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FONDAZIONE ROCCO GUGLIELMO presenta:

BEATRICE GALLORI

“CODEX”

a cura di Luca Beatrice

Museo MARCA – Catanzaro

4 giugno 2022 – 31 agosto 2022

Sabato 4 giugno, promossa dalla Fondazione Rocco Guglielmo, in collaborazione con la Provincia di Catanzaro, Fabbrica eos Milano e Aria Art Gallery di Firenze,inaugura al Museo MARCA di Catanzaro “CODEX”, la nuova personale di Beatrice Gallori, a cura di Luca Beatrice e con testo critico di Alessandra Frosini, un’esposizione che si configura come incredibile attraversamento creativo di una lunga ricerca artistica e personale.

Attraverso l’utilizzo di polimeri e di altri materiali, sintetici e non, insistendo sulla sfera come forma, le opere di Beatrice Gallori esprimono il concetto della trasformazione, della metamorfosi e, al contempo sono capaci di condensare nella materia l’essenza della natura organica delle cose. Con le sue superfici monocrome l’artista rinuncia alla figurazione interessandosi all’osservazione delle strutture primordiali del tessuto di cui è costituito l’universo, microscopico e cellulare, avvalendosi di una scelta estetica minimale, astratta eppure vivacemente pop.

“Le cellule segnate dal tempo rimangono appese infinitamente ai codici della vita” – questo il fulcro del pensiero dell’artista, che trova spazio all’interno della mostra “CODEX”. Nella sua pratica artistica Beatrice Gallori ha costruito, come scrive Luca Beatrice,curatore della mostra, “un suo personale universo fatto di un repertorio coloratissimo di micromondi da cartoon, di pianeti, costellazioni di cellule ispezionate nel suo laboratorio alchemico nel centro storico di Prato. Un universo astratto fatto di forme e colori elementari, di blob gassosi e bolle, nuclei e sezioni inglobati nella parete altrimenti bidimensionale del quadro“.

Ricerca e sperimentazione caratterizzano l’intero percorso della Gallori che, come annota il curatore, “dalle opere di richiamo Nouveau Realisme (per l’inclusione di oggetti, corde, scatole, fili, maglie) è approdata all’uso consapevole del monocromo e della vernice per una versione che può dirsi rivisitazione new pop dello stile materico delle Plastiche di Alberto Burri”.

La mostra al MARCA propone una serie di opere inedite che sono testimoni del percorso di questa appassionata ricerca espressiva, opere realizzate utilizzando acciaio e marmo, medium mai utilizzati finora dall’artista, che trovano spazio accanto a lavori su polimero, tela e ceramica. Opere organizzate in diverse stanze cromatiche: dai colori metallici al bianco, dal rosso al blu.

L’artista sceglie materie sintetiche per costruire e ricoprire le superfici concave e convesse ottenute per colatura e sovrapposizioni di forme influenzate, in questo, dalla cultura 2.0 di visioni digitali e di una stagione cromatica plastificata e virtuale.  L’effetto lucido e patinato conduce lo spazialismo di Beatrice Gallori nel mondo più contemporaneo di una cultura post-internet e della glitch art, dove la palette cromatica di Photshop detta le regole per una nuova scala pittorica.

“Rapportandosi con la storia dell’arte e con quella sociale e culturale del suo tempo Beatrice Gallori presenta una visione indipendente e centrata, un racconto aniconico di come la pittura può rinnovare linguaggio, stile e tecniche preservando l’efficacia di una narrazione che crede nell’astrazione ma non rinuncia al fascino di raccontare la vera natura del mondo sensibile”.

BEATRICE GALLORI – biografia

Beatrice Gallori nasce a Montevarchi nel 1978. Nel 2001 concretizza la sua passione per la moda ed il design frequentando l’Istituto Polimoda di Firenze specializzandosi in Fashion Design e Maglieria. Il suo lavoro è monocromatico e volumetrico, la sua ricerca è incentrata sullo studio del movimento, che ricrea sia in tela che in scultura. Collabora stabilmente con diverse gallerie italiane e internazionali e le sue opere sono presenti in varie collezioni pubbliche e private. Attualmente sta portando avanti la sua ricerca sul mondo cellulare, sperimentando con diversi materiali e tipi di pigmentazioni.

FONDAZIONE ROCCO GUGLIELMO

La Fondazione Rocco Guglielmo è considerata nel panorama dell’arte contemporanea una tra le più importanti istituzioni culturali del Sud Italia. Costituita nel 2010 a Catanzaro, dal Notaio Rocco Guglielmo, è un’istituzione culturale aperta, un laboratorio d’idee, con un articolato programma di attività nel settore delle arti visive volte a favorire la conoscenza dei linguaggi contemporanei: mostre, workshop, seminari, reading, appuntamenti tematici e giornate di studio. Coniugando rigore scientifico e interesse per la ricerca, in questi anni la Fondazione ha realizzato importanti mostre monografiche a carattere storico. Tra esse ricordiamo “Corpo Elettronico” (la prima mostra interamente dedicata alla videoarte italiana); “Lo Sguardo Espanso” (retrospettiva dedicata alla storia del cinema italiano d’artista); “Artisti nello Spazio” (collettiva dedicata alla storia dell’arte ambientale italiana). Numerose sono, poi, le mostre personali dedicate ad artisti di grande rilievo come Aurelio Amendola, Alberto Biasi, Cesare Berlingeri, Aron Demetz, Chiara Dynys, Giosetta Fioroni, Pino Pinelli, Turi Simeti, Emilio Scanavino e molti altri. Tutte le iniziative proposte sono concepite secondo una logica di programmazione “glocal”, capace cioè di trattare i contenuti culturali da una prospettiva globale – incline alla contaminazione internazionale – ed agire, per la loro valorizzazione, in maniera locale – facendo leva sulle risorse del territorio, le professionalità in esso presenti e le sue eccellenze.

