Con grande partecipazione di pubblico e una ricca presenza di artisti, curatori, editori e appassionati, si è conclusa ieri la quarta edizione di Liquida Photofestival, il festival indipendente dedicato alla fotografia contemporanea emergente, ideato e curato da Laura Tota e prodotto da PRS Srl Impresa Sociale, che ha trasformato per quattro giorni gli spazi di Palazzo San Daniele al Polo del ‘900 di Torino in un laboratorio aperto sulla fotografia d’autore del presente.

Il tema di quest’anno, “Il giorno in cui ricorderò”, ha attraversato l’intera programmazione, proponendo una riflessione visiva e poetica sul rapporto tra memoria e immagine, tra archivi privati e collettivi, tra ciò che resta e ciò che si trasforma. Le opere di oltre 40 autori e autrici, italiani e internazionali, hanno animato un percorso espositivo ricco e articolato, completato da incontri, presentazioni editoriali e letture portfolio.

“Questa edizione di Liquida Photofestival, la quarta, ha rappresentato un importante appuntamento all’insegna dell’inclusività: autori e autrici di ogni età, genere, ricerca e provenienza hanno portato a Torino uno sguardo caleidoscopico sulla fotografia contemporanea. Ottimi i riscontri del pubblico, che ha avuto anche l’occasione di confrontarsi con un tema attuale e urgente quale quello della memoria. Un ringraziamento speciale va a Greg. C. Holland, Sofiya Chotyrbok e Varvara Uhlik per aver partecipato al Guest Project What Echoes Remain, ai fotografi e alle fotografe della sezione Exhibition, e ai membri della giuria del Grant di questa edizione. L’appuntamento è per l’anno prossimo, con un nuovo tema e nuovi sguardi da scoprire“, ha dichiarato Laura Tota, direttrice artistica del festival.

La chiusura di Liquida è stata anche occasione per annunciare i progetti vincitori dei premi speciali. La vincitrice della Liquida Winter Edition è Giulia Gustavsen Angelini, autrice del progetto “Priesthood is also female”, che riflette in modo originale sui ruoli religiosi e sull’identità femminile. Angelini parteciperà alla prossima edizione invernale del festival, che si terrà durante Paratissima in Art Week. Il Fiuto Art Space Prize 2025 è stato assegnato a Lorenzo Gonnelli con “Acciaio”, una narrazione visiva tra materia, paesaggio e memoria industriale. L’artista sarà protagonista di una mostra personale presso Fiuto Art Space, spazio curatoriale diretto da Alex Urso, recentemente riconosciuto tra i “Luoghi del Contemporaneo” dal Ministero della Cultura.

Tra le novità più significative di questa edizione, si segnala il rafforzamento dell’impegno per l’inclusività, realizzato in collaborazione con interpreti in Lingua dei Segni Italiana (LIS). Le visite guidate accessibili e la traduzione degli interventi principali hanno garantito un’esperienza culturale realmente aperta e condivisa, in linea con la visione di un festival inclusivo, partecipativo e attento alla diversità dei pubblici. Anche sul fronte della sostenibilità, Liquida ha compiuto passi importanti. Il festival è infatti coinvolto in un percorso di certificazione ISO 20121, per l’adozione di pratiche responsabili nella gestione degli eventi culturali, in linea con i criteri ESG.

Con una proposta curata, inclusiva e sempre più riconosciuta a livello nazionale e internazionale, Liquida Photofestival si conferma come un punto di riferimento per la fotografia d’autore emergente e una voce capace di intercettare e valorizzare i linguaggi visivi del presente.

Unendo la moda alla storia, l’esposizione esalta l’incredibile legame tra le sue creazioni scultoree e gli ambienti di grande suggestione della monumentale residenza fondata dalla famiglia Pisani nella prima metà del XVIII secolo. Si avvia così un dialogo nuovo, imprevedibile e suggestivo, che cattura l’attenzione a partire dall’elemento che forse più degli altri ha caratterizzato da sempre le creazioni di Capucci: il colore.

