Les raboteurs de parquet (I piallatori di parquet) è un dipinto del pittore francese Gustave Caillebotte, realizzato nel 1875. Nella sua tipica interpretazione impressionista, mostra tre uomini al lavoro, prestando molta attenzione all’effetto del controluce. L’opera è ora nella collezione del Musée d’Orsay di Parigi.

La prima grande mostra retrospettiva del lavoro di Caillebotte ha avuto luogo nel 1994, cento anni dopo la sua morte. Per gran parte del ventesimo secolo, il suo lavoro è rimasto quasi del tutto sconosciuto. Il motivo era che i dipinti di Caillebotte non potevano essere visti nei musei fino agli anni ’50. Non c’erano nemmeno immagini delle sue opere. Essendo benestante, non aveva mai sentito il bisogno di mettere in vendita il suo lavoro pittorico nel corso della sua vita. Inoltre, dopo la morte del fratello minore René nel 1876, fece redigere un testamento in cui stabiliva che la sua opera fosse lasciata in eredità allo Stato francese, ma che potesse essere esposta nei principali musei solo non appena fosse diventato evidente che il grande pubblico era in grado di apprezzare le sue opere impressioniste. Pierre Auguste Renoir dopo la sua morte, avvenuta nel 1894, in quanto esecutore testamentario, ebbe grandi difficoltà ad assecondare tale volontà. Ne conseguì che la famiglia decise di mantenere il possesso di tutte le opere. Fu solo negli anni ’50 che iniziarono a vendere il suo lavoro alla spicciolata e gradualmente il nome del pittore prese ad essere conosciuto anche dal grande pubblico.

Si verificò, tuttavia, un’eccezione a questa linea di condotta da parte degli eredi del pittore: nel 1897 lo Stato francese acconsentì alla raccolta di una collezione di quaranta dipinti impressionisti nel Musée du Luxembourg, una sorta di riconoscimento semiufficiale del movimento. Tra questi dipinti c’era anche un’opera di Caillebotte, aggiunta dall’amico Renoir: Les raboteurs de parquet. Per molto tempo questa rimarrà l’unica opera di Caillebotte a sfuggire all’oblio temporaneo. L’opera fu trasferita al Louvre nel 1929, alla Galerie nationale du Jeu de Paume nel 1947 e infine al Musée d’Orsay nel 1986, dove è tuttora esposta.

Gli impressionisti dipingevano non solo il lavoro rurale, come i pittori di Barbizon, ma anche il lavoro urbano. Caillebotte raffigura tre piallatori di parquet al lavoro, probabilmente nel suo studio in Rue de Miromesnil. Che Caillebotte abbia scelto un soggetto così apparentemente banale è stata una sorpresa per i suoi contemporanei ed è stata presa anche come una provocazione da parte di alcuni. Il comitato di selezione del salone di Parigi rifiutò quindi il dipinto e lo espose infine insieme ad altre sette sue opere nel 1876, durante la seconda grande mostra impressionista.

L’aspetto più sorprendente di Les raboteurs de parquet è l’illuminazione resa tecnicamente in modo estremamente intelligente che proviene sullo sfondo dalla portafinestra che immette sul piccolo balcone. Riflette il bagliore delle braccia e della schiena degli operai. Le strisce di laccatura scura sul pavimento risplendono di luce mentre le assi già sverniciate appaiono opache. I due uomini davanti eseguono lo stesso movimento. Stanno discutendo rivolgendo lo sguardo l’uno verso l’altro. Il collega che lavora in secondo piano sulla sinistra è tagliato fuori dal bordo dell’immagine, un principio fotografico che enfatizza l’idea dell’istantanea. La sua schiena corre parallela alla linea orizzontale della boiserie, ricordando certi studi di movimenti ritmici similari che possono vedersi nelle ballerine e nei cavalli da corsa di Edgar Degas. Dal punto di vista compositivo, c’è molta attenzione per una linea prospettica equilibrata.

Per questo dipinto relativamente grande (102×146,5 cm) Caillebotte ha prima realizzato uno schizzo più piccolo, che misura 26×39 cm. Un anno dopo dipinse un secondo quadro con il medesimo tema dei piallatori di parquet, detto anche “versione piccola” (31,5 x 39,5 cm.), anch’esso esposto alla seconda grande mostra impressionista, ora di proprietà privata.

