IL GENIO E IL SUO TEMPO
A TU PER TU CON LEONARDO

Biblioteca Reale
Torino, Piazza Castello 191
7 aprile – 9 luglio 2023

La Biblioteca Reale presenta tredici opere di Leonardo da Vinci, tra cui i celebri fogli con l’Autoritratto, il Volto di fanciulla, la Testa virile di profilo incoronata d’alloro, e il Codice sul volo degli uccelli.

Una rara selezione didisegni, incisioni, manoscritti, incunaboli, antiche carte geografiche illustrano gli eventi epocali che accompagnarono la vita di Leonardo dal 1452 al 1519.

Dal 7 aprile al 9 luglio 2023, la Biblioteca Reale di Torino propone un’occasione unica per conoscere ed esplorare da vicino l’opera di Leonardo da Vinci, grande protagonista del Rinascimento italiano, attraverso i suoi disegni, il taccuino dedicato al volo degli uccelli e altre rarissime testimonianze legate al suo tempo.

La mostra dal titolo Il genio e il suo tempo. A tu per tu con Leonardo è sostenuta da SMARTART Torino e da OMT – Officine Meccaniche Torino, realizzata in collaborazione con CoopCulture e con il patrocinio dell’Istituto Nazionale di Astrofisica (INAF) e della Città di Torino. Il percorso espositivo è allestito nei due caveaux della biblioteca, realizzati negli anni 1998 e 2014 con il sostegno della Consulta per la Valorizzazione dei Beni Artistici e Culturali di Torino.

“Con questo percorso espositivo i Musei Reali – afferma la direttrice, Enrica Pagella – proseguono nell’impegno di garantire al pubblico, nei limiti concessi dai protocolli per la tutela, l’incontro con il grande patrimonio di opere grafiche conservato nelle collezioni della Biblioteca Reale e, in particolare, con le inestimabili testimonianze del genio di Leonardo da Vinci”.

La prima sezione segue il filo degli avvenimenti che hanno scandito la vicenda umana e artistica di Leonardo, dal 1452, anno della sua nascita a Vinci, fino al 1519, data della morte in Francia.

Un periodo storico in cui convergono e s’intrecciano i destini di personalità del calibro di Michelangelo e Raffaello, Lorenzo de’ Medici e Cesare Borgia, sullo sfondo di eventi di portata epocale, che hanno trasformato l’assetto sociale, culturale e artistico dell’Europa moderna: la caduta dell’Impero Romano d’Oriente, l’invenzione della stampa a caratteri mobili, il grandioso cantiere di San Pietro e della Cappella Sistina a Roma. Sessantasette anni di luoghi, fatti e persone evocati attraverso opere rare e preziose: manoscritti, come il Trattato di architettura civile e militare di Francesco di Giorgio Martini (1486) e le Storie di San Gioachino, miniate da Cristoforo De Predis per Galeazzo Maria Sforza (1476); incunaboli unici, come il foglio della Bibbia di Gutenberg, il primo libro a caratteri mobili, e il trattato De re militari di Roberto Valturio (1483); antiche carte geografiche, come la Carta dell’Italia e la Geocarta nautica universale di Giovanni Vespucci; disegni, come lo Studio per la Sibilla Cumana di Michelangelo.

Il percorso prosegue nel caveau Leonardo, con la sezione A tu per tu con Leonardo in cui sono esposti tredici disegni di Leonardo, il Codice sul volo degli uccelli e una selezione di 5 fogli di artisti vicini a Leonardo, dal suo maestro Andrea del Verrocchio agli allievi, che tramite l’esercizio del disegno si appropriavano del linguaggio espressivo di Leonardo.