Beatrice Gallori: “Codex”
Museo MARCA, Catanzaro
4 giugno 2022 – 31 agosto 2022
Inaugurazione: Sabato 4 giugno 2022

INFO:
Museo MARCA
Via Alessandro Turco 63, 88100 – Catanzaro
Telefono: +39 0961 746797
info@museomarca.com / www.museomarca.info
Orari: 9.30-13.00 e 15.30-20.00, chiuso il lunedì
Ingresso intero Euro 4,00 – ridotto Euro 3,00

Fondazione Rocco Guglielmo
Corso Mazzini 4, 88100 – Catanzaro
www.fondazioneroccoguglielmo.it / info@fondazioneroccoguglielmo.it
Telefono: +39 0961745517 

UFFICIO STAMPA
Daccapo Comunicazione
www.daccapocomunicazione.it / info@daccapocomunicazione.it
Telefono: +39 3408288293 (Ester Apa) / +39 3397050840 (Marcello Farno)

Visto il grande successo e a grande richiesta, proroga fino al 26 giugno la mostra Monet e gli Impressionisti in Normandia al Museo Revoltella di Trieste.
Un’occasione unica per conoscere e poter apprezzare un eccezionale corpus di oltre 70 opere che racconta il movimento impressionista e i suoi stretti legami con la Normandia.
Pittori come Monet, Renoir, Delacroix e Courbet – in mostra insieme a molti altri – colgono l’immediatezza e la vitalità del paesaggio normanno imprimendo sulla tela gli umori del cielo, lo scintillio dell’acqua e le valli verdeggianti della Normandia, culla dell’Impressionismo.

Monet e gli Impressionisti in Normandia

Prorogata fino al 26 giugno

La mostra “Monet e gli Impressionisti in Normandia” è incentrata soprattutto sul patrimonio della Collezione Peindre en Normandie – tra le collezioni più rappresentative del periodo impressionista – affiancata da prestiti provenienti dal Belvedere di Vienna, dal Musée Eugène-Boudin di Honfleur e da collezioni private e ripercorre le tappe salienti della corrente artistica: opere come Falesie a Dieppe (1834) di Delacroix, La spiaggia a Trouville (1865) di Courbet, Tramonto, veduta di Guernesey (1893) di Renoir – tra i capolavori presenti in mostra – raccontano gli scambi, i confronti e le collaborazioni tra i più grandi artisti dell’epoca che – immersi in una natura folgorante dai colori intensi e dai panorami scintillanti – hanno conferito alla Normandia l’immagine emblematica della felicità del dipingere.

La mostra, promossa e organizzata dal Comune di Trieste – Assessorato alle politiche della cultura e del turismo, con il supporto di Trieste Convention and Visitors Bureau e PromoTurismo FVG, in collaborazione con BRIDGECONSULTINGpro e Ponte – Organisation für kulturelles management GMBH, è prodotta da Arthemisia ed è curata da Alain Tapié.

La mostra è sostenuta da Generali Valore Cultura, vede come special partner Ricola ed è consigliata da Sky Arte.
Catalogo edito da Skira.

SEDE
Museo Revoltella
Via Armando Diaz, 27
34123 Trieste (TS)

INFORMAZIONI
T. +39 040 982831
www.arthemisia.it
www.triestecultura.it
www.discover-trieste.it

ORARI
Dal lunedì alla domenica e festivi 9:00 -19:00
Martedì chiuso
(la biglietteria chiude un’ora prima)

Hashtag ufficiale
#ImpressionistiTrieste

UFFICIO STAMPA
Arthemisia
Salvatore Macaluso
sam@arthemisia.it | M. +39 392 4325883
press@arthemsia.it | T. +39 06 69308306

Roma, 27 maggio 2022 – Dal 10 al 16 giugno 2022, il WeGil di Roma, hub culturale della Regione Lazio nel quartiere Trastevere, gestito dalla società in house LAZIOcrea, ospita THE CAPTURED HOUSE. ROME: 200 opere di artisti ucraini contemporanei che documentano la guerra in Ucraina e incoraggiano il pubblico internazionale a parlare dell’Europa come della “nostra casa comune”.

Il titolo della mostra vuole ricordare quel senso di costrizione alla fuga che sta vivendo il popolo ucraino ed è preso in prestito dal libro di Julio Cortázar, Casa Tomada, il cui protagonista è costretto a fuggire dalla propria casa invasa da una forza sconosciuta e da un male incommensurabile.

THE CAPTURED HOUSE. ROME

10 – 16 giugno 2022
WeGil – Trastevere, Roma

200 Opere di 50 artisti ucraini contemporanei
documentano la guerra in Ucraina

L’esposizione è promossa dalla Regione Lazio e organizzata dall’Agenzia PORT di Kiev con il supporto del Ministero degli Affari Esteri dell’Ucraina, del Ministero della Cultura e della Politica dell’Informazione dell’Ucraina e vede il coinvolgimento dell’Agenzia Statale dell’Ucraina per l’Arte e l’Educazione Artistica.

Curata da Katya Taylor, che nel 2022 ha creato la Artists Support Ukraine Foundation per aiutare gli artisti ucraini negli hotspot dall’inizio del conflitto, l’esposizione è composta da testimonianze, interpretazioni, ricordi, oggetti che conservano ancora il calore dei loro proprietari e non vuole solamente raccontare gli orrori della guerra, ma essere uno “spazio comune” dove reagire.