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La Grenouillère e Bain à la Grenouillère sono due quadri dipinti quasi contemporaneamente e nello stesso luogo nel 1869 da Pierre-Auguste Renoir e Claude Monet, rispettivamente due pittori francesi. Entrambi sono annoverati tra le prime opere in cui i principi dell’impressionismo furono pienamente applicati. Il dipinto di Renoir può ora essere ammirato al Museo Nazionale di Stoccolma, quello di Monet al Museum of Modern Art di New York.

Intorno al 1870, il concetto di svago iniziò ad assumere un nuovo significato tra la borghesia parigina, soprattutto la domenica. Molti andavano “fuori” a passeggiare lungo la Senna, in cerca di luce e aria fresca. La costruzione di nuove ferrovie e altre forme di trasporto lo rendevano sempre più possibile.

Una delle destinazioni più popolari dei parigini era “La Grenouillère” (letteralmente: lo stagno delle rane), uno stagno vicino a Bougival. Si trovava sulla Senna, appena a monte di Le Port-Marly, vicino a Louveciennes, dove Renoir soggiornava allora con i suoi genitori, e alla frazione di Saint-Michel, dove Monet era andato a vivere alla fine del 1868. La Grenouillère era così popolare che anche Napoleone III e l’imperatrice Eugenia ogni tanto vi si recavano. Di solito, tuttavia, il pubblico era composto da visitatori più giovani e distaccati della borghesia benestante, che cercavano il loro intrattenimento lontano dalle preoccupazioni della vita quotidiana. La Grenouillère era regolarmente oggetto di vignette sulle riviste, spesso raffigurata come un luogo in cui la moralità civica era rilassata e dove si poteva amoreggiare.

Nell’estate e prima dell’autunno del 1869, gli amici Monet e Renoir sistemano regolarmente i loro cavalletti a La Grenouillère per dipingere, attratti dall’atmosfera rilassata e dalla luce solare. Entrambi i pittori realizzarono diversi quadri a seconda del tema, di solito seduti appena fuori dal trambusto, a volte cambiando leggermente posizione, in modo che più opere affiancate formassero quasi una sorta di panorama. Le opere qui discusse, con la rappresentazione centrale del pontone, il ristorante che si estende sul fiume a destra e il noleggio di barche in primo piano (i bagni a sinistra sono fuori vista), sono i più noti e sono considerati quelli di maggior successo dal punto di vista artistico.

I due dipinti risalgono a un periodo in cui l’Impressionismo, di cui Renoir e Monet furono importanti esponenti, stava appena iniziando ad assumere il suo carattere definitivo. Le peculiarità erano quasi tutte presenti in queste opere: l’attenzione all’atmosfera e all’impressione passeggera, la pennellata spontanea e sciolta, gli spessi strati di pittura, la pittura en plein air e soprattutto: una particolare attenzione agli effetti della luce solare. Colpisce anche la tecnica del “taglio” sui lati e sulle barche davanti, influenzata dalla fotografia e dall’incisione giapponese, che ha dato alle opere un tocco di modernità.

Le due scene sono inequivocabilmente simili, non solo per il soggetto, dipinto da punti di vista quasi identici, ma anche in termini di stile. Tuttavia, c’erano già chiare differenze che si sarebbero rivelate esemplari per rivelare la cifra stilistica tra Renoir e Monet.

In termini compositivi, ad esempio, Monet sembra chiaramente prestare maggiore attenzione a ciò che si vede intorno al pontone, in particolare al gioco atmosferico tra luci e ombre. Le sue figure appaiono come accenti nel paesaggio circostante, in contrasto con le miscele sottilmente tenui della sua tavolozza. Il suo stile disinvolto e abbozzato fornisce l’idea del movimento e la sensazione di vicinanza. Con la sua pennellata più ampia è in grado di rappresentare i riflessi increspati della luce del sole nell’acqua meglio del suo amico Renoir. A volte queste spazzate astratte sembrano giacere quasi liberamente sull’acqua, il che crea anche un’idea di spaziosità.

Renoir presta chiaramente maggiore attenzione agli eventi sociali e all’interazione tra le persone, come aspetto della vita moderna. Disegna anche le sue figure in modo più preciso e delicato, con le quali riesce giustamente a toccare l’atmosfera animata della compagnia. È anche più forte nella composizione dei colori, un aspetto che diventerà poi il suo marchio di fabbrica.