La collezione di grafica della Biblioteca Reale conta oltre 2500 disegni, con un nucleo di 1585 fogli di antichi maestri italiani ed europei venduti nel 1840 al re Carlo Alberto da Giovanni Volpato, piemontese di Chieri, conoscitore e mercante d’arte vissuto tra Francia e Inghilterra. Fulcro del fortunato acquisto, in cui sono presenti anche fogli di Michelangelo, Rembrandt, Guercino, Canova, è il nucleo di autografi di Leonardo da Vinci, databili tra il 1480 e il 1515, che documentano l’attività e gli interessi del maestro dalla giovinezza alla piena maturità. Alcuni rimandano a celebri capolavori, come i nudi per la Battaglia d’Anghiari, i cavalli per i monumenti Sforza e Trivulzio, lo studio per l’angelo della Vergine delle Rocce, noto come Volto di fanciulla; altri, come le Proporzioni del volto e dell’occhio, testimoniano le sue ricerche sull’anatomia e sui “moti dell’animo”, di cui Leonardo è stato maestro indiscusso. Fino all’unicum, l’Autoritratto, una delle icone più celebri della storia dell’arte italiana. Infine, il Codice sul volo degli uccelli donato da Teodoro Sabachnikoff al re Umberto I nel 1893. Il taccuino, redatto tra il 1505 e il 1506, raccoglie in maniera organicale riflessioni di Leonardo per la realizzazione della macchina volante, oltre a pensieri in materia di meccanica, di idraulica, di architettura, di disegno di figura, intersecando questioni cruciali dei suoi studi.

Dal 7 al 16 aprile, l’esperienza di visita, che si rinnova ogni anno in occasione delle feste pasquali, permette di ammirare le opere del genio di Vinci conservate a Torino. Dal martedì alla domenica, dalle 9 alle 19, le guide di CoopCulture accompagnano il pubblico alla scoperta della Biblioteca Reale e del suo grande patrimonio vinciano.

Dal 18 aprile al 9 luglio, il percorso continua grazie alle riproduzioni al vero dei disegni, frutto di un’accurata preparazione di ogni replica attraverso il confronto con gli originali e sulla base di approfondite conoscenze sui materiali acquisite con le indagini diagnostiche condotte negli ultimi anni con la collaborazione dell’Istituto Centrale per la Patologia degli Archivi e del Libro.

Al pari dei gabinetti di disegni dei grandi musei di tutto il mondo, i Musei Reali sono oggi in grado di proporre riproduzioni scientificamente corrette e di alta qualità, che consentono di rendere fruibile un patrimonio fragile per natura, come il disegno, preservandolo a beneficio delle generazioni future.

Connessioni

Anna Di Fusco Giovanni Mangiacapra

a cura di Virginia Carbonelli 

Inaugurazione giovedì 20 aprile 2023, ore 18.00
Dal 20 aprile al 4 maggio 2023

Lunedì – venerdì – sabato  su appuntamento
Martedì – mercoledì – giovedì ore 16.30-19.30

Gli spazi de La Linea saranno allestiti con una serie di opere su carta di media dimensione che vedono come protagonisti Anna Di Fusco e Giovanni Mangiacapra, due artisti che hanno già collaborato con l’Associazione LA__LINEA in mostre e attività di stampa e incisione.

LA__LINEA Arte Contemporanea inaugura giovedì 20 aprile 2023 alle ore 18.00 Connessioni, una mostra duale di opere su carta che sancisce la collaborazione con Connessioni Aps, Associazione culturale con sede a Napoli che promuove artisti ed esposizioni nazionali ed internazionali. Gli spazi de La Linea saranno allestiti con una serie di opere su carta di media dimensione che vedono come protagonisti Anna Di Fusco e Giovanni Mangiacapra, due artisti che hanno già collaborato con l’Associazione LA__LINEA in mostre e attività di stampa e incisione.

Entrambi gli artisti si esprimono principalmente attraverso la materia pittorica e in questo progetto espositivo sono state selezionate opere su carta che prediligono in Anna Di Fusco la forma e nei lavori di Giovanni Mangiacapra il segno.

Anna Di Fusco per l’occasione ha eseguito delle stampe in bianco e nero su carta incidendo e lavorando il tetrapak senza mettere da parte la pittura, sua prescelta tecnica espressiva, che primeggia soprattutto nei monotipi esposti insieme alle incisioni. Le carte disegnate con graffi e segni dal gesto deciso e raffinato di Giovanni Mangiacapra si contrapporranno alla forma e alla geometria della Di Fusco, invitandoci ad entrare nei grovigli di “fili” colorati disegnati sulle opere dell’artista napoletano.