Le opere di Capucci, che vanno oltre la concezione tradizionale di abito, sono vere e proprie sculture indossabili. Ogni sua creazione è concepita come un’opera d’arte tridimensionale, con linee, volumi e strutture complessi che si impongono quali vere e proprie “sculture viventi” o “sculture in movimento”. Questi capolavori non solo raccontano la maestria e l’ingegno di Capucci, ma diventano anche veicolo di emozioni.

L’introduzione di questi pezzi unici nelle stanze di Villa Pisani avviene nel segno di un incontro eccezionale: gli ambienti della Villa con la loro carica estetica diventano il contesto ideale per accogliere le creazioni di Capucci, nel segno di un connubio perfetto che fonde l’eleganza della moda con la monumentalità degli spazi storici, in una sintesi sorprendente. La mostra rappresenta quindi una duplice opportunità. Da un lato, offre la possibilità di immergersi nell’universo creativo di Roberto Capucci, uno dei pionieri della moda contemporanea, che ha saputo trasformare l’abito da semplice vestito a vera e propria opera d’arte. Dall’altro lato, rappresenta un invito a scoprire e apprezzare la bellezza storica di Villa Pisani sotto nuove prospettive. Attraverso questa esposizione, gli ambienti della Villa vengono in un certo senso riplasmati dalle sculture di Capucci, vere generatrici di spazio e di dinamismo cromatico capaci di fondersi armoniosamente con le decorazioni e le architetture della Pisani.

Ogni abito diventa una struttura che si innalza, si espande, si modella, proprio come un edificio che cresce nello spazio, interagendo con le sue linee, la sua luce e i suoi volumi. La presenza degli abiti nelle sale storiche suggerisce una visione di fusione tra il movimento e la staticità, tra il dinamismo della moda e la solidità dell’architettura. In questo scenario, l’interazione tra capolavori sartoriali e spazi storici apre una riflessione sulla natura della bellezza e sulla sua evoluzione. L’arte di Capucci, che gioca con forme scultoree e geometrie audaci, si fa ponte tra passato e presente, dimostrando che la moda non è solo tendenza, ma una fondamentale forma di espressione artistica e culturale.

Punto di partenza di questo dialogo è l’abito da nozze di Capucci ispirato ai colori del Tiepolo; con un corteo di altri quattro pezzi, esso sarà collocato nel cuore del grande Salone da Ballo, sotto lo straordinario cielo affrescato di uno dei maggiori capolavori dell’ariosa e luminosa pittura del XVIII secolo: l’Apoteosi della famiglia Pisani, apice della pittura di soffitto di Giambattista Tiepolo. Su questo abito convergerà un percorso espositivo articolato tra piano terra e piano nobile del complesso museale di Stra.

Le tre sale espositive del piano terreno offriranno tre importanti focus dedicati al colore nel lavoro di Capucci mentre negli antisaloni sud e nord del piano nobile – quasi un contrappunto al corteo di abiti del Salone del Tiepolo – una selezione di disegni del maestro e materiale fotografico d’archivio permetterà di gettare uno sguardo sul processo creativo del grande stilista.

La mostra, curata da Enrico e Paolo Alvise Minio della Fondazione Capucci e da Francesco Trentini, è promossa dalla Direzione regionale Musei Nazionali Veneto – Museo Nazionale di Villa Pisani in collaborazione con Suazes e la Fondazione Roberto Capucci.

Il progetto è realizzato dal Museo Nazionale di Villa Pisani con Suazes che lo scorso anno, negli stessi spazi ha organizzato una mostra dedicata al lavoro del fotografo Federico Garolla.

La Blue Gallery è lieta di annunciare Sguardo a distanza, mostra personale di Giuseppe Modica, visitabile dal 12 maggio al 12 giugno 2025. In questa selezione di opere recenti, l’artista siciliano indaga il concetto di distanza come strumento pittorico e percettivo. Primi piani e orizzonti lontani si alternano in un continuo dialogo, costruendo visioni sospese tra realtà e immaginazione, dove la pittura si fa soglia, filtro, riflessione. Un invito a uno sguardo “secondo”, più profondo e meditato.

Come sottolinea il curatore Silvio Pasqualini, il legame tra Modica e la Blue Gallery nasce da una coincidenza significativa: «Il blu è un colore che l’artista si porta dentro, da sempre. È il suo mare, la sua luce siciliana». Quel blu diventa cifra poetica e architettonica, elemento strutturale di un linguaggio che coniuga tensione metafisica e razionalità compositiva.