Alevtina Kakhidze, Vlada Ralko, Dariia Koltsova, Mikhail Ray, Kinder Album, Evgeniy Maloletka, Maks Levin, Hamlet Zinkivskyi, Ihor Husev, Masha Shubina, Zolotar (Oleksiі Zolotariov), Stas Zhalobniuk, Volodymyr Budnikov sono solo alcuni dei nomi presenti in mostra.
Dopo l’attacco della Russia, molti di questi artisti sono rimasti a lavorare nelle città di Kiev, Kharkiv, Cherson e Donetsk e le loro opere esposte oggi a Roma hanno visto la luce durante l’invasione.

“Il compito della mostra The Captured House non è solo quello di informare il pubblico, ma di immergersi nell’atmosfera in cui si trovano oggi gli ucraini. Questo è l’unico modo per sentire cosa sta realmente accadendo e perchè questa guerra dovrebbe essere fermata immediatamente” – ha affermato Katya Taylor, co-organizzatrice del progetto e curatrice della mostra.

La mostra THE CAPTURED HOUSE. ROME, che ha visto come prima tappa Berlino nella sede dell’Alte Munze Art Center nello scorso maggio e che dopo Roma andrà a Parigi e ad Amsterdam, avvicina il pubblico al popolo ucraino attraverso interpretazioni, simboli e codici culturali immergendo lo spettatore nel tragico momento storico che stiamo vivendo, facendo appello ai valori di pace, giustizia e uguaglianza.

PORT – Agenzia di gestione culturale
Fondata a Kiev nel 2017 dalla curatrice e art manager Katya Taylor, l’agenzia ha organizzato dozzine di progetti artistici su temi socialmente importanti insieme a UN Women, UNICEF, European Anti-Corruption Initiative in Ukraine, Ministero degli Affari Esteri dell’Ucraina e altre organizzazioni internazionali e ucraine.
Nel 2022, Katya Taylor ha creato la Artists Support Ukraine Foundation, che aiuta gli artisti ucraini negli hotspot dall’inizio della guerra.

THE CAPTURED HOUSE. ROME
WeGil, Trastevere – Largo Ascianghi 5, Roma

Inaugurazione: 10 giugno ore 18.30
Ingresso gratuito
Apertura al pubblico: 10 – 16 giugno 2022; tutti i giorni ore 10.00 – 19.00

Uffici stampa
Angelika Burkina, | M. +39 389 9918808 | slg.ivent@gmail.com
Valeria Radkevich | M. +39 348 3169405 | valeriya.radkevych@gmail.com

Ufficio stampa mostra
Adele Della Sala | M. +39 366 4435942 | ads@ufficiostampa-arte.it
Anastasia Marsella | M. +39 380 3079809 | am@ufficiostampa-arte.it

Sito web https://thecapturedhouse.com/
Pagina evento facebook The Captured House. Rome Facebook

Dopo la performance e l’esposizione all’interno del Museo Storico Navale della Marina Militare di Venezia, di cui hanno parlato i media nazionali, la gondola poetica di Marco Nereo Rotelli si immerge nelle acque della laguna, carica di rifiuti, portata dal gondoliere Vito Redolfi Tezzat, da Venezia per poi proseguire la navigazione verso la Milano Design Week con il suo messaggio ambientale.

Il concept di arte phygital, multicanale ed immersiva di Ever in Art® si evolve ancora, dando vita a un nuovo capitolo di Clean Water, Please con un evento ibrido, fatto di opere, suoni, luci e colori, fruibili nel mondo reale ma anche nel Metaversi grazie alla loro trasposizione su NFT, ed ha un particolare senso la sua presenza in una manifestazione impor- tante come quella milanese dedicata quest’anno alla “rigenerazione”.

Nella performance milanese, l’arte del Maestro Rotelli si sposerà con l’opera sonora “Dopo il Diluvio” di Alessio Bertallot, travalicando i confini tra i linguaggi e fluendo dal reale al virtuale, per proiettarsi nel mare del Metaverso.

Ever in Art® promuove l’unione di arte ed economia circolare. Nel primo capitolo del progetto Clean Water, please di Rotelli, il prezioso lavoro dei Gondolieri Sommozzatori Volontari di Venezia che dedicano il loro tempo libero a pulire i fon- dali della laguna si trasforma in un’opera d’arte partecipativa, che vede il suo debutto nella performance durante i giorni di apertura della Biennale Arte, con un’incredibile affluenza di visitatori, ed il suo culmine nell’esposizione della gondola artistica, carica di rifiuti, nobilitati dall’arte di Rotelli, al Museo della Marina Militare.

La gondola, che nell’immaginario collettivo rappresenta il romanticismo, l’amore e la bellezza, assurge con questo pro- getto a luogo del nuovo essere. Naviga con il suo messaggio verso Milano, dove sarà esposta nel Cortile d’Onore del ‘600 dell’Università Statale di Milano in occasione della Design Week per Interni Design Re-Generation. Gli oggetti riemersi dipinti da Marco Nereo Rotelli di blu Klein, il colore dell’infinito, sovrastano la gondola, la cui rotta irreversibile è un mare pulito.

Naviga, la gondola poetica, travalica i confini tra i linguaggi e fluisce dal reale al virtuale per proiettarsi anche nel mare del Metaverso. Nel grande schermo che completa l’opera sarà possibile “viaggiare” in una Venezia immaginaria dove gli oggetti riemersi e dipinti da Rotelli di blu diventano NFT.

L’installazione visiva è accompagnata dall’opera sonora “Dopo il Diluvio” di Alessio Bertallot. È una visione su un mare che ha riconquistato ciò che l’uomo aveva sistematicamente occupato. Dalle profondità di un’apparente serenità ondulatoria del suono elettronico, riaffiorano corrotte citazioni della Musica Classica: Debussy, Poenitz, Satie, Pachelbel, Hasselman, suonate dall’arpista Donata Mattei. Sono relitti di una civiltà scomparsa che Bertallot ha trasformato, rallentato, sovrap- posto, rese aritmiche e subacquee utilizzando la tecnica “Chopped & Screwed” e ispirazioni compositive del Minimalis- mo. È una serena, inconsapevole, contemplazione di naufragi.