Lavinia Fontana
Giuditta con la testa di Oloferne

5 – 12 aprile 2023
Esposizione del dipinto restaurato in occasione del prestito per la mostra Lavinia Fontana: Trailblazer, Rule Breaker(National Gallery of Ireland, Dublino | 6 maggio – 27 agosto 2023)
Museo Civico d’Arte Industriale e Galleria Davia Bargellini, Bologna
Strada Maggiore 44, Bologna

www.museibologna.it/arteantica

Restituito alla raffinatezza dei valori cromatici originari dopo un complesso e delicato restauro, il dipinto di Lavinia Fontana Giuditta con la testa di Oloferne torna ad essere visibile dal 5 al 12 aprile 2023 presso il Museo Civico d’Arte Industriale e Galleria Davia Bargellini di Bologna, in anteprima alla grande mostra personale Lavinia Fontana: Trailblazer, Rule Breaker che la National Gallery of Ireland di Dublino dedicherà alla celebre artista bolognese dal 6 maggio al 27 agosto 2023.
Con questa esposizione, i Musei Civici d’Arte Antica | Settore Musei Civici Bologna intendono presentare al pubblico della città gli ottimi esiti ottenuti dall’intervento conservativo eseguito dal Laboratorio di Restauro Ottorino Nonfarmale S.r.l. e salutare l’opera prima che abbiano inizio la fasi funzionali al trasferimento verso l’Irlanda a partire dal 13 aprile.

La mostra Lavinia Fontana: Trailblazer, Rule Breaker
Tra i massimi rappresentanti della pittura tardo-manierista in Europa, Lavinia Fontana (Bologna, 1552 – Roma, 1614) è considerata da molti la prima donna artista a raggiungere il successo professionale al di fuori dei confini di una corte o di un convento. La pittrice fu la prima donna a gestire una propria bottega e la prima a dipingere pale d’altare pubbliche e nudi femminili. Mantenne una carriera attiva, dipingendo per molti mecenati illustri e assumendo al contempo il ruolo di moglie e madre. Esplorando la straordinaria vita di Fontana attraverso i suoi dipinti e disegni, la mostra Lavinia Fontana: Trailblazer, Rule Breaker,a cura di Aoife Brady, offrirà una visione del clima culturale che le permise di prosperare come artista donna dell’epoca. La mostra di Dublino sarà la prima monografica ad esaminare il lavoro di Fontana in oltre due decenni e la prima a concentrarsi sui suoi ritratti. Sarà riunita una selezione delle sue opere più apprezzate, provenienti da collezioni pubbliche e private internazionali, insieme al celebre La visita della regina di Saba a re Salomone, proveniente dalla collezione permanente del museo nazionale irlandese.
Comeimmagine guida per la comunicazione dell’esposizione la scelta è ricaduta proprio sul dipinto Giuditta con la testa di Oloferne del Museo Civico d’Arte Industriale e Galleria Davia Bargellini. L’olio su tela, firmato e datato LAVINIA FONTANA DE ZAPPIS FECE 1600, appartiene alla maturità della pittrice, che affronta il soggetto biblico di ambientazione notturna con grande padronanza degli effetti luministici e con una sensibile attenzione alla resa analitica dei dettagli, di gusto fiammingo. Il volto dell’eroina, come quello della fantesca, paiono restituire tratti fisionomici peculiari, tanto da suggerire che possano identificarsi in due ritratti, come per altro accade in altri dipinti di analogo soggetto prodotti in area bolognese negli stessi anni (ad esempio da Agostino Carracci). Giuditta, vedova audace e pia, che osa sedurre il tiranno per ucciderlo e liberare così il proprio popolo, si presta infatti a fornire i sembianti per un travestimento in veste biblica, essendo modello di virtù femminile apprezzato nell’età di Controriforma, tanto da divenire tema fra i più ricorrenti nei quadri da stanza destinati agli interni dei palazzi nobiliari.