Nelle opere di Modica si riconoscono due piani fondamentali: «uno onirico, narrativo, e uno fortemente legato allo studio dell’architettura». I piani orizzontali e verticali si intersecano come coordinate simboliche per articolare spazi di memoria. Le sue immagini – paesaggi nitidi, finestre sospese, sagome allarmanti di navi da guerra – restituiscono una visione del mondo “a distanza”, dove la nostalgia si sublima e si fa bagaglio creativo.

Come evidenzia anche Claudio Strinati, Modica è oggi una delle voci più significative della pittura italiana contemporanea. La sua ricerca, nutrita di riferimenti che spaziano da Piero della Francesca a Mondrian, si distingue per l’equilibrio tra precisione prospettica e profondità spirituale. Ogni opera diventa così un viaggio mentale, «sospeso tra immobilità e vertigine».

Sguardo a distanza è un’occasione per attraversare una soglia invisibile, lasciandosi guidare dalla luce, dal blu e dalla memoria nell’universo pittorico di un artista che, attraverso la trasparenza e la riflessione, continua a interrogare la sostanza stessa della visione.

Giuseppe Modica – Note biografiche

Giuseppe Modica nasce a Mazara del Vallo nel 1953.  È artista affermato in ambito nazionale ed internazionale, tra i principali esponenti di una nuova metafisica nel panorama artistico italiano del secondo Novecento.

Le sue opere sono caratterizzate da atmosfere enigmatiche e indagano la pittura nelle sue varie articolazioni: da uno spazio misurato e fenomenico della superficie ad uno spazio illusorio ed immaginario della profondità; questa distanza ineffabile ed invisibile si concretizza nella cifra stilistica del suo linguaggio. In questo flusso circolare trovano un ruolo fondamentale il tempo, la luce e la memoria, nelle sue accezioni di memoria personale, culturale, antropologica.  

Giuseppe Modica ha studiato all’Accademia di Belle Arti di Firenze.  Nel 1986 si è trasferito a Roma, dove attualmente vive e lavora. È stato titolare della cattedra di Pittura all’Accademia di Belle Arti a Palermo, Macerata, Bologna, Roma e Direttore del dipartimento arti visive a Roma. 

Hanno scritto di lui, fra gli altri, studiosi come Maurizio Fagiolo dell’Arco, Claudio Strinati, Vittorio Sgarbi, Janus, Guido Giuffrè, Marco Goldin, Giovanni Lista, Sasha Grishin, Gabriele Simongini, Giovanni Faccenda, Francesco Gallo Mazzeo, Marcello Fagiolo, Giuseppe Appella; letterati e filosofi come Leonardo Sciascia, Antonio Tabucchi, Giorgio Soavi, Massimo Onofri, Rocco Ronchi, Roberto Calasso, Giorgio Agamben, Zhang Xiaoling, Ying Yinfei, Silvio Perrella, Roberto Deidier e altri. 

