti all’Hotel de la Ville, successivamente in piazza Unità proseguendo fino alla Questura, un tempo sede degli uffici del GMA,luogodifronte al quale spesso i triestini si raccoglievano in manifestazioni di protesta.
La nostra guida Francesca Pitacco farà conoscere i luoghiistituzionali del Governo Militare Alleato, raccontando anche diverse curiosità della vita quotidiana di quei nove anni in cui Trieste fu al centro della diplomazia e della politica internazionale.
Un racconto fatto di caffè e negozi per le truppe del GMA, di lezioni radiofoniche di inglese di Stanislaus Joyce, fratello di James, di palazzi requisiti dove sventolavano le bandiere degli Alleati, di quando in città una piccola galleria d’arte – la Galleria dello Scorpione in Ponterosso – ospitava artisti nazionali e internazionali, di parate militari sulle Rive, fino a riscoprire la topografia di quella che era una delle zone più “calde” e proibite per i soldati del GMA di stanza a Trieste: la Cavana “Out of Bounds” delle case chiuse.
Dettagli del tour: • domenica 22 marzo 2026 ore 10.30 • durata: 90 minuti • percorso senza particolari difficoltà • costo: 15 € a persona (pagamento in loco) • ritrovo: davanti a Palazzo Gopcevich in via Rossini 4 • prenotazione obbligatoria inviando una mail a: eventi@cizerouno.it
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