Ever in Art® stimola a considerare gli effetti indiretti delle nostre azioni ed invita a comprendere meglio l’importanza dell’ambiente con i suoi progetti artistici cross-world, dall’impatto sociale, economico o ambientale, fruibili nel mondo reale e virtuale. Tutti i progetti artistici hanno l’obiettivo di utilizzare l’arte analogica e digitale come mezzo concreto per nobilitare e valorizzare le azioni virtuose promosse da privati, corporations e associazioni con iniziative di salvaguardia. L’idea della metamorfosi, del riciclo, della possibilità che l’Arte ha di cambiare il destino delle cose è quindi anche la base concettuale di Clean Water, please, un progetto dedicato al mare e alla responsabilità di comunicare bellezza implemen- tato con le potenzialità del digitale e della Blockchain. Le opere e le performance di Ever in Art® si trasformano così in pezzi unici e insostituibili di dati, per fornire a collezionisti e appassionati una miriade di opportunità per portare i beni del mondo reale e le azioni di salvaguardia nell’universo digitale 3D.

Ever in Art – Clean Water, Please  Dal 6 al 13 giugno 2022
Cortile d’Onore, Università degli Studi di Milano, Via Festa del Perdono 7 

www.everinart.com
info@everinart.com

Ufficio stampa:
FREE TRADE Roma
Melina Cavallaro – melina@freetrade.it 
Valerio De Luca – valerio@freetrade.it 

IMMAGINE DI APERTURA: Marco Nereo Rotelli, Ever in Art, Clean Water Please Project,
Fotoinserimento gondola Interni Statale Milano

Dal 4 maggio all’8 giugno 2022, IPERCUBO a Milano (corso di Porta Ticinese 87) ospita la prima personale italiana di Ivan Grubanov (Belgrado, 1976), che ha rappresentato la Serbia alla Biennale d’Arte di Venezia nel 2015.

MILANO | IPERCUBO

FINO ALL’8 GIUGNO 2022

SKIN NATION CLASS

LA PRIMA PERSONALE ITALIANA DI

IVAN GRUBANOV

L’artista serbo ha rappresentato il suo paese alla Biennale d’Arte di Venezia del 2015.

Il percorso espositivo presenta Skin Nation Class, un grande polittico di oltre 10 metri di lunghezza e tre dipinti della serie Motto paintings.

“Nel 2015, alla Biennale d’Arte di Venezia – afferma Ivan Grubanov – ho esposto l’installazione United Dead Nations, un affresco di 200 mq, dipinto con le bandiere di paesi che non esistono più. L’innesco iniziale e il sentimento alla base di questo lavoro è stata la mia esperienza delle guerre nella ex Jugoslavia e l’urgenza di trascenderla attraverso l’arte”.

“La mia riflessione sulla nozione di rappresentazione dello spirito nazionale nelle arti – prosegue Ivan Grubanov – ha dialogato molto bene con il pubblico italiano e ha avuto numerosi riscontri significativi. Con questa mia prima personale in Italia ho voluto presentare un nuovo corpus di opere che approfondisce ulteriormente l’idea di nazione in un momento in cui le ripercussioni di questa stessa definizione avevano dato inizio a una nuova guerra in Europa, offre un’altra, sebbene triste e contraddittoria, occasione di confronto con i visitatori italiani”.

Da IPERCUBO, l’artista serbo espone Skin Nation Class, titolo che dà il nome all’intera rassegna. Si tratta di un grande polittico (lungo oltre 10 metri) composto da sei tele quadrate, la cui superficie è realizzata assemblando ritagli di tela e bandiere della Jugoslavia macchiate, recuperate da edifici pubblici e monumenti, che si riferiscono alla natura convenzionale e spesso forzata di stato-nazione. Al centro, è incastonato uno specchio nel quale lo spettatore si rifletterà, instaurando un rapporto di profonda simbiosi tra sé e l’opera d’arte. In questo lavoro, Grubanov esplora i limiti dell’arte come strumento per condurre a un cambiamento sociale e per documentare e interpretare la storia.

Completano il percorso espositivo tre Motto paintings, dipinti su cui Grubanov ha riportato le scritte dei motti nazionali che compaiono sugli stemmi ufficiali dell’Unione europea, dei Paesi Bassi e di Panama. Questi motti richiamano a un potere quasi magico e rimandano al modo in cui i cittadini s’identificano con gli ideali di un paese.

Ivan Grubanov. Note biografiche

Ivan Grubanov (Belgrado, 1976) si è formato all’Accademia di Belle Arti di Belgrado, alla Rijksakademie van beeldende kunsten ad Amsterdam, ai Delfina Studios a Londra e alla Casa de Velazquez a Madrid.

Tra le mostre personali si ricordano quelle al Padiglione della Serbia alla LVI Biennale di Venezia, alla Galleria Ron Mandos di Amsterdam, al Museo Nazionale d’Arte Contemporanea di Atene, alla Loock Galerie di Berlino, al Laboratorio 987 al MUSAC di Leon, a Le Grand Cafe Centre d’Art Contemporain di St Nazaire, alla Galleria del Centro Culturale di Belgrado e al Salone del Museo di Arte Contemporanea di Belgrado, allo Stroom Center for Contemporary Art di Den Haag, a Nogueras Blanchard a Barcellona, all’Expodium di Utrecht.