Scheda critica a cura di Vera Fortunati
Lavinia affronta con audace originalità anche soggetti mitologici e biblici di eroismo femminile per giungere al genere più ambito della pittura di historia. È il caso delle due Giuditte, tema iconografico che gode di grande fortuna nel clima religioso e politico dopo il Concilio di Trento: nel 1586 con grande successo Tommaso Garzoni pubblica Le vite delle donne illustri della Scrittura Sacra, dove Giuditta viene con enfasi rilanciata suggerendo diverse interpretazioni. Nel 1592 circa Lavinia dipinge per la famiglia Ratta (Urbini, 1994) la Giuditta e Oloferne (Bologna, Fondazione del Ritiro di San Pellegrino), dove non sceglie l’acme del tragico racconto, ma raffigura la bellissima, pia vedova di Betulia, stante con in mano la testa di Oloferne posata su un tavolo, mentre alle spalle si intravvede il corpo decapitato del generale. Il modello di confronto è il dipinto di analogo soggetto (Bologna, UniCredit), attribuito ad Agostino Carracci (Benati, 1999), ma del tutto innovativa è l’ambientazione notturna, a “lume di torcia” secondo l’espressione di Malvasia (1679): il raffinato sperimentalismo luministico di matrice veneta, bassanesca, mette in risalto i filamenti luminosi delle preziose vesti della protagonista, fino ad evidenziare sulla spada il grumo di sangue (Biancani, 2022). Sono gli anni in cui la pittrice è particolarmente attenta alla pittura di Jacopo Bassano, conosciuta su esemplari conservati nelle collezioni bolognesi, come si può vedere nella bellissima Natività della Vergine (Bologna, chiesa della Santissima Trinità). In questa versione nel volto di Giuditta, gli occhi rivolti al cielo, vive lo slancio mistico di chi ha agito affidandosi interamente alla volontà divina che l’ha ispirata e guidata. Per la studiosa Murphy (2003) si tratterebbe di un cripto-ritratto di Laerzia Rossi Ratta, moglie del defunto Carlo Ratta, madre di Lorenzo erede di Monsignore Dionisio Ratta.
Sul finire degli anni ’90 la Giuditta e Oloferne del Museo Davia Bargellini si distanzia sia per una rilettura alternativa del testo sacro sia in seguito al recente restauro per una più matura assimilazione della pittura veneta, in direzione di Paolo Veronese, secondo un’ipotesi verisimile di un viaggio della pittrice a Venezia. Ma procediamo con ordine. L’avvenente eroina avanza verso lo spettatore, mostrando orgogliosa la testa del tiranno: è consapevole di aver salvato il suo popolo con il tragico gesto. È già la femme forte secondo l’immagine classica e biblica che sarà in auge nella letteratura femminista del Seicento europeo. Il restauro ha evidenziato l’eccezionale resa dei superbi accordi cromatici, debitori di una luce e di un colore non solo carracceschi ma anche veneti e la fresca vitalità di un lume otticamente meditato che fa risaltare la consistenza delle sete, dei veli, dei broccati e la lucentezza delle perle bianche, alcune fanno ombra, e la fastosa preziosità dei gioielli. Si segnala soprattutto il grande pendaglio, emblematico esempio dell’alta qualità dell’oreficeria presente a Bologna, con l’immagine del pavone, simbolo di generosità e lealtà d’animo (Cantaro, 1989; Urbini, 1994). Da notare anche la cesta con il panno bianco rimboccato, sorretta dalla giovane ancella Abra, compagna d’avventura: sembra già un brano di una natura morta. Anche se la firma e la data sono state ridipinte, questo capolavoro, a mio parere, è da collocare alla fine del Cinquecento, perché la protagonista, di una bellezza neoveronesiana, è simile ad alcune dame della corte della regina di Saba nel grande dipinto Visita della regina di Saba a Salomone (cm 256 x 325) di Dublino, National Gallery, originariamente nella collezione bolognese della famiglia dei conti Berò (Chiodini, 1999): la stessa liquida stesura cromatica esalta la profusione di ricami, di cascate di damasco e di velluti, di trine, come la lucentezza dei gioielli e delle pietre preziose.
Questi eccezionali risultati si ritrovano nell’ultima attività a Roma dove la pittrice si reca nel 1604. Vicina alla bionda Giuditta del Museo Davia Bargellini è anche la Samaritana nel dipinto Cristo e la Samaritana di Napoli, Museo di Capodimonte, firmato e datato 1607: le accomuna la stessa raffinata descrizione degli abiti e delle ricercate acconciature dei capelli, del tutto femminili, perché frutto di chi conosce per personale esperienza le sottili arti della seduzione.
Ma forse la vera erede della Giuditta Bargellini è la Minerva ignuda (collezione privata), celebrata nel poemetto di Ottaviano Rabasco (1605) con dedica a Marco Sittrico Altemps IV, futuro arcivescovo di Salisburgo (Tosini, 2019) e grande amico del cardinale Scipione Borghese: è la Minerva Pacifera, una iconografia in voga alla corte di Rodolfo II a Praga, è la dea nuda che governa le arti di pace dopo essersi spogliata del peplo, dell’elmo e della corazza.
Entrambe sono accomunate da un repertorio di sottili invenzioni erotiche (vedi i ricami dorati del velo trasparente…) che rimandano ai maliziosi prototipi dell’Ecole de Fontainebleau e della scuola rudolfina, ma soprattutto in entrambe il corpo della donna diviene per la prima volta campo espressivo di specifici, femminili stati d’animo, volti alla seduzione, esibiti senza compiacimento retorico ma con spontanea, istintiva naturalezza.
Per la Giuditta Bargellini alcuni studiosi, senza riferimento ad alcun documento di archivio, avanzano l’ipotesi che sia il ritratto di Costanza Bianchetti, la vedova di Galeazzo Bargellini.