ALCUNE ESPOSIZIONI  

Ha esposto in Italia e all’estero, a partire dal 1973, in prestigiose retrospettive, rassegne museali e mostre personali. Fra  le altre si segnalano: 2024 Rotte mediterranee e visione circolare a cura di Maria Giuseppina Di Monte e Gabriele Simongini, Museo Andersen, Roma; 2022  Schema and Trascendence a cura di Chen Jian e Ying Yinfei, Zhejiang Art Museum, Hang Zhou; 2021 Giuseppe Modica Atelier 1990-2021 a cura  di Giuseppina Di Monte e Gabriele Simongini, Museo Andersen, Roma; 2018 Light of memory  a cura di Giorgio Agamben e Zhang Xiaoling, Accademia Nazionale Cinese di Pittura, Pechino; 2017 Phoenix Art Exhibition Musei Civici, Fenghuang; 2016-17 Atelier di Luce e di Memoria a cura di Donatella Cannova, Istituto Italiano di Cultura Sidney, Ambasciata Italiana Canberra e Istituto Italiano di Cultura Melbourne; 2016 collocazione del trittico  La Crocefissione di Luce nella Chiesa Madre di Gibellina, a cura di Marcello Fagiolo; 2015 La melancolie onirique de Giuseppe Modica, a cura di Giovanni Lista, Galleria Sifrein, Parigi; 2014 La luce di Roma a cura di Roberto Gramiccia, Galleria La Nuova Pesa, Roma; 2011 54° Biennale d’arte, Padiglione Italia Arsenale, Venezia; 2010 Inseguire la pittura  a cura di Laura Gavioli, Galleria Civica, Potenza; Roma e la città riflessa a cura di Claudio Strinati,  Palazzo di Venezia, Roma; 2007 La realtà dell’illusione a cura di Guido Giuffrè,  Galleria Civica, Marsala; 2005 L’enigma del tempo e L’alchimia della luce  a cura di Aldo Gerbino, Loggiato di San Bartolomeo, Palermo; 2004  Piero ed altri enigmi a cura di Giovanni Faccenda, Galleria Civica, Arezzo; “Riflessione” come metafora della pittura a cura di Claudio Strinati, Complesso del Vittoriano, Roma; 2002 La luce è la luce è la luce, a cura di Maurizio Fagiolo dell’Arco, Palazzo del Seminario,  Mazara del Vallo; 1999 XIII Quadriennale d’arte, Palazzo delle Esposizioni, Roma 

https://giuseppemodica.com

BLUE GALLERY

Situata tra Campo Santa Margherita e il Ponte dei Pugni a Venezia, con la nuova direzione si impegna a promuovere artisti basandosi esclusivamente sull’apprezzamento artistico e sul rispetto personale, respingendo le pratiche espositive convenzionali. Il direttore Silvio Pasqualini, Maestro d’arte e pittore, intende creare un cenacolo artistico ideale e reale, dove gli artisti possano esprimersi liberamente. Il  blu avio, colore distintivo di questo spazio, ispira sensazioni di benessere e creatività, come trovarsi tra cielo e mare

Dal 10 maggio al 14 giugno 2025, lo spazio post-industriale SAC – Spazio Arte Contemporanea di Robecchetto con Induno (MI) dedica una mostra a Ernesto Morales (Montevideo, Uruguay, 1974), dal titolo Di nuvole e di soglie, a cura di Nicoletta Candiani ed Ernesto Morales, e incentrata su due delle serie più note dell’artista: Clouds e Places.

I dipinti a olio su tela riflettono la ricerca artistica e concettuale che l’autore ha condotto negli ultimi dieci anni, muovendo dall’esplorazione della natura fluida ed effimera delle nuvole, di cui cattura l’eterna mutevolezza come metafora della condizione umana e dell’impermanenza della vita stessa (Clouds), alle rappresentazioni di luoghi, intrecciando memoria e percezione attraverso l’uso di colori e composizioni che evocano emozioni e ricordi (Places).

Transitorietà e trasformazione gli aspetti centrali della serie Clouds, in cui Ernesto Morales esplora il tema dell’effimero attraverso la rappresentazione pittorica delle nuvole, utilizzando un linguaggio visivo sospeso tra astrazione e figurazione, utile a indagare il confine tra materia e immaterialità, invitando lo spettatore a una riflessione sulla percezione del tempo e dello spazio.

Un effetto che l’artista ottiene attraverso una tecnica precisa e l’uso di cromie evanescenti, che danno vita ad atmosfere sospese, la cui ripetizione compositiva diventa un elemento di continuità e meditazione. Allo spettatore si apre così un panorama che attraverso l’evocazione e la contemplazione stimola uno spazio di riflessione intimo e sensoriale.

Nella serie Places, Ernesto Morales interroga la propria memoria alla ricerca di luoghi passati, che attraverso una pittura evocativa, caratterizzata da velature e sovrapposizioni cromatiche, trasforma in scenari sospesi tra realtà e immaginazione, paesaggi rarefatti che sembrano emergere da un tempo indefinito.

Tra architetture e dettagli che si dissolvono in atmosfere oniriche, la percezione dello spazio si fa inafferrabile e la riflessione volge nuovamente alla natura mutevole dell’esistenza e dei suoi luoghi, spazi sospesi tra ricordo e perdita, presenza e assenza, dove lo spettatore può vivere un’esperienza intima e profondamente contemplativa.