Ha partecipato a numerose mostre collettive; come quelle al Museum of Contemporary Art di Cracovia, al Witte de With a Rotterdam, a Kiasma a Helsinki, al 3° Festival Internazionale di Arte Contemporanea di Algeri, alla X Biennale di Istanbul, alla I Biennale di Salonicco, allo Stedelijk Museum CS, SMART Project Space e De Appel ad Amll’sterdam, al Drawing Center e all’Apex Art di New York, alla City Gallery di Praga, al 50° Salone di ottobre di Belgrado, alla Biennale del porto termale di Banja Luka, alla III Biennale dei Giovani Artisti di Bucarest, la Moderna Galerija di Lubiana, alla III Biennale di Tirana, alla III Biennale del Quebec, alla Kunsthalle Bern, all’Office Baroque ed Extra City Kunsthal ad Anversa, all’Aeroplastics a Bruxelles, alla South London Gallery, all’ARCOS Museum a Benevento, al Museum De Beyerd a Breda, all’Henie Onstad Art Center a Oslo, al Museu Colecção Berardo a Lisbona, allo Iaspis a Stoccolma.

IVAN GRUBANOV. Skin Nation Class
Milano, IPERCUBO (corso di Porta Ticinese 87)
4 maggio – 8 giugno 2022

Orari: dal lunedì al venerdì, dalle 15 alle 19, o su appuntamento

Ingresso libero

Informazioni
Tel. 340.9691313 | 339.1365419 | info@ipercubo.eu

Social
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FB @galleriaipercubo
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Ufficio stampa
CLP Relazioni Pubbliche
Clara Cervia | tel. 02.36755700 | clara.cervia@clp1968.it | www.clp1968.it

La storia degli 80 anni della Casa Editrice “Sergio Bonelli Editore” celebrati al Museo degli Innocenti di Firenze.

Dal 1° giugno al 18 settembre 2022, il Museo degli Innocenti di Firenze ospita una nuova e avvincente mostra dedicata alla più famosa tra le Case Editrici italiane che hanno fatto la storia del fumetto: “Sergio Bonelli Editore”.

Tex Willer, Zagor, Mister No, Martin Mystère,Dylan Dog, Nathan Never, Julia,Dragonero sono solamente alcuni dei più noti e longevi personaggi del fumetto italiano, entrati nell’immaginario collettivo grazie al nome Bonelli, da sempre sinonimo di Avventura.

Non solo una Casa Editrice: la Bonelli – a partire dal suo capostipite Gianluigi e dalla moglie Tea Bertasi (figura fondamentale nella creazione dell’editoria a fumetti italiana) e poi con l’erede Sergio e, oggi, il nipote Davide -, insieme a centinaia di collaboratori, ha portato in edicola, in fumetteria e in libreria oltre duecento collane. Una storia sorprendente, fatta di persone e personaggi, fumetti e fumettari, di dietro le quinte e colpi di scena per rimanere sempre al fianco dei lettori, nonostante mutamenti di costume e cambiamenti epocali.

La mostra BONELLI STORY. Da Tex a Dylan Dog, da Zagor a Dragonero. 80 anni di storie a fumetti è stata costruita per coinvolgere lo spettatore attraverso tavole originali, illustrazioni, pagine di sceneggiatura e tanta oggettistica, allestimenti multimediali, filmati, materiali inediti e laboratori prodotti appositamente per l’occasione, in cui grandi e bambini potranno immergersi in tutto ciò che ha rappresentato e rappresenta per diverse generazioni di lettori il fumetto “bonelliano”.

A fare da introduzione sono i ritratti dei Bonelli e, tra loro, anche quello di Tea Bertasi che scelse personalmente di ingaggiare un grande artista del disegno, Aurelio Galleppini, per dare vita alle avventure di Tex Willer immaginate da Gianluigi Bonelli. Il Ranger amico degli Indiani e infallibile raddrizzatorti sarebbe divenuto il più popolare e longevo eroe a fumetti del nostro Paese, tuttora tra gli eroi di carta più venduti al mondo.

Le tavole realizzate dalle grandi firme che compongono la famiglia di autori della Casa Editrice, attraverso cui prendono vita personaggi amati e seguiti da milioni di lettori, sono suddivise in sezioni tematiche e ripercorrono cronologicamente la storia degli eroi e delle pubblicazioni Bonelli.

Un’occasione, poi, per ammirare in anteprima assoluta un assaggio delle storie di prossima uscita in libreria e in edicola, insieme ai progetti multimediali presto al cinema e in tv su cui la Casa Editrice sta lavorando, come la versione cinematografica di Dampyr e la serie animata dedicata a Dragonero.

In mostra anche un video che porta i visitatori dietro le quinte della creazione di un fumetto Bonelli, raccontato attraverso le parole degli autori e dei redattori di Via Buonarroti.

La mostra BONELLI STORY è un progetto di Sergio Bonelli Editore e Comicon, in collaborazione con ARF!, è promossa dal MIC – Direzione Generale Creatività Contemporanea, con il patrocinio del Comune di Firenze ed è prodotta e organizzata da Arthemisia, Piuma e In Your Event.

Durante il periodo di apertura saranno tante le iniziative speciali e gli eventi pensati ad hoc per bambini e adulti: sarà possibile consultare il calendario degli appuntamenti sul sito della mostra www.bonellifirenze.it.
A corredo dell’evento espositivo è stato realizzato “SERGIO BONELLI EDITORE. 80 ANNI A FUMETTI“, il catalogo della mostra che raccogliere contributi critici inediti e tantissime immagini, anche molto rare.