Il restauro conservativo
L’opera in generale presentava uno stato conservativo mediocre, restituendo una visione generale molto cupa, attenuata nelle tonalità e offuscata anche da depositi superficiali che riducevano notevolmente le qualità stilistiche e pittoriche della grande pittrice. Si è ritenuto che tale situazione conservativa sia stata dettata e abbia coinciso anche con le modifiche dimensionali subite dall’opera.
L’intervento di restauro, eseguito dal Laboratorio di Restauro Ottorino Nonfarmale S.r.l. sotto la direzione tecnica di Giovanni Giannelli, è stato finalizzato al recupero di quei dettagli figurativi molto raffinati, quel colorismo, a quelle luci e tonalità accese e vivaci che contraddistinguono l’artista bolognese.
Eseguite le verifiche sul retro e riscontrata la funzionalità del telaio di supporto ma in particolare della tela di rifodero e rinforzo si è proceduto con l’analisi sul fronte del dipinto.

L’analisi attenta e articolata per il conseguimento del recupero cromatico originale, è iniziata con i consueti test di prova per individuare la corretta metodologia da applicare. Le operazioni di pulitura sono risultate molto complesse e delicate in quanto per rimuovere in sicurezza i vari strati di vernice sovrapposte si è reso necessario procedere con piccoli tamponi. Ultimata la fase di pulitura della superficie pittorica sono state verificate attentamente le stuccature presenti a integrazione di lacune materiche e realizzate a spessore con gesso di Bologna e colla di coniglio. Riscontrata la perfetta adesione al supporto, la compattezza e verificata la stabilità, si è ritenuto opportuno il mantenimento delle stesse e integrarle per riottenere i giusti livelli e riprodurre con specilli in acciaio le crettature che caratterizzano la superficie. Applicata a pennello vernice mastice diluita in essenza di trementina su tutta la superficie pittorica si è proceduto con la fase di integrazione pittorica delle lacune. Preliminarmente con integrazione delle zone perimetrali con tonalità adeguate e rifinite in continuità con i piani le forme corrispondenti. Le lacune sulla superficie pittorica originale sono state integrate a carattere mimetico per poter ottenere una visione di insieme uniforme e un equilibrio formale finalizzato alla massima valorizzazione dell’opera di elevatissima qualità.
L’imponente cornice presenta condizioni conservative buone e quindi è stata sottoposta a un intervento di manutenzione straordinaria con una pulitura per la rimozione superficiale del deposito polveroso parzialmente aggregato. Le piccole lacune e fessurazioni sono state colmate con gessatura preparatoria per l’integrazione eseguita con oro zecchino. L’attuale cornice è il frutto di un assemblaggio di tre elementi di diversa fattura: la cimasa superiore e la cassetta applicata dal retro, con una semplice chiodatura negli angoli alla cornice più antica e raffinata che circonda il dipinto. Questo intervento con molta probabilità coincide con uno dei restauri a cui è stata sottoposta l’opera in oggetto, con l’intento di dare maggiore sontuosità al dipinto.
Una particolarità riscontrata durante il restauro è stato il rinvenimento di un’ulteriore firma, immediatamente sotto a quella già presente. L’iscrizione è particolarmente abrasa ma leggibile in LAV FON. Con molta probabilità si tratta di quella originale, in quanto l’altra LAVINIA FONTANA DE ZAPPIS FECE 1600 appare molto incerta e grossolana. Questa deduzione si può riscontrare ingrandendone le dimensioni reali. Si potrà notare con chiarezza il tratto realizzativo molto incerto rispetto a quella rinvenuta durante il restauro che diversamente appare realizzata con molta cura e perizia. La scelta adottata in accordo con la direzione dei lavori di mantenerle entrambe risulta coerente in tema di conservazione, in quanto l’una ormai storicizzata, l’altra riportata alla luce in una visione di ritrovamento e motivo di studio e di riscontro su altre opere della pittrice che verranno sottoposte a interventi diagnostici o interventi di restauro.
L’opera ora restituisce quei dettagli raffinatissimi che si possono cogliere nel velo che scende sulle spalle dal capo, nei gioielli e nell’abito che indossa Giuditta. Il fondale non più cupo, ma luminoso e vibrato, le due figure, la mano destra con la spada e la sinistra con la testa di Oloferne ci riconsegna quella profondità e prospettiva scenica creata da Lavinia Fontana.