Ernesto Morales – Biografia

Ernesto Morales nasce nel 1974 a Montevideo, in Uruguay, e inizia il suo percorso artistico a Buenos Aires dove ha vissuto fino al 2006 per poi trasferirsi in Europa. Dopo un primo periodo a Parigi, stabilisce il suo studio in Italia, inizialmente a Roma e dal 2011 a Torino. 

La sua ricerca artistica lo ha condotto negli ultimi venti anni a realizzare mostre in musei e gallerie internazionali tra Europa, America e Sud-Est asiatico. Tra il 2009 e il 2025 ha rappresentato istituzionalmente Italia, Argentina e Uruguay con una serie di importanti esposizioni personali. Nel 2019 è stata inaugurata la sua retrospettiva “Mindscapes” a New York presso il Consolato Generale della Repubblica Argentina. Nel 2023 ha realizzato la mostra “Come fosse luce” in dialogo con l’opera di Lucio Fontana presso la Fondazione La Crescentina in Piemonte, Italia, e da novembre 2024 a febbraio 2025 realizza la sua mostra “The beginning and the light” presso il Rothko Museum in Lettonia.

Vincenzo Scolamiero espone sei grandi tele, concepite ad hoc per la Casa Andersen; la mostra s’incentra su due installazioni in perfetta sintonia con il luogo dove l’artista ha disperso le tracce della sua ispirazione: tra zolle, racimoli e frammenti donati dalla natura, con resti di opere incompiute del padrone di casa. 

Il concetto espositivo è, dunque, parte integrante della mostra, ne segna il tracciato e ne spiega l’intenzione. Non è soltanto un’installazione ma un percorso che entra in dialogo con il sito che Scolamiero vede cristallizzato nel tempo e carico di tracce di vita vissuta e di esperienze creative mosse da una volontà utopica: quella di immaginare una città ideale, sede di un laboratorio perenne in cui l’arte avrebbe dovuto incontrare la scienza, la filosofia, la musica, il pensiero religioso e quello estetico. 

Il progetto ideale di Hendrik Andersen, che è rimasto inattuato, ha animato la sua fantasia, segnandone la strada espressiva. L’utopia che resta un sogno perduto ma che non smette di emanare la sua forza immaginifica, si è concretizzata nel titolo della mostra, Come sogni perduti, che riporta una frase tratta dalla novella Lenz di Georg Büchner, molto amata da Scolamiero. Una metafora del viaggio folle e allucinato attraverso una natura vertiginosa e ostile. In essa egli riconosce la metafora della condizione dell’artista, inesorabilmente spinto a trovare un compimento della sua creatività, un approdo irrealizzabile e inafferrabile del suo sogno espressivo. 

Nelle sei tele, disposte come lungo un cammino, trova dunque concretizzazione figurativa ogni suggestione avvertita e vissuta intensamente dal pittore: l’incantevole chimera universalistica di Hendrik Andersen e il fascino di questo tempio utopico ancora intatto e oggi musealizzato, l’evocazione di una lettura che da anni stimola la sua immaginazione, la riflessione sul senso stesso del dipingere e dell’inseguire i propri fantasmi senza pace né tregua.

Scrive la curatrice, Maria Giuseppina Di Monte: «Una fantasmagoria di immagini poetiche che prendono spunto dalla natura e la rielaborano attraverso visioni istantanee che danno origine ad altre visioni oniriche; da un segno ne nasce un altro fino a saturare le tele in cui domina il verde e il bruno, colori della terra, molto presenti nelle opere dell’artista che sembrano scaturire proprio da un’orogenesi naturale».

Il carattere installativo della mostra si adatta all’ambiente, che nelle opere sembra alternare gli estremi di un sogno malinconico e struggente – la coppia di tele verticali nei due imbotti dell’atrio appaiono come fragili e cristalline cineserie che danno il benvenuto agli ospiti della casa che fu – e quelli di un’immersione a occhi aperti nelle viscere della terra nei quattro dipinti che, sostenuti da strutture di travertino di cava, chiudono il visitatore in un circuito compresso e inquietante. 