Tuttavia, le differenze tra le due opere sono velate dalle somiglianze. Il modo in cui Monet e Renoir dipingevano le loro opere a Grenouillère, con potenti spruzzi di colore, si adattava perfettamente alla rumorosa turbolenza di una folla rumorosa e al gioco di riflessi di luce colorata sulla superficie inquieta dell’acqua. Il concetto di “impressione” ha trovato qui il suo decisivo equivalente. “Nei quadri di La Grenouillère – scrive lo storico dell’arte Peter Feist – nasce quello che cinque anni dopo prese il nome di Impressionismo.

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La classe de danse (La classe di balletto) è un dipinto del pittore impressionista francese Edgar Degas, realizzato tra il 1873 e il 1876. Mostra le ballerine del corpo dell’Opéra di Parigi, in attesa della valutazione del loro maestro Jules Perrot. Il conte Isaac de Camondo, noto collezionista di arte impressionista, lasciò in eredità il dipinto al Louvre nel 1911. Dal 1986 è al Musée d’Orsay di Parigi. Nel museo francese si può vedere una variante del dipinto conservato al Metropolitan Museum of Art di New York.

Dall’inizio degli anni ’70 dell’Ottocento, Degas dipinse una vasta serie di scene rivoluzionarie per l’epoca, con il tema del balletto e del teatro. Solitamente ritraeva le ballerine durante le prove o nel backstage, quasi casualmente, in un momento di spensieratezza. Era particolarmente affascinato dalla forma umana e mostrava le sue eccellenti capacità di disegno, influenzato da Dominique Ingres. “Un ballerino – scrisse una volta – mi permette di dipingere bellissimi tessuti e rappresentare il movimento”. Per quasi tutte le sue opere ha realizzato numerosi schizzi come studi preliminari. L’influenza degli impressionisti è particolarmente evidente nella pennellata vivace e nei colori chiari e luminosi. Di solito usa una tavolozza di colori limitata, con molto bianco, che alterna con accenti di colore puro. Inoltre, è possibile anche la stampa giapponese e la fotografia siano citate come importanti fonti di ispirazione, soprattutto nella composizione. Il pittore, infatti, ha spesso lavorato con tagli laterali, posizionamento decentrato delle figure e divisioni strette della superficie. I suoi dipinti erano altamente innovativi per il suo tempo, ma allo stesso tempo conservavano le linee tecnicamente forti, qualcosa di classico, che mostrava l’ammirazione di Degas per i vecchi maestri olandesi.

La classe de danse è una delle opere più ambiziose di Degas e la sua prima grande tela di ballerine. Ha iniziato il dipinto nel 1873, commissionato dal cantante d’opera Jean-Baptiste Faure, una delle poche commissioni che Degas accettò durante la sua vita. Tuttavia, ha combattuto molto con la composizione e all’inizio il lavoro è progredito lentamente. Nondimeno, poiché Faure insisteva per ottenere il suo dipinto in tempo, Degas realizzò una variante dell’opera in un periodo di tempo relativamente breve nel 1874, che consegnò nel novembre di quell’anno. Nel frattempo, aveva già esposto la prima versione, non ancora del tutto completata, durante la prima grande mostra impressionista nel marzo 1874. Continuerà poi a lavorare sul dipinto fino al 1876 prima di considerarlo completo.

La classe di balletto mostra le ballerine del corpo dell’Opera di Parigi, in attesa della valutazione del loro insegnante Jules Perrot. La sala è illuminata da una grande finestra invisibile sulla destra. È chiaramente percepibile che la lezione sta volgendo al termine. Le ballerine sono stanche e da tempo hanno smesso di prestare la massima attenzione al loro insegnante. Si grattano la schiena, si allungano, giocherellano con un orecchino o si sistemano i vestiti. Sembra che non si accorgano dello sguardo velato del pittore. La figura del Perrot, che già allora aveva cessato di insegnare, fu aggiunta al dipinto solo nel 1875, basato su uno schizzo precedente che ha utilizzato anche per la variante del dipinto per Faure. Colpiscono anche i vari dettagli dell’opera, come la luce rosata sul polpaccio della danzatrice in primo piano, il cane, la brocca dell’acqua e le lesene accuratamente elaborate.

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