Bologna città delle donne artiste
Dal Medioevo al Novecento il ruolo femminile a Bologna è significativo sia nel campo delle arti figurative che in quelli della letteratura e delle scienze, anche per la specificità del contesto storico cittadino dove la presenza dello Studium precocemente è promotrice di valori alti femminili nella cultura. Bologna può essere considerata a tutti gli effetti la città delle donne artiste: Properzia de’ Rossi (Bologna, 1490 circa – Bologna, 1530), Lavinia Fontana (Bologna, 1552 – Roma, 1614), Ginevra Cantofoli (Bologna, 1618 – Bologna, 1672), Elisabetta Sirani (Bologna, 1638 – Bologna, 1665), Anna Morandi Manzolini (Bologna, 1714 – Bologna, 1774) e Clarice Vasini (Bologna, 1732 – Bologna, 1823) sono tra le più celebri protagoniste della storia dell’arte, tutte vissute nel capoluogo emiliano.
Nelle collezioni permanenti dei Musei Civici d’Arte Antica si conservano importanti testimonianze del fenomeno della donna artista: dallo Stemma della famiglia Grassi di Properzia de’ Rossi al Museo Civico Medievale al Ritratto di Gonfaloniere di Artemisia Gentileschi, a Giuditta con la testa di Oloferne di Lavinia Fontana del Museo Civico d’Arte Industriale e Galleria Davia Bargellini. Nel museo situato nel Palazzo Bargellini sono inoltre conservati il piccolo gruppo in terracotta con la Madonna con il Bambino e Santi di Clarice Vasini, nominata Accademica Clementina ad honorem nel 1770, l’opera Fanciulla con pecorella (Sant’Agnese?), riferita su base stilistica alla mano di Ginevra Cantofoli, pittrice attiva nella bottega della celebre Elisabetta Sirani, la cui identità artistica è recentemente riemersa grazie agli studi critici, e alcuni lavori di ricamo e cucito provenienti dal Conservatorio delle Putte di Santa Marta, dove le orfane ospiti dell’istituto di assistenza hanno elaborato veri e propri capolavori d’arte, in genere destinati a committenti privati. Tra questi, merita di essere menzionato per l’altissimo valore artistico il piccolo quadretto del XVII secolo con il Miracolo di San Benedetto, realizzato in filo di seta policroma ricamata a punto piatto, che rientra nel capitolo della fortuna figurativa riservata, fra Sei e Settecento, al celebre affresco col Miracolo di San Benedetto realizzato da Ludovico Carracci nel Chiostro del Monastero di San Michele in Bosco, purtroppo andato perduto.

SINFONIE
Personale di BIANCA BEGHIN

02-04 / 11- 04-2023

Centro Espositivo SpazioSV  – Scoletta San Zaccaria

Campo San Zaccaria, 30122 VENEZIA

Sabato 01 aprile 2023 è stata inaugurata la  personale “Sinfonie” di Bianca Beghin, esposizione che permetterà di mettere in luce personalità e aspetti del pensiero intimo e creativo dell’artista e sarà visitabile fino all’11 Aprile. 