Sede
Museo degli Innocenti
Piazza della Santissima Annunziata, 12
50121 Firenze

Date al pubblico
1 giugno – 18 settembre 2022

Orari di apertura
Dal lunedì alla domenica dalle 11.00 alle 18.00
(ultimo ingresso 17.15)
Martedì chiuso

Biglietti
Intero € 13,00
Ridotto € 11,00
Bambini 6-11 anni € 6,00
Bambini sotto i 6 anni – ingresso gratuito

Info su orari, eventi e biglietti
www.bonellifirenze.it
booking@istitutodeglinnocenti.it
T. +39 055 2037122

Hashtag ufficiale
#BonelliStoryFirenze

Ufficio StampaArthemisia
press@arthemisia.it | T. +39 06 69380306 | T. +39 06 87153272 – int. 332

Il giorno 28 maggio 2022, alle ore 17.00, prende il via l’Edizione 2022 di Terra-Arte con la presentazione delle nuove installazioni di Publia Cruciani, Alfonso Maria Isonzo, Carmine Leta, Wolfgang Richter e Judith Wagner, seguita dalla performance musicale di Soul Moscato. 

Terra-Arte 2022

28 maggio 2022 ore 17.00

Presentazione e inaugurazione opere di
Publia Cruciani, Alfonso Maria Isonzo, Carmine Leta, Wolfgang Richter, Judith Wagner
Parco Terra-Arte | Località Pariano – Blera (VT)

Terra-Arte 2022 è promossa dall’Associazione Terra-Arte e si avvale del patrocinio della Regione Lazio, del Comune di Blera e della collaborazione di Cittadellarte Fondazione Pistoletto, del Comune di Salisburgo e del Forum Austriaco di Cultura a Roma. 

Terra-Arte è un parco-sculture a cielo aperto inaugurato nel 2021 nel territorio di proprietà di uno dei suoi ideatori, l’artista Sandro Scarmiglia: immerso nella natura della Tuscia viterbese, in un’area geografica ricca di preesistenze storiche -dai siti archeologici etruschi, ai borghi medioevali di Tuscania e Tarquinia, al Parco di Bomarzo, Villa Lante di Bagnaia e il Giardino dei Tarocchi- il parco si propone di individuare il Luogo-Terra come Habitat delle opere esposte creando una relazione tra queste e gli elementi naturali del territorio.

Terra-Arte ogni anno propone un articolato programma di eventi ed esperienze artistiche in sintonia ed armonia con la natura, integrando installazioni e performance musicali con uno sguardo aperto a scambi e proposte internazionali. Le sculture di Publia Cruciani, Alfonso Maria Isonzo, Carmine Leta, Wolfgang Richter, Judith Wagner si aggiungono, così, alle opere già presenti nel Parco e realizzate negli anni precedenti da Angelo Bordiga, Caltanino, Tommaso Cascella, Marco Fioramanti, Nazzareno Flenghi, Paolo Garau, Pino Genovese, Karl Hartwig Kaltner, Antonio La Rosa, Vincenzo Palombo, Monica Pennazzi, Pietro Perrone, Francesco Petrone, Monica Sarandrea, Sandro Scarmiglia, Alberto Timossi, Stefano Trappolini, Giovanni Trimani, Mara Van Wees, Giulia Zincone, alle quali si accosta il “Terzo Paradiso” di Michelangelo Pistoletto.

Dopo la presentazione del 28 maggio, la programmazione 2022 prosegue il giorno 11 giugno con una giornata di visita alle sculture e con la performance musicale Ave Terra di TRIoBÙ (Daniele di Bonaventura, Roberto Zechini, Alberto Ricci); e il 10 settembre con la presentazione e inaugurazione, nella grotta dei Giardini di Jos a Blera, dell’installazione Senso di Monica Pennazzi con la collaborazione di Ivan Macera e la curatela di Roberta Melasecca. 

Programma 28 maggio 2022
ore 17.00: inaugurazione delle opere alla presenza degli artisti
ore 18.30: presentazione del progetto Terra-Arte
ore 19.30: degustazione prodotti locali
ore 21.00: performance musicale del gruppo Soul Moscato

INFO

Terra-Arte 2022
Promosso dall’Associazione Terra-Arte
Con il patrocinio della Regione Lazio e del Comune di Blera
In collaborazione con Cittadellarte Fondazione Pistoletto, Comune di Salisburgo, Forum Austriaco di Cultura a Roma
Con il supporto di Banca Lazio Nord – Credito Cooperativo Italiano
Degustazioni a cura di Coperativa Agricola Colli Etruschi e Casale del Giglio

Contatti

Parco Terra-Arte
Località Pariano snc – 01010 Blera (VT)
Sandro Scarmiglia: +39 347 1915685
terraarte3@gmail.com
www.terraarte.it

Ufficio Stampa
Roberta Melasecca
Melasecca PressOffice – Interno 14 next
tel 3494945612
roberta.melasecca@gmail.com
www.melaseccapressoffice.it
www.interno14next.it

“The 1st Annual METAVERSE Art @VENICE” il progetto ideato da Victoria LU, la più nota critica d’arte e curatrice donna del mondo artistico cinese, con la cantante virtuale Autumn e l’Artista CryptoZR, ospitata presso lo Spazio Thetis di Venezia all’ Arsenale Nord, si compone di due sezioni: la mostra collettiva gEnki, a cura di Angelo Maggi e Fu Sen, nella Tesa 106 e nell’edificio dei Lamierini, e la mostra personale “CryptoZR: COOKIE COOKIE 2.0” a cura di Li Zhenhua presso l’ Officina Lamierini.

gEnki è una mostra interattiva che sfrutta le potenzialità di internet e della realtà virtuale e interagisce in tempo reale con ogni parte del mondo da Venezia.