Dall’oro scintillante delle due tele d’ingresso, riacceso in superficie da sventagliate cromatiche rosse e verdi che ne muovono l’aria e ne livellano lo spazio, si passa dunque al folle viaggio attraverso un mondo instabile e misterioso, in cui le forze della natura, pacifiche sul plinto centrale, prendono vita e sconquassano gli animi, al ritmo ondulante delle forme che emergono da un fondo oscuro e ventoso. 

Non una mostra tradizionale o un’installazione, quella di Scolamiero a Casa Andersen è piuttosto un viaggio tra sogni e utopie, in cui l’arte è insieme ragione e immaginazione, realtà e sogno, sentiero illuminato e burrone profondissimo.  

Vincenzo Scolamiero – Note biografiche

Vincenzo Scolamiero è docente di Pittura presso il Dipartimento di Arti Visive dell’Accademia di Belle Arti di Roma, città nella quale vive e lavora. Sue opere sono conservate in importanti collezioni pubbliche e private. La sua prima personale si tiene nel 1987 presso la storica galleria Al Ferro di Cavallo di Roma, a cura di Antonio Alessandro Mercadante. Ha esposto in gallerie private e in rilevanti spazi nazionali e internazionali, tra Roma (Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Palazzo delle Esposizioni, Chiostro del Bramante, Galleria Comunale di Arte Moderna, Macro, Chiostro del Bramante), Milano, Venezia, Bologna, Torino, Rimini, Treviso, New York, Seul, Busan, Pechino, Shanghai, Fenghuang. L’ultima in ordine di tempo (2025) è la mostra Anatomia di un paesaggio-A. Bellobono, L. Coser, G. Frangi, V. Scolamiero a Palazzo Sarcinelli, Conegliano (TV), a cura di Fabio Cosentino e Alberto Dambruoso.

Si amplia MAGMA, lo spazio d’arte, bellezza e identità collettiva che ha preso vita nel cuore di Librino, dopo anni di instancabile lavoro all’interno delle scuole e tra le strade del quartiere, da parte del maestro Antonio Presti e del team di lavoro della Fondazione Fiumara D’Arte. Venerdì 9 maggio 2025, a partire dalle ore 9:30, saranno inaugurate tre nuove opere: “Le Grandi Madri”, “Cavalli Eretici” e “Cromatismo emozionale”. Alla presenza degli artisti Lynn Johnson (fotografa americana nota per i suoi contributi a National Geographic e Life), Monika Bulaj (fotografa e reporter polacca pluripremiata a livello mondiale) e Paolo Bini (pittore della Luce, artista contemporaneo che reinterpreta il paesaggio), il maestro Presti consegnerà alla comunità un vero e proprio polo culturale aperto ai turisti e accessibile a tutti, un’opera viva che si rinnova e che diventa narrazione corale del contemporaneo.

MAGMA – Museo a Cielo Aperto di Arte Contemporanea è un progetto sociale di rigenerazione urbana attraverso l’arte, l’etica e la condivisione: si sviluppa lungo Viale San Teodoro e Viale Grimaldi, trasformando Librino in un museo diffuso, dove le opere dialogano con lo spazio urbano e con la comunità del quartiere. Un progetto che continua il percorso avviato dalla Fondazione per restituire dignità estetica e culturale alle periferie, coinvolgendo artisti internazionali.

«Un disegno iniziato oltre 20 anni fa, che ha preso il via con la Porta della Bellezza e non si è mai fermato – sottolinea Presti – tre generazioni coinvolte, migliaia di cittadini innestati nel processo di riscatto e coesione sociale, che attraverso l’arte hanno respirato bellezza. Dopo la monumentale Porta delle Farfalle e le due installazioni magiche “La sognatrice” e “Il Bacio” di Fabrizio Corneli, arrivano tre opere che esplorano il legame tra memoria, spiritualità e territorio, offrendo nuove prospettive su temi universali come l’identità, il sacro e l’inclusione. Un ringraziamento di stima e affetto va al presidente della Regione Siciliana Renato Schifani per aver creduto e sostenuto la Triennale della Contemporaneità, all’on. Salvo Tomarchio, al sindaco di Catania Enrico Trantino, al Fondo di Beneficenza Intesa San Paolo, all’Università di Messina e all’ Istituto Nazionale di Architettura IN/Arch».