Dal saggio critico di Lucia Spolverini: “Gli alberi sono come noi: “radici per terra e testa verso il cielo”. Oltre a permettere la vita, ne sono anche la perfetta “metafora”, il respiro dell’anima che rimanda all’esistere. Sono l’essenza dell’essere umano, che il mondo vegetale incarna straordinariamente, come lo sa incarnare l’artista Bianca Beghin. Il tratto poetico del suo colore diviene segno che muta da una rappresentazione del reale, per dare spazio a giochi informali in cui l’artista sembra far convergere emozioni travolgenti e calme interiori. Colori che richiamano l’attaccamento alla terra, alla vita, da far supporre che l’artista auspichi una riconciliazione ed una “sinfonia” ancor più profonda tra uomo e natura. Colori che sembrano spicchi di terra, di alberi, ritagli di natura a cui aggrapparsi, a cui conferire luci e linguaggi diversi. Le sue Sinfonie pittoriche sono intrise di poesia e melodie cromatiche. Il cardine della sua arte è “il vero” visibile agli occhi ma comprensibile nella sua profondità ed interezza solo con l’ausilio dei sentimenti che risiedono nei suoi dipinti descritti da cromie, gesti e espressioni accompagnate dal fascino di un silenzio musicale. Ogni tocco pittorico racchiude un simbolico silenzio, in cui l’uomo riscopre se stesso, ritrovando quel dettaglio nascosto che è il “quid” della propria esistenza nel mondo, e l’arte di Bianca Beghin ne è l’ausilio fittissimo per l’anima. Sinfonie, poesia e pittura rimandano
alla sua arte narrante, in cui ognuno può ravvisare un proprio e intimo dettaglio.”

Note sul percorso dell’Artista

Il Veneto e la sua “policromia” morfologica fanno da culla a Bianca Beghin: quel suolo, così unico, sembra intrecciare un giaciglio naturale, che la predispone, indi, sin dalla tenera età, a percepire un legame simbiotico con la Natura, mater genera et magistra vitae. Essa stessa depone, tra le sue mani, un intuitivo talento, che sboccia, allora, sulle tele, durante l’adolescenza. In concomitanza agli studi classici, che la vedono conseguire una laurea in lettere, affronta, nel tempo, studi, con maestri di nota fama, tra cui si distinguono Andreas Kramer, col quale approfondisce la personalità del colore, e Vittorio Bustaffa, pittore e illustratore padovano. Le tecniche, così, si raffinano, evolvendo in interessanti composizioni estetiche: gesto e colore, ivi, si uniscono, maturando una cifra distintiva unica. Il lato fisico si perde, quando il colore, tra le mani dell’artista, si eleva a virtuosismi tonali, la cui sinergia, con la forza segnica, evoca stati poco emozionali, che coinvolgono l’osservatore, laddove la pittura è esperienza trascendentale. Il suo temperamento artistico trova, immediatamente, consensi, e da parte della critica e da parte del pubblico, dapprima in Italia e, poi, all’estero; numerose le performance d’arte collettive, che la vedono esperirsi, tra la penisola, la Germania, l’Austria, la Spagna e gli Stati Uniti. Attualmente, vive e lavora a Selvazzano Dentro, in provincia di Padova (Maria Marchese)

Una doppia mostra personale dedicata alle vincitrici dell’open call “Segnalibro d’Artista” ,  “GENERAZIONE A” di Ilaria Rosselli Del Turco e Chiara Smedile. La mostra, curata da Mariateresa Zagone e Roberta Guarnera, si terrà nei locali di FORO G gallery giorno 15 aprile dalle ore 18:00.

Sabato 15 aprile, presso la FORO G Gallery di Messina (Ganzirri), alle ore 18:00 avrà luogo l’opening della mostra GENERAZIONE A, bipersonale delle vincitrici dell’open Call “Segnalibro d’Artista” a cura di Mariateresa Zagone e Roberta Guarnera con testo critico di Mariateresa Zagone.