La mostra, autofinanziata attraverso un crowdfunding, è stata organizzata in modo spontaneo da un gruppo di artisti con i loro sostenitori, i curatori sono stati selezionati dagli artisti stessi, così come i contenuti sono stati curati in modo indipendente.

gEnki offre un nuovo modello di “curatela autonoma decentralizzata”, esplorando varie modalità espositive innovative e sempre differenti e continuerà anche in futuro in versione cloud, attraverso una piattaforma web.

L’esposizione sfrutta al meglio tutte le caratteristiche principali del “DAO” (abbreviazione di Distributed Autonomous Organization), quindi: raccolta, crowdfunding, co-costruzione, interconnessione di piattaforme, elevato livello di decentramento, applicandoli al concetto curatoriale.

Sebbene non si tratti di una mostra completamente virtuale basata su cloud, gEnki è comunque fondata su un modello di interazione virtuale-reale interattivo. Durante i sette mesi di esposizione, il numero di artisti presenti sia online che offline, arriverà a superare i 300, e diversi eventi si susseguiranno coinvolgendo numerosi artisti che popoleranno i metaversi, mondi virtuali paralleli, offrendo nuove possibilità di interazione sociale.

Il progetto espositivo mira al coinvolgimento della Generazione Z, o Generazione di Internet, ovvero tutti coloro che sono nati tra il 1995 e il 2009 e che sono stati influenzati sin dalla nascita dalla tecnologia, dai dispositivi di messaggistica istantanea, dagli smartphone e dai giochi online e sono, pertanto, anche conosciuti come “Indigeni Digitali”.

Con il continuo aggiornamento dei vari dispositivi hardware e software come 5G, AI, cloud computing, big data, digital twin, blockchain, tecnologia AR, VR, MR, xR (Extented Reality), si sono sviluppate nuove arti multimediali ed elementi visivi nuovi, i cui contenuti trasformativi e interattivi si possono trovare ovunque sulla Rete.

Gli utenti attraverso la vita virtuale nella Rete possono superare i limiti dello spazio fisico, oltrepassando la barriera tra la cognizione cerebrale, immaginazione mentale e mondo reale.  È il cosiddetto “METAVERSO” che è divenuto un argomento caldo non solo tra i creativi ma anche tra gli investitori a livello mondiale.

Genki è un concetto filosofico antico in Cina e Giappone, che si riferisce all’origine del mondo, e rappresenta l’energia vitale che genera ogni cosa, dando giustificazione dei fenomeni di formazione, sviluppo, mutamento e fine. Essere Genki significa dare il meglio di sé e connettersi con le persone in modo positivo. Lo studio del Genki si riferisce alla percezione umana della natura e del mondo, può, quindi, contribuire a far comprendere il legame tra il mondo fisico e il mondo virtuale? Possono varie modalità di interazione immersiva tra persone, cose e ambiente nel Metaverso, creare valore e suggerire un’interpretazione del senso dell’esistenza?

Attraverso la sperimentazione si giunge a un nuovo pensiero, questo è il motto.

Il Metaverso si sviluppa nel digitale, la sua materia infatti è costituita da dati e informazioni ed è frutto di diversi elementi tecnologici tra cui video, realtà virtuale e realtà aumentata, ma è anche in stretta correlazione con l’universo fisico, in quanto ne condivide la stessa struttura spazio-temporale. Si accede al Metaverso tramite alcuni dispositivi come computer o smartphone, una connessione internet e, per rendere l’esperienza più immersiva, anche con visori di realtà aumentata. Gli utenti nel Metaverso possono vivere esperienze virtuali, creando avatar realistici, incontrare altri utenti, creare oggetti, partecipare ad eventi digitali, come conferenze o concerti.

L’avatar trasporta ciò che desideriamo rappresentare in nuova dimensione, alimentando una riflessione sul tema dell’identità in una realtà altra che è non solo digitale, ma anche globale.

Il metaverso sarà il riferimento per realizzare esperimenti di cooperazione incrociata, potenziamento tecnologico, apertura e tolleranza, uguaglianza e libertà, prendendosi cura del futuro, proteggendo l’ambiente, abbracciando tutto il mondo e stimolando interazioni intellettuali e l’immaginazione.

Discriminazioni egoistiche e razziste imperversano nel mondo odierno, mentre gEnki vuole indicare un cambiamento, proporre un nuovo modello di aiuto reciproco e di condivisione in cui un’arte senza confini di nazionalità, genere o età, attraverso la sua bellezza, possa dare speranza.

Gli Artisti di gEnki si dichiarano come un gruppo di nuovi esseri umani disposti a esistere nell’universo parallelo del Metaverso attraverso l’immaginazione virtuale e al di fuori dello spazio fisico.

gEnki è un percorso di ricerca sviluppato congiuntamente da professori, studenti e artisti di Università di diverse parti del mondo, guidate dall’ Università IUAV di Venezia e dalla Scuola di Dottorato di Storia delle Arti dell’Università Cà Foscari di Venezia. Promotrici dell’iniziativa sono, inoltre, alcune aziende come la Qingdao Wanmei Shengshi Technology Information Co., Ltd. e la Huahan International Culture Development Company. Il comitato scientifico è formato da Angelo Maggi, Fei Jun, Xue Lei, Popil and Chen Xu.

La curatela è affidata al Prof. Angelo Maggi, Vicerettore per le Relazioni internazionali presso l’Università IUAV di Venezia e al curatore PhD. Sen Fu. Rick Juang è il curatore tecnico. Il progetto di allestimento è stato curato dallo studio di architettura andreanalesso di Padova.

Il futuro è arrivato, voliamo oltre il futuro!