L’appuntamento di venerdì (alle ore 9.30) è nello spiazzo antistante il New Eden, dove si esibiranno i bambini delle scuole per festeggiare le mamme del quartiere – celebrate nelle gigantografie “Le Grandi Madri” – in occasione della Festa a loro dedicata del 10 maggio. Inoltre, venerdì 9 e sabato 10 maggio, dalle 17:00 alle 19:00, sarà possibile partecipare alle visite guidate gratuite a cura della Fondazione Antonio Presti, per vivere e comprendere appieno il valore simbolico e culturale delle opere nel contesto urbano in cui sono inserite.

MAGMA non è solo un museo, ma un atto d’amore verso la città, un progetto che parla ai cittadini, ai giovani, alle famiglie, promuovendo una cultura della bellezza aperta, partecipata e generativa.

Paola Curci, in rappresentanza del Polo del ‘900, ha dato il benvenuto a nome dell’istituzione ospitante, ricordando come il tema della memoria sia da sempre al centro della missione del Polo: “Siamo felici di ospitare Liquida, un progetto che dà spazio alla fotografia d’autore e, soprattutto, ai talenti emergenti, offrendo loro visibilità e ascolto in un contesto come il nostro”.

A portare i saluti della Città di Torino sono state Rosanna Purchia, Assessora alla Cultura della Città di Torino, e Sonia Cambursano, Consigliera Delegata della Città Metropolitana di Torino. Purchia ha salutato con entusiasmo questa nuova tappa del percorso artistico di PRS e del suo network: “Abbiamo accompagnato questo progetto fin dai suoi inizi, e oggi vedere Liquida prendere forma in uno spazio così ricco di significato ci inorgoglisce. Così come siamo molto felici di aver trovato una nuova casa per i prossimi eventi di PRS, che sarà svelata a breve: è un segno di rinascita culturale anche per la città”. Cambursano ha ribadito il sostegno dell’ente all’iniziativa, sottolineando la centralità della memoria come esercizio attivo e condiviso: “Questo luogo ci è molto caro, così come ciò che qui si realizza. La memoria è un muscolo che va esercitato. Liquida ha un valore non solo culturale e artistico, ma anche turistico: è un progetto capace di generare reti e visibilità internazionale per il nostro territorio”.

Lorenzo Germak, amministratore delegato di PRS Srl Impresa Sociale, ha raccontato la fase di trasformazione che la struttura organizzativa sta attraversando, definendola una “fase di nomadismo che rappresenta una grande opportunità”. A questa visione si lega l’impegno per una cultura più responsabile e attenta, come dimostra il lavoro avviato per ottenere la certificazione ISO 20121 sulla sostenibilità degli eventi. Un approccio che non si limita al festival, ma che coinvolge l’intera attività di PRS, e che si traduce in un sistema di gestione ispirato ai criteri ESG (Environmental, Social and Governance), attivo dalla pianificazione fino al post-evento.

A presentare la visione curatoriale di Liquida è stata Laura Tota, ideatrice e direttrice artistica, che ha definito il festival “un luogo pensato per dare eco a quelle autorialità che ancora non si sono affermate nei circuiti ufficiali della fotografia d’autore, ma che propongono sguardi potenti, personali, necessari”. Il tema di quest’anno, ha spiegato, è nato anche in relazione al luogo che ospita il festival, e vuole essere “un monito a non dimenticare, né come individui, né come collettività”. Tra i punti forti del programma, Tota ha illustrato le varie sezioni dedicate agli autori mid-career ed emergenti, la mostra collettiva “What Echoes Remain” con fotografie da Palestina e Ucraina, e la selezione Liquida Grant, che riunisce i vincitori delle call e dei premi assegnati in collaborazione con Artphilein, Iconic Artist, Discarded Magazine e ImageNation Milan.

Di particolare rilievo la sezione EdiTable, dedicata all’editoria fotografica indipendente e curata da Vittoria Fragapane di Artphilein, e che presenta per la prima volta anche un’opera nel suo spazio, “Yesterday We Were Girls” dell’artista americana Katie Prock, un’installazione che intreccia poesia e fotografia, costruendo un racconto visivo intimo e stratificato, perfettamente in sintonia con il tema della memoria personale e collettiva.