GENERAZIONE A è la mostra meno fortemente curatoriale proposta in questi due anni dalla FORO G Gallery in quanto frutto di una Open Call le cui due vincitrici, mai conosciutesi e appartenenti a differenti generazioni, hanno personalità diverse con altrettanto differenti approcci e linguaggi. Due artiste le cui produzioni sono intrecciate in sottili trame, tra oggetti di uso comune e fotografie d’archivio; due viaggiatrici cui se ne accompagna una terza che le tiene per mano, una bellissima titanide, un archetipo potente: Mnemosine.

Il filo conduttore è quello della memoria, elemento comune della ricerca di entrambe, intesa come guscio accogliente che preserva i valori fondamentali della vita individuale e collettiva, una funzione che si assolve con tutto l’essere. Possiamo raggruppare i lavori delle due artiste in questa macroarea ma, volendoli intelligere, potremmo individuare il leitmotiv di Ilaria Rosselli del Turco nel ricordo, nella memoria quello di Chiara Smedile. La prima artista, genovese di origini ma vivente a Londra, presenta una serie di mezzetinte in cui si dispiegano piccoli oggetti di uso comune; la seconda, comasca, un archivio fotografico della Messina bombardata durante la seconda Guerra mondiale in cui il filo ricuce e ricrea i frammenti di pietre e di intonaci.

La mostra sarà visitabile fino a sabato 29 aprile. ° Si prega di seguire on line gli orari di visita

L’ARTISTA NON SARÀ PRESENTE 

di Erminio Tilesi
A cura di Francesca Perti

Inaugurazione 6 aprile 2023
ore 18.30

Teatro Arciliuto
Piazza Montevecchio 5 – Roma

Fino al 4 giugno 2023

Il giorno 6 aprile 2023 la Takeawaygallery presenta al Teatro Arciliuto, storico teatro di Roma dal 1967, la mostra personale di Erminio Tilesi, L’Artista non sarà presente, a cura di Francesca Perti. 
La Takeawaygallery, dopo essersi occupata negli ultimi anni di fotografia e grandi installazioni, torna alla pittura con la prima mostra inedita di Erminio Tilesi, scomparso nel 2013. 

Tilesi nasce ad Amatrice nel 1929, si trasferisce giovanissimo a Roma dove diventa allievo di Duilio Cambellotti, artista che si accostò inizialmente all’Art Nouveau per poi avvicinarsi al futurismo.

Tilesi è un artista libero, di una libertà inaudita, tanto da decidere di non esporre mai le sue opere. La sua è un’arte nascosta, un’azione intima ma, nello stesso tempo, Tilesi si estende oltre, si proietta nel cosmo con suoi mezzi. Semplicemente sente, percepisce, conosce: affina la propria sensibilità, acuisce la conoscenza, perfeziona la tecnica. Nelle opere troviamo tutte le sue passioni: la musica, il canto, i paesaggi che ama e frequenta: Positano e le montagne del Trentino, le sedie, tante sedie, che alludono alla vita come solitudine, ma, nella particolare rappresentazione di Tilesi, lasciano anche immaginare il calore della presenza umana appena svanita. La sedia diventa così un mezzo agile e leggero per sostare sul terreno della memoria. Sedie che invitano a riposarsi per un momento, ascoltando le storie di quelli che si sono riposati prima di noi. E poi bande di musici, scorci di luoghi amati, carretti solitari, anziane donne di paese vestite di nero, un magico bazar di souvenir della biografia personale dell’artista, un incontro ravvicinato con la memoria, la storia, il mito e soprattutto con sé stesso. 

Tilesi si muove come un funambolo tra materia e leggerezza, tra il colore usato come una pasta densa, il colore violento dell’impressionismo nordico e la leggerezza dell’acquarello. Un colore che vuole comunicare per vibrazioni sinestetiche, per istinto e sensualità, là dove intelligenza e sensualità, cultura e istinto convivono. È un artista silenzioso Tilesi che oggi, grazie a sua nipote Paola Morano, torna a parlare. Racconta Morano: “quando poteva amava sostare in una piazza qualsiasi e osservare la gente che passava. La sua gioia era guardare, guardare e dipingere.” Tilesi ci intrappola in un mondo che è al tempo stesso giocoso e malinconico. L’istante che fissa sulla tela diventa denso, immobile ed eterno e lascia a noi il compito di immaginare ogni azione che potrebbe accadere, un futuro che è già un rimpianto.