Spazio Thetis rappresenta la parte culturale e artistica di Thetis spa, società di ingegneria che sviluppa progetti e applicazioni tecnologiche per l’ambiente e il territorio e che vanta un’importante collezione permanente di arte contemporanea, L’attività artistica di Spazio Thetis si concentra su alcune tematiche: land art, arte ambientale, arte e scienza promuovendo e sostenendo l’arte contemporanea attraverso diverse iniziative presso la propria sede nell’antico Arsenale veneziano con il parco giardino costellato di opere d’arte.  In tanti anni di attività ha collaborato con importanti istituzioni come musei, gallerie e fondazioni per la realizzazione di mostre temporanee, eventi collaterali Biennale e Padiglioni nazionali, ma anche in qualità di promotore e organizzatore esso stesso. 

VICTORIA LU – BIOGRAFIA

VICTORIA LU nasce in una famiglia di intellettuali a Taiwan ed emigra negli Stati Uniti all’inizio degli anni ‘70. Si forma sia presso il Collegio di Cultura Cinese a Taipei e presso l’Accademia Reale di Belle Arti di Bruxelles, conseguendo successivamente la Laurea Triennale e Magistrale in Pittura presso l’Università statale della California. Inizia a scrivere come critica d’arte e l’attività curatoriale negli anni Settanta. Tornata a Taiwan, inizia ad aiutare il governo a elaborare delle politiche riguardo l’arte pubblica e la promozione dell’educazione artistica verso il grande pubblico. Victoria Lu è stata la prima donna critica d’arte e curatrice del mondo artistico contemporaneo cinese. Attualmente insegna al programma di Dottorato in “Creative Industry” presso l’Università Shih-Chien di Taipei e presso la Scuola di Cinema e Audiovisual di Barcellona. Collabora, inoltre, con diverse istituzioni culturali ed è Direttrice Creativa del Museo di Arte Contemporanea di Shanghai, dell’Art Center Bund 18 di Shanghai, del Museo di Arte contemporanea Moon River di Pechino e del Museo Today Art di Pechino. È direttrice del Programma di Ricerca Estetica URBart all’ Università Autonoma di Barcellona e all’EINA Istituto Universitario di Design e Arte di Barcellona e Presidentessa dell’ Hub Creativo Future Pass di Taipei, Shanghai, Hangzhou e Los Angeles. Ha curato l’evento collaterale alla 54esima Biennale di Venezia “Future Pass: From Asia to the World”.

ANGELO MAGGI – BIOGRAFIA

ANGELO MAGGI è professore associato di Storia della rappresentazione fotografica dell’architettura e Storia dell’architettura contemporanea presso l’Università IUAV di Venezia. Attualmente ricopre il ruolo di mandatario del Rettore Iuav per le Relazioni Internazionali. Orientato agli studi della fotografia d’architettura, nell’insegnamento svolto presso numerose università italiane ed estere e nei lavori recenti, egli ha approfondito temi relativi alla rappresentazione intesa come strumento di indagine storiografica. Maggi ha largamente pubblicato saggi e libri. E’ autore di studi scientifici sulle figure di John Soane, Robert Byron, Evelyn George Carey, Giorgio Casali, Italo Zannier, Luigi Ghirri, Helmut Gernshiem, Lucia Moholy e attualmente svolge un lavoro di riscoperta e rivalutazione del fotografo d’architettura e saggista George Everard Kidder-Smith con contributi editoriali e partecipazione a conferenze internazionali.

SEN FU – BIOGRAFIA

SEN FU è nato nel 1987 a Qingdao, in Cina. Ha conseguito la laurea triennale in New Media e un Master in Pittura presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia. Attualmente è dottorando di ricerca presso l’Università Ca’Foscari di Venezia dove sta lavorando ad una tesi sulla Storia dei Padiglioni della Biennale Cinese.

Ha avuto le seguenti esperienze lavorative presso la Biennale di Venezia: Regia del documentario di “Future Pass” per Evento Collaterale 2011; Assistente curatore di “Cracked Culture” e “Eastern Border”, Evento Collaterale 2011; Assistente curatore “The voice of unseen” per Evento Collaterale 2013; Curatore della mostra “A light-year”, Evento Collaterale, nel 2015; Produttore di “Modus” per Evento Collaterale nel 2017. Curatore e produttore di “Chinese Medicine” presso la Ierimonti Gallery di New York nel 2018. Coordinatore dell’evento collaterale Biennale Architettura 2021 di Venezia dal titolo Hakka Earthen Houses on variation – Co-operative Living, Art and Migration Architecture in China a Forte Marghera.

MOSTRA
1° Annual METAVERSE Art @ VENICE
gEnki
a cura di Angelo Maggi e Fu Sen
27.04.2022 > 23.11.2022

IDEAZIONE e ORGANIZZAZIONE
Victoria Lu

PATROCINI E PROMOTORI
Università IUAV, Venezia
Scuola di Dottorato di Storia delle Arti, Università Ca’ Foscari, Venezia
Qingdao Wanmei Shengshi Technology Information Co., Ltd
Huahan International Culture Development Company

PROGETTO DI ALLESTIMENTO
Studio di Architettura andreanalesso – Padova

SITO WEB
www.annualmetaverseart.com

SOCIAL
Instagram @annualmetaverseart

DOVE
Spazio Thetis – Officina Lamierini e Tesa 106
Arsenale Nord, Venezia
Vaporetto linea 4.1- 4.2 – 5.1- 5.2 Fermata: Bacini

ORARI DI VISITA
Dal martedì alla domenica (lunedì chiuso) dalle 10 alle 18

Ufficio stampa nazionale e PR
FG Comunicazione – Venezia
Cristina Gatti
Tel (39) 338 6950929
Email cristina.gatti@fg-comunicazione.it

Ufficio stampa internazionale
Megawatts Communications
Liz Chu
Tel (86) 137 6103 3698
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HASHTAG
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photo credits alessandro lassi