L’inaugurazione ha infine posto l’accento sull’importanza dell’inclusività, grazie alla presenza dell’interprete in Lingua dei Segni Italiana (LIS) che ha accompagnato la visita guidata e alcuni momenti ufficiali. “La collaborazione tra ENS e Liquida Photofestival segna l’inizio di un percorso di accessibilità che vogliamo portare avanti con impegno. Il nostro obiettivo, nelle future edizioni, è rendere il festival sempre più accessibile ed inclusivo, perché crediamo che la cultura debba essere un diritto di tutti”, sottolinea Serafino Timeo, Presidente ENS Consiglio Regionale Piemonte.

Liquida Photofestival proseguirà fino all’11 maggio presso il Polo del ‘900 di Torino. Tutte le informazioni utili su programmazione, orari e biglietti sono disponibili sul sito ufficiale: www.paratissima.it/liquida-photofestival-2025/

Con il patrocinio di Città di Torino, Città Metropolitana di Torino e Regione Piemonte
In collaborazione con Polo del ‘900
Media Partner: Collater.al Magazine, BMB Live Studio
Official Automotive Partner: Gino Spa, OMODA&JAECOO Italia
Powered by: Paratissima, PRS Srl Impresa Sociale.

È mancata la frase a effetto dal loggione: il nordamericano Robert Francis Prevost, nel rivolgersi ai centomila in piazza San Pietro e al mondo, ha preferito andare dritto ai problemi attuali e concreti, parlando in italiano, spagnolo, latino. Da nativo di Chicago, un saluto speciale lo ha indirizzato al popolo del Perù, il Paese con difficoltà economiche e sociali dove ha operato da missionario.

Viene definito un anti Trump e, in effetti, le sue sono state affermazioni nette, certo rivolte a tutti ma con un preciso richiamo ai Grandi, sul come intendere e vivere il cristianesimo.

Se questi sono i prodromi del pontificato, andrà ben oltre quel programma di cambiamento che Papa Francesco ha spesso annunciato più che praticato, forse frenato dall’apparato tradizionalista vaticano che in buona misura riesce a condizionare.

Già la scelta del nome ha una sua caratura: Leone, il primo dei quali detto Magno passò alla storia per aver fermato Attila; l’ultimo, Leone XIII fu quello dell’enciclica storica “Rerum novarum” su questioni sociali e lavoro.

Forte di una coerente preparazione, due lauree, una solida formazione che si è arricchita in famiglia con l’esempio e i consigli del padre, Leone XIV sa di dover affrontare i nuovi Attila che si aggirano da un capo all’altro del globo e ha scelto di iniziare la guida della Chiesa col forte monito da valere erga omnes: “La pace sia con tutti voi! Fratelli e sorelle carissimi, questo è il primo saluto del Cristo Risorto, il buon pastore che ha dato la vita per il gregge di Dio. Anch’io vorrei che questo saluto di pace entrasse nel vostro cuore, raggiungesse le vostre famiglie, a tutte le persone, ovunque siano, a tutti i popoli, a tutta la terra. La pace sia con voi!”

Pace, ponti, dialogo: appelli scontati nel lessico di un Papa che si connotano tuttavia per intensità perché lo stesso Prevost è un concentrato di vissuto internazionale: dall’Illinois, famiglia di migranti (il padre Louis Marius Prevost, aveva origini francesi e italiane; la madre, Mildred Martínez, era di origini spagnole) è andato missionario in Perù, per essere richiamato poi a Roma da Papa Bergoglio e occuparsi della nomina dei vescovi. Conosce bene quindi il Nord e il Sud America, al pari del sistema vaticano.

Per molti è stata una sorpresa, il suo volto non era circolato inizialmente nel toto-Papa, eppure qualcuno l’aveva previsto e ieri mattina il suo profilo veniva rilanciato come il più papabile.

Delusi quanti ritenevano che toccasse a un italiano, dopo decenni di papi stranieri: il nome super gettonato del segretario di Stato, Pietro Parolin, non trovava però precedenti nei conclavi dove “chi entra papa esce cardinale”.

Ora, nella storia bimillenaria della Chiesa, si apre un nuovo capitolo con un “figlio di Sant’Agostino” che punta alla pace “disarmata e disarmante” e a propiziare ponti.